Leo Raoni

É sob essa perspectiva que o novo romance de Analu Leite toca em pontos tão sensíveis. Grandes e pequenos acontecimentos que podem estar presentes na vida de qualquer um dão o tom da narrativa: luto, divórcio, dificuldades de relacionamento, pressão no trabalho. Às vezes, até as funções mais básicas, como dormir e acordar, tornam-se um desafio.

Marcela tem uma vida comum, entre as subidas e descidas da cidade de Salvador. Uma vida em camadas, como a de qualquer um de nós, repleta de acúmulo de atividades e sentimentos mal resolvidos — subprodutos da sociedade atual. Mas o chamado para inventariar os bens de um pai ausente e complexo é o gatilho que a joga de volta em suas memórias e a obriga a revisitar o passado, fazendo do processo de inventário o fio condutor que nos guia pela trajetória da protagonista.

A protagonista decide abraçar a tarefa que lhe foi confiada, contudo o estresse, a ansiedade e os compromissos mal administrados – misturados no caldo de uma mente instável – tendem a adoecê-la silenciosamente, levando ao abuso de medicamentos que apenas mascaram seus sintomas. A pergunta que resta é: o que é estar mentalmente saudável? Equilibrar os pratos que giram sobre nossas cabeças? Talvez. A resposta é única e individual, não há uma fórmula geral a ser oferecida.

Em A inventariante, acompanhamos uma trajetória que surpreende o leitor por refletir a nossa própria vida ordinária. Aquela sensação de que tudo está bagunçado e de que viver tornou-se um peso a ser carregado ganha forma no desenvolvimento do romance. A Marcela de Analu Leite vem nos lembrar da necessidade de percebermos nossos limites e de buscar ajuda nos primeiros sinais de alerta. Adoecer mentalmente não é sinônimo de fraqueza, e a ficção pode ser um excelente lembrete disto.

Adriana Moro

Escritora

“O peso dos dias de espera,

o ardor das horas de imaginação,

o áspero das vezes de insônia:

tudo escorre corpo idoso afora

quando as digitais dos seus lábios

marcam os recantos do meu nome

todo entregue para sua caça

aos meus arrepios todos em murmúrios”

Sussurros, murmúrios; quiçá: gemidos, grifos, acompanhados de espasmos voluntariosos, estão aqui para lá de sugeridos, mesmo em templos de tantas proibições, ódio e rancores com relação a sentimentos sentidos, ainda que somente pela imaginação, tão vital para o desejo, pelejante, a locupletá-la. porque não lhe faz jus nenhuma mesquinhez. Se há algo entre nós que realmente pode romper todos os limites é o pensamento. Por meio dele podemos possuir qualquer coisa e também nos tornamos possessos para além das convenções e aquém das margens: “serei, serei, serei leal contigo, quando eu cansar dos seus seixos lhe digo!”, diria o cantor popular!

Há muitas camadas a serem transpostas e transportadas pelas páginas presentes, entre a tez e o tesão em lê-las. Venham conosco nessa lida a desfilar com os rapazes que nelas estão, quando cada nome ou desnome sugere lascivos percursos delineados pelo poeta, de alegres a alegóricos. Queer+: não sei se o mundo é gay, mas sei que ele não cabe num armário. Assim sendo, não temos como não nos sentir parte do intento, atento a cada minúcia, buscando um todo pelas partes postas nem tão particularmente num labirinto de sensações, isentas de heterotoxidades, ainda que possa parecer a alguém aqui haver um certo lugar de falo, à maneira formal de uma cantiga de amigos:

“Ai eu, cativo, arreitado, idosado,
numa aula em forte dia o vi,
desde quando não me deito sem aspirar, eu
que vejo seu pau azeitar de porra o paulino anel:
em forte dia o vi barbudo
e cheio de porra para servir!”

Peita, por ora cheguemos de transbordamento!

Pedro Gazu

Por meio dos mistérios da vida, toda a vez que Tião sonha com a mãe, ele tem a certeza de que algo em sua vida mudará. Foi o que aconteceu quando foi enviado para o internato pela primeira vez, aos sete anos, e quando foi expulso dele, aos quatorze. Após o terceiro sonho, ele se envolve em um acidente e é falsamente acusado de assassinar um colega de escola. O pai, com receio da repressão política da ditadura militar brasileira e com medo dos próprios inimigos, o envia clandestinamente para a Europa. Tião então vaga pelas cidades da Itália até atravessar a fronteira e chegar a Paris no fim de março de 1968.

Na viagem de trem para a capital francesa, Tião conhece uma jovem franco-brasileira chamada Hélène, que o apresenta à vida cultural e intelectual parisiense. Entre muitos beijos, Tião faz pequenos serviços para sobreviver. No chão de uma fábrica, nos subúrbios da cidade, experimenta as dores do capitalismo. Na pia de lavar pratos do La Coupole, reconhece a solidariedade humana. Isto tudo enquanto testemunha o tecido da história europeia se transformar. A felicidade de Tião e Hélène dura até o jovem sonhar pela quarta e última vez com a mãe, e a revolta estudantil de maio de 1968 tomar conta das ruas de Paris.

Ancorada na ópera de rua sergipana conhecida como Guerra dos Lambe-Sujos e Caboclinhos, uma das mais importantes da América Latina, Matheus Batalha nos apresenta uma narrativa leve que entrelaça passado e presente, misturando o erudito e o popular aos anseios de futuro. Num mundo que ainda teima em não aprender com os  próprios equívocos, este romance nos oferece uma reflexão sobre memória, trauma, família, política e revoluções, somente para destacar que, no fundo, nenhuma saga se tornará vitoriosa sem o amor. Com bem diz Tião: “nada que se possa ter, vai te fazer feliz, se não souber amar”. Esta é uma lição ainda necessária para o mundo em que vivemos.

Cada conto abre uma janela para um apartamento, uma praça, um corredor de prédio ou um café anônimo. São cenários comuns em que são encenados sonhos adiados e epifanias discretas. Os personagens que habitam essas narrativas carregam desejos, frustrações, silêncios e pequenas revelações. Mesmo quando deixam a cena, continuam a existir nas margens de outras histórias, compondo uma cidade anônima, embora estranhamente familiar. É como se cada vida narrada fosse um fragmento de um mosaico maior, em que a solidão e o cansaço convivem com a busca insistente por sentido.

Bianca Nóbrega constrói sua cidade literária com delicadeza e intensidade, convidando o leitor a caminhar por ruas invisíveis e a reconhecer, nos gestos cotidianos de seus personagens, reflexos da própria vida contemporânea. Há, em cada conto, uma tensão entre o anonimato e a proximidade, entre o isolamento e a possibilidade de encontro. Essa ambiguidade dá ao livro uma força particular: nele, ninguém está realmente sozinho, ainda que todos se sintam assim.

Mais do que um conjunto de histórias, esta obra é um convite à reflexão sobre o que significa habitar uma cidade — seja ela concreta ou imaginada. Ao percorrer suas páginas, o leitor é levado a reconhecer que, por trás das fachadas e dos ruídos, há sempre vidas que se entrelaçam silenciosamente, compondo uma sinfonia de existências que, embora anônimas, são profundamente humanas. Bianca Nóbrega estreia com uma escrita sensível e envolvente, capaz de transformar o ordinário em extraordinário e de revelar, nas pequenas fissuras do cotidiano, a beleza e a dor de estar vivo.

Com um enredo repleto de reviravoltas e diálogos bem construídos, a narrativa transforma fazendas, florestas e cidades em extensões dos conflitos internos e externos de personagens complexos e cheios de contradições.

No centro da história estão os traumas familiares e a busca incansável pela redenção. Mas não só. Ao longo de pouco mais de duas décadas, Núncio redescobre feridas abertas, revisita as barbáries do passado e planeja sua vingança.

Pelo caminho que parece guiá-lo até Ybyrá — um lugarejo com mais armas que gente –, conhece um pouco mais do Brasil profundo e compreende que há mais infernos na cidade do que na carvoeira.

O ventríloquo de Ybyrá é um romance de formação sobre privação, desejos, violência e espaços pouco capazes de acolher o outro. Com uma escrita elegante e um trabalho que se baseia na psicanálise para construir personagens, João Paulo Vieira apresenta uma narrativa envolvente e existencialista sobre um Brasil desigual, autoritário e alheio à brutalidade.

Bruno Inácio

Jornalista e escritor

Pressinto uma sombra, a envolver-me. Ouço músicas…

espirais de som subindo aos subúrbios da alma.

Al Berto, Horto de incêndio (1997)

Música da noite, de Lucas Freitas, é um livro que nos convida a atravessar a escuridão: não apenas a que se aninha na noite paraibana, mas também aquela que habita a memória, a culpa e o medo. Em cada conto, o autor convoca figuras do imaginário para costurar histórias em que o sobrenatural age como continuação da vida cotidiana, ampliando seus conflitos e dores.

As páginas pulsam a partir de uma chave essencial: o som. Nada aqui acontece em silêncio. O lamento incessante de criaturas ancestrais, os passos que ecoam à meia-noite, o farfalhar das árvores que esconde decisões perversas, a batida na porta que marca um retorno inesperado, a gargalhada que pressagia a morte. São os ruídos os verdadeiros faróis das personagens, anunciando presenças ocultas e instaurando um clima de tensão profunda. As narrativas tornam-se, assim, verdadeiras composições sonoras, nas quais cada barulho é um prenúncio, cada silêncio é uma ameaça, e cada voz, humana ou não, molda os caminhos da leitura.

Sombrio, envolvente e bastante enraizado na cultura popular nordestina, Música da noite é um livro que transforma lendas em presença viva e a noite em território de revelações. Um conjunto de contos em que o medo se constrói tanto pela aparição fantástica quanto por aquilo que reverbera dentro das personagens (ou seria dentro de nós?) quando a escuridão se aproxima e começamos, inevitavelmente, a ouvir.

Valnikson Viana

Professor, escritor e mediador de leitura. Doutor em Letras pela Universidade Federal da Paraíba

Sandra Castiço

Cláudia Varejão

Um tipo de matéria capaz de deslocar a nossa percepção, atraindo-a para um corpo-centro, semente, tal qual acontece na poesia.

Ao ler os contos de estreia de Yann Maia, foi impossível não sentir um deslumbramento, uma melancolia…
um êxtase! A escrita, esculpida com refinamento, nos convida a adentrar pelos interstícios de narrativas que, apesar de curtas, parecem possuir mil camadas, mil véus (assim como os poemas!). Narrativas que se desembrulham, aos poucos, de si mesmas, nos levando a tocar o universo íntimo, tantas vezes ambíguo, de personagens humanas, tão humanas, que nos espelham em suas fragilidades, carências, afetos, solidão.
Alguns contos marcam pela urdidura delicada. E é nessa delicadeza que as personagens nos entregam a própria existência. É impossível não se emocionar com Alzira, matriarca de um cotidiano que, vagarosamente, a engole entre paredes, enquanto prega a Deus naquele ano de 1991. Ou com os irmãos do conto que dá título à obra, que nos fazem sentir a carne viva de tantas melancolias, memórias e desencontros.
Nestes contos, Yann nos apresenta um livro escrito sob a fina linha da sensibilidade tão bem combinada à lapidação das palavras, essa matéria às vezes fugidia, mas capaz de alcançar algo em nós, forma sublime de se contar o humano.

Taylane Cruz
escritora

Amanda Kristensen

Doutora em Letras e escritora.

A precisão no detalhamento de fatores que, para a maioria das pessoas, é difícil de pensar ou sentir, torna a Denise uma escritora extraordinária. A forma como conduz o mergulho nas profundezas da mente da personagem, em sua própria mente e, consequentemente, na do leitor, provoca uma espiral de emoções, sentimentos e lembranças do que nos é comum, tornando possível nos colocar como agentes, e não somente observadores do texto — mas sim uma Litost.

A experiência é incomodativa, instigante, real e ao mesmo tempo fictícia. Distante como a infância, e presente como as angústias do nosso tempo. Às vezes, vê-se Verônica, às vezes Denise; às vezes uma paciente, às vezes a loucura; mas, na maior parte delas, vê-se a realidade, o humano, o feio e o deplorável em essência, coisas pequenas que se amontoam no ventre e que nos unem ao redor desta obra.

Leia como leitor, mas leia também como escritor, como se estivesse enxergando o texto por cima do ombro da autora enquanto ela escreve, e tente conversar com ela. Isso é possível neste romance. Depois, escreva você mesmo nas páginas do caderno azul e perceba que Litost é um pouco de cada um de nós. Denise Veras

Valdimir Lima

Psicólogo

Isadora Machado

É com um olhar perscrutador e crítico que Jonattan Castelli nos apresenta essa fronteira, sem deixar de transparecer sua admiração pela riqueza cultural desse lugar. Forasteiro em terra própria, Jonattan demonstra lucidez ao abordar temas complexos como a sub-humanização dos indígenas e escravizados, o avanço do agronegócio, a pedofilia e, claro, o tráfico de drogas. Ao mesmo tempo, mostra toda sua sensibilidade ao dar uma voz genuína às suas personagens, por vezes lançando mão do vocabulário Guarani-Kaiowá e de narradores infantis que nos permitem vislumbrar o talento de sua escrita e de sua percepção aguçada desses dois mundos que se chocam nos limites da fronteira. Onde bala tem nome é um convite à reflexão social e a uma literatura brasileira corajosa e vibrante, não nos permitindo vislumbrar uma divisão clara entre o real e o imaginário.

Oz Iazdi

Professor de Economia da UEMS

A partir desse ato, Inês passa a conduzir a própria existência sob o signo da contenção, do pragmatismo e do desejo de ascensão. Carregando um segredo, foge de casa, sobrevive em trabalhos precários em Salvador e no Rio de Janeiro e se envolve com Tadeu, um homem sedutor e moralmente opaco, cuja influência molda sua relação com o poder.

Grávida e abandonada, segue para Brasília nos anos iniciais da capital. Ali constrói um novo caminho, forma uma família, cria dois filhos e ascende socialmente por meio de negócios cada vez mais ambíguos. Sua existência se entrelaça ao espírito de uma cidade erguida entre promessas de modernidade, oportunismo e aparência.

Augusto, o primogênito marginalizado, cresce marcado pela inadequação e pela rivalidade com o irmão. Conrado, o favorito, forma uma família com Cris, cuja vida de beleza e dinheiro aparentemente perfeita é devastada por sucessivas perdas gestacionais. Aos poucos, Cris se desloca para um território de luto, obsessão e delírio, criando rituais às margens do lago e atribuindo sentidos inquietantes a uma imagem de Nossa Senhora, que passa a ocupar um lugar central em sua mente.

O impulso de Inês quando criança de sacrificar o irmão em seu lugar não se limita ao passado. Esse momento funda um rastro que se infiltra por gerações e alcança os descendentes de Augusto e Conrado, reaparecendo como luto e compulsão. O acontecimento inicial se transforma, mas não desaparece.

Misturando realismo e elementos fantásticos, Impacto explora o efeito em cadeia de um único gesto e o modo como essa escolha perpassa o tempo, moldando afetos, relações e destinos. É um livro sobre o instante em que um corpo em queda encontra a água e sobre as ondas que seguem se espalhando depois do choque.

Leonardo D’Avila

Editor da Tétrade Edições e doutor em Literatura pela Universidade Federal de Santa Catarina.

Simone dos Reis

Maria João Cantinho

Com maestria e sensibilidade, Daniel da Rocha Leite engendra essa ausência-presença pela palavra poética. Regando e perscrutando os porões da memória, o narrador de A água das plantas traz à tona a sua infância e redescobre um tempo “entre nós”, tempo esculpido pela voz de sua mãe. Palavras maternas que o faziam ver o passado não vivido, o protegiam dos perigos quando menino e o impulsionavam a imaginar mundos fantásticos dos livros. Entre palavras e silêncios de sua mãe, o narrador é encorajado a um estar-no-mundo viajante, guardando em seu íntimo o ensinamento: “és o teu sonho”.

A exemplo da mãe, que erguia palavras como se erguem casas e cujas invenções repletas de ludicidade consertavam ora portas, ora medos, o narrador aprendeu a força das palavras. Uma experiência que, aproximando o leitor do pensamento de Walter Benjamin, fez o narrador compreender o mundo e a si mesmo através do encontro. A narradora-mãe planta no mundo e no filho um modo de olhar, um horizonte de possibilidades de ser. Assim, Daniel da Rocha Leite imprime, no âmbito da ficcionalidade, o tempo-vida que se tece e nos tece enquanto seres de linguagem.

Perante o desconhecido mistério do fim, consciente de que só a linguagem literária é capaz traduzir esse breve instante, o narrador de A água das plantas celebra o amor: a força que nos move. Por anos a fio, a mãe tocou a música da vida, um ritmo que não pode ser interrompido, pois “as plantas esperam”. O amor é, aqui, a força propulsora, viva e transformadora que sustenta, preenche, acolhe e nos constitui. O filho, então, plasma em sua narrativa a memória, inscrevendo a experiência do amor, eternizando-a. A frágil vida agora circula pelas águas da palavra do “livro sem fim” que somos, regando sonhos e semeando futuros.

Joana Marques Ribeiro

Doutora em Letras pela Universidade de São Paulo, professora e pesquisadora na área de Literatura Infantil e Juvenil. Coautora do livro Mediação de leitura: a literatura em jogo (2024).

Leonardo Almeida Filho

Escritor

Na vida adulta, ela sente se aproximar do “adultério de si mesma”. Todos os dias se tornam um recreio solitário, e Carolina vê seu passado ser assombrado por uma fatalidade do presente. Em uma narrativa que entrelaça primeira e terceira pessoas, as lembranças retrocedem e avançam no tempo. O leitor testemunha o desabrochar da maturidade de uma personagem que a todo momento permite o desaguar de seu inconsciente ao tentar reconstruir, caco a caco, as ruínas da sua subjetividade.

“Ela estava nesse buraco, em queda livre, desde quando caiu do útero.” Assim, com uma prosa guiada pelos sentidos, a autora coloca a unha em feridas que permeiam a tênue linha entre o belo e o trágico, o sangue e o gozo, o visceral e o poético que atravessam o corpo de mulheres do nosso tempo.

“Não sangrar em um mar de tubarões” é uma das poderosas metáforas sobre o luto nesta história extremamente fascinante, recheada de fotografias que capturam com sucesso o instante entre o sonho e a realidade. É também um livro sobre a loucura.

Ao acompanhar a força criadora de Nélida Campos vi que, ali naquelas noites, estava se forjando uma escritora de mão cheia. Cuidadosa com a escrita, Nélida tecia o fio condutor de seus contos com zelo, trazendo para nós o sabor do café coado no fim de uma tarde de outono.

Em O que falta é café, Nélida Campos entrelaça contos onde o café é muito mais que uma bebida: é personagem, cenário e testemunha silenciosa das vidas que cruzam seu caminho. Cada xícara servida é um portal para um universo particular, um fio que costura memórias, desejos e segredos.

Contos como “Incompleta” e “Café no singular” mostram a força criadora de uma autora em plena ebulição. A vida e o café se entrelaçam nas história mostrando como tudo pode se transforma em uma xícara de café.

Do calor abafante de João Pessoa aos recantos mais íntimos da alma, esses contos revelam como o ritual do café pode marcar um reencontro, acalantar uma saudade ou acender a centelha de uma nova paixão. São histórias de amores que esfriam e se reaquecem, de amizades que se fortalecem à mesa e de silêncios que falam mais alto que palavras, sempre com o café como pano de fundo.

Nélida nos presenteia com personagens que buscam refúgio, conexão ou simplesmente um momento de paz no aconchego de uma xícara quente. Atravessando gerações e estados de espírito, o café aparece como metáfora da própria vida, amarga, doce, forte e sempre transformadora.

Neste livro, descobrimos que cada xícara contém uma história. São segredos compartilhados, reconciliações feitas e portas que se abrem. Em cada conto, Nélida, habilmente navega entre o real e fantástico, conduzindo o leitor pelos mundos criados por ela.

O que falta é café é uma obra para saborear devagar, um convite a descobrir quanta vida cabe no tempo de coar um café e quantas histórias podem nascer no simples ato de compartilhá-lo.

Eduardo Augusto de Carvalho

Cientista Social e esposo

]]> https://editoraurutau.com/titulo/o-que-falta-e-cafe/feed 0 https://editoraurutau.com/titulo/quarto-branco-contos-psicoterapeuticos https://editoraurutau.com/titulo/quarto-branco-contos-psicoterapeuticos#respond Tue, 24 Mar 2026 12:37:45 +0000 https://editoraurutau.com/?post_type=product&p=29926 Prémio de Conto Manuel da Fonseca, em 2024.

Incursão pela ficção científica, é mais apropriadamente um experimento das possibilidades do absurdo do universo, espécie de tratado sobre o imponderável e o impossível ante o desconhecido. Relato da pequenez humana diante de forças que não compreende e que usam de nós, simples habitantes do planeta Terra, como meros peões, peças de sua vontade incognoscível.

Abduções, conversas, experimentos, contatos, homens e mulheres vivenciam as mais diversas situações, incapazes de entender sua participação nesse jogo elaborado pelas forças do Cosmos.

Romance de situações, o interesse de Arthur Marinho está em construir episódios, centrados, acima de tudo, na vontade de despertar a estranheza.

Neste livro você encontrará um reality show intergalático, um cantor boêmio viajante no tempo, Deus, fantasmas alienígenas, máquinas elaboradas, voyeurismo, Gilberto Freyre e o próprio autor. Etc. etc.

Laura Vasques de Sousa
escritora

Pronto, agora posso falar de Leo Pessoa e seus molhos lambões.

Este livro me fez voltar ao cotidiano de que sinto saudades todos os dias. Leo consegue convidar-nos todos a pertencer a uma baianidade pouco óbvia, e ele só consegue fazer textos como os deste livro porque transforma seus passos pela cidade numa escuta atenta a cada broto de cena que se insinua aos seus olhos. A escuta é uma forma de estar no mundo que pede ausência de pressa para existir. Por isso, sugiro que você se relacione com Molho lambão com a mesma calma, escutando a leitura como uma bela novidade sobre aquilo que talvez você já conheça. Uma das belezas da crônica é voltar a morar nesse lugar onde a vida se deixa olhar sem medo.

A Bahia é um lugar de se conhecer com o corpo inteiro. É um espaço de reaprender a dançar a reza, cantar o choro, escutar a gargalhada finalmente sair das vísceras, sentir o abraço regado a sorriso, transformar a indignação em ato coletivo. O texto de Leo faz jus a essa pluralidade emocional, e você vai se ver pensando com silêncios novos enquanto sorri de histórias inusitadas e até absurdas. Você vai percorrer o caminho destas páginas aprendendo a mesclar reverência e irreverência, cheiro e ritmo. É como se fôssemos convidados a ler um caderno de campo de um antropólogo generoso, que oferta sua alma ao compartilhar as miudezas e os sussurros que ninguém ouve. No fundo, eu sinto que Leo é aquela criança curiosa, que cresceu e não perdeu a curiosidade de ver através do buraco da fechadura para descobrir aquilo que está escondido, normalizado e que precisa voltar na forma de palavra bem dita.

Quando terminei a leitura, voltei às ruas que tenho percorrido, fazendo-me a pergunta: o que a pressa tem evitado que eu perceba, que eu reconte, que eu sinta como assombro ou poesia? Por isso, a honra de escrever este texto se soma à alegria de trazer agora molhos lambões nos olhos, na pele e nos ouvidos. Quero me lambuzar de mundo, mais uma vez, e isso eu devo hoje ao Leo Pessoa, esse cronista de se levar coração adentro.

Alexandre Coimbra Amaral
Psicólogo e escritor

Qual seria o preço do amor para uma mulher após os quarenta anos, mãe, independente e marcada por cicatrizes profundas? Essa pergunta ecoa nas páginas desse livro que é sobre desejo e autonomia, sobre amor e perda, sobre a difícil arte de uma mulher madura amar sem abrir mão de si mesma. Em Sob o céu do Cerrado, Natasha retorna à cidade natal, Jaraguá, Goiás, carregando nas costas os anos de um casamento desfeito, a maternidade de dois adolescentes, o trabalho como professora e uma vida organizada em meio a responsabilidades, cansaço e reconstrução emocional. É nesse retorno ao território, à memória e a si mesma que ela reencontra Rodrigo, o grande amor da juventude, aquele que partiu sem explicações e deixou marcas que o tempo não apagou.

Eles descobrem que há amores que não morrem; ficam guardados no escuro dos escombros do coração, à espera de uma fresta de luz para renascer. Mas esse reencontro, vinte anos depois, não acontece no campo idealizado do passado, e sim no terreno áspero da maturidade. Natasha não quer ser salva e Rodrigo precisa revisitar a própria ideia de masculinidade para aprender a compartilhar a vida.

Ambientada no interior de Goiás, a narrativa incorpora o ritmo, os costumes e a vida social do Cerrado: as reuniões familiares, os churrascos, a música sertaneja, a dança e as tradições que moldam os afetos e cotidianos. Nesse cenário, encontramos uma mulher viva que não cabe em estereótipos, que canta, dança, chora, ri e deseja. Que mata a dor dentro do peito todos os dias para sustentar a casa e os filhos de pé. Vemos também um homem que não é um herói e que trava uma batalha constante contra comportamentos tóxicos para se tornar um companheiro à altura dessa mulher que o instiga e inibe ao mesmo tempo. Juntos, eles se reconstroem, tijolo por tijolo.

Florença, a cidade exaltada como expoente máximo da arte renascentista e considerada uma das mais belas do mundo, também tem seu lado B. Ao longo dos séculos, não foram poucos os conflitos, crimes e desastres que tiveram como palco as suas ruas estreitas. A jornalista Valeria Adamo, protagonista deste livro, também descobrirá uma Florença muito distinta da imagem celestial eternizada nos filmes e guias de turismo.

O ano é 2011 e Valeria não está passando por um bom momento: aos 40 anos, com uma carreira estagnada e uma vida pessoal insatisfatória, já não sabe como reverter os dissabores em sua vida. Uma bolsa para estudar italiano por dois meses parece a oportunidade perfeita para fugir de si mesma, ainda que por um breve período. Assim, parte rumo à capital da Toscana com duas malas e um caminhão de expectativas. Está ansiosa para se reencontrar com a cidade que tanto a deslumbrou no passado e que, desde então, ficou gravada em sua memória afetiva.

A escola, os professores, o alojamento, os museus, a gastronomia, tudo parece um sonho. Mas o estado de encantamento dura poucos dias, pois logo Valeria se vê conectada a uma sequência de assassinatos enigmáticos cometidos por um psicopata obcecado por Dante Alighieri.

Erika Liporaci é uma grande admiradora do romance policial, gênero que neste livro mescla a outros temas de seu interesse, como arte, história, cinema e literatura.

Este livro, com fortes aromas da prosa de García Márquez, nos apresenta a questão curiosa da temporalidade. Isto se dá por meio da criação de um lugar intransponível, onde suas personagens conversam parecendo não se abater pelos ruí dos urbanos que tanto silenciam nosso espírito. O autor, que também me é um amigo caríssimo, parece sacar as pequenezas da existência e nos apontar que existe significado nos simples atos da vida. O que quero dizer é que se deitar sob uma árvore, comer uma fruta, cumprimentar o vizinho, em O santo, o paladino e as aventuras
de farras e panças é um ato filosófico spinoziano, uma prosa de total imanência em que tudo acontece no exato momento em que acontece. Corolário urobórico: o que acontece, acontece. Schleiden acerta “no nervo” ao nos apontar uma narrativa em que a simplicidade vale ouro e jamais existe atraso, estresse, compromissos encavalados e noites mal dormidas. A fantasia faz com que respiremos e esqueçamos que vivemos exaustos, correndo e dopados.
Me lembro de Theodor Adorno quando se perguntava se existiria poesia após Auschwitz. Depois da tragédia. Depois do progresso. Depois da terra arrasada. Depois do capitalismo tardio. Depois do fracasso do iluminismo. Não sei se há poesia após Auschwitz, nem narrativa possível. Mas, me recordo do poema de W. G. Sebald, em que ele diz que o legado a ser deixado para as gerações vindouras é que possamos aprender a dançar no escuro. Não aprendemos: seguimos chutando as canelas uns dos outros em silêncios incompreensíveis e gritos excludentes.
No mais, se, como nos ensina Roberto Bolaño, em um milênio não restará nada do que se produziu neste século, para nosso assombro e in diferença, penso que o texto de Schleiden é excelente companhia enquanto caminhamos em direção à obsolescência inescapável. Uma boa narrativa para se ter nos bolsos enquanto vemos o réquiem de uma terra malsã. O que quero dizer é que a vida é de um horror insondável e essa prosa nos leva a lembrar dos Buendía e suas jornadas obsoletas. Os borroanenses me lembram de como Aureliano Buendía ficou atônito ao conhecer o gelo e me fazem esquecer que tudo está marchando e voltando à esgarçada solidão cósmica, como diz Victor Heringer.
No mais, a máxima dessa produção pode ser resumida pela seguinte frase: Macondo é aqui!
Que a exemplo de lá, passemos a morrer de mortes mais bonitas do que as que já temos nas terras moribundas daqui.

Pedro Henrique Alberton Perússolo
Psicoterapeuta, supervisor clínico, escritor e tradutor

Giovana Madalosso

Inês compartilha com o leitor a dor da criança ao ver a avó maltratada. Quem pode amarrar uma avó? Quem tem coragem de quebrar o relógio de uma avó e destruir todos os seus objetos de vó? A explicação não cabe no coração da criança que só anos mais tarde, já adolescente, consegue elaborar em palavras o que houve naquele dia. Entramos no coração dessa menina que fala ao leitor do seu equilátero de amor: avó, avô e neta, laço inquebrável e que, graças às máquinas de datilografar, chega a mim e a ti, leitor. É dentro dessa atmosfera melancólica de um tempo de sombra e de gente silenciada, que o barulho das teclas das máquinas compõe a trilha sonora daquela ofensa engasgada. Talvez por isso a boneca de porcelana, com tudo que pode representar para uma criança, não tenha conseguido salvar Inês do seu instante de abismo.

Apesar da narrativa de dor pisada e amordaçada, essa história fala ao leitor sobre esperança, coragem e crença na potência da palavra.  Se o leitor prestar atenção à escrita elíptica do texto – recurso magnífico, diga-se de passagem, que o autor emprega com maestria – vai notar que ele mesmo é convidado a preencher certos silêncios de que a obra se compõe. Longe de pensarmos que um texto pode dizer absolutamente tudo, somos inevitavelmente convocados a sair de nosso silêncio de comportado leitor e preencher com nossas palavras os vazios das frases da narradora Inês, que cresce e amadurece diante de nossos olhos.

Flávia Menezes, professora, IFPA, Belém.

O texto, estranho de início, forte, apresenta uma técnica de narrar em camadas sobrepostas de sentido e de elementos narrativos.

No enredo, numa atmosfera de suspense, um narrador em primeira pessoa, molestado aos 12 anos de idade por um pedófilo, busca por este homem que era seu psicanalista na época e que abusava dele nas sessões de terapia.

A tensão que conduz a narrativa é movida pelo desejo do narrador de encontrar o pedófilo para denunciá-lo e se vingar dele — ou matá-lo, ou destruí-lo — ainda que quase duas décadas já tenham se passado desde o evento.

Uma escrita na antessala da escrita, não como defeito, mas como processo de quem se prepara para dizer, de quem ensaia para dizer, de quem, com esse discurso arrumado, arranjado, pré-pensado, espera livrar-se do confronto, espera convencer (o terapeuta) e se convencer de que, sim, apresentou-se como apresentável.

Apresentou-se como apresentável, por meio de uma fala qualquer coerente a ponto de livrar o paciente-narrador do terapeuta, da terapia e do trauma (e da própria escrita?).

Nada mais incômodo (em certo sentido) do que uma sessão de terapia. Nada mais incômodo (em certo sentido) do que escrever literatura, essa espécie de suicídio.

O trabalho de detetive do narrador, que procura o abusador criminoso, corre em paralelo ao do escritor que busca elaborar a experiência-limite, o sofrimento psíquico que carrega desde aquele episódio de infância, mas não sem julgamento moral (a vergonha, a culpa) do abuso e da própria condição de quem exerce clandestinamente sua sexualidade.

O mais interessante talvez seja o fato de que, desta escrita na antessala, tudo vai aos poucos virando sala e se revelando: o set terapêutico que se desdobra em quarto do jovem narrador na casa dos pais (onde ele recebe, escondido, homens para transas fugazes), que, por sua vez, se transforma na “sala” do “aplicativo de pegação” ou nas cabines de trepação entre homens anônimos, nos submundos do universo gay clandestino.

Marilene Felinto

Folha de S. Paulo

17/4/2021

Pádua Fernandes

Se você coleciona certezas, é uma pessoa cheia de convicções, deixo um conselho sincero: não leia Fabrício Barcelos. Este livro não é para você. Há o risco real de perder o fio da meada na roda de amigos ao perceber, de repente, que você já não acredita tanto assim naquilo que costumava dizer com segurança.

Se você não costuma prestar atenção nos semitons da alma humana, passe longe destas páginas. Aqui você vai esbarrar em sentimentos indefiníveis, desses que a gente só reconhece quando sente um amoramizade, essa mistura que deixa a vida mais saborosa do que uma louca paixão; um adeussaudade, o fim de uma relação que parecia necessário, mas deixa um enorme vazio; ou ainda aquele cuidadoloroso, a culposa dor que surge ao cuidar demais de alguém. Nada disso está escrito assim, com palavras grudadas umas às outras — o autor não é dado a neologismos —, mas o texto faz questão de deixar entender.

Se você é do tipo direto e objetivo, que sabe exatamente qual informação procura ao folhear um livro, pense duas vezes antes de ler estas crônicas. Há risco de labirintite. O autor provoca loopings emocionais e, sem perceber, você vai girar em torno de si mesmo como se lesse longas cartas pra ninguém.

E, ainda, se você não tem curiosidade de ir até o limite do que cada palavra consegue expressar, este livro também não é recomendável. Se verbos como farfalhar ou adjetivos como caudaloso não encontram espaço no seu vocabulário, desista antes mesmo de começar. Talvez você passe a ouvir a própria fala como quem descobre um idioma novo.

Agora, se você — como eu — é ou busca ser o oposto de tudo isso, vá com calma mesmo assim. Não mergulhe de cabeça. Você corre o risco de queimar o almoço, se atrasar para um compromisso ou ouvir de quem divide a vida com você: “Onde você está, que eu falo e você não presta atenção?”. Os textos de Fabrício Barcelos são deliciosamente viciantes, como doce de leite. A gente começa e não quer largar mais. E, quando percebe, já está envolvido demais para voltar atrás. Talvez esse seja o maior aviso — e também o melhor convite — que um texto de orelha pode fazer: siga adiante por sua conta e risco.

Edgar Gonçalves Jr.

A narrativa avança por fragmentos, pensamentos, gestos e pequenas cenas do cotidiano, compondo um romance que não se organiza pela linearidade, mas pelo tempo interior. Luciana observa o mundo a partir de pequenos gestos, objetos, cheiros e sensações, compondo uma percepção minuciosa que transforma o cotidiano em matéria de pensamento. São corpos observados, atravessados e vigiados, corpos que carregam marcas visíveis e invisíveis de discursos médicos e estéticos. Identidades em processo, nunca inteiras, nunca estáveis, que tentam se sustentar em meio a expectativas, normatizações e silêncios.

Ao longo do livro, desenvolve-se uma reflexão profunda sobre pertencimento e autonomia. O corpo de Luciana surge como território ocupado, mas também como espaço de resistência. O desejo, mesmo fragilizado, insiste. A subjetividade se constrói em meio a perdas e controles. Beatriz Leal Craveiro não julga, não explica em excesso, não hierarquiza experiências, preferindo acompanhar seus personagens em sua complexidade e contradição.

O espaço da internação psiquiátrica torna-se parte ativa da narrativa, revelando dinâmicas de vigilância, disciplina e cuidado que atravessam o corpo e a linguagem. Nesse ambiente regulado, a escrita emerge como gesto de sobrevivência e tentativa de reinscrição no mundo, lugar onde Luciana organiza o excesso de sentido, observa a si mesma e tensiona os limites entre sanidade, controle e desejo de existir.

A escrita de Craveiro compreende a complexidade da existência contemporânea, confia na inteligência sensível do leitor e se constrói a partir do corpo, das sensações e dos estados de percepção da personagem. A arquitetura do corpo colonizado contracena com a arquitetura do texto e, no jogo entre o corpo da personagem e o corpo do livro, a narrativa se ilumina.

Você, colônia constrói uma experiência narrativa de grande intensidade e consistência. É um romance que se afirma pela qualidade da escrita e pela forma como envolve o leitor desde as primeiras páginas, pedindo tempo, atenção e entrega.

Marcelo Maluf

No centro da história está um estúdio no coração de São Paulo, onde fotógrafo e modelo se encontram semanalmente. Ele é fixado por uma beleza que fere; ela tenta atravessar o abatimento, o luto amoroso, o esgotamento de si. O que começa como trabalho se transforma em um vínculo ambíguo, feito de poses, silêncios e choro contido. A lente ocupa o lugar da palavra quando esta falha. Cada sessão de fotos se torna um ritual em que arte, sofrimento e desejo se contaminam.

A narrativa percorre erotismos sutis, afetos truncados e a performance do corpo diante do olhar. Há vaidade, culpa, nudez — não como provocação gratuita, mas como exposição do que insiste em não se resolver. ETO investiga relações que não se organizam pela promessa de cuidado, mas pela manutenção da falta, pelo atrito, pelo adiamento.

São Paulo surge como cenário polissêmico: ruídos urbanos, estúdios fechados, intimidades comprimidas. O romance pergunta o que acontece quando alguém é visto de verdade — e quando passa a existir apenas como imagem. O fotógrafo dá testemunho da estética contemporânea do que é beleza, contornada pela dor. A mulher chora pelo amante, o registro é feito e a imagem se cristaliza.

ETO não oferece respostas fáceis. Convida o leitor a entrar no estúdio, aproximar-se da luz, assistir às poses e sustentar o desconforto. Um romance sobre o risco de se expor — e sobre o abismo luminoso entre ser imagem e ser pessoa.

Lara Barradas
escritora

Helena Franco Martins

Doutora em Linguística pela UFRJ, professora no Departamento de Letras da PUC-Rio

Ainda assim, O Fiasco é também sobre recomeços. Sobre a amizade inesperada com Pitchi Coachella, uma drag queen de alma barroca que, entre paetês e porradas sinceras, insiste em lembrar ao nosso protagonista que ser artista é, antes de tudo, um ato de resistência. É também nesse cenário que Fiasco encontra Triunfo, um sujeito de terno impecável, sorriso enigmático e nome improvável. A partir desse encontro insólito, o romance toma um rumo ainda mais inesperado: entre o grotesco e o sublime, o delírio e a redenção, Fiasco embarca numa jornada em que passado e presente colidem. Seria Triunfo uma chance real de recomeçar? Seria esse encontro o que faltava para Fiasco tomar coragem para “triunfar”?

Thaiane Machado constrói, com linguagem afiada e pungente, um romance que é, ao mesmo tempo, espelho e denúncia, riso e ruína. Com referências ao cenário literário, à história da arte, ao abandono cultural e à pulsante Salvador, a autora entrega um texto que conta a história de quem já perdeu tudo, inclusive a lucidez.

Uma narrativa sobre a crueldade do tempo, o desprezo do mercado editorial e a tragédia de quem ousou acreditar que a arte salvaria alguma coisa. Este livro é um convite ao desconforto. É para quem já fracassou e continuou, para quem conhece o gosto azedo da glória e do esquecimento.

As histórias são contadas em diferentes formatos, como relatos pessoais, fábulas reinventadas, cartas, poemas e paródias. Elas mostram como a vida acadêmica se mistura com imigração, trabalho, relações afetivas e crises cotidianas. A autora parte de sua própria trajetória em um recorte de quatro anos entre doutorado e pós-doutorado. O resultado não é uma narrativa de superação, mas um retrato ácido das contradições que existem nesse caminho. O fio condutor não é a busca de respostas, mas o gesto de escrever para tornar concreto. O ato de digitar palavras se torna companhia, e ao fazer isso, convida o leitor a reconhecer também as suas próprias histórias.

Os capítulos revelam que o prestígio convive com a precariedade, o reconhecimento público divide espaço com a solidão privada e a objetividade científica contrasta com as subjetividades do pesquisador. O humor aparece sempre em tensão com a crítica. Há capítulos em que a escrita raivosa torna-se autocuidado, outros em que burocracias se convertem em sátira, outros ainda em que uma simples placa na porta vira motivo de reflexão sobre identidade e pertencimento. O livro alterna momentos íntimos e políticos, confessionais e analíticos, sempre com a acidez de quem observa o próprio percurso sem filtros.

Cafés e Lattes é para quem está vivenciando a corrida acadêmica (seja você um estudante ou um professor) ou para quem quer compreender melhor alguém querido. Um mosaico que revela a vida por trás das produções científicas. Com franqueza, ironia e acidez, o livro mostra que essa experiência é feita tanto de conquistas quanto de contradições, e que contar essas histórias pode ser, por si só, um modo de resistir.

Alguns personagens podem cultivar empatia no leitor. Em outros podem provocar irritação. Mas todos, sem exceção, vão suscitar atenção. Não é fácil acordar todos os dias e descobrir, para genuíno espanto, que viver precisa de coragem. Infelizmente, coragem é qualidade muito deseja, mas pouco cultivada. É no medo que passamos muito tempo de nossa vida. É no medo que fingimos lutar.

Uma vida cabe num conto? É um questionamento válido. Assim como nunca seremos felizes plenamente todos os dias de nossa existência, também não o seremos para sempre tristes. Há pedaços felizes e há pedaços tristes. E, na soma de pedaços, podemos compor uma vida. E é somando contos que temos várias vidas. E elas estão dispostas aqui.

Dessa forma, os diversos tipos que terão suas vidas detalhadas por estas páginas poderão ser espelhos para muitos. De um simples enamoramento, um desejo de voar, uma experiência numa pista de dança, passando pela vontade infrutífera de ter filhos, estes tipos têm mais em comum com a vida real do que possamos imaginar.

Há de se ter compaixão por alguns, raiva por outros, mas indiferença jamais. Para se lançar na vida, e eles o fazem com bravura, é preciso ter coragem. E isso, felizmente, não falta a eles.

Aline Duarte

Assim Del Candeias refere as fontes de inspiração para este livro, que narra a difícil realidade de alguém que vivenciou a luta de sua mãe para lidar com uma intensa depressão crônica e, posteriormente, com os problemas do Alzheimer. Partindo de uma experiência real, o autor constrói um texto de alta intensidade emocional, no qual memória, linguagem e lucidez disputam espaço com o silêncio e o apagamento. Não se trata de um livro sobre as doenças em si, mas sobre a vida que se organiza ao redor dela — e sobre os danos invisíveis.

O texto explora com precisão os efeitos colaterais que não aparecem nas bulas: a solidão, a inversão de papéis, a culpa difusa, a necessidade precoce de endurecer. Nesse ambiente, o álcool aparece não como excesso, mas como estratégia de sobrevivência, um gesto compreensível dentro de uma lógica de abandono.

A escrita é marcada por sobriedade e contenção. Não há apelo ao sentimentalismo nem à redenção fácil. O autor aposta na clareza, no rigor da observação e numa linguagem que expõe sem dramatizar. Ao mesmo tempo, ele propõe uma reflexão profunda sobre herança psíquica, memória familiar e os limites entre responsabilidade e destino.

Esta é uma obra para quem se interessa por literatura de testemunho, por narrativas sobre saúde mental, dependência e relações familiares marcadas por assimetria e silêncio, mas ela se afirma também como obra literária em sentido pleno. Embora ancorada em fatos reais, ela se constrói com recursos do romance autobiográfico, colocados em jogo por um autor acostumado à composição ficcional. A memória não é tratada como arquivo fiel, mas como matéria estética, sujeita a cortes, elipses e rearranjos. Assim, o livro pode ser lido tanto como relato de uma experiência extrema quanto como uma obra de ficção literária, em que a vida, filtrada pela escrita, alcança complexidade, ambiguidade e permanência.

Estamos perante uma narrativa que nos pega pela escritura — corrente, sem invenções meramente retóricas, limpa e, ao mesmo tempo, sedutora. Por si só, a linguagem se impõe, revelando uma autora que não é nova no ramo: tem a maturidade, o conhecimento e a sensibilidade necessárias para realizar literatura de alto voo.
Mas um livro não se faz apenas com estilo, e sim com personagens e uma história convincente num espaço compreensível para o leitor.
Aqui, prepondera um universo sociocultural que não é de todo estranho aos brasileiros: o carnaval, o samba, o morro, a traficância e o crime. Tema difícil para ficcionalizar sem cair nos clichês do gênero; mas, aqui, temos duas personagens consistentes, Patrick e Jandira, que estabelecem um contraponto de tensões que se avolumam, levando a um final arrasador. Gosto muito de Confete usado. A partir desse conotativo título, você, leitor, acompanhará momentos de humor, raiva, amor e soluções originais para os conflitos que disso decorrem.
Boa leitura!

Luiz Antonio de Assis Brasil

Freda Paranhos

Em Beber histórias como se fossem café, Laís Nunes convoca o leitor a participar de uma partilha ancestral implicada em escutar, lembrar, guardar e transmitir. Suas narrativas caminham por quintais de terra batida, varandas de madeira, festas de agosto, árvores antigas e rios encantados. Aqui, o forno de barro devolve calor à casa, o sino da capela convoca os mortos à reza, o trem da saudade insiste em passar por trilhos já cobertos de mato. São histórias que parecem brotar da própria terra, carregadas de pólen, cinza, vento e reza.

Ler estas páginas é como ouvir o murmúrio de uma ladainha antiga, já que, mais do que compreender, sente-se que algo nos atravessa. A autora escreve como quem tece, entrelaçando o visível e o invisível, o vivido e o sonhado, o humano e o encantado. Cada conto abre um portalzinho: seja para a infância que ainda mora no cheiro do pão de queijo, para a memória das lavadeiras que lavam o tempo, seja para a quaresmeira que resiste como altar de flor e silêncio.

Há, no coração deste livro, uma certeza que as histórias confirmam a cada página: “o sagrado mora onde o povo não esquece”.

E é por isso que, neste livro singelo, há um compromisso de gosto mineiro com a prosa. A conversa nasce simples, parece despretensiosa, mas é tecida com firmeza e delicadeza. Quem é de Minas Gerais reconhece esse tom como coisa de casa; quem não é, se encanta ao se ver, de repente, dentro de uma conversa contra o esquecimento, contra a pressa, contra o empobrecimento da imaginação. Em cada narrativa, Laís devolve dignidade às pequenas coisas, da reza sussurrada ao tacho de doce que cura saudades. E nos lembra de que nada é banal quando se olha de perto.

Felipe Moratori

Escritor, dramaturgo e professor de teatro

Ozias Filho
escritor, fotógrafo, editor

 A escrita feminina perfurante, direta e sensível de Por si só não é apenas disruptiva, mas traça rotas de cumplicidade com suas leitoras e leitores. Bianca nos conduz por narrativas intensas que se movem entre memórias, afetos e dores. Os contos nos levam a atravessar um vitral indiscreto, expondo zonas íntimas da vida cotidiana até então vedadas ao olhar comum. Suas primeiras palavras suaves, pueris, inocentes aturdem quando se encontram com os golpes inesperados do abuso sexual infantil, do delírio, da inadequação, da equivocidade dos amores vividos e das distorções de realidade.

As redomas que se apresentam neste livro – todas feitas de vidro – , seja para a proteção ou para a denúncia de suas personagens, erguem-se já trincadas e frágeis. São paredes de vidro que funcionam como um terceiro cenário entre a autora e seus leitores. A cada visada por entre as trincas deste invólucro vítreo, vemos o caráter vertiginoso e desconcertante da realidade. De um jogo de luzes e sombras de uma primorosa tessitura literária, deste livro não deixam portanto de brotar imagens carregadas de um lirismo transfigurador, revelando silêncios abafados e emoções que resistem mesmo quando ameaçam se estilhaçar.

Cada conto pode ser aqui lido como uma pequena redoma de vidro em que se abriga uma experiência intensa, guardada em segredo, até o momento em que o vidro se estilhaça e começamos a suspeitar do que realmente vemos.

Por si só anuncia assim a escrita de Bianca Parron como parte de uma nova geração de escritoras brasileiras que se arriscam a narrar o que muitas mulheres não conseguem ou não podem falar. Assim como outras vozes emergentes da literatura contemporânea brasileira, a autora paranaense traz com esta obra inicial a afirmação de uma potência literária capaz de tocar quem se dispõe a atravessar as redomas que envolvem as nossas histórias malditas.

Profa. Dra. Regiane Collares

Departamento de Filosofia da Universidade Federal do Cariri

Lionel Leal

Miguel vê-se num triângulo amoroso quando se interessa por Pablo, que está com Caio. Embora o namoro seja aberto, surgem questionamentos sobre os limites deste formato de relação: pode haver envolvimento sentimental? O que se pode, ou não, revelar ao namorado nessas circunstâncias? Qual status carrega quem está com alguém que vive um relacionamento que não é fechado?

No livro que você agora tem em mãos, somos colocados diante de três jovens sensíveis, talentosos e dotados de corações esperançosos — apesar de a situação político-econômica do país não colaborar; a história se passa por volta de 2022 — que estão tentando navegar as águas nem sempre calmas do amor livre. Os personagens, extremamente cativantes, nos convidam a experimentar o balanço desse mar com todas as suas consequências, seja a delícia de furar uma onda, seja o ardido no nariz depois de um belo caldo.

O título parece ecoar Annie Ernaux, que, em Paixão simples, relata a experiência de quase loucura de apaixonar-se perdidamente por alguém. A autora, enamorada de um homem casado — rompendo, portanto, com convenções sociais — diz, em determinado momento, que, nesta relação, “tudo se resumia a uma falta infinita, exceto o momento em que estávamos juntos fazendo amor”.

Essa falta infinita, tão própria do desejo, aparece em diversos momentos de Amor simples, como, por exemplo, nos e-mails trocados entre Pablo e Miguel, em que comentam a respeito do compilado de escritos deste último, bem como dos sentimentos que nutrem um pelo outro — uma das cartas eletrônicas termina com o trecho de uma canção que pergunta “será que você ainda pensa em mim?”.

Marino, como Ernaux, acolhe, com humor, graça e delicadeza, a transgressão para falar de amor. O texto corre pelos olhos de forma suave e deliciosa. Ao final, sentimos vontade de sentar em uma mesa de bar com Miguel, Pablo e Caio para tomar um litrão e contar-lhes das vezes em que também mandamos os versos de “Quase um segundo” — tão vivos e fundos na voz de Cazuza — para pessoas por quem já fomos terrivelmente apaixonados.

Andressa Arce

Escritora e defensora pública federal. Autora do romance No dia em que não fui (Patuá) e do livro de poemas Arcada (Hámor).

Freitag opera com a precisão de um cirurgião-poeta, dissecando corpos abandonados em quartos de pensão, gestos que morreram na soleira da porta, objetos que se tornaram santuários. Uma escova de dentes guarda toda a história de um casal. Um bilhete queimado revela mais do que as palavras que resistiram ao fogo — mostra o que ardeu por dentro.

Os personagens deste livro são sobreviventes do próprio colapso:

Um homem que chora lágrimas salgadas para alimentar seu filho de gelo

Uma marionete que acorda e cospe verdades na cara de quem a salvou

Um urubu pousado no sino da igreja, mais divino que o próprio padre

A linguagem é facão e seda: corta, mas o corte vem envolto em beleza. Freitag escreve sobre a podridão com a delicadeza de quem arranca uma bandagem de uma ferida — dói, mas é necessário.

Com amor, o que sobrou é para quem:

Sabe que objetos guardam fantasmas

Já se encontrou cheirando uma camisa esquecida

Entende que o amor verdadeiro às vezes parece um crime

Reconhece a poesia num copo trincado, numa escova de cabelo com fios presos

Este livro não será lido — será experienciado como um luto, um êxtase, um soco no estômago que deixa o leitor sem ar, mas pedindo por mais.

Fernando Bueno

Já a vida errada é quase sempre esta que o sol escancara dia a dia; esta que queima nosso sonho de criança de ser atriz e onde insistem em nos fotografar espontâneos, capturando as assimetrias de nossos rostos, que acabam com a imagem perfeita que havíamos feito de nós.

Aninha parece intuir que a vida certa não existe. Ainda assim, ela vai em busca de uma que pareça menos errada.

Ainda bem. Afinal, não é porque a realidade se impõe com tanta nitidez que a gente deixa de desejar aquela versão que poderia ter sido e que nos espreita pela porta.

Fernanda Schmachtenberg

É uma cidade de homens que nadam e que morrem. As mulheres morrem velhas, doentes e cansadas. Elas cuidam dos corpos familiares. O rio as afoga repentinamente. É uma república de garotos.

O rio se move e você pode chamar seu movimento de ação, sua escrita na terra, seu ataque à terra, sua escrita. Sua ação é sua escrita e sua observação do mundo, dos rostos que envelhecem, das barbas grisalhas que se tornam pó, o pó que se torna uma pilha de ossos, e ele não se importa se tudo mudou ou se tudo permanece, ou melhor, não é que ele não se importe, é que até ele morrer outras coisas continuarão acontecendo, o ataque persiste, o rio será todos os rios, e as cidades à sua volta serão uma dádiva do Nilo, ele trará o húmus com suas cheias periódicas, ele trará o Crescente Fértil, será o Tigre e o Eufrates, o Amarelo e o Tâmisa, o Capibaribe e o Ipiranga, o Amazonas e o Pinheiros, será o Guaíba e o Rio Vermelho, escorrem por ele a morte e a vida, a violência e a paz.

É o começo e é o fim do mundo a cada instante, o silêncio e o barulho, a ação que rasura a criação e a destruição. Sua pedagogia ininterrupta. (…)

Do conto “Rio Largo”

]]> https://editoraurutau.com/titulo/rio-largo/feed 0 https://editoraurutau.com/titulo/quando-entrar-setembro-2 https://editoraurutau.com/titulo/quando-entrar-setembro-2#respond Sat, 22 Nov 2025 15:11:59 +0000 https://editoraurutau.com/?post_type=product&p=28011 Daquela caixa não emerge um diário, mas uma cidade, uma cidade em seu tempo, com suas pessoas e ruas, suas horas — as minhas preferidas sempre foram as da tardinha — e nela nada se modificou, foi congelado, da mesma forma que o rosto das namoradas que nunca mais vimos, e que nos recusamos a reconhecer se por acaso as encontramos. Ela, a cidade, cabe naquelas páginas, por isso é melhor deixar como está, para não ter o risco de saber que as pessoas e ruas se transformaram ou, pior, deixaram de existir.

Luiz Pimentel

escritor e doutor em Educação pela USP

João Anzanello Carrascoza

Corpo presente é obra de quem domina este gênero difícil, o conto. O escritor argentino César Aira o coloca ao lado da poesia como aquele em que não se permite errar. Um conterrâneo célebre do Aira disse que o conto deve derrubar o leitor. Diego Gianni não desmente os hermanos e vai além. O curitibano consegue diversificar tons, narrativas, estilos, sem perder a mão, exibindo algo raro, que lembra os melhores contistas contemporâneos, como Sérgio Sant’Anna. Há histórias que tangenciam a crônica, como “Coppola”, “Bracatinga”, e outras em que experiências reais e cotidianas são assombradas por narradores desapiedados. E é notável como essa diversidade não se dispersa, ao contrário, se adensa em torno de um clima duro em que os corpos presentes são devorados pelo tempo (um serial killer, segundo um narrador), a morte e, quase sempre, com muita crueldade. Respira. Há alguns momentos em que o tom suaviza. Narrativas nas quais personagens próximas do narrador/autor protagonizam as histórias com algum lirismo, boas lembranças, mas sem perder a dureza.

Esse feito pode ser explicado pela capivara do Diego Gianni. Ele é jornalista de formação, escritor e roteirista de profissão, o que lhe dá o sentimento de conjunto. Narrativas com diferentes focos e vozes, contos dialogados à Luís Fernando Veríssimo, passagens do Machado fantástico, paródias de diferentes discursos à solta neste nosso país estranhíssimo, não tiram o foco da obra, uma luz forte e crua sobre nossos corpos dissolutos.

Eugênio Vinci de Moraes

doutor em literatura brasileira (USP), professor e autor de Rua: crônicas de reclusão e reencontro (Cambalache, 2023)

Aqui encontramos histórias que instigam a curiosidade desde a primeira linha, construindo mundos tão vívidos e detalhados que o leitor se vê imerso em uma experiência quase sensorial de uma narrativa que inspira pela riqueza de suas informações, precisão de seus detalhes e grandiosidade de suas proposições, deixando-nos literalmente sem fôlego diante da forma com que cada elemento se entrelaça.

Em O Espelho das Almas e outros contos, redescobrimos o prazer de uma narrativa que não teme a complexidade e que celebra a riqueza da língua portuguesa em uma história bem contada.

Um livro feito para quem gosta de sonhar acordado.

Gabriela Bastos

jornalista

O título é um convite a desacelerar o ritmo frenético das nossas rotinas; com a afirmação de que as flores não crescem rápido, mas sim, de-va-gar. Além da serenidade envolta nos contos, Antonio aborda eventos brutos e dolorosos de maneira singular; através de duplos movimentos de violência e delicadeza, fantasia e vivência etc.

O primeiro conto, “Cortejo fúnebre”, e o segundo conto, “O homem que morreu amanhã”, se encontram na brutalidade e fragilidade do ato laboral. Antonio nos mostra que trabalhar é morrer. Assim como a morte, a realidade e a fantasia estão presentes em todos os contos do livro. Em um constante balanço da realidade concreta e ficções palpáveis.

No terceiro conto, “A varanda dos gatos”, a barbaridade com a qual nos acostumamos a vivenciar é exposta na indiferença e inércia das personagens. O sentimento muda no quarto conto, “Meu sapato, nosso guarda-chuva”. A beleza, o cuidado e a ternura são amplificados e convertidos no amor de mãe.

A violência e burocracia voltam no penúltimo conto, “A instituição”.  Colocadas lado a lado e de forma serena, aborda o problema latente em um dos pilares de qualquer sociedade democrática.

Finalizando de forma florescente, Antonio retoma o sentimento de amorosidade e afeto no último conto, “Todos os dias, caio de amores”. Através da relação das personagens, a emoção e sentimentalidade são colocados em seu nível máximo de apreciação, deixando que a esperança da brandura reduza a dureza do dia a dia.

Estes contos realçam episódios genéricos, transformando-os em sensações e reflexões pertinentes na atualidade; como a dor, a perda, o interesse, o carinho, o rito e o desejo. Antonio observa os pequenos detalhes efêmeros e os ilumina de forma única.

Bianca Cruz

Flávia Vieira dos Santos

Doutora em Estudos de Literatura pela Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro (puc-Rio), docente de Letras da mesma universidade.

José é o protagonista de uma travessia emocionante, trilhada em direção ao direito de viver e ser feliz. Ele é também o irmão de Josélia, a “garotinha que não queria filhos por medo de morrer partida ao meio”, temor que se origina no inconsciente, na intuição de que, durante um nascimento, algo se parte, na premonição de que, para muitas mães, o início pode — não raro — significar o fim. E leva Zelinha a perguntar: “O que é morrer de parto, Zé? […] Ela partiu no meio e só sobrou o bebê dentro dela?”

Responder a essa indagação infantil é somente um dos desafios no percurso de José, que, na “terra dos Farinhas” ou fora dela, tem sua existência polvilhada de reviravoltas e todas lhe exigem coragem.

O texto do romance nas mãos de quem o lê é o relato sobre uma família despedaçada e os seus remendos a costurar um todo “ligado não apenas pelos laços de sangue, mas, sobretudo, unido pelo amor […]”. Um enredo comovente, marcado pela honestidade das personagens que o perpassam, pela crueza do sofrimento a elas imposto, pela violência de um pai e pela brutalidade das cruzes de “Ja, Je, Ji e Ju, porque ela era a Jo”, a única sobrevivente da punição pelo crime de ter nascido mulher.

Principalmente, é a saga enfrentada por aqueles que amam e dão lições de perdão e de generosidade: “Minha filha, sabe por que eu deixei o Zé ir sem fazer escândalo? Porque entendi que assim seríamos só dois a sofrer. Antes éramos quatro. Eu, que amava ele sabendo que ele amava a Gabi. O marido da Gabi, que amava ela sabendo que ela amava o José. E o José e a Gabi, que se amavam e não estavam juntos. Eu deixei seu avô partir porque ninguém é dono de ninguém. Depois que eu entendi isso, ficamos só dois infelizes.”

Nos encontros e desencontros com que a autora tece a trama, somos conduzidos por uma voz narrativa em reconhecimento de sua identidade mediante a revelação do passado. Seguimos adiante, nas viradas de página, para descobrir o antes e perceber que “o pior de se ficar velho não era olhar para frente e ver que se tinha pouco tempo de vida, mas sim olhar para trás e ver que não se tinha vivido”.

Em Guaxupé, Erica Terra escreve com o pulso firme dos que têm muito a dizer. Faz isso com precisão, movida à sensibilidade de quem respeita as dores alheias — e as próprias —, acolhendo os dramas humanos. E vai além. Conta esta história não só por ela, mas por todos nós.

Marília Lovatel

Essas são as perguntas que movem o jovem Henry Illiteratti, numa espécie de “mise en abîme”.  Em um misto de romance e ensaio filosófico, acompanhamos as perambulações de Illiteratti em meio a um mundo deixado em destroços, o lançamento de seu próprio livro não escrito, bem como as consequências desse lançamento em um tempo que perdeu a razão.

Na primeira parte, Santuário em ruínas, acompanhamos a narração acerca de Illiteratti em sua tentativa de entender o mundo, refigurar o tempo e vencer o cinismo, até o momento do lançamento de seu livro dentro do livro.

A segunda parte, O livro não escrito, publicado por Illiteratti dentro da narrativa, acompanha a jornada de duas histórias paralelas, a de Nathanael e de Halland, um universitário desiludido e um artista desesperançado, reflexos de uma geração que sente haver desencontrado seu rumo.

Por fim, a terceira parte, A tessitura do Tempo, novamente narrada, demonstra a resolução de Henry em seu propósito de escrever, tarefa que o acompanha desde sempre e que a resolve para até o final da vida, em sua jornada para recosturar o próprio tempo fragmentado em que vive, para poder entrever a luz do renascimento de um novo tempo fabulado, e vislumbrar alguma esperança ou caminho na descrição de uma geração que talvez não esteja sumamente perdida.

Das centenas de milhares de gentes solitárias que habitam _________, este livro nos coloca dentro da cabeça, dos pensamentos, de uma delas. Cabeça que está do lado mais interessante da cidade, o lado dos desvalidos, dos que batalham sem perder a ternura jamais. Farelo encontra a cidade em seu momento mais vulnerável, quem diria, a cidade que já era doente, adoeceu. As ruas esvaziaram, o pânico se instalou, a economia se abalou e o setor cultural, já tão cansado, tombou de vez. E seus trabalhadores zanzaram sem rumo. Atordoados.

Fabrício é esse cara andando de casa em casa comendo os farelos vivendo de favores desafiando a cidade descortinando vidas em bares sujos ruas mal iluminadas puteiros obscuros sem grana nos bolsos com o estômago doendo ladeado por seus pares os marginalizados.

Note que em todo esse parágrafo acima dispensei o uso da vírgula pois essa vida não acontece com vírgula nem com pontos nem com qualquer sinal que nos conceda o benefício da tranquilidade.

Em Farelo, o que é ponto de eterno retorno acaba por se transformar em uma estética. A estética da fome. Fabrício escreve com o estômago colado às costas, ouvindo os ruídos animalescos do seu corpo, com os olhos esbugalhados e respiração ofegante. E é exatamente esse estado o que torna tudo mais interessante, mas estar atento aos pequenos detalhes dessa cidade faz uma puta diferença. Olhar nos olhos das pessoas, tão fora de uso por aqui, faz a cabeça de qualquer escritor preencher as lacunas que faltam para desvelar aquela pessoa, a cidade, a vida. Fabrício saliva, amola os dentes e tem uma arma poderosa, a caneta sem tampa e um caderno velho e sujo.

Não se trata de um flâneur, Fabrício não tem esse tempo, ele não passeia pela cidade, ele dorme em bancos de terminais, caminha a noite inteira esperando o amanhecer e com o charme característico dos bons malandros consegue acolhimento nas casas dos muitos amigos que conseguiu fazer, o que é mais uma vitória. Com os devidos exageros, Fabrício é uma espécie de Baudelaire dos miseráveis. Mas não pense que Farelo seja mera ilustração da vida que não se mostra, este livro é também inquisidor. Leia e verá surgir assim que fechar o livro a pergunta imperativa: E aí, mermão, qual é a sua?

Adriano Barroso

ator e escritor (Eras de ti, Ato/Paixão segundo o Gruta)

Lenílson Ferreira
Psicanalista e escritor.

Caros futuros leitores,

há boatos que apontam para a morte da crônica (o jazz, ora ouçam, também está em bocas de matildes). O coração, sabe… Cronistas são sensíveis e muitas vezes irritadiços: reagem com velocidade jornalística aos fatos e, mormente, travam com a memória batalhas melancólicas e perenes — ninguém se dá por vencido. Neste livro, aqui mesmo, o tema será explorado.

Porém, tal rumor jamais será confirmado. Como sei? Simples: a literatura brasileira conta com um desfibrilador. Ao menor sinal de arritmia, paralisia ou palpitação (palpitações e crônicas andam sempre de mãos dadas), um choque de mais ou menos uma lauda revive o gênero. E esse desfibrilador tem nome. Atende por Ataíde Menezes e, folgo em saber, é meu fraterno amigo.

A última revelação do parágrafo anterior antecede minha inveja para consigo: antecipo uma epifania de sua parte ao trilhar as páginas. Sabe o olhar do viajante quando se encanta pela paisagem inédita? É! Sabe o frio na barriga do primeiro beijo? É, também. Saltando desta humilde orelha para o miolo do livro, posso até ver aqui de longe, no tempo e no espaço, nascerem centenas de sorrisos em sua face.

Sim, Ataíde, o Desfibrilador. E de onde vem a energia destes choques? Primeiro, na consistente erudição do escritor, trazida para a crônica por fios de oralidade e cultura popular. Se numa linha é citado Machado de Assis, Adam Smith, Pitágoras ou os Irmãos Grimm, logo adiante há alusões ao futebol, personagens mundanos e divertidos, e fábulas surpreendentes. No eletrodo, o constante toque com a intertextualidade garante novos significados aos pulos. E o coração da crônica volta a pulsar outra vez. Cada vez melhor.

Recomendo vividamente duvidar da morte da crônica, assim como devorar Três perus metafísicos e outras crônicas, de Ataíde Menezes. Até velhos cronistas como eu revivem o pulsar acelerado do primeiro beijo quando esses textos tocam o coração.

Rubem Penz

As personagens marcam presença com seus nomes próprios. Aos poucos, desvelam-se, mostrando a verdadeira face. Mariana nos guia por entre os contos revelando histórias que oscilam entre a delicadeza — muitas vezes, aparente — e a violência, que nos suspende a respiração.

Um universo violento e intolerante arquitetado com maestria pela escrita de Mariana Bittencourt Moraes em que os detalhes, sutis, às vezes, escancaram uma realidade em chamas que se quer calar, que a cidade cotidiana encobre sob um alvo véu de pureza. Assim, nesta babilônia, o patriarcado, e todas as suas investidas, se espraia como praga sistêmica na vida de Ana, Gilberto, Janaína, Luísa, Tânia, Barbie, entre tantos outros.

Os contos de Londrina Babilônia em chamas são marcados por uma escrita fluida, que nos captura logo nas primeiras páginas. Para escrever sobre a dor da violência — física, psicológica ou emocional —, sobre o amor, sobre as neuroses, sobre os horrores, sobre os mistérios que pairam na cidade, Mariana também se apropria do humor, elegante e sutil, por vezes, cínico, que nos provoca um sorriso de canto de boca.

Na construção da narrativa, destaca-se o ritmo que os diálogos, bem-construídos e pertinentes, imprimem ao texto. Muito evidente, por exemplo, no conto intitulado “Ana e Luísa”, em que a tensão mediante um provável ato de violência, que aparentemente não acontece, é marcada pelos diálogos rápidos.

Entre o sadismo e o amor, entre o medo e o afago, entre o bizarro e o que se supõe uma normalidade imposta por uma sociedade da aparência, surge, enfim, uma “dama do fogo”, com o singelo nome de Barbie, que nos surpreende e liberta num ato final. Assim, é inevitável ouvir, lá do fundo do inconsciente, uma antiga balada de rock and roll nos acalentando enquanto lemos o livro.

Karen Debértolis

O texto trata da trajetória das mulheres reunidas no grupo, que busca o empoderamento por meio da troca, ao longo de oito encontros.

O leitor vai se deliciar com as músicas que compõem a playlist que toca para embalar as conversas, a partir do segundo encontro. Há de tudo ali, de ‘Beautiful’, da Christina Aguilera, até ‘Você não manda em mim’, com Maiara e Maraisa e Marília Mendonça. Além da trilha sonora, chamam a atenção as características das personagens, cuja construção revela conhecimento acerca de um significativo conjunto de obras da dramaturgia, televisão e/ou ficção, consulta a registros históricos e apurado senso de criatividade. A inventividade na criação da personalidade das personagens, das parcerias, bem como do desfecho, é um dos pontos altos da narrativa.

Marcella não é de poucas palavras, a exemplo do título deste livro Grupo de apoio para mulheres que trabalham da dramaturgia, televisão e/ou ficção: uma novela ou de sua obra de estreia Contos de amor, desamor, drama e tragédia no Rio de Janeiro, publicada pela Editora Urutau, em 2024. Embora a novela seja relativamente curta para esse gênero literário, a objeção ao patriarcado é longa, pano de fundo que na história se evidencia pelos traumas causados pelos criadores, autores, biógrafos e colegas de profissão das personagens.”

Do posfácio de Fabiana Grieco

“A mulher tem na face dois brilhantes/ Condutores fiéis do seu destino/ Quem não ama o sorriso feminino/ Desconhece a poesia de Cervantes”. Nos belos versos de uma de suas músicas mais emblemáticas, Zé Ramalho professa sobre as consequências poéticas para aqueles que (por descuido ou por intuito) não ousam mergulhar nas águas da natureza feminina.

Em O ventre da Medusa, livro de contos vencedor do Prêmio da União Brasileira de Escritores 2024, Denise Veras entrega ao leitor um verdadeiro “cardápio” de facetas da mulher (e das cobras, claro). De “Santa profana” à “Porta amarela”, a autora piauiense apresenta, em um livro onde nada sobra e nada falta, um leque de opções de entradas e saídas desse labirinto indecifrável, à semelhança dos desvarios quixotescos, que é a essência da mulher.

Medusa, uma figura da mitologia grega, era uma das chamadas três Górgonas; quem quer que olhasse diretamente para ela seria transformado em pedra. Como se não bastasse, ela não gozava do privilégio de ser imortal. Foi decapitada por outra figura mítica: Perseu.

Nos contos de Denise, não há o medo do olho no olho, como bem preconiza a história dessa forte figura mitológica. Ao contrário: encara-se a íris e o ventre, não da condenação da mulher de cabelos belos, agora transformados em serpentes, mas da realidade na qual se encontra (nua e crua) a figura feminina em toda a história da humanidade, aqui retratada neste livro, nos meandros complexos da contemporaneidade.

Trata-se de livro para ser lido com os olhos fixos na ondulação dos medos e traumas que se propagam desde as mais antigas antepassadas até as avós, mães, tias, irmãs, primas e netas de hoje e que são levados como uma filha mais nova. Um pequeno (e necessário) livro repleto de doses de resistência como um grande desafio, ainda que se tenha veneno de fio a pavio.

Nathan Sousa

Os pavões atravessam as histórias, passeando pelas vidas dos habitantes, e os dramas vão se revelando — da vendedora negra que trabalha em uma loja de grife, da única mulher que estuda em um curso puramente masculino, da professora idosa que se percebe invisível nos ambientes em que frequenta. Disputas de classe, raça e gênero ganham forma nas narrativas breves que exploram sentimentos que tentamos reprimir, mas permanecem à espreita, prontos para emergir. Gestos, olhares e silêncios são pistas do que os personagens pensam de fato sobre aquele que é “diferente” ou que julgam como inferior. As situações são apresentadas de modo a deixar o leitor se questionando o que realmente está acontecendo naquele contexto ou qual o verdadeiro caráter dos protagonistas, que podem ser oprimidos pelas situações vivenciadas. Ou os opressores. Ou ambos.

Os temas abordados nas narrativas fazem/fizeram parte do universo pessoal e profissional da autora. Como diretora-adjunta do rh Central de uma universidade pública, arbitrou situações de machismo, racismo e misoginia; colaborou com as lutas travadas por professores e alunos com deficiência pela inclusão e permanência na universidade. Como mulher negra, passou por situações de discriminação racial. Sofreu ao observar as dificuldades dos pais idosos para aceitar as limitações impostas pelo avanço da idade. Os conflitos vividos e presenciados despertaram na autora a urgência de apresentá-los ao mundo em forma de ficção.

Os contos têm como fio condutor os embates silenciosos e ferozes que revelam preconceitos cotidianos — de gênero, raça, idade e outros. Será que, de algum modo, também nos enxergamos nesses conflitos? Até que ponto esses sentimentos estão ocultos dentro de nós?

“Por que os pavões gritam” é, antes de tudo, uma exploração visceral dos conflitos que nos cercam — sejam eles instintivos ou profundamente moldados pelas dinâmicas sociais que permeiam nossas vidas.

O livro segue abrindo caminhos: pelas ruínas da Grécia estoica, pelos mercados do Cairo antigo, pelas chamas que devoram a Amazônia ou pelo sopro longínquo do Paleolítico, onde mito e sobrevivência ainda eram inseparáveis. O que parece reconstrução histórica se revela, na verdade, um espelho estilhaçado, em que cada fragmento devolve ao leitor uma versão insólita do mundo.

Seus personagens são sempre estrangeiros em sua própria terra, deslocados de si mesmos e do tempo em que habitam. Entre o lirismo e o desencanto, percorrem a fina linha que separa a lucidez da vertigem. E, em cada passagem, a ironia do autor percorre a narrativa como um fio subterrâneo — não para aliviar a tragédia, mas para expor suas contradições mais íntimas.

Com prosa imagética e lírica, humor ácido e imaginação singular, Carrara apresenta um livro que nos convida a atravessar séculos e geografias, descobrindo que, onde quer que se esteja, o mundo continua velho, absurdo — e, acima de tudo, louco.

Aqui se encontram histórias que bebem do sertão — um sertão alvoroçado, tecido de uma realidade fantasiosa e de uma fantasia árida. São narrativas que carregam a poeira do Velho Oeste, mesmo quando não há cavalos nem revólveres, e que trazem nos diálogos ligeiros a cadência de emboladas afiadas, dos grandes repentistas desse sertão que nos é comum.

Há também reflexos das fantasias pulp mais sombrias, labirintos de suspense e perigo; e outras histórias que parecem ter sido construídas com a ingenuidade esclarecida de uma criança arteira.  Em poucas páginas, o leitor caminhará por ruas familiares e, logo adiante, se verá lançado a paragens noturnas e caminhos medonhos. Sentirá medo e alegria, reconhecerá as angústias antigas que endurecem o peito dos homens rústicos, mas também a candura transparente de pensamentos infantis.

Este livro é um convite à travessia. Ao abri-lo, prepare-se para entrar na criação e na descida; saborear bolinhos de arroz; descobrir o que há do lado de dentro e atender a uma ligação noturna; encontrar o velho eu, o pardo alagoano, e visitar até os lugares onde as rezas não têm vez. Conhecerá heróis improváveis, exemplos de protagonistas e personagens que jogam esconde-esconde com o próprio destino.

Bruno nos convida a um eterno mover-se para dentro dessas vivas realidades humanas que compõem a fauna mística de seus personagens — belos, solitários, misteriosos. Tipos humanos sólidos, gente que vive entre as securas da terra e a vastidão do céu. Seus mundos correm entre o concreto da poeira e o etéreo da imaginação, entre a luta diária pela sobrevivência e a inquietude dos sonhos que insistem em nascer.

Ao acompanhá-los, o leitor atravessa não apenas histórias, mas atmosferas inteiras: o calor denso que se acumula antes da tempestade, o frio cortante das madrugadas de neve, a melancolia que mora no canto de um olhar. E, ainda assim, há sempre um sopro de esperança, uma réstia de luz que se revela no momento exato. Ao fim da leitura, Bruno nos dá a certeza de que o céu é bem ali.

Marlos Machado

Cristiana Tejo

Luiz Ruffato

(Como Ti Irene numa noite de inverno, página 24)

No decorrer do dia, nos perguntamos o que falta. Acredito que, após a leitura do livro de Gaspar Rocha, iremos nos questionar sobre essas faltas, sobre as ausências, pois, em um jogo de palavras, nos detemos diante de textos que nos mostram, nitidamente — como Narciso olhando o seu reflexo na água — essa ausência exposta. Fratura exposta é uma obra que, graficamente, dilui em líquido sangue o que está guardado, todos os medos e anseios que carregamos de forma geracional, o luto, a ausência paterna e do eu, a constante iminência do ser humano se deparando com um mundo que não oferece nenhum espaço.

Quando a fratura se dá, observamos inicialmente a carne se romper. Após a leitura dos contos me deparei com inúmeros questionamentos, principalmente tocando em assuntos bem íntimos, que atingem da mesma forma que ao Jr., personagem de um dos contos. Fratura exposta é uma obra de catarse, ou melhor, uma obra de jorro; após a leitura, nos deparamos com o corpo do autor atingido, e todos nos colocamos ao seu redor para ler o que sai de sua carne aberta e vemos o osso brilhando, com inúmeros textos.

Sendo assim, Fratura exposta é um livro de contemplação, uma resposta para os nossos mundos corriqueiros: muitos de nós paramos de observar que todas as nossas cenas podem ser dignas de prosa. As sentenças que jorram dessa carne sangrenta nos provocam admiração, ou inúmeros sentimentos que podem ser expostos em uma rua, ou até em uma roda de amigos.

Felipe Matheus Silva Alencar

Escritor e professor

Ângela Berlinde

Catarina Pombo Nabais

Em Duíno, o nascimento é uma sentença e a sobrevivência, um milagre. Há uma criança que cresce entre cães, que mama em tetas de cadela, que ganha corpo e fúria sob a luz da lua. Mas o mundo dos homens não perdoa o que não compreende. E assim, caçado como fera, Duíno é arrancado de sua matilha e atirado ao coração de um lugar onde só a invisibilidade permite continuar vivo.

A escrita de Sérgio pulsa como a respiração do mangue. Seus parágrafos cheiram a sangue, marisco e brisa lagunar. Há uma musicalidade bruta em sua prosa, uma cadência de ladainha e grito, onde o destino se cumpre entre foices, feitiços e becos povoados de olhos opacos. Ele não entrega concessões: sua literatura é um mergulho sem boias, um rito de passagem no qual os pecados são absolvidos pelo esquecimento ou pelo ferro.

Duíno não é só um personagem — é uma chaga aberta no mundo, um eco de tantas infâncias jogadas ao deus-dará. Neste romance, Sérgio compõe um retrato de sombras e faíscas, conduzindo o leitor pelos tortuosos caminhos da identidade, da exclusão e da violência, num Brasil profundo que ferve, rosna e sangra.

Se há coragem, vá adiante. Mas saiba: Duíno nunca sai do corpo de quem o lê.

Fabiana Freitas

Com uma prosa densa e poética, Gilson Fagundes Jr. constrói uma narrativa onde tempo e identidade se dissolvem em reflexões melancólicas. Entre páginas que parecem flutuar no silêncio da madrugada, o autor nos conduz a uma viagem que não tem ponto de chegada, mas que encontra eco em cada leitor que já se sentiu estrangeiro no próprio corpo. Influenciado por Wong Kar-Wai, Haruki Murakami, Yi-Sang e Julio Cortázar, sua escrita carrega a nostalgia dos encontros que poderiam ter sido diferentes, das palavras que nunca foram ditas e dos instantes que escapam entre os dedos.

Neste livro, as cidades não são apenas cenários, mas espelhos que refletem ausências. Pelotas, com suas madrugadas geladas e ventos que varrem as ruas desertas, carrega o peso das memórias que insistem em permanecer. São Paulo, metrópole em movimento constante, abriga os fantasmas das vidas que mudam de direção sem aviso. Entre idas e vindas, presenças e ausências, O silêncio não tem asas é um livro que transita pelos vazios e silêncios que compõem nossa existência.

O que nos torna quem somos? Será que somos definidos pelos lugares que percorremos ou pelas pessoas que nos atravessam? Há algo que nos ancora ao mundo ou estamos sempre à beira da próxima partida? O silêncio não tem asas não dá respostas, mas nos convida a sentir. A perceber as pequenas ausências, os ecos do que passou, os momentos em que o tempo se dilata e nos encontramos entre um segundo e outro.

Uma história para aqueles que já se sentiram entre mundos, para quem compreende que nem sempre os momentos mais marcantes da vida acontecem com barulho — às vezes, eles se desenrolam na quietude do silêncio.

Recordações que levam o narrador a visitar a morte inesperada do pai e, partir dela, o autor, com uma escrita que se aproxima de um relato confessional, reconstrói o percurso de uma família que traz em sua ancestralidade raízes muito distintas e distantes — uma mistura genética improvável entre cangaceiros, calabreses e nipônicos. Uma família em cujo seio persiste um segredo, encalacrado na mente de uma avó com Alzheimer que teima em represar suas revelações.

Com capítulos curtos entrecortados por saltos cronológicos, o autor estreia na autoficção tentando encontrar, para além de alguma neurose transgeracional e do costume de colecionar quinquilharias e miudezas sem valor aparente, uma linha condutora entre ele, seu pai e seu avô. Ou pelo menos uma pedra fundamental que justifique seu constante incômodo de existir.

Para onde finalmente vamos quando um lugar acaba?

Essa é a pergunta fundamental desta obra. O lugar, aqui, é Porto Alegre, mas poderia ser qualquer outro lugar do mundo. Memphis. Liverpool. Hanói. La Paz. Rio de Janeiro. Todos os seus personagens são seres de Porto Alegre, mas participam de uma constelação coletiva de impressões, tributárias do capitalismo tardio e do esfacelamento do otimismo do novo milênio, vitimado por uma crise multidimensional. Sobretudo, participam da comunidade humana, que, rigorosamente, cresce, amadurece e deixa para trás os brinquedos e os otimismos. Dentro e fora da gente, os lugares acabam. Assim tem sido. Desde antes de qualquer pena ranger em qualquer papel.

O azul antes do preto, de Vinicius Silva Souza, nos oferece um céu com muitas estrelas cadentes negras que lampejam por meio de uma escrita comprometida em retratar a vida de homens, em sua maioria pobres, que tentam sobreviver. Porém, em seus 16 contos, o racismo é o grande cometa que ofusca o brilho de quem tende a ter sua vida transformada em estatística.

Assim como Marcos, jovem protagonista do conto de abertura “Um tiro”, são homens que tinham “infinitas possibilidades à sua frente”, em que o tempo pretérito do verbo “ter” anuncia, como uma espécie de mau presságio, o destino previsível à espera de cada rapaz negro no Brasil: ser mais um corpo tombado no chão. Porém, é justamente com a literatura que Vinicius ousadamente desafia esse horizonte de morte.

No livro, o tempo ruim não é só uma fase e o sofrimento nem sempre alimenta mais a coragem. Mas está é a força da obra: retratar sem disfarces, mas sem perder a delicadeza, o desencanto, a tristeza, o trauma, o medo, a ansiedade que marcam a vida de homens que vivem na mira de um gatilho e, ainda assim, buscam forjar outras possibilidades de vida, ao mesmo tempo que parecem roubados todos os dias das vivências mais ordinárias.

Num contexto neoliberal que celebra conquistas de pessoas negras como se essas vitórias atenuassem a brutal violência racial, Vinicius constrói com doce ironia e cruel realismo narrativas de homens que não são exemplos de nada, muito menos heróis. Com exceção do menino que descobre que pode ser como o Pantera Negra, eles também não desejam nada disso. Afinal, como desabafa um personagem, “vida de pobre é foda”. O que querem é viver dignamente.

Revelando um grande domínio técnico do gênero conto, Vinicius enreda quem lê numa atmosfera em que tememos que uma tragédia se abata sobre cada personagem, como um homem que corre em ruas hostis, um jovem que compra uma moto, um militante aguerrido na universidade. Mas, se cada conto funciona como uma denúncia, seu talento maior é nos fazer imaginar que a liberdade negra pode ser azul da cor do mar.

Fernanda Silva e Sousa

01 de setembro – 20h – Rafael Sette Câmara, “Dos que vão morrer aos mortos”

30 de setembro – 19h – Jéssica Pozzebon, “Antes de ser pequena”

28 de outubro – 19h – Álvaro Filho, “O mau selvagem”

25 de novembro – 19h – Marcela Fassy, “As putas escrevem”

O corpo e a sua beleza escatológica são explorados sem receio e censura. O balneário é tido como um dos primeiros espaços de maior vulnerabilidade e autenticidade, experiência com a qual me relaciono. Com uma sensibilidade única, Felipe Castro denuncia e celebra a resistência queer.

Filipe Heath
influenciador literário especializado em literatura queer, promovendo em sua conta instagram (@filipeheath) obras que celebrem a diversidade e a cultura lgbtqiap+.

notícias submarinas é um livro que apresenta, em sua estrutura, o rastro por onde Júlia vem fazendo sua formação: os estudos na Faculdade de Artes e Design, a direção do curta “Pivete”[1], o mestrado em Cinema e Audiovisual, o olhar para a Literatura e o interesse pela psicanálise. É um livro que nos chama para a entrada em um mundo submerso, coberto pelas águas de uma escrita poética, enigmática, visual e própria. Aqui, fazer a experiência de ler, é evitar dar sentido e deixar-se molhar pelas palavras que criam um ato, pontuam o texto nas mudanças de linha, no próprio movimento da escrita sobre o papel. Cabe o nado livre, por um ritmo que acolhe as braçadas. Assim, a leitura nos norteia pela metáfora náutica que propõe a escansão: navegar, aportar, zarpar.

Somos convidados a nos deslocarmos em um atravessamento onde ela Navega entre alusões cinematográficas e experiências vividas, nos conduzindo por entre imagens, cenários, sentimentos, memórias, mares em travessia. Aporta no porto da falta e elabora o roteiro de um percurso subjetivo, contornado com “ataduras”, costurado a “nós de marinheiro” e amarrado com “pontos de tricô”. Desse modo, nomeia seus passos e nos convida a seguir com ela nesse caminho que faz para remendar no corpo as letras do desejo. Júlia deixa-se abraçar pelo poema como instrumento quase real de vida e aceita a coragem: nos furos, a escrita. Zarpa na borda do futuro esboçado e desenhado com os gizes do passado. O olhar em frente, sem medo de trupicar nas pegadas deixadas pela infância da língua. Um flerte com a alegria que conserva o viver.

Presenciamos o trabalho que faz, sua trajetória e as palavras que colheu para calçar suas rotas. De volta à superfície, resta a vontade de continuarmos mergulhando no oceano que a poesia de Júlia nos oferece, profundamente imersos em seu solfejo de palavras.

Márcia Evaristo

[1] Filme de abertura do Festival Primeiro Plano 2022.

Ana Jorge Corrêa Cardoso

A contista demonstra domínio na construção dos diálogos, dos monólogos interiores, dos discursos direto e indireto livre; técnicas que aproximam o leitor das consciências plurais das personagens, principalmente, as femininas.

São elas que constroem as camadas, os níveis de subjetividades que dão corpo às indagações, inquietações atemporais num mundo de puro estranhamento, de mal-estar, de não pertencimento, por isso a ênfase na palavra RECUSA no âmbito semântico de afirmação do sujeito.

O embate no campo díspare dos desejos, traumas e percepções não se resume às relações amorosas entre sexos ou inquietações feministas, alastra-se ressaltando o complexo entrelaçamento intersubjetivo que envolve mulheres, genitores, irmãos, amigos, casais; campo e cidade; passado e presente. A modulação do tempo/espaço das narrativas participa ativamente da complexa formação, no devir a ser das personagens.

Os variados temas como conservadorismo, tabus, narcisismo, hipocrisia, violência, abandono, solidão, angústia e desejo estão dialogicamente confrontados na arena lírica e psicológica dos enredos.

Em “Borrasca”, o leitor vai se deparar com um dos pontos altos da composição de Débora Rosa. O instigante viés filosófico sobre as intempéries e os valores materiais está presente na imagem: tudo que é sólido desmancha-se na ventania, na metáfora, no açoite irado da borrasca.  A concisão de algumas cenas dialoga com o cinema, em alusão ao personagem cineasta. O retorno do filho pródigo à terra natal e a resposta hostil da mãe natureza à soberba.

O conto “Anã Branca” que dá nome ao livro é belissimamente composto por imagens poéticas vivenciadas pelo tato e pela visão sensível da narradora-personagem em estado epifânico do devir a ser com outro corpo e a natureza, que se abraçam, se confundem e se separam no torvelinho do estranhamento e ausências.

Deixo aqui algumas iscas para içar a mente e provocar o desejo do prazer do texto que espera por você, leitor!

Isa Corgosinho

Amanda Said, psicóloga e doutora em Masculinidades pela UnB

Na linguagem de quem sabe manejar facas e faz da memória seu principal ingrediente, é assim que Sílvia Sibalde nos arrebata. Ela nos apresenta a sua Leila, que encontra numa caixa de documentos o caderno de receitas da mãe, Germana, após sua morte. Aos poucos, o leitor descobre que, dentro de uma relação complexa, a paixão pela cozinha fosse talvez o único elo que as unisse. Só que são as cartas encontradas neste mesmo lugar que revela um passado sobre sua família que ela não conhecia.

A autora não nos poupa e nos conduz para territórios conhecidos e desconfortáveis, das idiossincrasias da nossa própria origem que, sem saída, nos constituem. Assim, ela abre as tampas de suas panelas daquilo que nem sempre queremos experimentar, do que herdamos inconscientemente sem nenhuma permissão. Se a pancada for forte, uma comida é oferecida ao final. Não há angústia que não termine com conforto.

Uma narrativa escrita por mãos que dominam a arte da escrita e da cozinha. Como faz toda grande jornalista, o deleite do passeio é garantido, como Nina Horta, em “Não é Sopa”, ou “Afrodite”, de Isabel Allende. Uma obra construída para expandir os sentidos.

Sílvia é uma cronista do seu tempo. Em seu romance de estreia, encontramos um jogo entre passado e presente construído em prosa, cartas e receitas, temperos de uma novela instigante, daquelas que não queremos que acabe, recheadas de segredos, traições, traumas, tabus e perdas. O preço da misoginia e os conflitos entre gerações.

A maestria da obra está inclusive na quantidade, da dose certa, como sugere o título. Nada sobra nem falta. O texto nunca desanda, tão profundo, sofisticado e preciso quanto o olhar de grandes chefs, como ela também é.

Não se assuste se sentir o impulso de preparar um arroz de bacalhau ou uma torta de maçã numa tarde chuvosa qualquer. Apenas obedeça. São elas, Sílvia, Leila e Germana, que estão no comando.

Boa leitura.

Renata Bortoleto

Escritora e jornalista

Números ímpares não são divisíveis em dois números inteiros iguais, não têm par nem igual, são únicos, extraordinários, e jamais poderiam ser (apenas, arrisco acrescentar) múltiplos de dois. Constituem, por isso, um convite ao delírio e ao testemunho da vida destas mulheres — também elas — ímpares e múltiplas.
Para a pergunta “Quanto custa a liberdade, por favor?”, não tenho respostas, mas feitas as contas, ler estes delírios que precisavam ser imaginados e o testemunho que não pode ser calado pode bem ser um acto de resistência.

Isabel Peixeiro

Mariana Tilly

este livro nos devolve aquilo que achávamos que havíamos perdido. um livro de proximidades, de cartas que carregam funduras, de despertar vontades. tem bagunça, tem retorno, tem receios, tem movimento, tem pulsação. é de verdade.

querida Maria Carol, acompanhei o amplificar da sua escrita e nada mais bonito do que saber que você está caminhando livre, amando, sentindo, deixando chover o novo. como diz bell hooks, o amor é uma ação. e uma mulher negra que escreve sobre o amor está chacoalhando todas as estruturas do mundo. e, você, vem?

com axé,

ryane leão

Na delicadeza de uma costura própria, a cada página caminhamos sob os trilhos de um itinerário que permeia a negação e a afirmação do que se constrói como o ser uma bixa preta amazônida.

Nos corredores da memória sentimos a contundente asfixia de cada sílaba, em: “Eu não queria ser a bicha do bairro”.

Explorando o som de uma marcha consistente que ensina crianças negras e LGBTQIAPN+ a temerem suas próprias características, em cada conto a imensidão de dispositivos e formas de controle são nomeados.

São eles a casa, a escola, os bêbados das ruas, a universidade, a venda da esquina e a escola mais uma vez — todos estes lugares-pessoas são tratores imponentes na demolição das narrativas-existências de bixas pretas.

Mas há também as afetuosas resistências presentes aqui nas rezas baixinhas de dona Socorro, na recordação do amor vivido por dois homens pretos no Parque dos Bilhares, nas mãos de uma mãe e na curiosidade de Ismael.

Os parágrafos de Francisco constroem cenas que ativam todos os nossos sentidos. Que visibilizam corpos, histórias, opiniões e lugares ainda pouco anunciados no texto literário.

Não se restrinja a folhear estas páginas. Aprofunde-se nelas. Sinta os sabores e dissabores tão particulares da coragem que é a autoficção inovadora, potente e preta de Francisco Ricardo Lima Caetano.

Raescla Ribeiro

Hellen conta histórias, cria enredos, constrói dores, emoções, conflitos. No entanto, como nos traumas, as fraturas não são necessariamente expostas, há toda uma história pregressa não mostrada, mas que o leitor intui, fareja, pesca. Há muito mais ali do que a autora revela, do que o próprio narrador dá a ver, uma subjetividade profunda dos personagens que emerge nas falas, hesitações, nos traços de personalidade. Uma qualidade para poucos autores estreantes, porque envolve não apenas uma maturidade literária, mas um despojamento do ego, o respeito à inteligência do leitor.

As mulheres (crianças, velhas, jovens adultas ou já maduras) são as personagens privilegiadas destes contos. Meninas, aqui, não vestem rosa. A autora opta pelo conflito das relações familiares, amorosas, ancestrais, hereditárias, por meio do qual tematiza a opressão, a violência, o ressentimento, a melancolia, a culpa: “Não me lembro qual foi a última vez que saí para brincar com meus amigos na rua, nem da última vez que abracei minha avó ou a minha própria mãe”, revela a narradora logo nas primeiras linhas de “A mentirosa sou eu”.

E por mais que o realismo pessimista se imponha na maior parte das histórias, a autora dá ótimos indícios de que domina um repertório variado, seja a vertente ácida com doses de humor corrosivo, de “Bactéria cósmica”, seja o realismo fantástico, no belo e triste “Uma nuvem passageira”.

Nesta coletânea de contos, o leitor vai se deparar com uma autora de estilo próprio e forte, que domina o ritmo e os diálogos e constrói imagens com habilidade extrema. A estreia de Hellen Sousa é em grande estilo. Mais que um livro que deve ser lido, Pequeno mapa do tempo é um livro que merece ser lido.

Tiago Velasco

É por meio da narrativa de afetos possíveis, reais, crus e falidos que se fala sobre o amor. Mas não é apenas disso que os dias são vividos, pois há uma infinidade de sentimentos que pingam silenciosamente e molham os pés, encharcam a casa, afogam os corpos. Depois (ou antes, ou no meio) do sentir demais, há também as dores da vida, o medo do fim, o vazio do corpo que um dia foi ocupado de alma. Seja lá o que isso queira dizer.

Esta união de narrativas se divide entre tudo aquilo que sangra afetos, mas que salva a vida do vazio que o não sentir causa, e tudo aquilo que escancara como o vazio de sentimentos é denso, árduo e pesado. Totalmente humano.

Uma vã tentativa de esvaziar o corpo, a alma, a essência. Uma vã tentativa de ocupar-se disso que é tão matéria, e pele, e vísceras, e unhas, e roupas. Uma falida tentativa de construir a si e se reinventar mais um sem-fim de vezes.

Entre tatear a pele e o arrepio da ausência, os textos deste livro discorrem sobre sentir muito, demais, de modo extenuante e dilacerador. E colocam isso em palavras, porque contar é mais simples do que sentir, pois morre muito quem não sente, mas morre ainda mais quem não diz, quem não se deixa afogar em tudo aquilo que pinga silenciosamente do próprio corpo e estronda ao atingir o chão.

Ao longo do livro, a vida dos personagens é retratada, mostrando suas reações e comportamentos para enfrentar os desafios e riscos que vão surgindo inesperadamente. As histórias pessoais se misturam à trama principal e acrescentam maior significado aos acontecimentos da cidade.

As diversas intrigas políticas e suas ligações com o poder econômico são também descritas, destacando o estado de alienação em que se situa a maioria dos habitantes da cidade. A tranquilidade imperturbável que caracteriza a vida dos moradores se contrapõe ao que realmente ocorre nos meandros políticos. A má-fé e as falcatruas correm soltas por trás das fachadas de integridade e decência.

Ao final do livro, a cidade de Salvínia também entra em foco, em razão da viagem de um dos personagens e das atribulações provocadas pela súbita chegada de um temporal de grandes proporções. Os prejuízos decorrentes desse desastre natural evidenciam o papel da intervenção humana e as consequências dos empreendimentos construídos fora das normas de boa prática. A história destaca que muitas vidas acabam sendo impactadas por essa visão de lucro a qualquer custo.

Para finalizar, ao propiciar uma imersão na experiência de enfrentar os riscos de uma tempestade, o livro levanta a questão de seus aspectos negativos e positivos. Apesar de seu lado destruidor, as tempestades também são capazes de motivar reavaliações de conceitos e pressupostos, e de impulsionar mudanças benéficas. O seu papel de propulsor de mudanças na vida das pessoas pode ser encarado como um lado positiv,o que irá persistir após a ultrapassagem das turbulências.

Dado Martins

Paula Campos
escritora

Enquanto elas crescem no escuro reúne cinco contos protagonizados por personagens femininas em momentos de inflexão. Em comum, o fato de que essas meninas e mulheres se veem diante de um descompasso entre o que são — ou desejam ser — e aquilo que o mundo parece esperar delas. Entre silêncios e desencontros, os contos traçam um percurso de inquietação, lucidez e transformação.

Essa tensão não vem apenas de conflitos internos: é atravessada por marcas estruturais como gênero, raça, orientação sexual e classe social. Cada personagem, à sua maneira, lida com uma fricção contínua entre o sentir e o que se impõe do lado de fora: os papéis esperados, os limites sociais, os silenciamentos. São histórias em que a experiência do estranhamento aciona deslocamentos, provoca rupturas sutis e desvela zonas de descoberta — por vezes, à custa de dor, desconforto ou perda.

Ainda que não haja promessas fáceis de resolução, há um movimento contínuo de enfrentamento e elaboração, mesmo quando tudo ao redor parece conspirar em sentido contrário. Uma vez vislumbrada, ainda que tênue, a luz não se apaga: permanece como um traço, uma lembrança ou possibilidade, capaz de iluminar pequenas escolhas e passos futuros. Resta, então, a essas meninas e mulheres — apesar do peso da incompreensão ou do apagamento — seguir, crescer onde for possível e, pouco a pouco, iluminar.

]]> https://editoraurutau.com/titulo/enquanto-elas-crescem-no-escuro/feed 0 https://editoraurutau.com/titulo/estilingue-a-dois https://editoraurutau.com/titulo/estilingue-a-dois#respond Wed, 18 Jun 2025 10:14:51 +0000 https://editoraurutau.com/?post_type=product&p=25426 Nos doze contos de Estilingue a dois, Rogério A. Tancredo aborda temas como amizade, violência, loucura e solidão, a partir de cenas da infância – seguindo o rastro de grandes escritores – para reafirmar, por meio da ficção, que o peso da existência não é exclusividade dos adultos, mas um fardo que afeta também crianças, protagonistas dessas histórias. Tudo fere. Ninguém está livre da fúria e da alegria de existir.

“É no olhar do outro que eu existo.” Assim começa a narração de uma vida marcada desde cedo pela percepção refinada das paixões e das inconsistências do mundo. Um mundo ainda pequeno, composto principalmente por mulheres: ela, a mãe, as avós. Ligadas a ela pelo destino dado ao corpo e pela solidão. A herança recebida da avó e da mãe na forma de semelhanças físicas e ditos é tomada pela menina como um fato incontestável: “a filha da filha da puta”.

“Tal qual uma constelação, cada peça de uma família tem um lugar fixo. Se escapa, muda o céu e corre-se o risco de deixar perdidos, quem delas se serve na Terra.” Assim, sem poder se mover, resta uma menina quase morta, que tenta saídas literais para tentar encontrar respostas para a sua angústia, como abrir a barriga das bonecas e arrancar os olhos das pelúcias. Um “corpo pequeno de menina de poucas vidas e muitos silêncios”.

A adolescência inaugura um tempo de outras saídas, mas também reforça o destino: ainda há um corpo de que o outro goza, ainda há muitas camadas de violência. Mas uma premiação na escola descortina uma outra nomeação: “erudita com as palavras”. Um outro reconhecimento, enfim. A destreza com a escrita, vinda da percepção de que há vida na língua, também uma herança da avó: “o dom das palavras voadoras como lanças ao céu”. A escrita indica um caminho: “as palavras avivam e mortificam. Anestesiam e acordam. As palavras abrem os olhos e os fecham”. Seriam elas uma via de salvação para um corpo até então aprisionado em uma relação mortífera com o gozo materno?

Jéssica Pozzebon constrói um livro fabuloso em que a sensibilidade e a brutalidade coabitam no delicado olhar de uma menina-mulher sobre a vida, a maternidade, o feminino. Um romance em que o dizer atravessa o tempo, porque pequena ou grande, a autora toca uma dimensão que não obedece a passagem dos anos: o tempo de Dentro.

Priscila de Sá Santos

Psicanalista, mestre em estudos literários

a orelha de um livro que foi impressa centenas de vezes e que dorme em silêncio, arriscando a falsa eternidade de suas partículas, aguardando te encontrar aqui, nesta linha, neste exato instante da tua vida.

falarei de amor, pensou a orelha do livro. não, mais do que isso — se corrigiu —, cantarei o amor. tens em tuas mãos, continua a orelha, um relato impreciso, absolutamente expressionista, absurdamente poético, do nascimento de improvável amor.

lembro-te, a orelha pondera, que amor são vários. naturalmente plurais. naturalmente humanos. aqui, em meu corpo, amores em movimento destilam poesia e canção, tentando compreender a existência enquanto amam, tentando aceitar a existência e os caminhos que devemos, ou não, seguir.

guardo em meu peito — a orelha sussurra em teus olhos — a história de rafa e tiago, a forma como eles se percebem e, ainda mais importante, a forma com que seus olhos percebem uns aos outros e todos os seus mistérios.

derramando as canções e a poesia que entornas no chão — ao dizer isso, você nota que a orelha do livro dá uma piscadela — tiago e rafa se encontram na encruzilhada de suas vidas: entre o controle e o caos, o cálculo e as estrelas, o asfalto e a rosa, o amor e o amor.

o caminho que seguirão, só descobrirão ao fim das longas horas que passaram juntos, aleatoriamente, naquela curta e longa viagem daquele corriqueiro dia em que rafa aceitou a corrida de tiago para aquele que seria o evento a mudar toda sua vida.

e mais do que isso não falo, censurou-se a orelha, que mais do que isso cabe apenas aos que sonham com o universo nas páginas minhas.

De início, Bárbara se encanta com a vida em Lisboa. O patrimônio cultural, os vinhos do porto e a água encanada potável lhe proporcionam o alívio e segurança que procurava. Aos poucos, as nuances da sua nova posição social se impõem. A xenofobia surge na linguagem e nas carrancas dos lisboetas, e logo revela sua face mais cruel.

Bárbara não consegue emprego em Portugal por ser brasileira e seu filho Zeca sofre preconceito na escola. Wagner, seu marido, se adapta melhor, mas vai se tornando insensível às dificuldades do resto da família. Privilegiada no Brasil do qual tenta escapar, ela agora é uma “zuca”, e terá as crenças e a identidade confrontadas pela discriminação. No registro quase diarístico de suas experiências, Bárbara risca os termos brasileiros e os substitui pelos equivalentes do português lusitano, esforço que, paradoxalmente, parece produzir ainda mais distanciamento.

Com uma prosa firme e lúcida, Fernanda Hamann não entrega ao leitor uma jornada de salvação. Sua protagonista não é uma heroína. Tampouco é completamente vilã. Zuca busca o oposto do maniqueísmo didático, oferecendo uma trama construída com ambiguidades e sutilezas, provocando nossos juízos automáticos de justiça e compaixão. Bárbara não enxerga completamente o racismo que pratica, mas sentirá na pele a xenofobia. Insegura, recorrerá ao álcool e ao tabagismo para suportar o lento colapso da vida íntima e doméstica.

Até que ponto sairá transformada? O leitor descobrirá. Ou melhor: terá que decidir. Sem respostas definitivas, a pergunta deixa um gosto amargo, mas o romance faz nas entrelinhas uma defesa indubitável da necessidade de diálogo em nossa época de crescente intolerância. Os afetos reacionários, nos sugere Hamann, se alimentam de pulsões destrutivas que só serão contornadas com união e empatia. O caminho é árduo, para os indivíduos e a sociedade. E sem garantias de redenção.

Daniel Galera

Fellipe Fernandes F. Cardoso conta a história de homens que vivem pelas sombras, escapando entre cômodos mal iluminados, fugindo dos holofotes que se dizem masculinos, sertanejos e tradicionais. Conta a história de como é possível encontrar a si mesmo, ser encontrado e, ainda assim, continuar invisível e perdido.

Uma das características mais deslumbrantes de Uma tragédia latino-sertaneja é sua ambientação. Os cenários, a terra levantada pelo vento e a cultura que apresentam com habilidade inegável uma parte do Brasil que pouco tem lugar nas prateleiras da literatura nacional. Por isso também Fellipe é um grande autor, porque faz do terreno esquecido um mundo peculiar habitado pelos personagens mais cativantes, contraditórios e profundos. Com absoluta destreza, o escritor monta e exibe imagens vívidas, quase palpáveis, que se juntam a um vocabulário delicioso, tornando a experiência da leitura uma criação sensível, cheia de texturas e fluidez.

Uma tragédia latino-sertaneja é um livro sobre solidão, sobretudo a solidão mais pesada que existe: a de não poder compartilhar o que temos de mais significativo. No entanto, é um livro sobre amor, sobre entender o que é essa coisa antes nunca provada, sobre o amor pelo impossível, sobre amar o injustificável.

Este é um livro para todos que desejam experenciar tempestades interiores sob a condução segura de um escritor que sabe mover as palavras. E poucas vezes na vida me senti tão movida por um livro.

Jarid Arraes

O universo no qual gravitam seus personagens, mormente femininos, apresenta-se familiar como o cotidiano dos subúrbios, das casas da infância. E em alguns contos esse realismo se mantém: “Com a mãe Aninha aprendera a rezar para alcançar um desejo: ‘Feche os olhos e peça com fervor e sem parar’. Assim, ao ver Moisés pela primeira vez, no supermercado, de chinelo e sem camisa, talvez a mesma idade que ela, orou por um mês inteirinho. Cinco vezes ao dia. De manhã, ao acordar: ‘Seja meu namorado’; antes do almoço: ‘Seja meu namorado’; às 3 horas da tarde e depois do jantar que ela comia na sala, em frente à TV; e já deitada para dormir, quando apertava os olhos e também o coração e implorava aos céus: ‘Porrrr favorrrr!’”.

Mas nem sempre. É certo que o narrador nos ludibria em vários contos: o que começa com uma linha narrativa quase previsível, subitamente quebra-se — instaura-se o fantástico, o absurdo, ou pelo menos o estranho. Ouvem-se ecos de Rubião e de Veiga ao longe, às vezes nem tão distante: “Fundiu-se com ele com a coragem súbita dos que sentem pena de si mesmos. Viraram uma centelha, os dois; um único corpo; uma única boca aberta e cheia de dentes”.

Mas se o leitor pensa que encontrou a chave do enigma deste livro, o pêndulo entre o realismo e o fantástico, engana-se: daí a pouco os contos adquirem tons intimistas. O fluxo de consciência amalgama a voz do narrador a das personagens e agora o percurso da narrativa é interior, evocando notas clariceanas: “Para muita gente, tudo é quase nada o tempo todo; mas para você, é diferente; para você, é como se bastasse a vida. Para mim, não. Eu não aprendi nada com a vida. Tive vontade de jogar ovos nas pessoas, quebrar janelas, matar, e agora estou aqui todo mexido e perguntante. Estou sentimental. O que passa comigo?”.

Estreante com sabor de veterana. Com uma prosa espontânea e versátil, Duarte tece histórias que têm frescor de novidade, ao mesmo tempo que remetem a outras histórias do grande texto da literatura nacional. Vale conferir, com certeza!

Vivianne Fleury de Faria

Doutora em Literatura Brasileira pela Universidade de Brasília, mestre em Estudos Literários pela Universidade Federal de Goiás, docente de Língua Portuguesa do CEPAE/UFG.

Léo Tavares

Relembrar minha história trouxe uma mistura de alegria e tristeza. Alegria ao relembrar cada momento que passamos juntos. Tristeza ao lembrar que não o veria mais aqui nesse mundo.

Em suas linhas, encontramos histórias de mães como eu, que viveram a agonia de perder seus filhos. A dor não é apenas descrita; é sentida cada vez que uma página é virada, convidando-nos a mergulhar em um mar infinito de emoções. Cada capítulo é uma viagem ao lado mais sombrio da alma, trazendo à tona uma mistura de aceitação e não aceitação.

Dentro dessas narrativas, somos chamados a refletir sobre nossas próprias vidas, sobre os momentos em que a dor parecia insuportável e a aceitação inalcançável. O livro nos lembra que a entrega não é fraqueza, mas sim uma forma de encontrar força nas nossas vulnerabilidades. Cada história é um convite para ver a vida através de uma lente que desafia as convenções e nos obriga a abraçar o imprevisível. A dor das mães toca fundo a nossa alma, oferecendo conforto e, ao mesmo tempo, uma estranha sensação de companhia na dor.

Toda essa mistura de sentimentos proposta em A ordem inversa da vida faz com que o leitor se torne parte da trama. Ela não é uma obra onde o leitor apenas lê:  ele sente, sofre, interage e faz emergir a empatia tantas vezes escondida na alma e que, infelizmente, o ser humano a tem usado tão pouco ultimamente.

Se você procura uma obra que te leve além do superficial e mergulhe fundo nas profundezas da alma e da natureza humana, A ordem inversa da vida é um chamado impossível de ignorar. Ele é a prova de que, mesmo na ausência de presença física, os filhos continuam a viver por meio das lembranças de seus pais. Cada página nos mostra que relembrar a dor é também uma maneira de homenagear a vida e a alegria que os filhos trouxeram, transformando momentos de tristeza em eternas memórias de amor.

Luciana, nome fictício de uma mãe que preferiu não se identificar.

“Quem sou eu para escrever qualquer coisa a respeito de um livro do Alexandre?”, não pude deixar de pensar. Eu, que toda a vida tentei expressar minha admiração a ele, fui formalmente intimado a escrever a orelha de seu terceiro livro publicado — o primeiro em prosa.

O menino que não veio talvez seja a escrita mais fluída e leve do Alexandre — algo que, o conhecendo, custou muito, muito caro. Quase dá para ver cada palavra sendo cuidadosamente forjada. Natural para um trabalhador da palavra como ele, mas dolorido.

Ao mesmo tempo, quase dá para dizer que foi escrito de uma vez só. Parece que O menino que não veio chegou de supetão e que o autor do livro teve uma verborragia.

A despeito de tal leveza e fluidez, não há absolutamente nada de superficial nesta obra. Existe, aqui, um cotidiano, uma banalidade profundamente humana. Como alguém que entendeu um pouco do que é a vida — e que as coisas são mais complexas do que parecem.

Um passeio de Alexandre sobre as miudezas da vida, mas, sobretudo, precisamente sobre as grandezas dessas banalidades.

Uma família e uma perda, o chão vermelho de Brasília e a época de chuva, os silêncios e as músicas de Milton Nascimento, os sumiços e os acenos, o humano e o éter.

A vida, a morte e tudo aquilo de cinza e de colorido que há no meio.

Tudo em um espaço-tempo que parece não ir muito além de uma entrequadra — ao mesmo tempo que chega a Aparecida de Minas, triângulo mineiro, e ao nosso íntimo.

Neste terceiro livro de Alexandre, parece haver um tensionamento ainda mais evidente, algo que estressa ainda mais a corda entre realidade e ficção, discussão que me parece superada por ele já em outros momentos, mas em definitivo aqui.

Se é real, o que importa? Se é ficção, importaria mais, ou menos?

Real ou não, ficcional ou não, ao longo de todo o livro, busco desenhar visualmente a existência desse menino que não veio. E é quase como se o visse em alguns momentos. Algo que me incomoda, por vezes, e acalma em outros — como se estivesse aqui.

E não está?

De todo modo, vejo muito do Alexandre nesta obra e essa talvez seja a maior característica e qualidade deste livro.

Sem querer jogar pobremente com palavras — ou cometer trocadilhos infames, com o narrador do livro —, mas, de alguma forma, Alexandre é, paradoxalmente e simultaneamente, o menino que veio e o que não veio.

Muitas vezes, dolorido. Outras tantas, bonito. Em ambas, singular. Para ler em um fôlego só. Um fôlego dolorido e bonito.

Mateus Vidigal

jornalista e fotógrafo

São três dias na vida dessa mulher: sexta, sábado e domingo. A cada dia, Yone vê sua angústia tomar conta, esperando pelo convite do americano que conheceu na fabriqueta e que promete a ela uma vida no subúrbio estadunidense. Ou, pelo menos, é isso que ela entende que foi prometido. Mas ela espera, vive na expectativa da ida para um lugar em que ela mais ouve falar do que realmente conhece e de um homem que viu poucas vezes, mas que aposta todas as suas fichas.

Engravidou solteira, vive com o filho, Fabrício, em uma casinha que fica nos fundos do terreno dos pais; tem uma niqueleira praticamente sempre vazia, compra fiado, mas adora vitrines. Gasta sempre que pode o que não tem em butiques da cidade, maldiz os parentes e ama português. Uma personagem que coleta o que vê, recortando das revistas aquilo que chama atenção e menospreza o que realmente orbita sua realidade.

É uma história sobre aquilo que se repete, aquilo que se deixa acontecer e aquilo que é provável que não aconteça. Dos sonhos, Yone só conhece o delírio. Sonhava em ser aeromoça, sonhava com as estrelas de Hollywood, sonhava que o trem que passava no bairro a levasse para a lua, sonha agora que um americano a salve dos seus problemas.

Um livro sobre uma operária que sobrevive no Brasil profundo, vivendo as aparências e comprando ilusões de soluções fáceis. Em primeira pessoa, a narrativa leva o leitor a mergulhar no universo feminino de uma mulher que sabe que sobreviver tem mais a ver com projetar um futuro do que encarar o presente encardido de sofrimento.

A morte. O desaparecimento. O vestido que não cabe. O corpo duplo, a separação. O corpo petrificado que insiste em nascer.

São múltiplas as vozes, os narradores, os rostos e as identidades que se alternam e se transformam no belo livro de estreia da escritora carioca Fernanda Rosado. O livro surpreende por apresentar uma escrita madura, certeira, por vezes mordaz, ainda que terna e amorosa.

O volume é composto por seis contos, cada um narrado de uma forma e de um ponto de vista diferentes.

O primeiro, Leito, é narrado em primeira pessoa: a voz de um homem hospitalizado à beira da morte. Em O rosto no chão, Dalva, faxineira de uma repartição, vê o amigo, colega de profissão, misteriosamente desaparecer. Em Provador, uma adolescente tenta acomodar seu corpo num vestido que não cabe. Liana traz uma narrativa mais fragmentada, em que uma adolescente vive a dor do desaparecimento da melhor amiga. Já em Carta à irmã, o tema do duplo, das gêmeas desgarradas, reunidas, tempos depois, por uma carta. No conto final, Leito II, um nascimento, apesar do medo, da dor, das histórias estranhamente guardadas.

O rosto no chão flerta com o realismo fantástico, num tom ao mesmo tempo melancólico, ao acompanhar os espaços e a visibilidade desses corpos. O desaparecimento de corpos que não se notam, que não se sabem, que ainda não se foram, que ainda não são.

Entre crueza e crueldade, há a leveza da relação possível. O estranho da vida guardada em vidro: um feto petrificado. Como dizia a poeta Sophia de Mello Breyner Andresen:

Mas por mais bela que seja cada coisa

Tem um monstro em si suspenso.

O que se depura das histórias narradas por Fernanda são as relações, que vão se tecendo também nos detalhes e no que eles guardam: o vestido, o uniforme, o feto no vidro, a pele mordida.

Lucia Berlin (1936-2004), grande contista, em um estilo diferente do que se verá aqui, cria personagens sempre atrapalhadas, que vão tropeçando em suas fraquezas. Não as ridiculariza, nem dramatiza suas desgraças ou tem pena delas. Costumava dizer aos seus alunos: “Diante de uma princesa e uma servente, Tchekhov trata as duas exatamente da mesma forma”. Podemos dizer o mesmo das histórias aqui narradas por Fernanda.

Entre os corpos que desaparecem cruelmente na repetição de um destino não há redenção nas histórias de O rosto no chão. A vida insiste, contudo.

Você já sabe/ apreendeu que do chão não passa.

Maíra Matos

Com a sensibilidade poética que captura beleza até mesmo de ocasiões dolorosas, a obra relata casos emocionantes vividos em enfermarias pediátricas. Guadalupe e Tereza nos levam de mãos dadas para visitar esse ambiente de vulnerabilidade que é o hospital e presenciar a potência transformadora que o riso, a graça e a afetividade têm sobre a saúde humana. Podemos, como convidados, espiar pela fresta da porta do quarto o que acontece quando o leito se transforma em um picadeiro e a criança reacende a pulsão criativa, a partir do encontro com os palhaços. E o texto se torna ainda mais cativante porque Tereza, para além de artista, nos abre as portas de sua intimidade, revelando suas questões como mãe de dois filhos e mulher. Por trás da ribalta a vida continua e essas reverberações são trazidas ao leitor, enchendo a narrativa de camadas e humanidade.

Do riso ao soro é um convite para o público em geral e não apenas para os amantes e estudiosos da palhaçaria. Sua escrita nos conduz para um lugar de calor e aconchego onde se para para ler (e escutar) devagar, dando vazão ao pensamento… talvez à beira de um fogão de lenha, em Minas Gerais, terra natal que exala de Tereza. Uma prosa com sotaque, ritmo, fluidez, que nos fisga e faz pensar. Que espaço, nesse tempo acelerado e nessa era virtualizada, temos dado para nossos afetos? Quanto estamos de fato abertos para os encontros? O que temos feito do nosso agora? A vida não traz garantias, portanto viver é urgente.

Lud Benquerer

Depressão, o desejo de morrer, tentativas de suicídio, roleta-russa, procura de formas de morrer, um simulacro tem o número de registro raspado? Morrer longe de casa, com um ritmo alucinante, Paulo Ito cria Shorei, um grafiteiro com aparência de marroquino que não se sente inserido no mundo em que vive, e nem mesmo no da namorada, como fuga, viaja pra Itália, onde realizará painéis de grafite. O autor, que também é grafiteiro, nos entrega uma história brutal e, ao mesmo tempo, terna neste livro extremamente imagético, um road movie, seus personagens parecem cartoons e grafites que acabaram de ganhar vida e transeuntam por entre nós. Temas perturbadores como a contratação de um assassino, fascismo e nazismo são encontrados nas páginas deste romance.

A literatura do Paulo Ito é mais impura que cocaína batizada, ainda bem, as páginas deste livro, mesmo que você não veja, estão manchadas de sangue, dor, preconceitos, e tudo que amamos odiar. O autor nos entrega um dos mais imagéticos livros que você terá a oportunidade de ler na sua vida, colocando seu personagem fugindo de si mesmo e dos que o rodeiam, Paulo Ito no leva aos mais diversos paraísos, Itália, Marrocos, Túnis, Cartago e arredores — mas alguns nem tão paradisíacos assim.

Assim como em Grande Sertão: Veredas de Guimarães Rosa e Dom Quixote de Miguel de Cervantes, a aventura está presente, a solidão e as dores também.

Uma pancada nevrálgica.

Explosões, formigueiros, uma Taurus com uma única bala no tambor, fascistas incendiados, cueca no rego, assalto na porta do banheiro do McDonald’s, cerveja, haxixe, grafites apagados e muito mais, num ritmo brutal e tão alucinante que parecem saídos de uma junção de inúmeros hqs.

ao ler este livro, você se sentirá diante de uma tela de Basquiat, tal a quantidade de informações.

A partir de imagens fortes e ousadas, Paulo Ito grafita na nossa imaginação as mais absurdas cenas que um romance pode ter, e ainda consegue nos colocar dentro delas, com todos os detalhes e emoções que é possível vivenciar.

Já no meio do romance, ficamos torcendo para que a motivação da personagem central mude, e que ele tenha uma história feliz com Liz, a namorada que é deixada no Brasil, mas o autor, ainda reserva surpresas que você só vai descobrir lendo Anomia.

aramyz

Numa terra em que um fenômeno surpreendente acontece com as pessoas que sabem demais, fazendo com que elas emudeçam, nós conhecemos a vida e os afetos de Odara, uma mulher que desde menina questiona e se contrapõe ao que se determinou caber no conceito de ser mulher. Entretanto, a maternidade, que faz com que as mulheres se assemelhem à árvore da barriguda, torna-se para ela e para todas as mulheres desse livro a grande viagem para dentro delas mesmas.

Nessa cidade, os homens costumam ir embora, e mesmo com a promessa de regresso eles nunca retornam, fazendo com que Cerapió seja uma comunidade primordialmente feminina. E são essas mulheres que investigam o solo, a profundidade dos rios, as águas do seu corpo, os segredos de carregar uma criança no ventre, o emudecimento de quem sabe demais.

Romance narrado por meio de múltiplas vozes, com o domínio de quem conhece a boca e o fluxo de bons personagens, Flávia nos entrega uma prosa viva, com uma linguagem própria, com a geografia do Brasil de dentro, aquele que precisa povoar a ficção brasileira contemporânea, e nos presenteia com personagens inesquecíveis, prontas para entrelaçar os dedos nas suas mãos e te levar por esse solo de Cerapió num trajeto poético e encantador, nas linhas de uma literatura que aponta para o melhor que produzimos.

Euler Lopes

Escritora

Lugar Nenhum vai para além do nome da cidade, simboliza os sentimentos de alguém que quer se encontrar, sobre alguém que almeja amar, alguém que almeja o poder e alguém que almeja salvação, porque, apesar de ter todo um mistério em volta sobre a cidade, o principal é o que acontece com as pessoas que estão naquele lugar.

A forma que Carol se envolve com os personagens é o que conecta os pontos para solucionar o que está escondido. Conhecemos Gabriel, o dono do jornal no qual ela vai trabalhar e com quem consegue ter um bom relacionamento; Rodrigo, o artista excêntrico que deseja de formas diferentes e às vezes atrapalhadas entrar na vida de Carol; e a ex-namorada de Carol, que tenta a convencer de retornar para casa.

O que mais posso dizer sobre Lugar Nenhum é que, algumas perguntas vão ser respondidas e outras não, assim como na vida, e que uma explosão de sentimentos está reservada para o fim, com grandes reviravoltas.

Urban somos todos nós. No país da miséria, do meme, do fundamentalismo religioso, das sucessivas crises éticas e estéticas. Contudo, por vezes, o narrador procura o nosso melhor. Inspira-se na crônica de Clarice ou na anticrônica de Victor Heringer, rememora o melhor do cinema mundial, Fellini, Jim Jarmusch, Kaurismäki.

A leitura é convidativa, acompanha-se com prazer o seu fluxo, ao mesmo tempo desconstrói a ideia que a crônica sempre trata de temas leves, prosaicos. O gênero é breve, versátil, também pode apreender do cotidiano aspectos grotescos, avassaladores.

Urban não gosta da palavra esperança, mas quem escreve espera, deseja a recriação do seu texto em cada futuro leitor. Encontre Urban, depois de duas horas de leitura serás outro, bom, canalha, justo, feliz ou inconformado. Afaste-se um pouco das redes e caminhe, reflita. Ignore o relógio do fim do mundo, temos algum tempo, a arte é nossa potência.

Escrever sobre a mãe morta é procurar por problema. Quando uma mãe morre, começa uma transformação no corpo da filha. Um legado insuportável e pesado como fardo que nos faz repuxar a perna, doer os nervos, pesar as ancas como se afundássemos, criar fungos nos pulmões.
Carla Mühlhaus e sua escrita embriagada de ricos sentidos como se fosse uma ode à sinestesia, nos colocam em contorno com o delírio da dor, do ressentimento e do espanto de uma mulher sem uma mãe, essa personagem sempre inacreditavelmente desconhecida de uma filha. Contorna a narrativa uma asma, uma dificuldade da mais natural capacidade de um corpo, a respiração, porque respirar não é tão simples quanto faz parecer o ar onírico de uma Veneza quase surrealista, acostumada a afundar e que nos intoxica com as referências molhadas de uma memória mofada, banhada a cicatrizes. Uma leitura que exige do leitor a atenção irrestrita, não só pela complexidade narrativa que dá ao texto uma estética deslumbrante e rara, mas pelas referências nunca gratuitas pontilhadas como cristais que, além de iluminar, fazem cortar. Elementos que se fincam, estacas venezianas profundamente mergulhadas que sustentam, mas que, como quem narra a morte, também apodrecem, deixando à mostra a beleza daquilo que desaba.

Nara Vidal

Sua primeira obra, Tem que fazer uma cruz pra ela, expõe os campos de concentração para retirantes da seca no Ceará, em 1932. Esta obra explora de forma intensa um capítulo obscuro e convenientemente apagado da nossa história.

Sua segunda obra, Sim senhora, dona Beth, é baseada em uma vivência real. O texto retrata as dificuldades de uma mulher que enfrenta a desigualdade social em suas diferentes esferas: econômica, de gênero e nas relações de trabalho.

O silêncio que se fez: impacto! Essa é a primeira definição para essa obra, que é um retrato brutal de dor. No desenvolvimento da obra, é evidenciada a saga de sobrevivência de uma família composta por mãe e filhos, que lutam com recursos escassos, tanto materiais quanto emocionais. Sobrevivem da melhor forma possível, criando uma fantasia de que o que possuem é, de certa forma, o necessário.

Percebe-se um baixo padrão de exigência material, pois estão acostumados com — quase — nada. No campo emocional, as demandas e necessidades beiram o nada: não se tocam, não se amam, não sorriem, não recebem nem pedem afeto. A vida já lhes retirou tudo. Interessante é perceber que a filha, protagonista, passa a vida sofrendo todo tipo de violência — material, social, sexual, educacional, alimentar e física — e que, em muitos momentos, sua fuga é o silêncio (mutismo seletivo) como forma de defesa. No silêncio da personagem principal percebe-se um grito de socorro, um pedido de auxílio. Contudo, as histórias se repetem dia após dia, sem que a dura realidade mude.

A autora cria uma atmosfera densa, que repercute de forma intensa e permanente. Ela tenta fazer o leitor perceber a realidade de milhões de crianças abandonadas e negligenciadas em uma sociedade na qual o silêncio e a invisibilidade são os principais recursos de sobrevivência. Ao produzir mais essa obra literária, Ana demonstra uma escrita afiada, com uma linha profundamente humana. Os conflitos retratados são desmembrados na tentativa de compreensão do que leva determinados indivíduos ou grupos ao total descaso e abandono da sociedade.

Vejo Ana Baldo, em mais esta obra, como uma fênix que ressurge, muitas vezes, de suas próprias lutas. Com força demonstra a necessidade de mudança e transformação.

Luis Fernando Cielo

Em Até de olhos fechados se vê a noite o leitor é convidado a adentrar a intimidade de personagens que só se conhecem socialmente no cruzar pelos corredores de um condomínio. Cada uma delas guarda um segredo, um medo, uma tara, um vício inconfessável que ganham forma quando as portas de seus apartamentos se fecham.

Os contos trazem ligações com a literatura fantástica. Nada é normal, o real não é suficiente e a realidade uma ilusão. Situações insólitas emergem de cada narrativa, levando o leitor a um mundo de mistério, no ambiente quase claustrofóbico em que se convertem os apartamentos.

O livro da trata da solidão na vida contemporânea. As pessoas estão cada vez mais sozinhas e sofrem caladas em seus quartos, nos seus escritórios ou em suas mentes, afetadas por doenças como o Alzheimer. No fundo, cada um enfrenta a solidão com as armas que possui. À noite, os fantasmas ganham forma, os medos se amplificam e o horror toma conta de cada personagem, que já não sabe distinguir o que é real e o que é ilusão.

Os contos exploram as formas do insólito, do horror e do fantástico. No mundo moderno, onde estamos conectados o tempo todo, descobrir-se sozinho pode ser uma experiência aterrorizante. É a este mundo dos silêncios, da escuridão da noite, que o leitor é convidado a explorar em cada narrativa.

A unidade do livro está no fato de que as narrativas ocorrem todas dentro de um condomínio. Aparentemente, as pessoas estão seguras em suas ilhas urbanas, fechando-se em edifícios com portarias e cercas elétricas. No entanto, os contos têm a pretensão de mostrar que nunca estamos seguros, que há seres fantásticos trancafiados nos armários, debaixo das camas, nos retratos que decoram as salas, dando ao ambiente um clima familiar.

Não nos esqueçamos, também, que do ambiente doméstico brotam as maiores violências de que se tem notícia. Assim, a família não é o lugar seguro que todos idealizam. As narrativas também exploram esse entorno familiar, onde, de portas fechadas, podem emergir os maiores horrores da humanidade.

Então, caro leitor, venha preparado para enfrentar seus fantasmas, seus medos, suas certezas ao acompanhar as vidas das personagens desses contos. Quem sabe, você possa se descobrir só e cercado por terrores noturnos que silenciamos ao apagar as luzes.

“A menina nasceu marcada” foram as palavras ditas ao seu nascimento e elas ecoariam anos depois, reafirmadas por uma cartomante, traçando um caminho de dificuldades e incertezas. Desde cedo, sua vida parece determinada por forças que escapam ao seu controle, refletindo a condição de muitas pessoas em um mundo regido por normas impostas por homens, pela religião e pelos costumes. No entanto, em vez de se render ao destino, ela desafia as previsões e constrói seu próprio percurso, guiada pela força interior e pela crença na transformação.

Ao longo do romance, Felipe entrelaça realidade e fantasia para explorar temas como misoginia, preconceito, resistência, educação e medicina popular. Em cada personagem, um reflexo das múltiplas camadas da existência. Em cada página, um retrato das lutas e contradições da vida. Entre montanhas e predições é um livro que emociona, provoca e convida à reflexão, capturando as dores e alegrias que atravessam gerações.

Pedro Eiras

O modo peculiar em que a cotidianidade é tratada em seus textos lança o gênero crônica em outras searas. Não mais sob a égide de Cronos, dos ponteiros do relógio, das marcações e convenções do calendário. Seu texto está sob influência de Aion, o tempo do acontecimento, do ilimitado. Assim, passado, presente e futuro se misturam, bem como o pessoal e o impessoal, o individual e o coletivo: “Um corpo de cabelo estranho que passa: sozinho enquanto mulher, coletivo enquanto raça”.

Nas suas crônicas afetos tristes e alegres encontram seus antídotos. Morte e vida, despedidas e encontros, violências e paixões povoam o mesmo espaço escritural, alteram a respiração e a tonalidade de quem lê e de quem é lida. Textos altamente estéticos e poéticos, profundamente éticos e realistas. Não que eles representem a realidade. Eles recriam a realidade que se apresenta entre a marca escritural da autora e suas vivências e a leitura desassossegada e impactada dos seus leitores. Eles fazem pensar, fazem sentir. Eles delineiam outras lógicas, outras sensibilidades.

Para além do bem e do mal, a natureza se apresenta em seu texto. Não o idílico das paisagens, mas os movimentos de baixa e alta maré, os ajustes e desajustes tectónicos, as trombas e cabeças d’águas, os redemoinhos, picadas de serpentes e mordidas de tubarões. As raças se reinventam, os agrupamentos se constituem, as tradicionais filiações se desatam, se esfacelam. Seu texto nos faz olhar para fora para enxergarmos o mais profundo que nos une e que nos aparta. Enfim, na poética de Tulíola Lima tudo é movimento. É dança amorosa que lança nosso corpo sutilmente ou, quem sabe, violentamente à terra, da qual todos viemos e voltaremos. É vírus que prolifera a vida.

Juliano Butz

As autorias que referi inicialmente estão entre as que mais admiro no género e não as mencionei por acaso. Quando refiro Poe, faço-o para ilustrar a tensão que estes contos mantêm como constante desde o corte das primeiras frases e a sua proximidade com a estética que permeia o gótico. Menciono Tchekhov pelo realismo, Berlin pela atmosfera de dias difíceis entre personagens obsessivas que algures parecem ter perdido o rumo mas teimam em viver, a ambos pela proximidade com o quotidiano. Finalmente, Mansfield pela capacidade de, em apenas uma página, estabelecer o essencial da narrativa, o suficiente para as personagens e o seu contexto, até subtexto, se fazerem nossas e, por tal, termos necessidade de as acompanhar e saber o que lhes vai acontecer. Pirilampos oferece uma atmosfera de cinema, a sucessão de imagens vivas, uma coleção de instantâneos capturados por um ângulo tão original quanto inesperado.

Judite Canha Fernandes

Este livro realiza, de modo saboroso e brilhante, o ideal da melhor literatura: a genial concretude de detalhes desses contos, com a viveza e a verdade de seus personagens, tem o poder de contagiar o leitor e despertar nele o tesouro de suas próprias lembranças: de infância e juventude — vividas em outro tempo e lugar, distinto contexto familiar etc., mas afinal: De te fabula narratur… Não nos ensina nada de novo, mas nos brinda o que importa: a memória de nosso passado, a raiz de nossa identidade.
Jean Lauand

Tinha razão Montesquieu ao recomendar um par de horas de leitura para dominar os males da mente, do espírito e até do coração. Ao lermos o Inventário de menores de Paulo Ferreira da Cunha, podemos confirmar a justeza deste conselho e desta afirmação. De facto, ao tomar contacto com memórias próximas ou distantes, compreendemos a força da palavra, do livro e da leitura. Através deles podemos conviver ao mesmo tempo com quem está próximo de nós e com quem estando longe no tempo torna-se extremamente próximo. A memória permite contarmos com o testemunho da eternidade. E a palavra escrita permite reunirmos num mesmo tempo gerações distantes que se tornam próximas. Como disse Umberto Eco, quem não lê vive apenas a fugacidade do momento, enquanto quem lê pode viver o tempo longo das civilizações que chegam até nós, nas suas diferenças e complementaridades. Quem canta seus males espanta? Mais do que isso! Quem lê revive tempos e vidas que nos levam a aprender a sermos melhores, porque somos pessoas que dialogam e se completam, ao longo dos tempos.
Guilherme d’Oliveira Martins

Façamos o “inventário” das nossas menoridades. A aleturgia do conto é uma forma de dizer a verdade de si aberta à verdade do outro. A hetero-autoveridicção dos dez contos não tem fronteira. Neste livro não está escrito “fim”, “conclusão”. A obra funciona como estímulo ambíguo que provoca e acolhe as projeções imaginárias e experienciais dos leitores. Que haja mais 10, 100, 1000… “inventários de menores” para que possamos dizer com Terêncio “homo sum et nihil humani a me alienum puto”. Sou homem e nada do que é humano me é estranho.
Cândido da Agra

Dez Contos. Em cada um, um “menor” no papel de personagem principal. Cada qual com seu nome. (…)
À medida que lemos, o ritmo da escrita e o encanto sentido na leitura fazem-nos passar, quase de corrida, de conto para conto e, pouco a pouco, aqueles nomes vão-se diluindo e, em vez deles, desenha-se apenas um outro, sempre do mesmo menino. E apetece-nos pedir-lhe que nos deixe usá-lo, também por nós. E apetece-nos aplaudi-lo, com o gozo próprio do aplauso. E apetece-nos, por fim, chamar por ele, assim:
— Paulo!
Álvaro Laborinho Lúcio

Fernando Rodrigues

Imagens do sertão pós-moderno é um grande convite para uma viagem em direção ao interior do Brasil. Trata-se de uma obra repleta de contradições, estéticas e sentimentos que existem apenas no sertão. Neste livro, o autor traz heróis deste lugar esquecido da terra, que enfrentam individual e coletivamente as suas batalhas, como João Caçarola em sua morte breve, Marlene na lida das intempéries e Maurício em seu mundo expandido. Imagens do sertão pós-moderno é uma grande crítica contemporânea costurada por sentimentos.

— Macarrotudo?
— Sim! — ela responde, agora incentivada. — Tipo, não faz sentido ser macarroNADA se a gente bota tanta coisa.

“Foi então que estranhos eventos começaram a acontecer” (“Cadeira vazia”). É neste momento de ruptura que a literatura de gênero arrasta para seu território aquelas ações humanas que, na narrativa mainstream, são regidas apenas pela psicologia convencional e pela reprodução mimética da realidade. Os eventos estranhos são tudo que não cabe no vocabulário de expressões que explicam a vida. Fatos intraduzíveis, como palavras que não têm equivalentes do lado de cá.

Estes eventos são ambíguos, contraditórios. Há sempre duas explicações: a do real e a do impossível. Daí que o terror precise lidar tantas vezes com cisões psíquicas, eu-dividido, o duplo, o reflexo que é diferente do rosto, a sombra que não obedece ao gesto da mão. Em “Coisa-feita”, “Dentro de mim mora a sombra”, “Julia saiu da sala”, vemos esse desabrochar do outro-ser numa pessoa comum: “Não sei quando me tornei o que sou” (“Coisa-feita”).

Daí também que esse universo do estranho precise da imposição de algum tipo de ordem, e que isto ocorra tantas vezes por meio do que chamamos de ritual. É o ritual (que os protagonistas executam movidos pela força primal da crença coletiva) o motor principal da ação em “O boneco de pano”, “A peeira”, “Pedra fria” etc.

O ritual que às vezes nos causa medo foi criado para exorcizar o medo de gente que viveu há milênios. É o resíduo cristalizado do Passado, de algo que sumiu do mundo, mas não sumiu da alma. A fidelidade às sub-rotinas do ritual acaba conferindo a elas um conteúdo emocional e estético, um cunho de inevitabilidade e prazer, como o que perpassa histórias como “O churrasco” e “Capelobo”.

Nos contos de Carlos Castelo, o terror é esse ritual que, em “Última história”, confunde realidade e ficção. Como se escrever histórias de terror fosse assumir o controle de tudo que nos amedronta.

Braulio Tavares, escritor e compositor

Sem é o relato fragmentado de uma família de seis pessoas que durante dezessete anos conviveram com o silêncio, a instabilidade e os lapsos de violência de um homem adoentado por não saber — ou não querer — lidar com as mágoas e feridas do próprio passado.

Diante da violência, do convívio instável e da pobreza, o filho descobre seu refúgio nos livros e no reino imaginário do qual toda criança é rei e rainha.

O livro intercala cenas de completo absurdo com momentos breves e espontâneos de graça, nos quais o riso é possível para o filho e os irmãos diante do Colosso paterno. O autor ressalta e aprofunda o significado da narrativa ao torná-la plural por meio do “nós”. Esse plural que resume e retrata aquilo que foi testemunhado pelos quatro irmãos, ainda que cada um deles tenha agido e reagido à sua maneira diante do contraditório paterno.

Sem carrega ainda a sutileza dos vilões amados. Esses personagens que nos provocam, despertam nossa ira, mas que terminam por suscitar a nossa compaixão, empatia e lamento, diante de figuras frágeis e em agonia, como a do pai dessa história.

A história revela a desproporção, o desprovimento e o lugar onde o afeto e a segurança são de difícil encontro. Sem é esse não ter tendo, assim como seu título. Ele principia e encerra, ainda, pela ausência imposta pelo luto que, diante do inferno que um lar pode se tornar, foi a única fuga possível para essa família, como tantas outras, ontem e hoje, na luta pela sobrevivência. Vinícius Gontijo Vinicius 

Por onde começa a fantasia agourenta de pesadelos vívidos de uma vida emprestada? Nas lembranças de traumas vividos, mas nunca lembrados? Nas reminiscências de segredos enterrados sobre toneladas de vícios, enganos, pavores individuais e medos coletivos; o receio eterno de não ter, não estar, não ser e não amar? Ou amar a qualquer preço mesmo que seu pagador seja o outro e não nós mesmos?

Como podar um desejo germinado nos gametas? Como fazer das tripas coração para depois moer lentamente no pântano da desgraça humana? Há ou é possível haver perdão ou redenção e, se existem, quem pode dar e quem pode receber? Ou a vida roubou até isso de nós com o intuito de nos tornar mais pedra e menos Pedro, Ramon, Miguel, Jonas, Fátima, Guilherme?

Com quantos Jonas se faz um Ramon? Com quantas Fátimas se resolve um Ramon? Com quantos Ramons se faz alguém que vive, morre, pulsa e vomita todo santo dia um quinhão de realidade viscosa e dele tenta fazer um bolo ou torta doce de gosto amargo que adoçamos na língua com o amor/sexo de outros em modo quase perpétuo, perpétua dor do prazer dos desenganados, o único prazer factível e viável por ser prazer e não engodo, o prazer engana, é seu álibi e mister, feito para nos ludibriar não por mal, mas apenas porque o prazer precisa estar certo nas linhas de todos os corpos e membros tortos que vivemos.

Respostas? Não as busque aqui. Encontrará apenas indícios, pistas, algumas direções. A carne afiada, a carne que afia a alma, a carne e a alma estão sempre afiadas, uma amola a outra com o passar do tempo e o tempo passa de forma muito distinta para cada um nós, sejamos visitados por anjos, demônios ou ambos, pois são faces da mesma moeda. Anjos nem sempre fazem o bem, demônios nem sempre fazem o mal; o bem e o mal são conceitos vagos em tempos de mentiras e verdades adaptáveis. Mas quem ama sabe muito bem como distinguir um do outro e quem ama “errado” tem doutorado e mestrado nesse quesito. Somos filhos do erro, somos erros que deram certo, e ainda assim, queremos respostas.

Não. Sem respostas aqui, dúvidas apenas e uma única certeza ao final do livro: ninguém vive e sai incólume…

Alexandre Willer Melo

E o que são tais Retratos de mulher? Bem, orelhas de livro falam… cochicham sobre certas peculiaridades da obra — mexerico? Que seja, então! Você começa com a história de uma garotinha de 8 anos cujo inusitado presente de aniversário vai levá-la a uma noturna aventura fantasmagórica, revisitada pela voz, agora adulta, da narradora. Um pequeno thriller: começa despretensioso, ardilosamente inocente, e passo a passo, entre falas e reticências, vai-se suscitando a excitação imaginativa, o suspense e, por fim, a fantasiosa revelação. Pudera! Com esse título antecipador — “A enforcada” — açodando a bisbilhotice de quem lê… Ainda dentro do mesmo gênero, meio à Agatha Christie, a trepidante narrativa de “O caderno” — intuições sobre um crime? e uma criminosa? Há mais algumas dessas tramas no livro.

Mas as narrativas são variadas em seus enredos e surpresas, flagrando diferentes vivências protagonizadas e contadas (com apenas uma insólita exceção) por mulheres de distintas idades e condições. Insights e epifanias (ah! Clarice Lispector) — não é mesmo pura iluminação o conto “Dezembro de 1995”? Tensões e perplexidades, buscas e angústias, (in)certezas e questionamentos, dores e amores e revoltas — num clima variável de humor (uma entidade fluida por natureza, não é?), com acenos para o lírico, o doloroso, o irônico, o corrosivo…

Guimarães Rosa confessava numa entrevista que seus textos valiam metade pelo enredo, e a outra metade pela linguagem que o constituía. Seguindo essa experta lição, Jeanine tanto consegue inventar e tramar enredos, como sabe cerzi-los engenhosamente com os fios e lançadeiras da linguagem artística — léxico, construções sintáticas, pontuações, diálogos… Habilidosa conjugação de componentes que torna seus contos verdadeiras obras de arte narrativa!

Ubirajara Araujo Moreira

Doutor em Literatura Brasileira pela USP

Entretanto, esse sonho idílico se transforma em um pesadelo angustiante à medida que seus planos e aspirações desmoronam, levando-o a enfrentar novamente seus antigos vícios, como o alcoolismo e a luxúria. Para complicar ainda mais sua situação, ele se apaixona por uma camponesa local, envolvendo-se em um relacionamento intenso que o desestabiliza emocionalmente. Buscando aliviar seu sofrimento com o corpo da jovem aldeã — representação simbólica da terra fecunda e selvagem — sente-se novamente sozinho e atormentado quando ela o abandona, privando-o dos prazeres de sua companhia.

A partir desse ponto, sua deterioração moral e psíquica se intensifica, culminando em um estado de loucura aterrorizante, onde ele se vê submerso nos efeitos alucinatórios do álcool e do isolamento. Misturando realidade e ficção, o texto captura sons, texturas, devaneios e delírios. Em essência, a narrativa se desdobra em uma história de névoas, florestas, isolamento, relacionamento tumultuado, êxtase, desatino, mas, acima de tudo, de autodescoberta, revelando uma personalidade aterrorizada e confusa.

Sonhos como raios telepáticos, hormônios que carregam uma espécie de linguagem que se pode escutar, vísceras transmitindo um mapa de sentimentos em voz alta — toda essa mistura molhada faz a leitura de Gene uma experiência absolutamente palpável. Um livro cheio de textura, na voz de uma narradora que parece estar em um futuro constante.

Aqui há uma espécie de dissociação de um “eu” que aponta para um buraco negro dentro dos ossos, dentro da alma, um buraco sem fim que precisa ser endereçado, nomeado, às vezes gritado mesmo, porque dali salta uma espécie de segunda voz, um duplo, livre e totalmente assustador. Como nomear um encontro tão fundo com isso tudo que se tem dentro? E é evidente que toda tentativa de nomear produz angústia, e aqui milhões de paisagens tentam traduzir a experiência que é atravessar um dia depois do outro, uma noite depois da outra, um pé depois do outro, uma palavra depois da outra: isso que chamamos de viver. E no meio da torrente de imagens, um segredo silencioso, uma via-crúcis que indica que a dissociação também é sintoma da paixão. E a paixão não deixa de ser angústia.

Hannah não tenta amenizar a própria angústia na febre da sua escrita, muito pelo contrário, sua angústia é o que vai transformando a linguagem dentro do próprio livro, fazendo de Gene algo muito mais profundo do que um livro de autoficção ou uma espécie de diário confessional focado em uma única temática. Gene é anti-tema. Aqui a palavra não é refúgio. É aventura, excitação da novidade, é dar gosto à dor que se sente debaixo da pele, é a autópsia de um tipo de sentimento que não tem forma. O livro aparece como uma ruminação de todas as palavras que um corpo pode conter ao longo de um punhado de anos. Nem sempre é óbvio sentir que se tem um corpo. Existimos, e existem estrelas, existem placas de ferro, existem canaviais, livros de poesia, garrafas pet, entulho, tudo existindo ao mesmo tempo, participando da mesma espera, da mesma imensidão.

carolina bianchi

Jarid Arraes
Escritora

**********

Não me chame de mãe é o romance de estreia de Adriana Moro. Um livro que nos coloca diante de cenas que fogem do óbvio, porque assim é a vida e assim somos nós. Ele se passa durante a trágica e inesperada pandemia do Covid-19, quando uma jovem se vê abandonada pelo companheiro e adoecida mentalmente pela solidão, com uma criança pequena para cuidar. Sem renda, sem ninguém em quem se apoiar, se depara com um diagnóstico inesperado de Transtorno do Espectro Autista da filha. O livro tem uma característica de trazer um choque de realidade, deixando documentada uma rotina de cuidados que aconteceram na pandemia, mas que muitos só viram pelos jornais. Por mais que a experiência humana pareça uma sucessão de consequências óbvias em que o passado explica e forja o futuro, não é assim que as coisas são na realidade.
É impossível terminar essa leitura sem se sentir transformado, especialmente na forma leviana que temos de julgar e compreender as histórias que não são as nossas próprias.

“Além de uma reflexão poderosa sobre o impacto das escolhas e o peso da maternidade, Não me chame de mãe é um comovente relato sobre as diversas formas de abandono e como sobrevivemos a eles”.

Fabiane Guimarães
Escritora

Quem conhece a trajetória poética de Flávio Adriano Nantes sabe que ela é uma estrada aberta com bisturi fino em floresta fechada. Sua poesia não é para os facões. Neste Os olhos de Capitu, estamos no meio de uma das clareiras que ele carpiu com sua lâmina delicada. Para dentro dela, o autor trouxe personagens alienadas dos padrões, confinadas às margens, recusadas todos os dias. Estamos agora todos juntos em círculo, no meio da mata, seu silêncio e umidade, e vamos nos olhar nos olhos: o autor, seus personagens e nós, leitores. Vamos olhar com os nossos olhos e com os olhos de Capitu, a musa condenada pela dúvida (Machado é outro tipo de bisturi) e julgada, ainda hoje, todos os dias. Agora, cada uma das personagens vai contar sua história. Flávio, professor, poeta, ensaísta, é quem conduz essa cerimônia que acabo de inventar.

A poesia está incrustada nos contos mais memorialistas, nos mais cinematográficos, e nos que arriscam outro olhar, o ressacado, da crônica. A poesia está nas epígrafes, nos intertextos, nas dedicatórias. A poesia ensaística de Flávio Adriano Nantes — os nomes triplos nos convocam à sigla, e a de Flávio, fan, evoca em inglês o vento, com o som da alegria, fun: Flávio, o vento com som de alegria — cria imagens sublimes.

Como a dos peixes que tentam equilibrar uma mãe com fome, uma sequência vibrante de “Os peixes e a bicicleta”. Ou como a da faxineira que, sem ter nada seu, inventa outro nome para si, só para ter mais coisas suas, em “Na praça santa”. No conto “Mme. Susete”, uma marafona envelhecida desabafa toda a dor do mundo contida em sua alcova: “Fui o que pude ser, amei como foi possível”. No conto “Sonhos”, uma estudante que queria porque queria comer o bombom Sonho de Valsa — o que custaria muito trabalho extra da mãe, costureira — tem seu desejo justificado no delírio miúdo: “A melodia não estava na dança-valsa, mas no ruído da embalagem”. Nos olhamos todos, na clareira da floresta, enternecidos. No conto “O Império do Congo”, a travesti Xica Manicongo grita: “Em minha terra eu era alegre como as árvores, também isso sequestraram de mim”.

Num dos contos mais dilacerantes, “A liturgia do corpo”, como sói às despedidas, um suicida só tem suas palavras para deixar em testamento: “Estou me retirando como sempre o fiz, de forma discreta e imperceptível. […] Às vezes a morte é só uma delicadeza”.

A delicadeza de Flávio Adriano Nantes nesta obra, no entanto, é sempre vida.

 Mariana Filgueiras

Jornalista, doutora em Literatura Brasileira pela Universidade Federal Fluminense e autora de O avesso do bordado (Companhia das Letras, 2023)

Pedro Minet

Quem, por exemplo, imaginaria que Quinha, o Sobrinho do Vento, em sua infância precisava atuar de gandula, atrás do golzinho da parte mais baixa da ladeira no Campinho da Rua de Cima? E Cabeção, quem poderia sugerir que era dele a ideia de se equilibrar, sem apoio algum, sobre um muro de mais de três metros de altura, apenas para jogar na Quadra da Escola? Riva, na sua adolescência, precisava se dividir entre as obrigações, de proteger o império de grandes empreendedores do tráfico de entorpecentes de sua família, e o desejo ardente de bater uma bola no domingo pela manhã. Poucos conseguem se privar dos prazeres para tratar das obrigações.

A infância na Vila do Sol nos anos 90 não foi fácil para ninguém. Muita coisa aconteceu. Cada um teve sua dose de complicação para enfrentar, em menor ou maior grau de intensidade. Porém, uma coisa era comum. A vontade de se tornar um craque da pelota, de fazer sucesso como jogador de futebol.

Por isso eles driblavam os percalços e seguiam firmes em seus propósitos, mesmo que tivessem que esperar meses até que a prefeitura tirasse o mato para poder jogar no Ranca-Rabo, ainda que no Campo do Pasto enfiassem metade da perna em um monte generoso de esterco. Nem as ameaças que sofreram na lendária partida na Jaula da Cúpula do Trovão poderiam parar aqueles obstinados. Aquilo sim, era resiliência de verdade.

Agora que jogam nos times mais poderosos do mundo, com salários astronômicos, desfilando sua habilidade nos gramados mais famosos do futebol, poucos param para perceber como superaram as adversidades que encontravam nos campinhos da Vila do Sol.

Tudo bem. Talvez não estejam jogando em times poderosos, recebendo salários astronômicos ou jogando em campos famosos. Sinceramente, a maioria deles nem pode mais jogar bola, por motivos óbvios. É muito provável que a Vila do Sol tenha oferecido bem mais adversidades que oportunidades.

Bom, é um motivo mais que justo para separar uns instantes e conhecer sua história. Entender o que destruiu seus sonhos é homenagear a trajetória daquela molecada. Em alguns casos, homenagear sua memória.

A história da Vila do Sol precisa ser conhecida.

A imaginação de ficcionista do escritor brasileiro Corisco Moura tem uma navegação nômade. O homem sem sombra desembarca com suas criaturas (que se volatilizam) nestas águas (que flutuam) muito ao sabor do vento. A ficção de Corisco namora a crônica, a poesia, o senso romanesco, o rigor formal em algum momento, o desabusado desarrumado em outros. Sua sintaxe e suas figuras linguísticas fazem variações onde o leitor tem de estar preparado para uma viagem entre cenários e palavras que tanto se aproximam quanto se afastam. É como se estivéssemos em uma vila estranha e incógnita da qual precisamos retirar as cortinas no pórtico.

“Os dias nasciam e morriam. Pessoas conversavam, arrastavam-se à procura de qualquer coisa. Esse barulho chegara aos seus ouvidos. João, porém, não escutava. Dormia um sono de eras. De dia ou de noite, as pálpebras, sempre fechadas, esperavam um milagre.”

Como João Cajueiro, o leitor é um estranho redivivo na vila criada pela imaginação de Corisco a partir de seus dados de realidade.

Autor de uma obra literária ainda incipiente, com a novela inicial A última aldeia (2017) e dois romances, Dois levados numa jangada (2022) e A correnteza (2023), este talvez seu livro mais bem acabado, pode-se dizer que com O homem sem sombra Corisco faz o que, a certa altura se diz no texto, se põe como uma caracterização da oscilação de consciência — desde sua linguagem flutuante, em busca dos abismos do homem sem sombra.

Eron Duarte Fagundes

Essa é a sensação que nos acompanha do início ao fim de 145: O Disque Amizade, de César Amorim. Esse romance que mistura suspense policial com tensão (ou seria tesão?) sexual, nos faz torcer pelo adolescente Henrique, que na década de 1990, numa Natal repleta de novidades e preconceitos (será que mudou?), descobre o Disque Amizade, o famigerado 145, serviço telefônico criado nessa mesma Natal, que “cruzava” chamadas telefônicas de forma anônima para homens e mulheres se conhecerem.

No auge dos seus 17 anos, sendo o garanhão da escola, Henrique esconde a todo custo o seu desejo por outros homens. Ele encontra na chamada anônima do 145 a coragem de manter uma conversa íntima com um “entendido”, que era o eufemismo usado à época para mascarar o preconceito. Esses encontros telemáticos precisavam acontecer nas madrugadas porque se Ernesto, o pai de Henrique, ou Jussara, a mãe do rapaz, imaginassem que o filho único, sonhado pelos pais para ser médico, era “entendido”, a casa cairia. E se, junto a isso, os pais descobrissem que, na verdade, o sonho do primogênito era fazer teatro e não medicina, aí a maldição estaria selada.

No entanto, esse não era o maior dos perigos no caminho de descoberta da sexualidade de Henrique. Nessa aparente pacata Natal, um assassino de homossexuais estava à solta, matando suas vítimas de forma cruel. E adivinha onde o serial killer encontrava as suas vítimas?

“145 – O Disque Amizade” é tensão/tesão do capítulo 1 ao epílogo. Uma leitura que te provoca a descobrir o assassino e a forma como Henrique vai dar conta de seu segredo. E você não precisa ter sido um Henrique, com 17 anos na década de 1990, em Natal, ligando para o 145, para se descobrir gay, como eu fui, para ser cativado por essa história. O romance de César Amorim, além de ser um delicioso thriller, com final surpreendente, é também um mergulho na intimidade de tantos homens que, ainda em 2024, escondem seus desejos e não conseguem viver sua sexualidade abertamente à luz do dia. Homens que buscam refúgio e um pouquinho de amor em aplicativos de relacionamento (o nosso “disque amizade” de hoje) e, muitas vezes, se arriscam em encontros secretos.

Henrique Fontes

A autora Glória Diógenes consubstancia gêneros em torno dos rastros da memória – bebe da crônica, do conto, do romance –  para nos conduzir à fluidez rítmica das narrativas que relatam e reinventam histórias da criança que foi, histórias das famílias Diógenes e Dos Santos, do mar e do sertão. Certamente, olhar o relógio herdado do bisavô (ou mesmo da vida) por incontáveis horas foi tarefa primorosa de Glória, que ora adiantou, ora fez tornar os ponteiros, conseguindo, assim, revolver o tempo, remontá-lo na palavra. A escrita de Glória sabe de Pound a lição: “só a emoção perdura”.

No mais: “Coragem é escavação”, artesiana Maria.

E escrever, escavar: sangue no olho d’água.

Sara Síntique

]]> https://editoraurutau.com/titulo/sangue-no-olho-dagua/feed 0 https://editoraurutau.com/titulo/rebeliao https://editoraurutau.com/titulo/rebeliao#respond Tue, 28 Jan 2025 18:53:59 +0000 https://editoraurutau.com/?post_type=product&p=23453 O homem é a natureza adquirindo consciência de si própria. Élisée Reclus

Uma paixão labiríntica entrega Thomas à nudez, disputa sua atenção ante um plano melindroso e obscuro de insurreição contra um governo totalitário. O desastre ambiental conduz a civilização à barbárie, e qualquer chance de sublimação da realidade é válida para um grupo de jovens ao qual somente restou a violência e a conspiração.

Sapucay é saber navegar no breu, especialmente quando se sabe que tem algo errado com a água. Aqui, o narrador perde o seu lugar. Não que ele esteja ausente. Pelo contrário. O que falta é o lugar onde ele está ou por onde passou. Se ele informa que o acidente aconteceu na “paliçada de Colibrina”, em seguida acrescenta que essa cidade já não existe. Pode ser no Rio Grande do Sul, em qualquer lugar do estado e, conforme o causo avança, no mundo como um todo. Neste hostil quinhão, que se estende por onde quer que vá, o narrador continua seguindo em frente, buscando arrebatamentos, perdendo o seu chão.

Sapucay é música, acompanhado de acordeão ou rabeca. Por isso, único lugar definido para o contador de histórias é a sua própria história. Ele habita o seu contar, o seu canto, sua forma específica — mas nunca pura — de narrar. É de prosódia a prosódia que viaja a rapsódia das várias histórias deste livro.

Sapucay é pássaro desconhecido, de canto longo mas nunca visto, que voa apenas na imaginação daqueles que dele não se esquecem.

Sapucay é grito. Grito de alegria, choro, desafogo. Surge com os Mbay-Guarani, ecoa pela Missões, pelos gauchos, é verdade, mas ninguém sabe dizer de onde vem. Talvez de Yase Yateré, cujo nome significa “pedaço da lua”, guardião da erva-mate e protetor das sestas. As narrativas aqui apresentadas não se esquecem dessa história ou do esquecimento dessa história (diferente de alguns frequentadores de Centros de Tradições Gaúchas, os ctgs), especialmente quando contam a vingança dos Charrua ou os planos de Yamandú, personagem criador e guia da peça de encerramento do livro, amigo dos cavalos, um tanto desgostoso com Adão e seus comparsas, que se desinteressam por seus causos e lembranças.

E é esse mesmo Yamandú, o velho, que agora devemos ouvir, já que nos convoca: “Vamos. Já passou da hora de tocarmos”.

Tiago Guilherme Pinheiro

O que significa viver bem? Alimentar-se corretamente, fazer exercícios? Ernesto, um superempata e médico ayurvédico, ao seguir ensinamentos milenares, depara-se com o segredo da eterna juventude na forma de um Kuti, uma construção de tipo especial que faz renascerem aqueles que conseguem cumprir seu tempo de sacrifício, dando à luz uma nova versão de si mesmos.

Determinado a compartilhar sua descoberta com o resto da humanidade, Ernesto é dissuadido por Rabanera, um chileno que surge primeiramente para alertá-lo. Diante de circunstâncias trágicas, Ernesto é introduzido a uma sociedade de semideuses, eternamente jovens, que se escondem completamente às vistas da humanidade. Em pleno solo mineiro, viceja a chamada Soviete, Sociedade da Vida Eterna, operando sob premissas comunais.

Maya Lydia, pesquisadora de geometrias associadas a outras dimensões, passa as noites tentando explorá-las pessoalmente durante os sonhos — parecem querer se comunicar com ela através deles. Seu encontro com Ernesto irá impulsionar suas vidas de formas inesperadas, onde cada um terá a chance de se aprofundar em seu próprio caminho.

Entre citações bíblicas e mitológicas e divagações sobre a finitude e os valores humanos, Sociedade da vida eterna se desenrola de maneira surpreendente, em um ritmo crescente que vai desaguar em um dilúvio. Este livro tem como temas de fundo a consciência e a capacidade de transformação humana, o medo do fim e a inesgotável busca pela felicidade.

Escorpião é uma longa carta. Nela, J. escreve a Lara anos depois de ter sido abandonado: “embora a gente tenha sido feliz e se amado muito, eu fui foi uma espécie de agonia para você. Tanto que você não aguentou e partiu, sem aviso nem nada. E não precisava. Eu sabia. Rói por dentro conviver com gente como eu.”

Quem é J.? Só posso te adiantar que ele é médico. Exímio cirurgião. E que, ao longo da vida, tornou-se não exatamente um homem pessimista, mas melancólico, sensível às frustrações, dificuldades, violências e abusos relatados por suas pacientes.

1. não consegue esquecer, mesmo já tendo se passado tanto tempo. Será que essa carta vai ser lida? Por que escrevê-la, então?

Para Philippe Lejeune, a carta, por definição, é uma partilha. Ao se dirigir a Lara, sua interlocutora, ele também passa a se ouvir. Ao partilhar sua voz, J. rompe o silêncio e narra seus dias, procurando dar um sentido à vida, mesmo que ilusório; procurando justificativas diante das máscaras que inventou para si ou tentando entender como suas escolhas, conscientes ou não, como os traumas que o marcaram foram determinantes para suas ações e sua percepção de mundo.

Como expressar tudo isso? A linguagem da carta é também uma linguagem-corpo, em que as palavras vão sendo impressas, ocupando e marcando nossa pele, imprimindo sentidos. Um corpo que, ainda que fale de si, carrega um endereçamento, um tu — outro corpo, outra pele, outra letra. Há um monólogo que se quer diálogo — fissura e desejo —; uma voz que se quer polifônica —, tentando acertar ritmo e compasso.

Entre a frieza do corte preciso e a incerteza do destino, o personagem hesita, questiona-se, reflete. Rasga e sutura a memória impiedosamente, procurando talvez um elo perdido, a medida de todas as coisas, o momento em que há uma reviravolta e que um novo destino se desenha, ainda mais incerto, mais angustiante.

Tal como um escorpião — conhecido por viver intensamente suas emoções (ainda que sombrias) e por buscar significados em tudo o que faz —, J. destila seu próprio veneno, num processo de limpeza e reinvenção de si mesmo.

Pois bem, esta carta-orelha é o meu processo de interpretação do Escorpião: texto rico, profundo e instigante.

Te desejo uma ótima leitura!

Atenciosamente,

Claudia Chigres

Cambuá vive em ciclos de vida e morte sempre voltando como ela mesma, coletando segredos tropicais em troca de sua tinta mágica, mas os ciclos chegaram ao fim, e, vazia de tinta, Cambuá é impedida de renascer.

O que nos faz sermos nós mesmos? Somos o nosso corpo ou existe algo além da matéria?

Deparada com a iminência de morte permanente, Cambuá embarca em uma jornada pela floresta para tentar encontrar respostas.

A história é narrada em primeira pessoa pelo alter ego do autor, o escritor e jornalista Lucas Portugal, diagnosticado com câncer no estômago, no baço e no pâncreas. É a confirmação do que ele sempre soube que aconteceria: ser acometido da enfermidade que matou seu pai há 38 anos. Irônico e sutil, direto e objetivo, em paralelo ao relato do cotidiano de doente terminal duelando com a morte, ele disseca o passado, recupera traumas ocultos no subconsciente, se rende a verdades até então camufladas, e se liberta de amarras imemoriais.

Mais do que uma obra ficcional baseada na realidade, Lucas protagoniza uma história plena de verdade e coragem, tornando-se exemplo de superação e de amor à arte, especialmente à literatura. Escancara a luta pela sobrevivência, os sonhos interrompidos, a ironia de se ver à morte quando estava na iminência de mudar de vida, então insossa, apartada dos contextos familiar e social. A narrativa de Lucas recupera memórias, desnuda convivências familiares tóxicas em meio a um mundo caótico e em reconfiguração ao longo dos últimos sessenta anos, enuncia um caráter introvertido, sinuoso, enigmático, e evidencia suas diferenças com o pai, morto aos 43 anos. É um acerto de contas do autor consigo, com o passado e o presente, em meio ao embate contra um algoz geralmente mortal. A jornada do autor-narrador-personagem é um mistério a ser decifrado, porquanto guarda um milagre, embora ele credite sua salvação à Medicina, à força mental, ao apoio da família e ao apego à vida.

Existe algo de melancólico em toda cidade: o cinza dos muros decadentes; o cinza das paredes protegidas por cercas elétricas; o cinza dos postes com seus poleiros emaranhados; a ação do tempo num espaço que vive ao mesmo tempo em tantos tempos. No caso de Porto Alegre, a ironia está na promessa de seu nome.

Tiana é uma jovem detalhista e reservada que trabalha na Interajuda, uma companhia para clientes com dificuldades intersociais, produzindo roteiros da vida real para auxiliá-los a lidar com diferentes situações cotidianas. Um dia, Tiana começa a receber de uma fonte anônima roteiros sobre sua própria vida, que parecem capazes de prever ou produzir o futuro. As alterações propostas por esses roteiros têm impacto na relação de Tiana com seu pai, Rubem — com quem tem uma relação difícil e cuja doença começa a se agravar — e com Lorena, sua namorada, de quem esconde o fato de seu pai ainda estar vivo. Entre o relacionamento amoroso ameaçado, a iminente morte do pai e uma viagem ao Peru para reencontrar a mãe, Tiana precisa tomar uma posição sobre quem vai escrever seu futuro.

A melancolia transposta para O Voo do Pardal bebeu do narrador de Daniel Alarcón em seu livro À noite andamos em círculos, no qual acompanhamos as personagens por um país sem nome numa encruzilhada teatral quase surrealista; do filme Her, de Spike Jonze, e sua magistral representação de como a tecnologia pode auxiliar na terceirização de nossas relações sociais; e mais estranhamente do anime Steins;Gate, de Masahiro Yokotani, cujos aspectos de ficção científica e viagem no tempo ajudaram a moldar certa esquisitice da história.

Este roteiro de longa-metragem, escrito em 2018, foi semifinalista do Festival de Roteiro Audiovisual de Porto Alegre em 2020. Seja na tela ou no papel, O Voo do Pardal se alçou com um destino já bem definido: contar uma boa história para mais de um tempo.

Giovana Oliveira

Anita é uma narradora encantadora de serpentes. Tão sacana quanto as personagens com que se encontra. No entanto, nada em Anita me soa mesquinho. Sacaneia para dar uma rasteira na sacanagem; se defende como pode. Sem um pingo de hipocrisia ou autocomiseração. Uma filha proscrita de Alice Munro com Philip Roth, que vive dentro da própria cabeça ao mesmo tempo, em que sabe ser corpo, em que sabe ser pele. Em Anita, tudo é espontâneo e pensado: vive solta, mas parece ter vivido para poder contar, o que fica claro no capítulo sobre a morte do ginecologista e confidente. Afinal, o que pode restar de um narrador sem falsos pudores, (auto)irônico e arguto, sem a presença de um ouvinte à sua altura?

Mas o caso é que Anita não é feita só de alfinetadas. Com suas agulhas, também soube bordar sobre si um manto de memórias finas. No trecho em que ela revisita sua coleção de objetos — a matéria viva do que restou —, Anita dialoga com a memória dos pais e de tudo que, tendo se dissipado, serviu para parir uma nova Anita, lúcida e — por que não dizer? — ainda mais livre.

Do vivido, contudo, parece ter sido guardada uma voz severa, direta, cortante, em que não se medeiam os subterfúgios. E foi conservada com o propósito de urdir a linguagem deste relato em primeira pessoa, na certeza de que o único pecadilho de Anita foi — e continua a ser — a inescapável franqueza consigo mesma, numa absoluta impossibilidade de refrear o desejo. Como disse Geni Nuñez, não há que se pedir perdão quando nunca se concordou com a noção de pecado.

Paula Novais Ferreira

Feita essa pequena descrição, importa dizer que não se trata de mera antologia de contos acerca de uma mesma época e reunidos em volume, mas de um conjunto de narrativas em que se encaixam personagens em cujos retratos sempre aparece, curiosamente, a expressão “antípodas da fábula”, ou, na origem, dos que eram fabulosamente os antípodas.

A expressão, no entanto, ganha um novo sentido aqui, e cabe ao leitor desvendá-lo, como atributo de seus personagens, à medida que os vai conhecendo. Assim também é que se compõe o verbete de um dicionário, ou se compreende a extensão de um vocábulo. Lemos suas ocorrências, buscamos delimitar os sentidos, traçar um círculo que o defina, para depois novamente compreendê-lo, dentro de sua amplitude, em cada uma das ocorrências. Este é mais um atrativo do livro, que faz de sua leitura um exercício de compreensão, um quebra-cabeça semântico.

Ao iniciar a leitura do primeiro conto, de imediato nos lembramos de que Vinicius publicou antes um livro de poemas: é muito evidente o cuidado na escolha das palavras, que, além de obedecerem a um andamento melódico da frase, preocupação de alguém que tem um ouvido atento e limado pela escrita poética, são mais que o veículo transparente de um enredo; por sua origem e por estarem na boca de determinadas figuras, retratam seus caracteres, sua classe social, seus costumes, de modo mais efetivo que uma descrição detalhada o faria.

Não bastasse o cuidado que desde o início percebemos, o estilo dos contos nem por isso será o mesmo no decorrer do livro. Lemos textos que passeiam por referências diferentes. Ora vem à mente um poeta na claridade deserta de sua lâmpada, ora o modo singelo de quem falou o sertão de Minas, ou de quem trouxe um lado marginal de São Paulo para a literatura, em contos como “Maria de Jesus de Souza (Perfume de Gardênia)”.

Por outro lado, seus contos se assemelham na estrutura da narrativa. Neste ponto, pensamos logo em Dublinenses, cujos desfechos de cada texto trazem sempre um elemento inesperado e surpreendente para o leitor — aqui, dentro da causalidade possível, Vinicius escolhe a maneira mais crua de, com um desfecho particular, evidenciar a realidade que cerca seus personagens. Essas são referências ou diálogos que estes contos oferecem ao leitor, ora bem servido e, seguramente, muito afortunado pela leitura que tem em mãos.

Aristóteles Angheben Predebon

Em Uma rosa para Jack, acompanhamos um homem com câncer que acaba ferindo as pessoas ao seu redor por causa de seu sofrimento até afastá-las de sua vida. E se já é difícil imaginar a sensação de finitude iminente, tente a de uma dor excruciante que nunca passa. É nesse cenário que Jack conhece um floricultor que lhe oferece uma solução miraculosa: uma rosa, sua rosa. E, a cada pétala arrancada, sua dor vai embora temporariamente, o que dá tempo para que Jack se recomponha e tente fazer as pazes com a própria vida.

Influenciado por autores como Fiodor Dostoievski e Oscar Wilde, esse livro é um convite à reflexão sobre temas como o sofrimento, a solidão, a perda da identidade e o valor da existência quando já não se tem mais qualidade de vida. Mais do que contar uma história, é uma ode a todas as pessoas que sofrem por qualquer motivo.

Rejane Gonçalves

Um livro que nos aproxima de personagens com vivências de gênero e sexualidade imersas na complexidade de estarem situadas socialmente à margem em um contexto interiorano, com as quais refletimos sobre as diversas violências, visíveis ou não, que ferem feito lâmina as nossas existências e também sobre os respiros possíveis, como o afeto e a identificação que amparam e oferecem oportunidades para vislumbrarmos outras formas de viver e estar junto. A narrativa ainda toca em temas como a desigualdade social, o desemparo, as perdas e a morte, mas também celebra a alegria dos encontros e a preservação da memória das pessoas que amamos.

Mesclando diferentes modos de narrar e vozes narrativas, passando pelo formato epistolar, pelo fluxo de pensamento, ao mesmo tempo em que explora ou esgarça os limites entre ficção e biografia, Transpirar anzóis em vastos desertos é escrito com uma linguagem poética através da qual são construídas belas imagens que por vezes sobrepõem temporalidades, sentimentos e lugares, afinal é sempre ontem, esse tempo anzol. Habitado não só por mim, por você ou pelos peixes, mas por todos os camelos. Há tudo de mar no deserto e tudo de deserto no mar que não se diz.

Nele, mar e deserto, afeto e raiva podem ser moldura e reflexo de um mesmo espelho, não como algo que seja equivalente entre si, mas como lugares onde novos movimentos podem ser inventados, seja através do gesto da fuga, dos laços de afeto que podem ser tramados e cultivados ou daquilo que pode ser feito e dito apesar do silenciamento e das violências da norma e como podemos então desde aí reinscrever com/entre essas palavras a nossa própria história. Talvez seja precisamente por isso que ainda montamos nos lombos dos camelos e transpiramos anzóis, meu querido, para que cedo não morramos.

Mariana Paim

Há obras que contam uma história, enquanto as abelhas suicidas foram à praia e ainda não voltaram faz algo muito além. São histórias inteiras. São almas dilaceradas e transformadas em palavras no papel. Não há nada pela metade. Conhecemos os personagens de maneira tão profunda que é possível sentir as diferentes dores, angústias, prazeres, desejos, medos, aflições e arrependimentos na própria pele.

Do prazer da sexualidade a tragédias familiares (por vezes, os dois ao mesmo tempo), Liara Oliveira nos envolve em uma narrativa que é esteticamente surpreendente e literariamente intensa. As frases são curtas e marcantes, expondo muito bem a psicologia humana e tudo aquilo que é socialmente considerado como feio, proibido. E é justamente esse feio, esse proibido que é transformado em palavras muito bem encaixadas que nos fazem ansiar pela próxima página.

A maneira com que os capítulos são construídos, com até mesmo o espaço em branco sendo carregado de significados, encanta o leitor e expõe a genialidade artística e criatividade da autora (algo que, na verdade, pode ser notado já no título!). Nada aqui é clichê, ao mesmo tempo em que tudo é. São temas que impactam nossas vidas há muito, muito tempo, e não há como não se identificar em um aspecto ou outro. Cada linha acrescenta camadas e texturas para a composição do livro como um todo, ao mesmo tempo em que cada página poderia ser uma única obra de igual valor, tamanha é a profundidade das palavras contidas aqui.

Não há nada preto e branco, mas sim uma explosão de cores e sentimentos tão profundos e complexos quanto é naturalmente a existência humana. É fascinante acompanhar parágrafos que tiram o fôlego com personagens apresentados de maneira tão honesta e visceral.

Ariel F. Hitz

A narrativa une o cotidiano no Rio de Janeiro durante o turbulento segundo turno de 2022, com recortes de uma infância em Curitiba e histórias de família vividas no interior do Paraná. Com habilidade, a autora consegue dar um contorno e agregar personagens díspares e momentos da nossa história política, criando um enredo envolvente que traz à tona, entre os meandros de relacionamentos afetivos, temas como fascismo, democracia e luto.

“A vida tem muitas formas. Uma delas é feita da experiência dos instantes. Dispensa romances e histórias épicas”. Na invenção deste mito familiar, acompanhamos a captura de instantes perdidos no tempo entremeados por, sim, algo de épico, em uma construção íntima e ao mesmo tempo coletiva. A própria Camila anuncia: “Agora sou eu que preciso te contar uma história. Mesmo que seja tudo mentira, pouco importa. Às vezes, para tocar o real, precisamos da ficção.”

Para tocar o real, Maricia se vale de muitos fios e instantes, dos mais triviais aos mais complexos, e surpreende ao resgatar o surgimento do movimento fascista na cidade interiorana durante o século passado. Como um contraponto à violência urbana e ascensão da extrema direita, a autora se vale ainda de cenas eróticas muito bem construídas, explorando as múltiplas facetas da personagem.

Camila, na contracorrente da história, segue mergulhando em mares desconhecidos, em busca de algo ainda não nomeado. Somos convidados a suspender nossas certezas e a penetrar nesses mares.

Patricia Dias

Ao longo de 19 contos, a autora nos apresenta situações que, em sua superfície, são singelas e quase banais, e na medida em que a trama avança, amplificam uma atmosfera pouco acolhedora, que delineia com sutileza o que se esconde de estranho e aterrador nas situações abordadas, efeito este maximizado por uma escrita sóbria e econômica. Esta dialoga com a crônica em alguns momentos, alimentando no leitor o gosto pelos pequenos sadismos do cotidiano. O resultado disso é o entrelaçamento entre espanto e humor, como bem vemos nos contos “Vacilo de polaca” ou “Eclipse no Bloco Bicharada”.

Ao delinear situações nas quais os incômodos crescem gradualmente, Silvia Argenta atiça uma curiosidade mórbida no leitor e brinca com suas expectativas. Em Olhos Contados, é aparente que os núcleos de suas narrativas — a família, os melhores amigos, as vizinhanças — apresentam rachaduras silenciosas que, antes de implodir suas estruturas, desgastam-nas sem pressa. A imagem do véu de noiva que vai “virando uma gosma de tecido” ao contato com a chuva em “A lenda da noiva fantasma” é, nesse sentido, emblemática para descrever essa característica do livro: ele é repleto de dinâmicas que tendem à desintegração, seja quando pende ao realismo ou ao absurdo, como bem vemos na relação entre a avó curandeira e a neta acamada em “Olhos de guaraná” ou entre a mãe rígida e a filha irrequieta em “Métrica”.

Há também contos que pincelam possibilidades de resolução pelo extremo. Temos isso no desfecho insólito de “Chuva de cuspes” e em detalhes como a mágoa expressa por uma dentista em meio ao ensurdecedor som das brocas enquanto atende a melhor amiga em “A modelo do scarpin”. A excitação pelo pior se coloca como ponto forte dessas narrativas, e através disso, ameaçando a todo momento revelar mais sobre o próprio leitor do que ele supunha, efeito esse amplificado pelo contraste com narrativas tocantes como a de “A garagem que não guardava carro”.

O resultado dessa mistura entre o mórbido e o banal, o extremo e o delicado é um livro cuja unidade é difícil de definir, mas também de resistir.

Susy Freitas

Através do prólogo, um depoimento de um psiquiatra que recebe um manuscrito, recurso engenhoso usado na literatura francesa do século XIX, somos apresentados a Francisco Eriberto, que em primeira pessoa narra de forma alucinada sua vida em meio a um casamento frio, um emprego burocrático e ocasionais saídas com amigos e colegas de trabalho.

Porém o aparente marasmo é só uma casca, pois tanto a alma como a própria vida de Eriberto estão repletas de amargura, traumas e propensão à autodestruição e suicídio (como o próprio título do romance nos dá o spoiler), o que leva nosso anti-herói a uma jornada joyceana, cheia de sexo, farras, traições, drogas e álcool, em uma Natal decadente e hostil.

Eriberto desce, como Orfeu, ao inferno da cidade e de seus (des)encantos e também ao Hades de sua própria alma, relembrando feridas emocionais não cicatrizadas, como um abuso que sofreu na infância, a morte dolorosa do seu cão (quando constatou que Deus não existe), as primeiras (e desastradas) experiências sexuais, o relacionamento difícil com o pai e o irmão. Enfim, um prato cheio para Freud, Jung, Lacan e Foucault.

Mas aqui não se trata de psicanálise, e sim de — excelente — literatura. É através dela que William Eloi se faz impor com seu protagonista e que nos convida a descer aos infernos com ele. E em meio a tanta dor, solidão e hedonismo, fica claro que — para autor e personagem — a literatura, como investigação profunda de um mundo complexo, e também como ferramenta para autodescoberta, pode ser salvação e redenção.

Cefas Carvalho

Jornalista e escritor

Laços familiares conturbados, infâncias negadas pela exploração do trabalho infantil, relações interesseiras, fome de dinheiro, racismo, xenofobia, o papel da mulher, epilepsia, a disputa pela propriedade da terra — gêmeos univitelinos e a primeira fase de suas vidas permeada por esse tipo de experiências, interpretadas sob óticas divergentes.

Sim, são univitelinos (ou monozigóticos), originam-se de um único óvulo, que foi fecundado pelo espermatozoide e só então se dividiu em dois. Possuem, assim, exatamente a mesma coleção de genes, mas as semelhanças acabam por aí. Ah, e há a irmã mais velha — quase trigêmea. E um índio-herói-santo a acompanhar essa história.

O passado nem sempre é pretérito, tempo que não volta mais…

Até quando há companheirismo, afeto, amizade, há egoísmo.

Dois irmãos, Júnior e Eduardo, enraizados na segurança da classe média, nas reuniões em bares, em bandos, com as discussões pequeno-burguesas de praxe, o veganismo, o ativismo de internet, o bloco de carnaval, a saúde mental, os relacionamentos, os grupos de WhatsApp da família, a luta possível contra as pautas conservadoras todas; encontramos aqui um relato impiedoso de uma geração deslumbrada com suas próprias dores, formatando um mundo cor-de-rosa que se lixa para as concepções egocêntricas de uma bolha que, paradoxalmente, é a salvaguarda para essa turma.

Em meio a um desterro a dois e à inevitável separação, Eduardo, o mais novo, acompanha, com espanto, um vírus misterioso espalhar a incerteza pelo capitalismo, uma doença inédita agitando os alicerces frágeis do conforto assalariado.

Inicialmente a sociedade compra essa ideia de gripezinha, esse projeto, e, ao reconhecer o perigo, se divide e aguça, esgarça essa segmentação até patamares inimagináveis.

Os irmãos podem se isolar, podem iniciar sem maiores traumas a quarentena de anos, tornam-se experts em gráficos, em planilhas, em indicadores, enquanto uma outra parcela, antes com alguns pontos de convergência e agora completamente separada, descobre a eficácia das fake news, a barbaridade dos deep fakes, engatinhando na era pré-inteligência-artificial.

Os irmãos assistem, alarmados e impotentes, a um ambiente inteiro pronto, arrematado, surgir no horizonte de seus celulares e se recolhem ainda mais, horrorizados. É a grande charada desvendada neste livro: foram eles que optaram por se afastar da realidade, foram eles que expulsaram as teorias da conspiração da ordem do dia, foram eles que, do alto de seu direito ao home office, da garantia de que a plutocracia encontraria uma guarida para o darwinismo social reconfigurado, foram eles que abandonaram o jogo.

E o jogo estava fácil de ser vencido: bastava a empatia, bastava o diálogo, bastava a paciência, mas o encastelamento é mais eficiente: nossas utopias nunca nos confrontarão.

Eduardo e Júnior sabem muito bem disto.

Whisner Fraga

Com uma escrita perspicaz, leve e cuidadosa, o livro passeia por cenários mitológicos, cosmogônicos, históricos, contemporâneos e até mesmo por mundos inéditos, da fantasia ao realismo fantástico, para acompanhar os passos e sentidos do corpo, que é flor do espírito, e da alma, fruto do corpo, que não andam separados aqui. Passos esses de diversas corporeidades de criaturas animais, povos, objetos, lugares, deuses e guardiões ancestrais necessariamente marcados pelas relações que implicam as palavras e pelas relações humanas que marcam os corpos e são o cerne de toda literatura, e que aqui criam estradas para o enfrentamento da perda, das relações de dominação e de abuso, para que se possa desvelar, numa lenta e desafiadora abertura aos outros e a estranheza que isso implica, o desabrochar de novos mundos.

Emília Duncan é figurinista de teatro, cinema e televisão.

Cabanos é um romance literário que, a partir de uma fascinante narrativa poética, expõe as feridas do Brasil Colônia. Li o original como se estivesse vendo um filme, de tão bem construídas as imagens. Ronaldo Fialho extrapola os limites do romance regional, embora retrate de maneira primorosa os costumes, o folclore e, principalmente, a fala dos caboclos no Norte do país. É uma história arrebatadora!

Moacir Chaves é diretor e professor de teatro.

O fato de a personagem narrar sua própria trajetória é o que torna tudo mais intrigante. Mas a quem interessa a história de uma mulher negra, ainda mais quando ela mesma se anuncia quase como alguém sem importância, que vive em um “[…] abismo intransponível entre o sonho e o possível”? Uma cidadã de segunda classe — como poderia dizer Buchi Emecheta ou Françoise Ega?

Maria, dona de dores, desejos, sonhos e desilusões. Uma vida comum, quase banal, que se faz única pela capacidade de registrar de forma habilidosa suas experiências, com simplicidade e crueza em um texto direto, com urgência, detalhes e emoções que a colocam, uma personagem inventada, ao lado de personalidades notáveis como Maria Firmina dos Reis, que abriu picada no mato para que Carolina Maria de Jesus e tantas outras pudessem pisar e construir uma estrada pavimentada, a qual certamente levou Márcia Silveira a criar, em pensamento e palavras, Dona das Dores.

A personagem tem tanto sentimento que tive dúvidas, por mais de uma vez, se Márcia Silveira a teria inventado. Fiquei na esperança de que ela fosse real. Quase me convenci de sua existência ao ler o bem elaborado epílogo, que traz um desfecho necessário.

O primeiro romance de Márcia Silveira, vencedor do Prêmio Carolina Maria de Jesus de Literatura (2023), se insere numa avalanche de histórias sobre mulheres brasileiras, personagens reais e inventadas que precisam existir e se comunicar com o mundo atual, de modo que futuros mais prósperos possam ser sonhados, prospectados e, de fato, criados e desfrutados por todas as pessoas deste planeta.

__

Trecho da apresentação de Rachel Quintiliano, jornalista e escritora.

Como pano de fundo, o livro aborda temas que estão em ebulição na sociedade — entre eles, violência contra a mulher e saúde mental — e reverbera uma das bandeiras mais explícitas da produção cultural do Brasil de hoje: a importância de dar às vozes menos favorecidas o poder sobre suas próprias narrativas. Assim, com seu perturbador A verdade é vagabunda, Lina Borbi estreia na ficção brasileira contemporânea de forma promissora, advogando o poder (e a poesia) das palavras em estado bruto.

Diolinda Hubner
Escritora

Tudo ocorre como se as rendas — as tramas — fossem feitas sem o auxílio das mãos: apenas mente e coração direto no papel. Só um artista que tem a circulação literária natural nas veias, como sangue — e é —, os batimentos cardíacos no ritmo da criação, é capaz de construir textos densos e leves ao mesmo tempo, na mesma trama. Os contos são narrados com galhardia, passeio de paisagens deslumbrantes, com natural espanto, como se a tomar um copo d’água. Tal é a força na literatura de Rafael: a fonte da qual bebe produz beleza.

Se não houvesse um nome a identificar o autor, seria perfeitamente possível enxergar as estradas de Graciliano, Adélia… É Rafael de Souza. Com todo o seu talento a desfilar por suas estradas, jardins, planícies, rios, matas. Cachoeiras de emoção — sem perder o tino — a cobrir os olhos nos solavancos e descansos das páginas. Tempo vivo no coração do leitor.

Trata-se, portanto, de um livro de certezas: técnica irretocável, dosagem de emoção absolutamente equilibrada, liberdade sem medida… Eis que grande livro chegou às mãos dos leitores. Por certo aproveitará cada palavra que compõe o enredo dessas histórias com fome: e será saciado, por certo. Claro que ficará o desejo da repetição.

O barulho da chuva caindo tem cheiro, sabor… vida corrente. Viva!

Inaldo Tenório de Moura Cavalcanti

Há uma axiomática peculiar em Anatomia de um destroço: Deisiana Damarat coloca a substância do sentido na sintaxe de suas palavras, que alcançam da calma ao arrepio, do sensível ao ardente, do limbo das ideias que rabisca para a sobrevivência das suas palavras. A autora aprofunda na pele a análise da conjuntura contemporânea da poesia e da prosa, do livro aberto e difuso, construindo uma literatura não-hermética e de estreia. Deixa espalhar os ângulos e virtudes da composição da sua escrita — visceral, com a função de espírito de materialidade de escuta — a escrita dos pensamentos desanatômicos que se transformam em linhas desdobráveis para o autoconhecimento, autoentendimento e autocompreensão da potência do ser humano. Deisiana escreve com um aprofundamento libertador-terapêutico que encanta e comove. Sua tipologia analítica e crítica é admirável. Ler sua obra é uma experiência do espírito: ver para reparar, ler para amparar. Leiam Deisiana Damarat: ela é capaz de elevar sua escrita literária para altos patamares de planos e concepções, com um repertório rico e sensível. Anatomia de um destroço é, afinal, uma produção sólida de uma competente escritora no mercado editorial.

Marianne Freire

Kátia Bandeira de Mello é signatária de uma arte heterodoxa, instância em que palavra, imagem e plasticidade se metamorfoseiam em densa e intensa polifonia. E é com o cinzel afiadíssimo que realiza as incisões para revelar os multifacéticos contornos de uma escrita visceralmente ligada aos signos da linguagem. Seu estilete não economiza energia estética para burilar e revelar camadas semióticas, para, sob essa praxis, subverter e rebatizar o significante Molduras. Não há limite, fronteira ou litoral para o alcance caleidoscópico de seu olhar sátiro-crítico-reflexivo; dele brotam os desdobramentos, experimentações, remixagens e paradoxos ante a articulação com o verbo que se transforma em tecido de sofisticada textura. Com ousadia, ela vem ao longo de sua carreira revelando uma performance invulgar.
Eltânia André

João Rasteiro

Sair em viagem na busca de um nome é o que resta. O narrador atravessa desertos e litorais e atraca em uma ilha de encontros inusitados: uma pessoa de perucas, um cavalo que faz lembrar da vida inteira, uma pergunta improvável, capaz de contorcer as próprias questões.

Há um mistério que se avoluma pelas páginas deste livro, um mistério que nos guia como se estivéssemos no dorso de um cavalo, adentrando uma floresta cheia de segredos e nenhuma visibilidade. E no fim é a ficção que encontramos, nos lembrando que a memória é terreno de vazios e invenções.

Sevegnani nos oferece um romance que também versa sobre a reorganização da própria linguagem no momento em que perdemos as palavras capazes de definir certas fendas da vida. Escrito em combinações de imagens que o autor reorganiza em sua paisagem literária, Cisne de vidro torna-se um romance sedutor pelos inesperados que provoca.

Marina Monteiro

Quem narra essa história é Laura, filha da segunda família, que, de criança exilada de uma vida da qual ela deseja participar, acaba por tomar as rédeas da própria existência, se colocando em um protagonismo que é, simultaneamente desafiante e libertador. Annie Ernaux, vencedora do prêmio Nobel, ao falar sobre seu livro O acontecimento, diz que traz à tona uma memória terrível para salvá-la para o futuro. Diz ainda que “a realidade sempre nos escapa. Mas é preciso tentar mesmo assim nomeá-la”. E é essa a operação que a narradora faz, ao procurar o lugar da própria vida atravessada por escolhas que, de partida, não foram suas: nomear a experiência, salvar para o futuro.

Ernaux é aqui convocada por ser essa autora responsável por um certo realce nos debates em torno da autoficção nos últimos anos, e porque é da vida vivida que Raja vai retirar o material de sua fabulação. Observe-se, porém, que Raja não escreve autoficção, mas vai, na própria história, nas memórias e na reconstituição do vivido procurar o fio que dá luz às suas personagens, o que torna esta uma operação complexa, especialmente na construção dos personagens que transitam nessa narrativa, com destaque para o pai e Ana, uma das irmãs. Nesse sentido, um pequeno spoiler: a autora consegue dotar a todos os personagens de dramaticidade, peso, construindo-os como seres da ficção. Isso não é pouco.

Saúdo esse livro, essa estreia. Fiquem atentos a Ana Raja.

Micheliny Verunschk é escritora

Paula Groff

Dan de Lima é o que podemos chamar de escritor de ciclos. Quando criança escrevia histórias fantásticas baseadas nos filmes e livros que consumia; em sua adolescência e no início da vida adulta, passou a se embrenhar nas histórias de terror e horror, mas só de fato se encontrou como escritor após assistir à série televisa Lost e se apaixonar totalmente pela construção do roteiro. A partir daí, influenciado também pelos quadrinhos de The Walking Dead, de Robert Kirkman, jogou tudo em um liquidificador e transformou em uma marca própria: histórias fantásticas, viscerais e ao mesmo tempo extremamente humanas. Juntou o gore das histórias clássicas de zumbis com reflexões filosóficas sobre o que é de fato a vida e a morte.

O livro que você tem em mãos é diferente de muita coisa que você já viu, começando por este texto de orelha, escrito não por um amigo ou familiar, mas por um personagem de um dos mundos criados por Dan. Não apenas um simples personagem, um personagem morto apresentando um livro sobre a morte. Parafraseio Brás Cubas ao deixar aqui não minhas memórias, mas uma transfiguração da mente de quem me criou. Nada melhor do que isso para lhe mostrar que esta obra é, antes de tudo, humana, mas dramática e tensa. Um condensado de tudo o que sentimos diante do luto e provavelmente de tudo o que sentiremos diante de nosso próprio fim.

Vivendo quase sem escolha em um cenário violento e rude, os personagens simples expressam a profundidade da tragédia humana. É o que temos na história de desejo, violência e ódio entre Mariano e Marianita e, em cantos menores, como a verdade aguda encarnada na existência do menino Zico. É na inverdade que movimenta o círculo vicioso de desigualdade, desconfiança e violência que o autor identifica o mecanismo que mantém ativo esse universo sem redenção. Desse modo, no reconhecimento da impostura, o leitor é conduzido à verdade.

Confissão de fé, Sete saias nos lembra que a verdade não é uma coisa que cabe na mão humana. É um caminho que se escolhe e atravessa.

Neri de Barros Almeida

Todas essas perguntas (e tantas outras, que ainda não me ocorreram) se oferecem ao leitor dos contos de O ponto de vista do hamster, mas pouca ou nenhuma atenção receberam do autor.

Depois de alguma resistência inicial, o Senhor Daniel Knight parece ter engolido o argumento de gente muito mais francesa e mais premiada do que ele: em uma terra onde cada cidadão fabrica os próprios fatos, em um período histórico no qual teoremas matemáticos dependem de crença e de boa-fé, escrever algo que não corresponda a uma verdade inabalável configura risco à segurança pública. Não se esqueça que, a partir da Revolução Cristiana, todo escritor tem os direitos autorais das múltiplas interpretações de seus leitores.

Sem imaginação que as filtre, realidades se engastalham umas nas outras. Qual delas defenderemos? A nossa, é claro. Dom Casmurro não pode resmungar sua dor de corno no mesmo mundo iniciado pelo Big Bang há bilhões de anos. Brás Cubas não pode escrever, direto do além-túmulo, no mesmo universo em que Moisés abriu o Mar Vermelho. Daí, concluímos que as principais falhas literárias de Machado de Assis foram não ter inventado o Big Bang e não ter escrito a Bíblia.

O Senhor Daniel Knight, conforme desenvolve seu projeto criativo, elaborado a partir de 2008, pretende continuar de onde o Bruxo do Cosme Velho parou, exatos cem anos antes. As histórias com agá minúsculo se exauriram; resta aos escritores dominar a com agá maiúsculo.

Se, em seus dois romances de estreia, nosso escritor antirrealista inventou uma metrópole multicultural chamada São Paulo, cortada pelo Trópico de Câncer, agora, neste livro de contos, começa a esboçar um país que abrangerá sua cidade garoenta. Aposto que se chamará Brasil.

Lucífero Passarini

Se, por um lado, escuto, fragmentadamente, as várias vozes d’A menina que carrega oceano na cabeça, e as vozes daquelas que se cruzam com ela, por outro Filomena faz com que eu imagine visualmente cada uma delas (uma protagonista com dores justificadas e necessárias de pescoço, Manoel [de Barros], um ventilador ou uma bicicleta) circulando num universo tão particularmente terno quanto dialético. São, de facto, os diálogos ou a conversa gigante que a menina tem com ela mesma que motivam e marcam os segmentos verbais desta odisseia individual.

Escrever é preciso, viajar não é preciso.

Não é sobre travessias ou travessuras que a Menina está a pensar.

Pensa nos modos.

Nos modos que as letras, as frases e os pensamentos movimentam.

A travessia, de quem se endireita permanentemente sob as dificuldades de suportar o oceano sobre os ombros, materializa-se, portanto, na palavra; e a diversidade polifónica d’A menina corresponde, de modo inequívoco, à hibridez formal que se desenvolve invariavelmente entre géneros: microconto, prosa poética, poema, carta?

Não há como definir A menina que carrega oceano na cabeça. E é precisamente da liberdade da indefinição que Filomena está falando.

— Não sei se entenderam. Sei que contei suas histórias da forma que me chegavam. Se você estava confusa, talvez eu não tenha conseguido desfazer a confusão. Respeitei o que dizia, não quis interferir e nem criar nada. Se calhar estava errado. Talvez fosse melhor se tivesse inventado umas coisinhas ali e aqui.

Patrícia Lino

Carola Ponto

A protagonista, Divina, tem o dom dos grandes personagens: linguagem, força, beleza. Sua história é contada por ela mesma e pela bisneta que, movida pelo desejo de desvendar quem foi a bisavó que a família desconhece ou esconde, torna-se a narradora dessa jornada. As duas vozes se complementam lindamente e fluem sem obstáculos, dando a Divina a primazia de uma linguagem que sobressai pelo lirismo, contundência, veracidade.

A trama consistente e original prende nossa atenção, comove. Com sutilezas e suspenses, vai desenrolando seus fios perturbadores: os bastidores de uma casa de prostituição, casa que Divina construiu quase do nada e manteve enfatizando seu lado de acolhimento e solidariedade; o mundo escondido das crianças protegidas por todos que viviam ali; a complexidade dos sentimentos entre Divina e o filho; os amores que, entre conflitos e contradições, surgem com a potência de destruir barreiras e se impor ao tempo.

Os personagens que gravitam em torno da figura de Divina adquirem carne e alma por meio de seus atos e comportamento. Natã, Hercília e Jamila nos mostram, com muita sensibilidade, que a vida nunca foi só de flores, tampouco só de amores.

Há vida que pulsa. Há abandonos. Há emoção que nos envolve. Há uma mangueira e um caroço de manga. Há água do córrego que corre lavando pés. Há frêmitos e paixão. Como em toda ficção nas mãos de um escritor digno do nome, há verdade.

Saímos dessa leitura sabendo que não esqueceremos Divina, tampouco sua vida de temores, perseguição, dilaceramentos e alegrias.  A Casa de Didi, a casa que ela construiu, merecia uma história assim.

 Maria José Silveira

Manuella Bezerra de Melo

A Paraíba, estado de origem da autora, ambienta e perpassa os tempos das personagens, que tecem enredos que tocam-perfuram as leitoras e leitores mais do que corte de faca. Vozes, que não se permitem calar, revelam a potência de uma jovem autora que carrega consigo as lembranças das suas ancestrais. No conto “A mercearia”, a narradora (nos) questiona: “os teus olhos estão enxutos?”. A essa altura, a leitura já foi muito embaçada-nublada pelas lágrimas de quem acompanha histórias que atravessam os tempos e as lembranças de personagens marcadas pela saudade dos seus. É impossível não se emocionar com as narrativas desta coletânea.

Enredos nos quais até o próprio silêncio grita, espalhando ao vento os sonhos e o cheiro de memórias, à semelhança de um pote de água que esborrota, conforme remetem os termos típicos da cultura nordestina presentes nos contos. Nesta orelha, as narrativas nos sussurram que é preciso ter coragem nessa vida e nos orientam a afastar o medo e deixar as alegrias voarem, amenizando as dores, ainda que um dos contos ressalte: “A gente finge que se acostuma com a falta, mas a saudade só aumenta de tamanho”.

A clareza da palavra desnuda, conforme cita a personagem Tereza – do conto “O encontro de Tereza”, entorpece os leitores que, como pássaros, voam para tempos distantes ao encontro dos que lhes são caros e fundem-se às personagens das narrativas. Destarte, ao mergulhar na leitura desses contos, leitoras e leitores percebem, à maneira da narrativa que nomeia a presente obra, que o lugar que estamos à procura é aquele que está em nós e é vivamente atiçado pelas palavras lançadas nessa poética produção de Carolinne Taveira.

Roberta Tibúrcio Barbosa

Mestra e doutoranda em Literatura e Interculturalidade (PPGLI/UEPB)

Maria nasceu no interior de Minas Gerais e foi vendida pelo pai para trabalhar como doméstica na casa de uma família em Brasília. Não por acaso a narrativa é tecida a partir do viés do esquecimento: a história dessa “candanga” (por falta de palavra melhor), uma mulher que veio parar em Brasília sem nenhum ente familiar — tendo que morar na casa de estranhos que eram também seus patrões —, não é somente a história de Maria, mãe de Pedro e Miguel. É também a de muitas mulheres, seja do interior de Minas, do Maranhão ou do Piauí. Essas mulheres, apesar de esquecidas quando se conta sobre a criação de Brasília, desempenharam um papel importantíssimo, sem o qual o conforto de algumas famílias estaria em risco, e a existência de outras — as suas próprias — não teria lugar.

Um dos grandes trunfos desta obra — longe de ser o único — é justamente a recuperação dessa história invisibilizada, e muitas vezes traumática, das migrantes que hoje compõem a população da capital, deixando um legado para filhos e netos. Somos ainda presenteados com uma trama mais complexa, conduzida com maestria e lirismo pelo autor. A narrativa, atravessada por várias vozes, nos sensibiliza com reflexões ligadas ao envelhecimento, ao Alzheimer, à solidão, ao abandono, à bissexualidade, à fotografia, às relações familiares e ao amor. Por fim, durante esse mergulho em uma densa atmosfera em tons de sépia, somos tocados pelo amor, que, nas palavras do autor: “(…) não nasce da embriaguez do toque, mas começa com o sentimento de ter capturado um fragmento, uma tira singular recortada de um sonho ou do tecido infinito do universo […]. O amor é aquilo que permanece, dia após dia, dourado pela memória”.

Rosa Corumba

Psicóloga e contadora de histórias

Ventre, interior profundo de onde se sai, feito para ser rompido.

Nascer é sempre espantoso, o primeiro grande trauma de alguém.

Deixar o casulo e sair pela vida. É preciso coragem e um tanto de loucura, só assim é que se sai.

Este é um livro de loucuras, de mulheres que ousaram sair. Este é um livro de ventres.

O livro das irmãs Rocha Brandão. Livro de Açucena e Catarina no ano de 1931.

Ano em que se perceberam no ventre do mundo. Ano em que o romperam.

Filhas de um coronel, vivenciam o final da adolescência no Crato, interior do Ceará. Quando Brígida, a irmã mais velha, tem seu casamento marcado com o turco Onur, temem que aquele destino também seja o delas.

Decidem, então, romper o ventre onde estavam para nascerem em outro lugar. Esse lugar seria o Rio de Janeiro, paisagem estampada no postal deixado por Tio Antero, tio que também havia ousado sair pelo mundo.

Partiram já com um rumo certo, como um rio que corre sempre para o mar.

Alguns rios, no entanto, se deparam com veredas em seus cursos.

Cerca de 2.000 km separam o Crato do Rio de Janeiro, e no meio do caminho muitos desvios podem surgir. Com um imprevisto, no entanto, elas não poderiam contar: a separação.

Ao serem separadas, os pés tiveram que traçar novas rotas, contadas nas páginas deste livro.

            Em Escuro como leite, Marcelo Coelho da Silva constrói a sua narrativa nos tempos de Getúlio Vargas, levando a história ao seu ápice quando do suicídio do presidente. Assim, acompanhamos a vida do músico Sebá e de Antônio, seu amigo, separados pelo mesmo destino que os uniu. A história de Porto Alegre e da revolta popular sucedida após o suicídio de Getúlio abre as páginas para a segunda parte deste romance sobre amizade, coragem e injustiça. Marcelo não pode refazer o passado; mas, inflando-o com o sopro da sua ficção, nos oferece um passeio pelo tempo, um mergulho nos porões do tenebroso Cadeião, uma viagem que consegue ser pungente, delicada e triste ao mesmo tempo.

Leticia Wierzchowski (escritora e roteirista)

Marcelino Freire, vencedor do Prêmio Jabuti

Ascensão é um thriller ficcional que nasceu de um convite do premiado autor Marcelino Freire. Ele ofereceu a ideia e seu acompanhamento em toda a escrita do livro.

Miguel é um médium desacreditado, prestes a ser despejado. Quando não espera por mais nada da vida, recebe uma missão: guiar o espírito de Darla Abranches, uma adolescente suicida, em sua ascensão.

Ele não quer aceitar. Não está a fim de ajudar ninguém. Nem vivo, nem morto. Só que é sempre fácil arrancar uns trocados da família de um defunto. Com sorte, em uma tarde, consegue descolar dinheiro para inteirar o aluguel.

Mas nada é simples na sua vida. Darla, além de uma criatura mimada e teimosa, não se lembra do seu último dia de vida. Ela não vai embora até provar que não se matou. Enquanto isso, está decidida a atormentar a vida do guia até o seu último dia sobre a terra.

Miguel, gostando ou não dessa investigação sem sentido, vai ajudar. E, no florescimento de uma amizade improvável, eles se jogam de cabeça na remota possibilidade de uma morte acidental.

Queiram os dois ou não, o prazo está correndo. Darla tem apenas cinco dias para ascender. Ou ficará presa para sempre.

Bruno Crispim

Há em Coisa Nenhuma uma proliferação sebaldiana de caminhos e sentidos e, talvez, por isso, hesito em definir este livro como um livro de contos pura e simplesmente. Porque, se por um lado me parece sê-lo, por outro extrapola os limites do gênero ao operar em uma lógica e (po)ética muito próprias, aquele fio de Ariadne que se estende em um caminho rizomático não apenas se apoderando de todos os espaços, mas também criando um espaço-outro, uma “terceira margem”. Como se cada narrativa fosse o eco da vizinha, e em um movimento de dobra e desdobra (um movimento desdobrável) vozes, paisagens, situações, percepções, personagens, peripécias, formassem um único corpo sonoro e vivo que, por sua vez, se permite também fragmentar.

Eis a beleza disso tudo.

Sob o pretexto do livro de contos, Coisa Nenhuma entrega a aventura de estar vivo, e estar vivo é o zumbido contínuo que atravessa os pavilhões do ouvido, são as fotografias em seu embate pela melhor versão da verdade, a memória e suas armadilhas. E, em assim sendo, é preciso dizer também que este é um livro sobre a linguagem, sobre a costura aparente e o avesso dela. Nesse sentido (mais um), “Menor significado” é exemplar. O conto é um artefato: um personagem dentro de uma caixa de música, dentro de um sonho, dentro de uma máquina que joga xadrez. Um artefato construído para a linguagem e seus mecanismos, suas falhas e êxitos, para deixar à mostra os tendões e nervos do texto e de sua construção: o narrador que escolhe os lances, que manipula as peças e leva o leitor para onde quer, que se mistura à plateia tão logo faça um novo ajuste de lente, de foco. Um manual de escrita no qual os músicos correm para ocupar seus lugares mal se abre a tampa da caixa de música, muito embora a bailarina não saia do seu eixo.

Poderia ao revés do que ensinam as regras para o bom texto qualificar aqui, com vários adjetivos, este Coisa Nenhuma, e cada um deles seria um chamariz, um letreiro luminoso na porta de um hotelzinho suspeito no meio do nada, o caleidoscópio formado pela luz que atravessa um copo de cerveja. Mas não farei isso. Ao contrário, direi apenas que a porta está aberta. Este é o labirinto de Creta cujo centro foi o Minotauro.

Micheliny Verunschk é escritora.

Se falta tempo, falta energia, falta apoio, falta dinheiro, falta condições de raciocínio e autorregulação, se falta estrutura, por onde começar?

“Uma proposta possível para se libertar do peso da culpa e construir
uma vida para além da maternidade.”

O Manual traz instruções com ferramentas práticas para auxiliar na construção de uma vida para além da maternidade, sem o peso da culpa, além de um Manifesto da Mãe Possível, do Código de Ética da Mãe Possível, dentre outros materiais

Como identificar a romantização da maternidade? Como selecionar as culpas? Como organizar as falhas? Como repensar os afetos? O que fazer com as falhas que não te pertencem e sobre as quais você não tem nem estrutura, nem condições de agir? “Precisamos falhar com estratégia, criei o “Manual de Sobrevivência na Maternidade” para responder a essas perguntas, são cinco instruções com ferramentas práticas para auxiliar na construção de uma vida para além da maternidade, uma vida sem o peso da culpa.” Carolina Damião

Gonçalo M. Tavares

Tais mundos podem ter pontes, prédios, estantes de memórias e carnes com jeito de animal e de gente. Em Crânios de Júpiter é assim. E também são criadas por cabeças, transformadas em personagens, que no futuro serão crânios, que é uma espécie de caixa preta óssea, protetora do encéfalo e morada dos órgãos da sensibilidade: visão, audição, olfato e a gustação [itens], para além dos vasos e nervos. Júpiter, o planeta, é observável a olho nu da terra, como é a nossa imaginação. Nesse sentido, deslocando a prosa em seu próprio eixo, poderia estar presente na obra de Rob Ashtoffen, como narrador, o singular Galileu Galilei, que, no início do século xvii, viu satélites naturais nunca antes possíveis. E perplexo, inclinou o dorso em seu telescópio e contou vinte e dois ossos, que caberiam nos corpos de conterrâneos, fornecendo passagens ao ar, oxigenando melodias, passos, imagens, movimentos, o paladar e a líbido. Deliciosos estados da alma. Geradores de impulsos [nervosos].

Branca Escobar desafia a si mesma instalando sua escrita na zona de desconforto e nos conduz para dentro dela de forma tentadora. No silêncio de cada mulher – ou de cada personagem – existe um perigo alcançado por suas palavras que cortam. Recomendo a leitura desse caleidoscópio onde nos encontramos refletidas em muitos fragmentos de seus espelhos. E onde, ainda que com outros nomes, encontramos também a nós mesmas.

Bianca Ramoneda

Valsa com o diabo foi escrito em meio a muitas crises depressivas e ansiosas entre os 21 e 24 anos do autor, depois engavetado para ver a luz do dia somente quando ele estava prestes a completar 30 anos de idade. Passado esse tempo, os textos tristes e desassossegados, como escritos por um velho, acabaram por ressaltar o limbo em que o ser humano pode chegar quando erra um passo na direção do abismo.

Mas quem seria capaz de julgar o louco quando, ao olhar o próprio reflexo por um espelho distorcido, também enxerga de volta a figura recalcada que assombra seus passos, misturada às sombras e guardada num pote hermético na tentativa de, um dia, poder esquecê-la?

Valsa com o diabo é isso, como todo, reflexos de tormentos que emergiram da forma que puderam, cordas de segurança na tentativa de escapar do fosso e não mais buscar acostumar-se com o caos. É para todos aqueles que também passam ao lado do vale escuro, temendo cair e não poder mais se levantar, mas com medo de mudar de direção por crer que sua vida se perderia se, porventura, um dia a tormenta fosse embora, já que ela sempre esteve ali.

São contos breves de pessoas envolvidas pelo temor da dúvida e pela constante presença do fim. Partindo de idosos envoltos com o anuviamento da própria história — em “Helena”, a criança que se adaptou à constância da morte, apesar de seus poucos dias passados nesta Terra — como em “A origem dos monstros”. O livro é um passeio pelo fundo da alma, onde se assenta o barro molde dos pesadelos, que tanto tentamos esquecer, mas que, vez ou outra, acaba por formar novas criações.

Misturando todas as suas vertentes artísticas em suas produções, Guilherme Massau é professor de Artes, quadrinista, artista visual, músico e escritor, ou está na intenção disso tudo, em meio às próprias danças com suas quimeras mentais.

Gabriel, além de um exímio escritor, é também um autor que escreve com verdade, sem medo e sem pré-julgamentos. Microtremores, além de ser instigante, curioso, reflexivo e até mesmo divertido, nos transporta a um universo que é único, que tem identidade, originalidade e territorialidade.

 Tem-se a revolta, o ódio, o medo, a tristeza, o desejo, o egoísmo, a excitação e a surpresa ao se ler cada desfecho dos contos. Há algumas histórias “leves”, para “descontrair”, mas que não são nada convencionais. Há também os contos mais densos, que nos deixam com frio na barriga e ansiosos para entender o que realmente aconteceu.

Microtremores fala de exploração e abusos, mas de forma suave, sem tom militante, com pontos bem alinhavados e que nos fazem refletir. Gabriel Yared foge do óbvio, ou até mesmo do que seria apenas um simples microtremor genérico que no dia seguinte esqueceríamos.

É um livro para termos na estante e presentear os amigos, familiares e leitores de histórias originais de terror/suspense. É um neo-noir. São essas características, junto da convincente personalidade de cada personagem, que nos levam para uma viagem entremomentos.

Trata-se de um livro decidido e que entrega tremores das mais diversas formas por todo o nosso corpo.

Natanael dObaluae

Enquanto livro de estreia na narrativa e revisitado na perspectiva de um percurso que já soma mais de dez livros publicados, deparamos, nestas conversas, com a vertiginosa viagem iniciática do escritor. São conversas com uma tradição visionária, romântica, boêmia e rebelde, mas também conversas com o imaginário das grandes metrópoles brasileiras, seus afluentes de miséria humana e insuspeitada beleza, desaguando em bares, sarjetas e covis solitários.

Nestes contos, somos frequentemente solicitados por uma voz e um olhar dos quais não podemos mais desviar, como o de alguém que nos segura firme sobre o cotovelo e, com uma mirada angustiada, mas também solene, nos pede a bebida que não negaremos e se prepara para confessar um crime. É talvez nas narrativas em primeira pessoa nas quais seja mais evidente a capacidade do autor de criar uma linguagem poética específica para essas vozes em situações insólitas ou desesperadas. Um tom específico para cada visão e cada loucura.

Assim, o melhor da poesia de Marona fulgura também em sua narrativa, numa liberdade imaginativa diferente da dos poemas. O leitor de ouvido sensível destacará com frequência frases de uma pungência familiar a dos versos, mas que derivam para outros registros, descobrindo um frasista notável.

Além da aventura de iniciação e da polifonia poética, Conversa com leões também nos traz um testemunho, numa talvez insuspeitada potência de arquivo. A abordagem da desilusão e frenesi urbanos passa, nos contos, por algumas capitais brasileiras e nos traz a inevitável sensação de que isto poderia acontecer em qualquer grande cidade. E, no entanto, não em qualquer época. São os estranhos anos 2000 que dali nos encaram, com sua loucura e desesperada beleza. A última melancolia ainda livre do domínio de redes e dispositivos, cada vez mais singular à medida que nos distanciamos, rápidos, como quem lança um último olhar a um rosto curioso numa estação enquanto o metrô arranca. Imagens que, sem a literatura, permanecem apenas fantasmas entrevistos em lampejos fugazes e em seguida esquecidos.

Aderaldo Souza

Sabine Mendes Moura

Escritora, roteirista e diretora da Editora Nua.

O que traz ou retira as cores da nossa história? Tem dias que ficam meio sem brilho ou cinza, outros que são um arco-íris inteirinho.

O livro Aquarela percorre os diferentes tons dos sentimentos humanos: o amor, o medo, a saudade, a esperança, o pecado e por aí vai.

Diferentes personagens, que estão nos contos do livro, trazem histórias para refletir, se emocionar e se identificar.

Diariamente, tentamos mostrar só cores belas e iluminadas, mas a verdade é que todos temos dentro da gente tantos pigmentos quanto é possível imaginar. E a tintura e beleza da vida é justamente essa. É importante conhecermos os diferentes tons que percorrem nossas veias. Quem realmente somos. Sem disfarce. Somos todos luz e sombra.

“O melhor de mim tornaria você possível hoje, com certeza. Mas será que conseguiria tocar meu pior?”

]]> https://editoraurutau.com/titulo/aquarela/feed 0 https://editoraurutau.com/titulo/papua-todos-os-nossos-agoras https://editoraurutau.com/titulo/papua-todos-os-nossos-agoras#respond Mon, 13 May 2024 17:30:07 +0000 https://editoraurutau.com/?post_type=product&p=20649 Papuã é um lugarejo remoto no Oeste de Santa Catarina, território marcado pelas imigrações europeias, pela transformação do modo de vida rural em nome de um ideal de progresso e pelo silenciamento de suas populações tradicionais, vítimas de um dos conflitos mais violentos e menos conhecidos da História do Brasil, a Guerra do Contestado. Em quinze narrativas, vozes de uma mesma família escavam camadas do tempo e oferecem um prisma de suas personalidades e relações a partir desse ponto geográfico: marcador de sonhos, mistérios, tragédias, destinos e responsabilidades que pertencem a todos.

Meu nome é Brasil, mas pode me chamar de “o país do futuro”. A propósito, o meu futuro acabou de ser adiado para a próxima década, novamente.

Estou aqui, com meus 8.514.876 km², para apresentar este livro que fala sobre mim — e um bocadinho sobre Portugal — através de aforismos.

Pária amada, Brasil é uma coleção de observações tão afiadas que poderiam cortar ao meio a cabeça dura de uma tia do zap. Nele, você encontrará verdades que são ditas em voz baixa por aí, mas que agora, enfim, estão impressas para todo mundo ler. E, se não doer, até gargalhar durante a leitura.

O livro é um espelho que reflete não apenas o que somos, mas também o que poderíamos ser, se não estivéssemos tão ocupados discutindo o futebol e a terminologia correta a ser usada nos banheiros públicos.

Pária amada, Brasil sou eu de B a L. Discute desde a política — essa arte performática que praticamos com o entusiasmo de uma micareta fora de época — até os nossos planos econômicos, que são mais furados do que as explicações de por que ainda não sou uma potência mundial.

Nada ficou de fora destas páginas. Exceto o autor, Carlos Castelo. Por nunca ser chamado para lives ou cursos de escrita criativa, como vingança, acabou adotando uma persona misantropa. Mas, em havendo cachê, Castelo costuma ser mais flexível, chegando mesmo a fazer performances de kuduro em festas de debutantes.

Outro ponto importante sobre Pária amada, Brasil. Não se preocupe, não é necessário entender de economia para lê-lo — até porque, se entendêssemos, talvez eu não estivesse nesse miserê todo.

Mas vejamos pelo lado bom, pelo menos possuo praias lindíssimas para os brasileiros visitarem enquanto decidem quem será o próximo messias a me salvar das mãos da esquerda, centro ou direita — dependendo do valor do dólar à época da eleição presidencial.

Então, se você quer rir um pouco da tragicomédia tropical que é viver em minha companhia, ou se simplesmente precisa de algo para ocupar o tempo enquanto me espera pegar no tranco, aqui está a obra perfeita para você. Afinal, arriscando criar um aforismo bem cabotino sobre mim mesmo: “No Brasil, até o passado é incerto”.

Brasil

é um país da América do Sul, lindo, trigueiro, terra de samba e pandeiro

Em seu romance A Insustentável Leveza do Ser, Milan Kundera descreve o kitsch (a anti-arte) como “a negação absoluta da merda”. Em A Poeta & Outros Eus, João Alexandre faz a negação absoluta do kitsch.

Escatologia, vícios, impulsos sexuais e o desprezo pelas banalidades humanas são alguns dos temas presentes nos sete contos — todos narrados em primeira pessoa e com a cidade de Curitiba como palco — que compõem este livro.

No primeiro conto, Algum Boteco do Largo, encontramos o narrador-personagem Pedro Paulo destilando uma crítica raivosa ao que consideramos como poesia contemporânea e que funciona como uma introdução do que o leitor não irá encontrar nas páginas deste livro. Este mesmo personagem retorna no último conto, A Poeta, e traz as mesmas reflexões do começo, mas desta vez a crítica é mais pontual e crua, tratando sobretudo de um poeta à procura do próprio lirismo.

Em Ministério da Saúde, o autor faz um (infelizmente nada caricato) retrato de um típico “cidadão de bem” curitibano. A conclusão nos permite lembrar que, na verdade, esses ditos “cidadãos” não passam de uma piada.

Já em Carolzinha nos deparamos com um típico relato de traquinagens infantis, mas que tem como pano de fundo uma época em que as mídias analógicas (principalmente as publicações impressas) determinavam o consumo cultural.

A prosa em primeira pessoa é muito bem explorada no conto Química, onde a hipocrisia machista do narrador é confessada somente ao leitor, mas cirurgicamente omitida das ações que ele toma para com o seu interesse romântico — romântico não, apenas carnal. Algo semelhante acontece em A Cabo, que mostra um constrangedor diálogo entre um coveiro maconheiro e uma policial militar sobre as consequências da morte.

Cabe destacar aqui também a narrativa misteriosa e sobrenatural de O Retrato de João Gilberto, em que aquilo que a princípio parecia ser um deboche termina como uma ode à vida e ao legado da magia que foi a obra do “pai da bossa-nova, do inventor do violão…”

A linguagem de baixo calão e 100% politicamente incorreta é diluída em uma prosa direta e cínica, mas dotada de um ritmo tão frenético e envolvente quanto o de um baterista de jazz. Ao se deparar com a primeira frase deste livro, o leitor só conseguirá terminar quando chegar ao ponto final do último conto.

A Poeta & Outros Eus é a negação absoluta do kitsch e, só por isso, já seria argumento suficiente para manter um exemplar na sua biblioteca ou, como o próprio autor sugere, ao lado da sua privada.

J.J. Jaime, jornalista

Ainda que sempre haverá alguém para dizer que não, todos queremos saber de nossos semelhantes e diferentes. Ao revelar seus dias filtrados por suas noites — inclusive quando elas irrompem à luz do sol numa sesta vespertina —, como um fotógrafo reencontrando a memória da luz na penumbra do laboratório, Wladimir Cazé nos permite entrar em contato com o íntimo desconhecido, um sujeito que não necessariamente é subjetivo, mas feito aos pedaços, graças aos quais reconheceremos alguns dos fragmentos de nosso próprio espelho-mosaico, até então indiferentes a olho nu. Pois trabalhar sobre os enigmáticos restos e rastros dos dias e noites, que constitui uma das mais ousadas experiências jamais realizadas e aponta para a origem da aventura humana, promete levar longe, para além do princípio da identidade e da não contradição.

Portanto, quem estiver disposto a encarar o desconhecido em uma caravana de Animais em ação, ao voltar para casa, poderá encontrar-se com o tesouro que ignorava estar ali em sua própria cama.

Natan Schäfer

Felipe Canêdo nos conduz nessa fuga, assimilando bem suas características de peripolância exúruca, atravessada pela plurivetoriedade, pelo imprevisto e pelo improviso.

Bamboleando pelos meses nesta espiralar que de caótica talvez só tenha a afinidade da prosa, desdobra-se organicamente também o território pindorâmico, aqui onde galáxias se misturam. O autor emociona com seu amor despudorado pela terra Brasilis, tecendo também a imagem de paisagens muito mais que descritivas: afetivamente táteis. Sente-se habitante do mundo sem nunca perder a mineiridade que, ainda que lhe pareça não conseguir galgar além das montanhas, faz brotar preciosidades das encruzilhadas. Tudo encadeia movimento, fazendo jus à Boca do Universo.

 “O mundo traça retas enquanto nosso protagonista gira em torno de seu próprio eixo em uma velocidade constante.” Será?

Joba atravessou temporalidades, oscilando sensações a cada escolha, a cada encontro, a cada lembrança. Como tudo aquilo ‘bonito e absurdo’ do qual fala o autor, a jornada do nosso herói de si mantém coerência fiel com a origem de seus passos e o significado de seu nome: Barravento. Convite à dança pelos ares, pedra atirada — palavra em ponto de bala.

“Monstera deliciosa”, o nome da planta e também do livro alinham-se em trocadilho metalinguístico perfeito: o livro é um deleite de se ler. Daqueles causos de aventuras emendadas que rendem horas de prosa com um cafezinho na sala ou um copo na mesa de bar, agita e sereneia em proporções harmônicas, convida quem lê não apenas ao contemplativo, mas também ao movimento. Pede para a gente olhar o mundo a torto e a direito, sentindo, vendo, fazendo. Da escrita ao enredo, cativa pelo anseio do mais puro sentimento — liberdade. A quem caminhar o olhar por estas páginas, além do aviso, a celebração: benditos os ventos que proporcionaram este encontro, e que o resultado cumpra a aposta de alcance do espaço mais alto, a monstruosidade deliciosa do inesperado.

Lara de Paula Passos

Larissa Brasil

Escritora nas horas cheias

A partir de uma tragédia, um atropelamento na Anchieta, acompanhamos dois olhares: o de Murilo, sua relação com os amigos, suas peripécias, seu assombro com a realidade que o rodeia, a tentativa de se localizar dentro de um mundo em que tudo ao redor está prestes a se desmanchar; e o do narrador Filipe, um dos amigos de Murilo, que perambula por uma narrativa em que o próprio tempo se quebra e o mundo perdido encontra-se no espaço um tanto intangível pela memória e pela escrita.

O que Filipe Bonita nos apresenta, então, é um romance híbrido: ao mesmo tempo em que recupera uma São Bernardo do Campo dos anos 1990 cortada por uma rodovia em que rodas e pneus “empurram o tempo para trás”, estabelece a metalinguagem como reflexão sobre o poder e os limites da ficção.

Ficção esta que se demonstra consciente do seu tempo, de seus temas e de sua forma, já que perguntas milenares sobre a natureza do real e do literário se fundem com a própria edificação do narrar, ou seja, por mais que o contemporâneo se apresente fragmentado e fugaz, a Literatura aqui é resposta ao efêmero e ao mundo desencantado.

Se “os anos 1990 pareciam ter sido em outra vida”, é essa outra vida que a ficção de Filipe Bonita tem como foco. E o leitor, portanto, ao se deparar com esta obra, encontrará o que a Literatura faz de melhor: nos transporta para uma outra realidade a fim de potencializarmos nosso olhar sobre a nossa realidade própria.

Reinaldo Melo

André Balaio

_
Até há pouco tempo Isabeli Santiago, autora deste texto, era uma Pecinha triste e cansada. Atualmente, mais próxima dos dois dígitos, sente-se uma quase-pessoa. Embora um pouco menos triste, está muito mais cansada.

Olhar atento, caro leitor, pois é ao fundo que se depositam os melhores traços e segredos das telas. Os Meandros do Vale é um amontoado de pigmentos vários, noutro tempo difusos, mas hoje reunidos para compor uma imagem, uma história. Ireti é a imagem maior deste romance, herói improvável como os eventos mais certos da vida.

São mulheres que amam muito: amam a visão vertiginosa de uma outra mulher sorvendo um drinque azul à beira da piscina, amam a delicadeza da velhice nos olhos do próprio avô, amam a metafísica das lesmas, amam homens que as odeiam, amam outras mulheres através de suas nucas, amam como se tivessem “nascido com uma tesoura entre os dedos” (assim observa uma das narradoras sobre seu objeto de amor). São mulheres que tomam para si o mundo, seja amando, seja roubando, matando ou escrevendo.

Esse amor-tesoura está presente na forma como elas picotam o mundo à sua volta e como o representam nos contos. Através desta observação quase pervertida, as narradoras veem em fragmentos de outros um universo inteiro e se alimentam disso, roubando para si o que viram. Olhar, ou pior, ver é a característica mais importante dos crimes que essas mulheres cometem. E, se a sua visão corta; a escrita, recorta.

São narradoras que ousam desejar e, em alguns dos contos, essa ousadia as faz receber o título de putas, como ocorre com tantas mulheres. O que as conecta, o que as torna putas, não é a alcunha, mas o risco que correm ao quererem conhecer o próprio desejo. Optam pelo arriscadíssimo caminho do pensar livre, pelo menos para uma mulher. “Querer, essa coceira”, diz uma delas.

Já o escrever, presente no título, é uma ação que aparece em sua dimensão cinética. Numa contração quase espasmódica dos músculos da fala, as personagens de As putas escrevem falam a própria história através da voz que a autora as concede, ou seja, criam sua história ao falá-la. Aqui, portanto, a escrita não é apenas o exercício do escritor diante das letras, mas o jorro do pensamento criativo que responde ao olhar voraz das personagens diante do mundo.

Convido leitoras e leitores a penetrarem As putas escrevem como se olhassem escondidos pelo buraco obsceno da fechadura: com a visão, sim, mas com todos os outros sentidos engajados no ato pecaminoso da leitura.

Natália Zuccala

Juliana Palermo

Os contos exploram desde as imagens mais icônicas que foram relacionadas ao desastre, como também dá contorno e voz a dramas mais sutis que costumam ser negligenciados dentro das narrativas oficiais, mas que constroem a tessitura mais complexa do trauma. Somos postos como testemunhas e vigiamos o sono inquieto da sala Rosa, observamos o olhar depressivo dos pacientes que voluntariamente tiravam a máscara de oxigênio, adoecemos com as acompanhantes, a maioria mulheres, que sangravam em enfermarias lotadas com banheiros insalubres.

O livro organiza o cenário desde o prenúncio da crise e não relata, antes, desenha simbolicamente as curvas do desastre. Somos colocados a sentir a angústia antes de presenciar as cenas, mas as cenas, quando se mostram, são colocadas com a realidade necessária para o testemunho.

Aqui o livro se constrói na missão de desenterrar as consequências que estão sendo ignoradas, mas que permanecem pulsando na vida de toda uma população. O terror afinal não se encerra no auge dos acontecimentos que se deram, ele se encaminha para a vida e o cotidiano das pessoas. Fica preso no olhar de luto dos idosos no parque, no cheiro do alho cozinhando numa cozinha vazia em que as mães foram vítimas da tragédia.

São 25 contos que elaboram uma estética do trauma, que se colocam na missão de não silenciar o que vem ainda sendo processado. Dessa forma somos convidados a encarar memórias que, por mais doloridas que sejam, precisam de um lugar na história, precisam ocupar um lugar sobretudo de responsabilização da história. Afinal, por mais que hoje sigamos, não podemos seguir ignorando, é preciso falar e dar voz ao que ainda dói e que ainda significa, pois a maneira como estamos nos reorganizando é resultado também do que aconteceu.

Carolina Alves

A estreia de Yago é marcada pelo arrebatamento da imaginação — hiperreferencial e sinestésica, com acenos efusivos à cultura pop e literária —, em narrativas nas quais o comum se depara com o bizarro: castelos europeus no litoral brasileiro, wünderkammers em escala humana e seitas secretas de adoradores de buracos negros assombram estas páginas.

Os personagens de A Ascensão do Titanic certamente fugiram do circo de horrores de P.T. Barnum (ou quem sabe de um filme de Tod Browning ou Tim Burton), a fim de se esconderem na realidade. Agora estão numa carta de amor desesperada para o universo gótico dos contos de fada para adultos de Angela Carter, rasgada pelos medos e superstições da era vitoriana. O clima é extemporâneo, como se o passado persistisse estranhamente na consciência de narradores contemporâneos.

E há a forma mestiça, entre o conto e a novela quebrada, atravessada por diversos planos e dimensões complementares. Ou o lirismo de uma canção cantada por Rosie, a tubarão-branco encontrada num parque aquático abandonado e futura embaixatriz do Instituto Luísa Mell.

Sejam bem-vindas e bem-vindos, portanto, ao Gabinete de Curiosidades de Daniel Françoli Yago. Como porteiro deste prédio ficcional, tenho apenas um conselho: não seja tão curiosa, amiga leitora, não faça perguntas demais e lembre-se do que a curiosidade fez ao gato. E uma lembrança, amigo leitor: procure não gritar quando o Sol estiver se apagando.

Joca Reiners Terron

Em O sumiço do Jardim da Terra, a jornada do herói ganha mais substância, uma vez que o protagonista busca sempre, além de superar os próprios limites, por soluções alternativas para devolver a vida ao que o cenário da aventura retrata como um “Alice num país sem maravilhas”.

E, para compor essa paisagem em que a vastidão da natureza tem a sua beleza refém do egoísmo e da agressividade humana, a autora funde a iconografia indígena (com seus tantos personagens, nomes e histórias singulares) às jornadas fantásticas produzidas por Hayao Miyazaki (com ênfase a O castelo animado e A viagem de Chihiro) que se voltam para a redescoberta e valorização da cultura e sua identidade vilipendiada.

Embora exista espaço para que se trabalhe com mitos, mitologias, seus símbolos e metáforas, a literatura infanto-juvenil exige do autor a sua clareza. O que Bianca e o seu O sumiço do Jardim da Terra consegue gabaritar. Inarê é o nosso guia por esse mundo que a gente vislumbra amedrontado, mas que, mesmo Tupana sendo poderosa como é, só depende da nossa força de vontade e consciência para que não se materialize.

Giuliano Mangueira

Este é ainda um livro sobre amor. “Nossa relação sempre foi baseada no bem-querer”, diz Adriano Espíndola Santos no conto “Amparo secreto”. Por diversas vezes, o leitor encontrará nestes contos um olhar atento ao outro, a fina delicadeza que há no zelo despretensioso com doses de ternura, ingenuidade e boa-fé.

Mas, porque onde há o cuidado também há o perigo, encontraremos nestas narrativas um punhado de personagens pilantras e mal-intencionados, desse tipo de encontro que não desejamos ter na vida. Assim como também nos depararemos com a força do acaso, com as ironias presentes nos rumos da vida.

Adriano Espíndola Santos não deixa ponta solta em sua escrita dinâmica e calorosa. O autor tece contos fluidos, contemplando o leitor com um magnetismo fascinante nestas narrativas que transitam por sentimentos intensos, com uma versatilidade admirável, construindo personagens carismáticos que, ao convidarem o leitor a participar de suas histórias, também o conduzem a submergir no universo mais íntimo que há dentro de si.

Amparo Secreto nos reaviva boas doses de esperança. Trata-se de uma obra autêntica e cativante, uma leitura imperdível.

Carolina Hubert,
Fundadora e editora da revista Vício Velho

Vivemos como se a memória fosse um registro. Ela representa o que aconteceu e, assim, molda e monta tudo o que somos. Mas as lembranças, como tudo na vida, mudam, evoluem e se transformam, alterando a realidade.

Em o tamanho das coisas, estreia de Olavo Ataíde, visitamos a flexibilidade do tempo sob a perspectiva dos momentos que nos tornam quem somos. A história explora a natureza fluida do que é emocional e racional, sendo cada lembrança uma peça questionável e decisiva.

Algo mudaria na sua vida se a cena mais importante de que você se lembra não tivesse acontecido exatamente como você se lembra? O livro conta a história de Inácio e acompanha o que a troca entre a memória e o tempo é capaz de produzir. Um jogo que nas relações familiares, por exemplo, se mantém em constante rearranjo.

Você é testemunha dos fatos enquanto eles acontecem. Agora, no presente, no momento exato em que eles se tornam passado. Essa perspectiva é, no fundo, a única coisa que nos dá a chance de transformar o futuro.

De manhã meu avô me chamou para fazer artesanato, fizemos muitos arcos e chocalhos, porque é mais fácil para vender, parece que é o que os jurua kuery (não índios) mais gostam. Quando vamos para a cidade em Guarulhos, voltamos sem nada, porque vendemos tudo. olivio jekupe

Com sua dupla formação de filósofo e romancista, Ádamo da Veiga sabe tanto analisar quanto narrar os caminhos explosivos que sentimentos de humilhação, abjeção ou injustiça podem tomar. Sobretudo, ele sabe mostrar com clareza o quanto o mundo em que vivemos, com sua terrível maneira de combinar o imperativo da realização individual com condições cada vez menos favoráveis para cada vez mais gente, é uma grande máquina de produzir frustração (com o que efetivamente alcançamos), auto-recriminação (por ficarmos aquém do esperado) e ressentimento (diante de todos cujas vitórias, por menores que sejam, experimentamos como imerecidas, injustificadas, afrontas a nosso próprio esforço e sofrimento). Finalmente, ele nos faz ver como, ao invés de transsubstanciar-se em ímpeto igualitário por justiça e reconhecimento para todos, este coquetel de paixões tristes a menudo redunda em mais individualismo, solidariedade negativa, fantasias de vingança, vigilantismo e acting out.

Ninguém é herói em Daquilo de que Somos Feitos; todas as personagens carregam, de diferentes maneiras e com graus diversos de consciência, a sordidez daquilo que o mundo fez delas e daquilo que elas souberam fazer do que o mundo lhes fez. É nesse gesto de recusar o maniqueísmo e abraçar cada indivíduo em sua própria feiura que talvez possamos discernir algo de otimista e até quase utópico no livro: a possibilidade de, nesse desnudamento radical da vulnerabilidade compartilhada, no reconhecimento de que estamos todos sofrendo, encontrar um caminho para escapar à ação implacável dos mecanismos perversos que o romance expõe.

Rodrigo Guimarães Nunes

Há muitas marcas de força no livro: muita água, travessias, ímpetos de cavalos selvagens. E este é um livro que exala mormaço, transpira o bafejo contido no palmilhar do sertão — mesmo que também percorra outras paragens.

Em algumas histórias (sobretudo as narradas em primeira pessoa), há uma dicção poética tão intensa, que me senti levada a ler as páginas em voz alta. Elas pediam récita.

Avarias põe a figura feminina em evidência, dá voz a Marílias e Ismálias. É um livro sobre desvarios e irreverências. E, se “a loucura deve dar seus primeiros sinais quando o olhar é amigo da imaginação”, Glória Diógenes cria distopias para que enlouqueçamos juntos — nesta literatura ousada, que explode para que a vida não trinque. Escrever “coisas que não servem para explicar, nem pretendem mudar o mundo” é pura saúde.

Há ainda bastante música, versos de poemas, referências a romances que atravessam os relatos — e, daqui, seguimos o rastro para pressentir o tamanho da existência de tantos personagens. O conto, como um flash sobre as criaturas, faz, entretanto, com que elas reverberem e persistam conosco, por muito tempo depois. Talvez seja isso o que o narrador de um dos textos explicita, quando diz: “Cedo aprendi a cavar o silêncio”. O espaço da fissura tem a profundidade ideal para que o(a) leitor(a) mergulhe nos subentendidos e enlaces de Avarias.

Tércia Montenegro

É precisamente no segundo cenário que o enredo de Verdades de Papel se desenrola. Filha de trabalhadores rurais, Rita de Cássia nasce numa fazenda fortemente afetada pela crise do cacau. Enquanto o patrão perdia a lavoura e seu pai temia perder o emprego, a menina alfabetiza-se de uma maneira muito peculiar e, estimulada pela professora, aprende a fazer do mundo dos livros o seu lugar seguro.

Obrigada a sair de sua terra e refugiar-se na periferia de Salvador com uma tia, após vivenciar eventos traumáticos em sua família, Rita concentra toda sua energia nos estudos, tornando-se uma renomada doutora em Educação, distanciando-se do distrito de Mata Escura física e emocionalmente. Todavia, quando convidada por Ramon Munhoz, a mando de uma poderosa empresa de celulose, para instalar uma escola-modelo na região, Rita precisa voltar ao lugar de onde saiu e terá de enfrentar memórias e pessoas que acreditou ter esquecido, ao mesmo tempo em que se vê envolvida numa intricada trama pela expansão das áreas de eucalipto no Estado.

Em Verdades de Papel, Analu Leite nos convida a percorrer uma estrada de chão que leva ao interior da Bahia e a seguir os passos de Rita numa emocionante jornada de redescoberta do eu. A narrativa traz o frescor das histórias não contadas e coloca em pauta questões que estão na ordem do dia, como a degradação da Mata Atlântica, o lobby corporativo e as muitas forças que atuam sobre a máquina estatal.

Segundo relatos nunca confirmados, Tuanaki foi uma ilhota no Pacífico Sul que, em algum momento, teria desaparecido no mar. Restaram histórias de marinheiro e depoimentos de supostos sobreviventes que apareceram em Rarotonga, a ilha mais próxima. Em 1844, esse mistério despertou a atenção de missionários britânicos que esperavam exercer poder sobre os polinésios por meio da conversão religiosa. Em 1921, entrou na mira de Sir Ernest Shackleton, que tentava levar adiante as ambições imperialistas da Coroa com seu poderio tecnológico e naval. E, em 2018, uma suposta Nova Tuanaki, governada por uma dinastia que alegava ter raízes na ilha original, surgiu no radar de um capital internacional ávido por recursos naturais para manter em movimento seu maquinário de destruição em escala industrial e transformar dinheiro em… mais dinheiro.

Assim como em seu romance de estreia, Ouro de Moscou (Urutau, 2021), em Mais geleia, Shackleton?, Roger Rocha mobiliza narradores de diferentes vozes, lugares e épocas — do sinuoso fluxo de consciência do ambicioso explorador Ernest ao cínico discurso do executivo oportunista Ernesto — para compor com seus relatos uma trama mais ampla de espionagem, disputas internacionais, intrigas políticas e fracassos pessoais em meio a reverberações secundárias e invisíveis ocorridas na esteira de eventos de alcance global. Transitando com desenvoltura no território movediço de um mundo prestes a virar geleia, com este novo romance, incomum na forma e peculiaríssimo no conteúdo, o autor se estabelece como um expoente do sempre fértil segmento dos enredos com premissas exóticas e conduzidos com altas doses de engenhosidade e senso de humor.

Alexandre Boide

E as trevas estão lá, espreitando, mesmo quando – principalmente, bem dizer – não são imediatamente visíveis. Escorrem por estes nove contos, por vezes na superfície, mais frequentemente agitando-se ameaçadoras abaixo dela. Essa escuridão rasteja no canto do olho, quando Úrsula nos traz um encontro fortuito com uma figura espectral junto à uma cachoeira, e as coisas, como na maioria das boas histórias, não são exatamente o que parecem. Também quando um trapaceiro urde um plano, repleto de vingança, morte e ilusões, para reaver um amor que crê lhe pertencer por direito…amor que não é aquele que imaginamos ser.

Por vezes, contudo, o horror deixa as sombras e se apresenta em toda a sua beleza selvagem. É o que acontece quando nos entranhamos na vida privada de uma mulher e seu gato, até o surpreendente e — que bom! — sanguinolento final. Da mesma forma ao conhecermos uma cidade no interior do Brasil, anglicizada e real, onde nem as crianças estão a salvo de algo incompreensível e de fora deste mundo. Por vezes, os contextos são históricos, como em uma clássica narrativa de fantasmas em um Rio de Janeiro oitocentista (e cuidadosamente pesquisado), onde a luxúria cobra um alto preço e os mortos não descansam.

E assim, cercando nossos pensamentos, Desilusão de Ótica abocanha nossa atenção através do insólito, do incômodo, do grotesco, por vezes do rasgadamente romântico, em seus melhores momentos se mostrando em um horror despudorado.

Frederico Toscano,

autor de O Rinoceronte na Parede, Carapaça Escura e Seja Imortal

Relação esta que tenho com Tanque de areia desde o comecinho, já que a semente para o livro surgiu como um exercício do Clube de Escrita da Mafagafo — um espaço fechado a contribuintes do projeto de financiamento coletivo da revista onde prompts de escrita eram propostos todo mês. Numa determinada live, caímos na gargalhada quando a ideia “um homem carregando uma porta no deserto” virou “um homem carregando uma porca no deserto”, e o Danilo prontamente assumiu a missão de escrever algo com essa premissa no mínimo… inusitada.

No mês seguinte, li o resultado. Para minha surpresa, algo inicialmente cômico e nonsense havia sido associado — embora sem perder a graça — a uma imensa metáfora, apropriadamente amalucada, de tudo que estávamos passando no fim do mandato do inominável, lá pelas idas de 2021 (e que ainda passamos e vamos passar com a extrema direita, mas vamos com calma). Não lembro exatamente o que comentei, mas me recordo claramente de ter dito que uma das únicas certezas que tinha era que aquele texto podia — e devia — ser maior.

Para minha alegria (e sorte de todas as pessoas que estão com este livro em mãos), o Danilo acolheu essa recomendação e expandiu um exercício de três mil palavras em uma noveleta com mais metáforas políticas, reflexões filosóficas, ação e um pouco de humor — porque tem coisa que só rindo mesmo. (Ah, o homem carregando a porca nas costas enquanto perambula pelo deserto ainda está lá — e faz tanto sentido quanto é possível dentro do contexto.)

Ler este livro é embarcar numa viagem quase psicodélica sob o ponto de vista de vários personagens que (espero!) pensam muito diferente de quem está lendo. O que a princípio cria um grande incômodo depois se transforma num recurso muito valioso para rever os últimos quatro anos sob uma ótica mais expandida e generosa (embora nenhum pano seja passado aqui).

Prepare sua bandana, se besunte de protetor solar e se abra para conhecer por dentro o Tanque de areia.

Jana Bianchi, autora de Sombras e de Lobo de rua (Amazon, 2016).

Da forma como o autor vai delineando a vida de seus personagens, trata-se de um verdadeiro romance de (de)formação — a vacuidade e o despropósito de uma geração de jovens de classe média que simplesmente se entregam a um ritual que os apresenta a um “eu maiúsculo” que não parecia ser possível na monotonia da vidinha besta e regrada de um grande centro urbano. “A gente achava que não ia morrer nunca. Ou então estava a fim de morrer logo”, é o que diz o protagonista. Pra mim, a adicção sempre esteve nesse fio da navalha de crer inconscientemente numa imortalidade ou de se precipitar rumo ao fim, e o livro é muito hábil em apresentar situações e sensações que dimensionam esses caminhos.

Como Boide bem coloca: “O passado é matéria maleável, e as falhas na estrutura podem ser preenchidas pelo cimento da invenção. Sem o rigor do arqueólogo, mas com a disposição do coletor de sucata, ele precisa revirar as ruínas de sua própria memória para reconstituir sua vida na idade da pedra”. O cenário da escavação é o bairro do Ipiranga e arredores — um reduto tradicional de classe média de São Paulo, nem tão glamoroso quanto a Zona Oeste dentro do Centro expandido da capital paulista, nem tão entregue ao deus-dará quanto suas periferias, e um tanto apartado da temida cracolândia —, um espaço ainda pouco explorado no universo ficcional e o cenário perfeito pra tratar do crack indo além da caricatura. Inclusive, é impossível não pensar que tudo o que é relatado neste livro poderia servir de argamassa criativa pra outro grande cronista do Ipiranga, o rapper Ogi, muito celebrado por mostrar uma São Paulo que não se limita aos estereótipos.

Preparem-se para o “tuim” dessa viagem…

Arthur Dantas Rocha

O pai sempre está lá, nas histórias de nós, mulheres. A figura do pai herói existe, mas é rara. Desconfio que muitas vezes até inventada para tornar tudo mais suportável. Em geral, o pai é a interdição, a violência que nos assola… Ou a pura ausência (que não deixa de ser violenta). Isso é um pouco que do PAI, este livro, revela. Porque ele não é sobre um pai. É sobre uma mãe, uma filha, uma neta. É sobre ser atravessada, rasgada e violentada de tantas maneiras, pelos homens, pelo Estado, pela Igreja, por ser… Mulher. É um texto difícil se apresentar, pois tem muitas camadas, sutilezas, nuances, gritos e sussurros. Desdobramentos de sentido que apenas quem domina a arte da linguagem e faz dela massa de moldar consegue produzir. Quem torce a língua e alcança seus silêncios. Mas para alcançar o que PAI expressa precisa ter além do domínio da linguagem. Precisa conseguir tanger qualquer coisa etérea, precisa ter a sensibilidade para captar dores e belezas camufladas ao redor. No mato que cresce, no cocô do cachorro, nas baratas fugidias. E precisa ter coragem para dizer do que vê e sente: “a mulher que silencia ou vira tempestade ou a engole. ambas as situações podem ser catastróficas”. É por todas nós que Gabriela Guinatti fala neste livro. É por isso que defini-la como uma poeta ou escritora é pouco. Tem qualquer coisa que vai além naquilo que ela escreve. Também por isso é difícil enquadrar seu texto em gêneros literários. PAI é um poema narrativo ou uma prosa poética. Não importa muito. O que importa são os sentidos e as sensações que ele expressa e provoca. Não é confortável, porque não é disso que se trata a arte ou a literatura. Nem tampouco a vida. Citando o poeta novamente: “Sei que a poesia é também orvalho/mas este fica para as menininhas, as estrelas alfas, as virgens cem por cento e as amadas que envelheceram sem maldade”.

Pamela Zacharias

A cidade é Belo Horizonte; o filho é Rafael, o narrador deste romance avassalador. Rafael é também o nome do autor deste livro, e eu e você não saberemos se é coincidência ou um pouco mais que isso. Rafael, o autor, escolhe com cuidado as suas epígrafes: Laura Aleixo, Pedro Nava, Drummond, Gabriel García Márquez. Os quatro, juntos, nos dão pistas do que vamos encontrar aqui, neste Dos que vão morrer, aos mortos: uma escrita da intimidade, voltas e voltas no cemitério, a morte tão insistente, inevitável, maldita, inadiável. O nosso lugar no mundo, aqui, onde nos morrem os nossos, no meio da nossa cara, uma ferida aberta. Até quando?

Rafael, o autor, dança com a morte como quem dança com um inimigo a quem se deve muito respeito, reverência e mesmo alguma admiração. Um inimigo que está do outro lado por causa das circunstâncias, e só. Rafael, o personagem, talvez ainda não tenha descoberto a mesma força, ou resiliência, mas faz esse caminho, pelas ruas de uma Belo Horizonte que é inconfundível, apaixonante e que testemunha em silêncio a história de uma família que podia ser a minha ou a sua: que se quebra, se esfacela, se reencontra, se reconstrói. E depois outra vez. Uma mãe, uma Laura, que podia ser a sua, a minha, que podia ser eu ou você, que se perde, que se quebra, que se encontra numa igreja também quebrada. Que morre e que com isso move mundos inteiros. Um livro para ser lido imediatamente. E depois outra vez. Se possível, nas ruas da cidade que, por sorte, é a do Rafael autor, a do Rafael personagem e, também, a minha.

Marcela Dantés

Em Vingança é um prato que se come com Chandon, Lícia Mayra subverte a lógica patriarcal para nos mostrar mulheres que não são apenas presas, mas predadoras, vítimas e algozes de si mesmas e de um sistema que ao mesmo tempo as oprime e as torna opressoras umas das outras.

Com uma escrita ácida e bem-humorada ao mesmo tempo, a autora nos leva a conhecer personagens inesquecíveis. Em alguns momentos, vamos chorar com Amanda, a adolescente vítima de bullying na Internet, ou nos divertir em “Para sempre amada”, conto que tem como protagonista uma parte inusitada do corpo. Na maior parte das vezes, entretanto, ficamos com um gosto agridoce na boca, em estado de humor indefinido, pondo nos lábios um riso torto que soa como um lamento.

Acima de tudo, é uma obra deliciosa de se ler. A escrita é fluida, inteligente, sagaz. A perspicácia com que a autora enxerga o mundo faz da leitura uma experiência quase que pessoal, tornando impossível não se identificar com alguma personagem. Se de início não as reconhecemos, ao final já as consideramos amigas.

Desde o título, este é um livro provocativo. Transitando com facilidade entre o escárnio e a crítica social, sem deixar de lado o drama humano, a escritora Lícia Mayra nos entrega uma obra que, assim como sua autora, se recusa a ser enquadrada em uma caixinha.

Te convido a adentrar comigo nesta leitura, e não se esqueça de brindar ao final: não é todo dia que presenciamos a estreia de uma voz como a de Lícia.

Carla Guerson

Nicodemo escreveu para o nosso grupo de teatro, o Teatro da Neura, desde a sua fundação em 2004. Um apaixonado pela arte marginal, descobrimos juntos mais de uma vez o prazer de ver um grupo profissional dar vida aos nossos textos. Ver suas palavras irem desabrochando com o passar dos anos em paralelo com a intensidade de sua investigação: a cultura popular da rua e seus encantados, os festejos religiosos, o carnaval e suas facetas, finalmente trazendo a alegoria para seus escritos. Os textos de Antônio refletem hoje o artista que ele está se tornando (já que a formação do artista é eterna).

Neste livro de contos que toma forma ao mundo, todas as figuras que povoam o universo fantástico do escritor estão apresentadas. Muitos leitores terão acesso pela primeira vez a essas personagens, que subvertem e papeiam com o tempo que passa, que cultivam o sagrado em todos os lugares. A memória dos nossos que se foram que está presente na pele e na transmissão cultural, retratada de forma tão delicada e simbólica. É impossível não enxergar nossas avós e bisavós, tias matronas e nossas mães nas mulheres escritas nessas histórias. Eu me vejo nelas, assim como via muitas dos causos familiares nas personagens escritas por ele que tive o prazer de interpretar nesses vinte anos de amizade.

É uma imensa alegria dividir o talento de Antônio com cada leitor, uma imaginação bela e gigante demais para ser retratada apenas nos duros caminhos da produção teatral. Sua escrita cabe em todos os lugares e em todos os olhares cuidadosos de quem é provocado pelo novo, ao mesmo tempo em que continua apreciando essa poesia fantástica que resiste em meio ao caos da realidade.

Tuane Vieira,
Artista e psicóloga clínica.

Em Boletim de Bordo, acompanhamos Doralice, uma fiscal de plataforma designada para investigar um acidente de trabalho. O que se anunciava como uma oportunidade profissional acaba ganhando contornos de pesadelo.

Que será mais aterrorizante? Um vírus mortal ou o machismo institucionalizado?

Utilizando-se de metáforas sofisticadas, riqueza de detalhes e com preciso controle da tensão, Guida Carvalho constrói uma história poderosa sobre confinamento e paranoia, com um pano de fundo que, pouco a pouco, revela nuances não só de suas personagens, mas também do Brasil contemporâneo.

 Aline Aimée

Ao mesmo tempo, o romancista evita cair em uma exposição forçada de um universo teorético simplesmente projetado e projetável em forma romanesca (como se a arte se fizesse instrumento para a divulgação das “ideias do autor”). Buscando dominar as técnicas do suspense e do gênero policial, Rafael Senra termina por nos oferecer uma narrativa que, fundindo uma coesão estrutural verossímil (com unidade de tempo, espaço e ação) a situações absurdas, nos leva, em ritmo progressivo, a nos deixar navegar por suas ondas de mistério… E, o mais relevante, convida o leitor a ser pensativo sem ter que suportar (pelo menos, suportar sem risos) algumas chatices típicas das grandes maçadas intelectualoides. Muito de outro modo, trata-se de um romance que, pretensiosamente, quer fazer a gente poder ficar um tanto inteligente sem ser (e sem querer que a gente seja) uma gente chata. Pretensão que, em minha pequena perspectiva, foi realizada com muita precisão. Sem dúvida, um ponto alto entre as grandes estrelas dessa vasta e multidisciplinada/indisciplinada constelação rafaélica…

André Monteiro

Mas dizer que um sonho não é realidade não faz sentido, afinal, este mundo que consideramos real é a maior das ilusões.

No fim, o que vivenciamos acordados e o que vivenciamos nos sonhos são a mesma coisa. A diferença está apenas no tempo. Passamos mais horas acordados. Mas e se dormíssemos mais?

Foi assim que me tornei “psiconironauta”.

Os sonhos, tal como a morte, a loucura, o transe, os enteógenos e outras experiências mágicas, nos permitem explorar dimensões ocultas do universo.

Para mapear as jornadas do plano astral, comecei a registrar todas as experiências que conseguia me lembrar. Algumas dessas memórias eram repletas de detalhes, enquanto outras eram apenas fragmentos fugazes.

Essas histórias eram pistas de um enigma, os símbolos eram mensagens criptografadas, o código Da Vinci que eu precisava decifrar. Esse tem sido meu método de autoinvestigação, minha bússola para as “escavações psíquico-arqueológicas nas ruínas do meu inconsciente”.

Visualizo a mente como um corredor de hotel, repleto de portas de cada lado. Cada porta que se abre revela um mundo paralelo, onde tudo pode acontecer. Nunca se sabe o que pode emergir dali. Anjos? Fantasmas? Monstros?

“Somos conduzidos por forças interiores que emanam de uma fonte profunda que não é alimentada pela consciência nem está sob seu controle. Na mitologia antiga chamavam-se a essas forças espíritos, demônios e deuses”, afirmou Carl G. Jung, e eu me pergunto: Que histórias são essas que os monstros debaixo da minha cama estão tentando me contar na hora de dormir?

]]> https://editoraurutau.com/titulo/monstros-subterraneos/feed 0 https://editoraurutau.com/titulo/os-tempos-da-fuga https://editoraurutau.com/titulo/os-tempos-da-fuga#respond Tue, 24 Oct 2023 22:01:59 +0000 https://editoraurutau.com/?post_type=product&p=18490 1979. Com a Anistia, uma mulher retorna ao Brasil. Após passar anos na Argentina, é hora de voltar ao país de origem. Um trajeto marcado por uma cidade interiorana, uma casa e uma lápide. O regresso é também o despertar de lembranças incandescentes. Ele traz à memória o passado em cinzas da protagonista, Lígia. No prefácio do romance, Matheus Lopes Quirino escreve que Os tempos da fuga mostra como o silêncio guarda frases fortes, enredos cinematográficos e personagens difíceis — elementos que confluem em uma trama abrasadora

Rafael Tahan, poeta e mestre em Literatura Brasileira pela FFLCH-USP.

Raynna

(Payayá/Tapuia)

Inspirada na tradição cristã, mais propriamente na Bíblia, essa linguagem é levada ao extremo, a momentos de pura convulsão. E, em se tratando de um universo religioso, poderíamos fazer um paralelo do romance com a Santíssima Trindade, sendo aqui a linguagem: o Pai; as imagens: o Filho; a violência: o Espírito Santo. Creio ser essa a tríade que sustenta a trama. Sendo a violência, além disso, o sopro que a anima. Violência essa cruel e brutal, mas também lírica. E há ainda, de forma quase onipresente, a hipérbole, figura de linguagem que se justifica tanto pela questão bíblica quanto pela visão de mundo do protagonista-narrador.

Além disso, já há o aviso, em forma de epígrafe (referência ao Novo Testamento): “bem-aventurados aqueles que não se escandalizam de mim”, e eu reitero que quanto à violência “não há nada de novo debaixo do Sol”, nem mesmo a hipocrisia dos que possam se escandalizar ou vir a julgar a obra pelo prisma da moral mais tacanha, posto que a própria Bíblia e o mundo que nos circundam não são outra coisa senão um interminável rio caudaloso de sangue, miséria e destruição.

Pedro Colombo

É desse enredamento que resulta talvez o mais notável aspecto do livro, a maneira como vida, amor e morte são tratados sem hierarquizações benevolentes ou oposições maniqueístas, em favor de um olhar que desvela como, no quinhão de existência de cada uma das personagens — e de cada um de nós —, vida, amor e morte estão imbricados e implicados mutuamente. Se isso parece um truísmo, nem sempre é fácil encontrar boas representações literárias dessa complexidade que faz deslizar a vida para dentro da morte, o amor para dentro da vida, a morte para dentro do amor e assim sucessivamente em combinações cada vez mais improváveis e verdadeiras. Veja-se, por exemplo, o desvelo amoroso da guardiã, em conto do mesmo nome; ou a força anímica da flor que desponta teimosa do cimento, despertando o impulso mortífero até de quem só soube, ao longo da vida, cultivar; ou ainda o cuidado metódico da personagem que planeja cuidadosamente o momento mais extraordinário da sua vida, ainda que saiba que ele também será engolfado pela vida ordinária.

É assim que fui sendo levada de texto em texto até a última página do livro: sem coragem de quebrar os elos que os atam, curiosa para entender de que forma a autora daria a ver os deslizamentos de aspectos da vida humana que, de tão sutis, quase nunca são captáveis, senão pelo olhar artístico e literário. Ao fechar o livro, permaneceu aquela satisfação intranquila que nos reserva a literatura digna desse nome.

Rejane Rocha

Através das movimentações provocadas pelos caminhos da vida e pelas cartas do tarô, quem acompanha os jogos de sorte e azar das irmãs Raz, que persistem em embaralhar noções como vontade e destino, constata que também é preciso ampliar sua leitura em direção às janelas quebradas, aos muros pichados e aos encanamentos estourados que fazem parte de seu entorno. Dessa maneira, se faz necessário farejar as trajetórias realizadas por meninas — que cheiram a chiclete, fritura, cerveja e peru queimado — através das habilidades de alguns dos animais que se apresentam nesses percursos, como uma rata, uma corva, uma tartaruguinha, um cachorro, um bode, duas cervas e alguns homens. A partir da ampliação dos sentidos, é possível reconhecer que, ano após ano, as nuvens estão ficando mais carregadas e prever que, em algum momento, o cinza precisará dar espaço a outras cores no horizonte.

Para quem já conhece a escrita de Nicole Oliveira, é uma grata surpresa identificar os aprofundamentos dos buracos que persistem em vincular gênesis e juízo final, apogeu e colapso, já presentes em Pequenas Catástrofes. Aos que ainda não tiveram oportunidade de ser conduzidos e capturados pelo modo afiado como a autora tece seus textos, esta é a ocasião para começar a se aventurar por narrativas, contos e peças de teatro nas quais o trágico se apresenta como fio condutor. Em Tarô, com olhos perfurados por agulhas, com gargantas entaladas por punhais, em meio a uma coreografia trágica que acontece enquanto o céu está prestes a desabar, o gozo de quem lê está, justamente, na busca por indagar quais forças determinam nossas existências.

Paola Lopes Zamariola

É disto que se encarrega a escrita de Iko Flores, das impressões indizíveis encapsuladas de forma quase sobrenatural em invólucro de texto. Em seu livro de estreia, nos deparamos com a escassez das respostas, porque elas deixam de ser importantes quando são os enunciados que carregam as revelações.

No conto “A idade das perguntas”, que dá título ao livro, os questionamentos se desenrolam sem sobreposições hierárquicas, ou sem apreço ao reino da lógica. O que é o suicídio? — a criança pergunta ao pai. Quando o sol se põe no horizonte, ele passa a iluminar o fundo do mar? Também os cavalos, quando velhos, ficam grisalhos? Indagações infantis, profundamente necessárias: enquanto o olhar da criança busca compreender o mundo, ela gradativamente o reinventa.

Os estremecimentos que perpassam os contos aqui reunidos são de uma ordem singela, jamais abalada por excessos, seja de luz ou de sombra. São, contudo, dramas cotidianos que, ao trabalharem as irrupções do que há de mais poético e de decisivo no humano, nada têm de banalidade. Ao autor interessam mais os sobressaltos do âmago do que os eventos (trágicos ou esperançosos) que se desencadeiam em torno dos personagens. Estes, solitários, em busca de salvação ou diante do abismo, patéticos ou imbuídos de uma dignidade intrínseca, são protagonistas porque carregam o agon, o conflito, mas na via contrária à das jornadas heroicas: pois são antagonistas de si mesmos, e seus desfechos importam menos do que seu encontro com as questões que trazem. O encontro, nesses contos, essa fricção entre dois corpos, dois mundos ou duas desolações, é colisão ou adeus, confluência de cursos d’água, sempre efeito alojado entre as omoplatas, deixando em seu rastro reverberações de beleza. É uma prosa que se desfolha em consumição necessária, de dor ou de graciosidade. Somos invasores em um universo magnético e as tramas escondem, aqui e ali, passagens secretas.

Neste sentido, Iko Flores é habilidoso não apenas em tecer ficções inventivas e luminosas a partir das linhas mais tênues: sua prosa se firma em pequenos e constantes clarões de poesia — aquela luz estranha que, quando se revela, é sempre intempestiva e rara.

Léo Tavares

Pinta cenários e imagina espaços para a Mula sem Cabeça e o Lobisomem. Registra aparições e sustos do Pai do Mato. Não poderia faltar o Saci, Jacytatere, original, mestiço. Vamos do Pantanal ao som da viola de cocho para a Serra da Bodoquena, dos trilhos da Estrada Noroeste para os ervais da antiga Companhia Matte. A obra lembra, adota ou batiza os elementos culturais paraguaios, como o idioma guarani, Madrecita Caacupé e o Nhanduti.

Numa mimética criação, parafraseia José Saramago, transladando os sagrados evangelhos para as paragens e situações da fronteira do Mato Grosso do Sul, suas gentes, seus espaços, usos e costumes.

Ao final do livro, contos de criação inspirada na escritura de Jorge Luis Borges, nos quais lemos/vemos episódios da Retirada da Laguna, acontecidos no chão natal do escritor, recriados e repensados, num amálgama de ficção, pesquisa e fatos em que a Literatura e a História dão-se as mãos numa alquimia reveladora…

Mitologias Pantanal é um livro belo, profundo e sinuoso, que mostra através de suas lendas, seu folclore, fauna e flora exuberantes que o Mato Grosso do Sul é muito gente, muito humano. E é esse ser humano, sua história e cultura que se afirmam e se criam (n)estas Mitologias. Literatura total, à beira do impossível.

Me deu uma vontade doida de gritar… Pois grito:

— Pipipipopopupuúúú’!

***

O escritor é íntimo da composição doméstica de Machado de Assis, e ares das famílias retratadas pelo gênio criador da Academia Brasileira de Letras surgem nas tramas deste volume, como uma pitada de elegância a mais na construção da prosa.

***

Além da tradição machadiana e dos traços de memórias que surgem com pitadas de crônicas, nota-se no trabalho do autor uma linha de trabalho inspirada num outro mestre das nossas letras: Nelson Rodrigues. Há um elemento de trágico, de inevitável, que assalta as famílias descritas nos enredos e que nos leva ao prosador carioca. O olhar rodriguiano para algo a princípio despudorado, mas que não deixa de ser parte do humano (e que faz de tudo para ocultar os desejos mais verdadeiros muitas vezes), aparecem nos contos do livro, talvez com mais força no texto “O coração de Carolina”.

A dicotomia passado-presente, mais uma vez, em “Chuva oblíqua”, fazendo referência ao magistral poema de Fernando Pessoa, aparece costurando o narrador do presente com o jovem entusiasmado e célere de outros tempos — ele mesmo — entremeado a lembranças e decepções, porém diante de uma grande realização que é a publicação de um primeiro livro — ninguém sai impune da publicação de um primeiro livro. A história corrobora os movimentos de memória e imaginação que permeiam as sete narrativas, dando ao livro uma unidade que navega por recordações e projetos, saudades e ressentimentos: luzes a escapar por entre os vãos das palavras, por entre um acontecimento e outro, formando um bonito mosaico de impressões oferecidas ao leitor na forma de contos.

Moacyr Godoy Moreira

]]> https://editoraurutau.com/titulo/portas-e-vaos/feed 0 https://editoraurutau.com/titulo/o-velho https://editoraurutau.com/titulo/o-velho#respond Fri, 25 Aug 2023 00:41:48 +0000 https://editoraurutau.com/?post_type=product&p=17458 O filho mais novo se propõe a discursar no velório. Em casa, de preto, ensaia uma fala de longo fôlego sobre o velho, mas na ocasião só saem duas palavras: Eu tentei.

 Marcelo Moutinho

Carlos Castelo é um ótimo cronista. Admiro seu estilo calmo, sem pressa, de quem sabe conversar (sem nunca gritar) com o leitor. Pode ser muito engraçado, mas em geral seu humor é discreto — vence por pontos, não por nocaute. Pode ser lírico, até. De um lirismo suave, pouco dramático, em sintonia com o país de Rubem Braga e João Gilberto.

Fabrício Corsaletti

O cronista é, antes de tudo, um irreverente. A reverência pomposa não combina com a crônica, seja ela direcionada a personalidades, lugares ou ideias. Certa vez, Castelo perguntou a seu leitor: “E se Jesus morresse no sofá? Uma coisa é certa: decorar as igrejas seria complicadíssimo!”. Assim é o cronista, um sujeito capaz de fazer troça até dos objetos mais sacrossantos, como os sofás. Que tipo de pessoa levantaria perguntas dessa espécie? Só um louco. Ou um cronista.

 Marcelo Dunlop

Dotada de uma mente brilhante, Bia Chaves abre as portas de uma Belém única, em que voltamos a ser crianças. Isso enquanto nos ensina sobre o poder da amizade, a magia da diversidade e, principalmente, o amor pela vida.

Acrescento que O último apito do trem viverá para sempre em seus corações, assim como vive no meu desde os primeiros manuscritos. Uma prova de que a literatura fantástica brasileira não perde em nada para o resto do mundo.

Rafael Delboni

No conto que dá nome ao livro, Ana é uma jovem que está profundamente apaixonada pela imagem idealizada de sua amada casada. Presa numa eterna viagem psicotrópica e num turbilhão de pensamentos e sentimentos que guarda somente para si, Ana precisa enfrentar a realidade, materializada na festa de aniversário da amante, e combater o sentimento tóxico que ela mesma criou para saciar os seus desejos.

Tomei um doce sem calcinha é uma narrativa intimista e não linear, que flerta com a obscuridade do nosso subconsciente, muitas vezes inclinado a criar situações perfeitas que existem apenas em nossa mente.

“Mulheres várias, mágicas intensas; justiceiras emaranhadas em trechos de estereótipos engolidos (a seco). Cada mulher uma chave, uma chance, uma chancela para rasgar os papéis nossos de cada dia. Mulheres que se desregulam, que se desmembram, que se demovem para ser plenas de saudades, de afetos, de desejos: livres e libertas, de filhas a avós em um piscar de olhos, conduzindo a barca no infinito das pernas e gozando, para o desespero dos homens em criogenia.” — Mylle Silva

— A vida é cíclica, Catarina. Passaremos pela mesma situação várias vezes, geração após geração. Não serão necessariamente as mesmas pessoas ou exatamente a mesma circunstância, mas o mesmo padrão. E ele se repetirá até que, um dia, alguém decida rompê-lo.

Eu achava aquilo exagerado. Mas eu devia ter acreditado._
—–
Catarina tem uma vida comum até o dia em que um incêndio inesperado devasta toda a sua comunidade, matando familiares e amigos. Sem compreender o motivo, ela é salva por Will, um cavaleiro Real que tinha a missão, junto com seu grupo, de apagar qualquer rastro daquela pequena vila.
Para se salvar, Catarina finge ser uma amiga distante de Joana, filha do Rei e também noiva de Will que, embora a contragosto, apoia o plano para não prejudicar a carreira do futuro marido. A partir daí, a camponesa torna-se uma hóspede do castelo, enquanto recupera-se e elabora maneiras de se livrar daquela situação.
Dividida entre o ódio de quem a destruiu e a gratidão por estar viva, Catarina passa a conviver com seus algozes e descobrir os mais profundos segredos e dores daquele Reino. E, quando menos percebe, está mais envolvida do que gostaria nos dramas daquela família.
Ela então precisa decidir que papel vai desempenhar para quebrar antigos padrões e garantir que as histórias do passado não aconteçam novamente.

Como diferenciar as lembranças e memórias das invenções que sua imaginação cria? A narrativa dessa busca (estruturada em prólogo, episódios e epílogo, como as tragédias clássicas do Teatro Grego) fornece pistas para o leitor sobre qual a verdadeira razão de sua viagem, sua relação com a mãe e com o pai, seus avós paternos (que vieram da Itália fugindo da Segunda Guerra) e ainda divagações sobre como a psicanálise e algumas pseudociências (ironizadas por ele) explicam a formação de seu caráter e personalidade determinada, muito possivelmente, pela infância e outros momentos de sua criação.

Através das metáforas do espelho e da revelação do negativo de uma fotografia, o narrador expõe as dúvidas e aflições que estão presentes na vida de Pedro: “era como se estivesse vendo o negativo de uma fotografia, dividido em duas realidades invertidas, pronto para ser exposto à luz, jogado em uma mistura líquida” e transborda a tensão desse momento de busca “voltar, fechar um ciclo. Não é assim que vivemos nossas vidas?”.

Seria Pedro a imagem invertida de seu pai?

Uma mãe amargurada e violenta, a ausência de um pai, as dificuldades financeiras no Brasil dos anos 1980. Em meio a um cenário turbulento, encontramos, por exemplo, a avó que criava histórias para manter nosso protagonista por perto. Pois, se contar histórias não redime o mundo particular de suas adversidades, no mínimo serve para nos aproximar como pessoas implicadas numa cumplicidade que extrapola os laços sanguíneos.

Mas aqui não temos apenas amarguras. Tancredo soube muito bem temperar sua narrativa com momentos em que nossos sentidos são despertados e levados, deliciosamente, de volta ao vigor da juventude. “A comida de nossa infância é insuperável” — recorda o narrador. A atração irresistível pelo corpo feminino: “Ela riu, afagou minha cabeça febril entre seus peitos”. E, claro, as delícias da literatura: “Li livros inteiros dentro dos coletivos”, para citar alguns exemplos.

Escrever, porém, não alivia nossas perdas. Não há redenção. Rogério A. Tancredo escreve seu romance com a consciência de que “o fracasso está sempre à espreita”, e o livro que você tem em mãos prova que ele conseguiu, de uma forma corajosa e poética, ludibriar a possibilidade do fracasso. Ao final, talvez o leitor possa também dizer: “Encontro-me miserável e feliz”.

Eleazar Venancio Carrias

Logo de início, desci de mãos dadas com o narrador aos porões tal qual Alaíde e, rodrigueanamente, me vi absorvendo cada dia a dia. Fui tragado pelo desdizer de detalhes tantos e proibidos. Fiquei em estado de visitante descobrindo segredos nessa Casa-Diário onde cartas tensionam sentimentos e colagens.

As palavras do narrador-autor se metamorfoseiam, e personagens vão se aproximando — Armando, Paulo, Marcos e o leitor — e são convidados a adentrar essa Casa-Diário, a seguir pelos labirintos da escrita. Como disse Gaston Bachelard, “as palavras se vão, buscando, nas brenhas do vocabulário, novas companhias, más companhias.” O filósofo e poeta acrescenta, em tom questionador: “Quantos conflitos menores não é necessário resolver quando se passa do devaneio erradio ao vocabulário racional!”. As passagens não poderiam ser mais breves e profundas e, nessa vertigem, o sumário pode ser lido como poesia, síntese do que, principalmente, se faz sentir e sonhar.

A metanarrativa onírica submerge do nível das (in)compreensões amorosas e cruas. E cada filigrana é densidade nessa busca. Cada confissão revela o que o autor-narrador procura entender na leitura, no toque, na espessura e no voo.

Breves como são, os capítulos-fragmentos de Lucca Greco guardam certa potência, que pode e deve ser expandida pelo leitor num respirar emocionado, desatando o nó de cada imagem. Fica o convite: siga o leitor com o amado viajante.

André Luís Gomes

Esses afetos geram sujeitos inconvenientes. E para tratar deles o autor lança (ou dá a) mão para outros, i.e., por debaixo da terra das palavras deste conjunto de textos, é possível vislumbrar, além de Caio F., Kafka, Raduan, textos sagrados judaico-cristãos, tragédia grega, muitos filmes, elementos onírico-insólitos e, claro, a vida acontecendo.

Marcio, com erudição — não aquela que afugenta o leitor, mas pelo pacto que mantém com a palavra —, trata do ordinário cotidiano: a iniciação do amor adolescente se inclinando a um corpo-outro-igual, como se observa em “O dia em que vi o cometa Halley passar”, “Lá, na cidade pecuária”. Ou ainda, as relações efêmeras entre homens (“Cicatrizes” e “Animais noturnos”); homens que amam garotos (“O pinguim”); amores gays (im)possíveis (“A lua fantasma”). Em linhas gerais, pergunta: pode doer o amor?

Em cada conto, o leitor não passa incólume aos eventos e às personagens, mas torna-se cúmplice de cada uma delas, seja por identificação ou sentimento de outridade; é convidado a penetrar o mundo das palavras e ver o outro, a dor do outro — o verbo-dor —, e, nesse gesto, ver a si mesmo nos solavancos da vida, nos caminhos sinuosos, nas tentativas de (auto)afetos, nas tragédias às quais todos estão submetidos; daí que o autor, num claro intento de não ferir mais ninguém, não manchar mais nossos olhos com mágoas e desafetos, tece, como as abelhas o fazem, um verbo doce e delicado, sem, contudo, nos sonegar a verdade do mundo. Em outras palavras, é a delicadeza inscrita no horror.

A lua fantasma perpetrado pela voz poético-narratológica de Marcio Markendorf, talvez, esteja indicando uma saída, uma fresta, outro caminho na contramão da hegemonia… Para descobrirmos outras vivências sociais — a educação pelos afetos — e, assim, escaparmos de caçadores sanguinários e vivermos como os leões: em comunidade.

Flávio Adriano Nantes

verão de 2023

A autora disseca com maestria o lado mais íntimo e, por isso mesmo, às vezes macabro de seus personagens.

Há em cada conto a exposição da vida como um jogo de forças irracionais. Nomeado como delícia e terror, o conto escolhido como título do livro, “Seu nome na minha boca”, tem o clima da paixão encarnada sem romance, uma pitada de perversão revestida de erotismo, não há espaço para glamour.

Isso faz com que o livro de Priscilla apresente uma predominância feminina. São mulheres impulsivas, apaixonadas, que seguem o fluxo da atuação, levam a vida num ritmo norteadas por instantes de prazer e uma espécie de ‘não querer nem saber’ sobre o risco que correm. Sem amor avançam, sem prazer insistem. Ansiosas pelo futuro, teimam em lançar-se à própria sorte. Numa euforia contínua, elas estão ora buscando, ora fugindo. Insatisfeitas permanecem. Perdidas. Vítimas cambaleantes que no desfecho de cada história vivem a face trágica do amor.

E por aí a trama segue, deslizando nos trilhos de uma vida sem rumo certo, o que aliás pouco importa, pois o que está em jogo na trama é uma ética do desejo cego, que faz de cada linha uma continuação, ou uma emenda infinita, do que há de mais revelador do feminino em sua particularidade. Além disso, as lembranças de quem já se foi são avassaladoras, embaralham os tempos vividos do presente e passado que nunca chegam a vigorar como saudades. Efeitos desencadeados da falta que provoca estragos e da violência sofrida. Nas entrelinhas encontramos o abuso sofrido por traição, estupro ou incesto. Acreditem, as personagens a tudo sobrevivem (mesmo que precariamente), menos aos efeitos silenciosos de suas próprias lembranças.

Esta é a maior qualidade da autora: conseguir apresentar em seus contos uma trama que é capaz de revelar primorosamente o que não conseguimos jamais esquecer — que o amor marca para sempre a vida da gente, e não se vive isso impunemente.

Renata Salgado

Em sua estreia como contista, Francisco Mateus retrata esses espaços que habitam em cada um de nós, inevitavelmente paranaenses, mas sem o tom pueril de narração em off dos programas de TV locais e sem a afetividade alienante dos poetas de porteira e seus elogios à terra e à família. Nos textos, encontramos o reflexo de nosso tempo um tanto distorcido, registros-crônicas que passeiam por diferentes pontos de vista e vozes: uma viagem ao interior pode ser desgastante dentro de um Fusca, como o tédio que sentimos, ainda crianças, em tardes infinitas na casa dos avós, ou o alento nas palavras de um amigo compatriota quando em terras estrangeiras — ainda mais quando ele carrega a verdadeira essência do gaúcho.

É inevitável não pensar no espírito latino-americano ao longo dos seis contos, reverberando a nossa orfandade de Bolaño ou Casares. Sair do campo e morar na cidade, procurar um refúgio de si mesmo em apartamentos pequenos e trabalhos insalubres para descobrir com dor o afeto que reside nas lembranças é, certamente, um excelente convite para recomeçar em um novo rincão desconhecido, sempre com a cuia em mãos. Afinal, “Quando não se pertence a um lugar, é muito mais fácil de partir”.

Lucas Silveira de Lavor

Está diante de uma porta abrindo lentamente para você.

Entre!

Caminhe o quanto quiser pelo tempo, pelos quartos, pelas camas e pelos corações dessas pessoas agora mesmo.

Venha, não se acanhe! Não é sempre que se ganha esse tipo de liberdade. Aqui, uma taça está servida para que você beba de uma realidade muito próxima sem necessariamente estar nela.

Não dessa vez!

“Dessa vez, eu só vim para olhar.”

Deslize as páginas, parando para sentir ou lembrar seus próprios momentos. Afinal, quem não se lembra dos plenos 18 anos de experimentações regados a vodca roubada do pai e refrigerante de limão? Quem não conhece a sensação de partilhar uma cama de hotel com a ex sem poder tocá-la, enquanto o celular vibra na cabeceira com uma mensagem da atual? Quem nunca viu a decepção nos olhos de um homem que, dia após dia, teve esperanças de mudar a sua natureza e nunca entendeu sua sexualidade?

Já te adianto que esse convite inclui um interessante happy hour depois de um dia de trabalho em que você nem se lembra muito bem das atividades que cumpriu. Inclui viagens de ônibus e de avião regadas a muita cerveja e dilemas emocionais. Inclui abraços calorosos de amigas que acompanham o seu olhar. Inclui lágrimas da companheira que se perdeu demais em você e inclui cafés quentinhos em cafeterias aonde você vai sozinha, aliviar o peso do seu coração partido com as boas-vindas do seu computador. Você vai vibrar com uma mensagem chegando e vai deixar ir um amor que te fez muito feliz.

E vai sentir que valeu a pena!

Lendo, só consegui ser grata por tanta sensibilidade, pela aceitação dos sentires e pelo transcender de si mesma para habitar outros corações e escrevê-los. Obras que naturalizam amores atacados por tanto tempo são um bálsamo no coração. A aceitação do ser humano em múltiplas facetas, o acolhimento dos desejos, da verdade, da superação e de saborear a vida com honestidade e coragem de ir correndo ao encontro de si mesma até queimarem os pulmões, respirar fundo e desfrutar.

O meu desejo é que tenhamos mais, muito mais desta obra que é cheia de tato, carinho e afeto. Um namoro caloroso e profundo com a escrita.

Você tem um convite.

A este ponto, vou entender que você o aceitou.

Lara Muntaser

]]> https://editoraurutau.com/titulo/aconteceu-muita-coisa-nos-ultimos-tres-anos/feed 0 https://editoraurutau.com/titulo/terebentina https://editoraurutau.com/titulo/terebentina#respond Tue, 06 Jun 2023 11:23:27 +0000 https://editoraurutau.com/?post_type=product&p=17162 ti.na) s.f.

1. Quím. Nome comum às resinas que se extraem de certas árvores, esp. coníferas, us. como solvente
2. Bras. Pop. Cachaça

Com Cabaré, conhecemos a força de uma escrita que é também vontade de vida, de uma autora que transita com estilo, salto alto e vestido vermelho sobre os paralelepípedos da Lapa. Entre os passos exuberantes da puta e da escritora, nos perdemos deliciosamente nas curvas do tempo e nos segredos da história.

Se um livro é como uma espécie de filho, posso dizer que tive o prazer de acompanhar de perto a gestação de Cabaré, desde suas esquivas às escuridões mais difusas, curtidas noites adentro, até que uma linha de fuga pudesse se anunciar.

Como todo filho, este também ganhou corpo e voz a partir de um punhado embrionário de caos, gerador de uma combinação única de memórias e paisagens que nos aguçam a vontade de experimentar.

Simplesmente: devoro-te!

Marta Picchioni 

O romance é fragmentado. Não apenas porque trata de relações fragmentadas, mas também de tempos fragmentados: além da narração focalizada em Paul, utilizam-se os suportes das redes sociais (ambiente onde parte das relações se desenvolvem) para contar os episódios que permeiam os contatos de Paul e de Carmen com vários outros personagens: por exemplo, o catalão Jordi, uma figura excêntrica que, de início, é uma das arestas nesse poliedro amoroso composto pelo casal.

Ao contrário da narrativa audiovisual, que tem abordado a dinâmica dos relacionamentos não monogâmicos em incontáveis filmes e séries, a literatura de ficção tem se revelado um território ainda muito tímido no registro dessas formas de afeto que, embora não sejam tão novas, ainda carecem de uma representação artística menos perpassada por mitos e preconceitos sociais. O som de quem te ama tem a virtude de não apenas tematizar uma relação que foge aos padrões normativos tradicionais, mas trazer também uma visão participante “de dentro” desse universo, a partir das experiências amorosas dos protagonistas.

Um livro de inegável apelo, que tem a coragem de enfrentar perspectivas conservadoras a respeito de relações supostamente abusivas, numa época de reacionarismos em que a arte, nossa única arma contra o ódio, não pode se prestar a ser inofensiva.

Tiago Germano

Adília César

O autor nos conduz, nos mínimos detalhes, à reflexão sobre formas sinuosas de nossa existência frágil, buscando o aprendizado da linguagem de nossa experiência num mundo que se apresenta muitas vezes despedaçado e outras tantas como campo onde plantamos esperanças.  Chama atenção a epígrafe que abre o conjunto de contos: “Todas as coisas da vida que uma vez existiram tendem a recriar-se”.  Ousando discordar de Marcel Proust e desconfiando do querido Tiago (só conhecemos um poeta em suas segundas intenções), talvez na vida não haja recriações. Tudo é sempre novidade, por mais similares que sejam as vivências. Não há recomeços. Tudo é sempre novo caminho. Encontramos nesses contos esses percursos de novas miradas, sem a ingenuidade de que sejam construções fáceis ou sempre felizes, mas com a certeza de que guardam beleza.

Os textos revelam um autor buscando por meio de sua literatura a identificação ou a criação do sentido de nossa experiência comum em meio ao aparente caos. Entretanto, Tiago não o faz impondo convicções, mas mostrando possibilidades, como um gato malabarista transitando entre objetos delicados sem quebrá-los. Apresenta formas coexistentes de estar no mundo, como metaforicamente faz nesse jogo de associações: “Pequeno mamífero que anda sobre os dedos, com garras retráteis, carnívoro e domesticado, patas curtas, cauda longa e pelo macio, caça ou afugenta ratos. Engano, lapso, erro. Provérbio. Regionalismo. Mitologia. Quantas casas pode haver em uma única palavra? Como crer em uma única verdade?”

Tiago D. Oliveira olha para o que nos machuca e para o que nos emociona. Cumpre essa tarefa com a serenidade de um bom poeta. Convoca quem o lê para a ação imperiosa de viver. Prestemos atenção na forma como o faz: “Há apenas a calma em que acolho a manhã como se tivesse vivido só para estar aqui. Entender a noite anterior, aceitar (os itinerários são a digestão)”. Que a vida permita ainda que aprendamos mandarim, mas não adiemos o desafio maior e mais profundo que o autor nos chama a enfrentar. Coragem!

Paulo Vicente Cruz

Vítima de uma morte súbita, filho de uma tradicional família da elite política e econômica, virtual proprietário de um futuro promissor, o defunto não passa de figura secundária do próprio velório. Antes mesmo do enterro, a família se digladia para conter as consequências da morte prematura e inexplicável do jovem parente, além da luta que cada um empreende para garantir o seu quinhão.

Figura escorregadia que conhecemos — ou desconhecemos — pela visão contraditória dos familiares, mesmo morto, o defunto parece escapar aos visitantes do velório e, talvez, aos leitores. A pergunta não cala desde a primeira aparição: quem é, ou melhor, quem foi o morto? Por outro lado, não sobra dúvida sobre as intenções dos outros membros da família. O livro, além do enredo, entrega aos leitores e leitoras uma visão desmistificada sobre os privilegiados do país.

Com personagens marcantes, que tentam escapar de doenças incuráveis através de mordidas misteriosas, comer pastel sossegados no clube de campo, relembrar um irmão morto, Gean apresenta histórias que nós, leitores — essa espécie emotiva —, lembraremos de momentos pessoais, da universalidade da infância e da época escolar, das brigas com os irmãos. Tudo isso sem perder aquilo que realmente importa em um conto: uma narrativa bem-construída; e não só, pois são cheias do ingrediente fundamental da boa literatura: a humanidade dessas personagens. Assim, veremos que “pássaros são crianças desde o nascimento até a morte” nas reflexões de Liana, ou que os pinheirinhos sempre são montados na véspera de Natal e desmontados no Dia de Reis, nem um dia a mais, nem um a menos… ou, ainda, a força dos trovões e o medo do escuro durante as tragédias que, vez ou outra, nos acometem na construção de nossas vivências.

Para mim, no entanto, o que mais tocou foi que os relatos de Naue são, em verdade, minha história pessoal. Se o retrato de Itabira na parede dói a Drummond, os contos de Menores que o céu me doem na memória de um tempo que vivi. Impossível para um leitor — esses emotivos, eu já lhes comentei? — não deixar, aqui e ali, um suspiro tomar o nosso redor.

Vida longa aos contos deste Menores que o céu! Força criativa a Gean Paulo Naue para que não deixe de nos presentear e emocionar com sua literatura!

Rafael Bassi

Todo o seu drama se dá no esquadrinhamento de sua experiência recôndita, experiência de um corpo feminino, que insiste na questão de seu Ser. É assim que vamos acompanhando o puxar das linhas de todo o emaranhado secreto que são as mulheres em sua volta; seja na distância que toma sua mãe, na exterioridade que assumem suas irmãs, no silêncio e no ar quase espantoso de Cecília, na amizade clandestina com Paloma. Num exame turvo e inquieto das relações, que muitas vezes chega a questões sobre a realidade, a vida e o viver, a personagem vai notando aquilo que
atravessa seu corpo de mulher.

A minúcia da autora está em ressaltar as singularidades que recobrem cada personagem, que, no destrinchar de seus destinos, se veem atadas por suas reclusões, culpas, silêncios — por um nó escondido no peito. Decerto, um corpo feminino que se mexe ainda tem de ser um corpo disposto a aguentar a poeira que levanta, e é em meio a toda essa poeira que a personagem se pega sempre meio ofuscada, ainda que guarde uma profunda ânsia para fazer valer seu olhar, seu toque e, por que não, sua voz.

Saulo Machado catharina azevedo

Aline Bernardi

Em todos os contos, o presente é soberano e Gabriel o apresenta por meio do suspense. Cortes no cotidiano em que, do grande angular do urbano, da rua, da noite, da feira, o que resta é um aturdido instante, uma bandeira esquecida, uma gota prestes a cair, o gozo à espreita, o som vazio de um momento, o espanto. Espanto que também é nosso ao nos depararmos com esses átimos sempre em movimento e que misturam o lodo da cidade que corre, a corrida do suor no corpo, o visual da rua que passa, o horário que marca, a melancia que se rasga.

São contos de cores vivas e contrastes — a transparência da gota e o escuro da carne, o colorido da fruta e o corte que arde — escritos feito poesia. Com sonoridade complexa, linguagem imagética, evocações musicais e referências populares, os narradores trazem algo da criança que vê tudo pela primeira vez e ao mesmo tempo a complexidade de sentimentos que só quem vê há muito tempo a mesma cena pode ter.

Uma experiência tranquila, você não vai encontrar por aqui, mas se você quer a singela monstruosidade cotidiana, leia O cubo.

Talita Tibola

O narrador perde sentidos, mas, como num mecanismo de compensação, sua percepção se aguça e a feitura do livro se torna, na leitura mais do que tudo, uma aventura sinestésica. A limitação pelo espaço do corpo incapacitado é o ponto de partida para uma viagem intensa a um universo de imagens e memórias, sempre com muita atenção aos detalhes, ao que é nuance; àquilo que está à margem, mas sem o qual não haveria rio.

No decorrer da narrativa, somos levados a expiar e espiar suas memórias. O romance então vai a todos os interiores deste homem. Do Brasil, com o seu calor, sua família e seus cheiros; da sua depressão e a sua incapacidade de gerir a própria vida; do apartamento e os movimentos suaves que denunciam sua relação com o marido, com a mãe e a terapeuta. Descortina-se também um mundo repleto de simbolismos. O kudzu e suas raízes, a serpente, os gatos.

Quando interage com o mundo externo, o narrador coloca suas relações no divã. É a sua chance de testar a ligação que ele tem com as pessoas que constituem a sua vida. As que estão ali por obrigação, por dever ou por afeto. Seria o amor um ato de altruísmo ou de constrição? Há algo de profundamente socrático quando suas provocações e reflexões se dão por meio do diálogo que faz com cada interlocutor. Incluindo o leitor, a quem estende a mão diversas vezes.

Já acomodados na pele do narrador, não conseguimos mais distinguir o que é impressão do que é sonho. Não sabemos mais se estamos dormindo ou acordados. E, sem que nos demos conta, concluímos que sonhos e impressões são o que constituem a realidade privada e individual de todos nós. “Não sei se estou dormindo ou acordado, porque não vejo a diferença”, afirma em determinado momento.

Sem mim não há dia é sobretudo um livro de exploração e descobrimentos, de vulnerabilidades de uma personagem com uma poderosa visão, ainda que não possa mais andar ou enxergar. É, afinal, um romance de reflexão: profundo, instigante e, sem dúvida, marcante. Um elogio à linguagem dos desejos e culpas provocados pelo desgaste da vida.

Carlos Raffaeli

Neste seu primeiro romance, Pedro Soledade nos mostra que entender a ancestralidade é como nos reconectar com esse futuro, aquele lugar para onde queremos ou devemos ir a partir do nosso olhar pelo retrovisor.

E é essa abordagem que o, agora, escritor tem carregado em toda a sua trajetória profissional como comunicador social, criando e disseminando narrativas que façam sentido a partir da percepção do passado para entender o agora e o depois.

Nesse lugar mestiço racialmente, embora a mestiçagem tenha as suas problemáticas, em se tratando de um Brasil colonial, Pedro apresenta esse realismo fantástico que nos faz entender também muitas questões sociais que envolvem a brasilidade. A cultura, os costumes, a forma de abordar nossas questões. Principalmente, relembra a Bahia, seu berço, como a grande mãe de tudo isso que nos engloba e modela, em linhas gerais, a personalidade do ser brasileiro. Por isso, retomar essa história será um desafio emocional para qualquer um que tenha algum interesse mais profundo sobre a história do Brasil.

Na obra, podemos perceber, além da importância da Bahia no processo de formação do Brasil, o papel de destaque da mulher como líder, muitas vezes negligenciado pela nossa história oficial.

Outro ponto importante em Cafuzo é a reafirmação dos indígenas e negros como nosso povo originário, dando-lhes também o protagonismo na história, não mais o papel de agentes submissos e coniventes com tudo o que foi feito pelos colonizadores para a construção do Brasil.

Cafuzo é para quem quer mergulhar na dor e na delícia dessas origens, de quem somos como povo e do que podemos ser como potência para o mundo, trazendo a ancestralidade à tona, seja pelo conhecimento, pelo sincretismo ou pela mitologia, propondo esse fator como uma forma de nos guiar para o amanhã que nos espera, um futuro ancestral.

Igor Leo Rocha

O protagonista de Caronte também é um justiceiro, mas não um personagem como aqueles que vemos com frequência em textos e filmes sobre vigilantes. Este homem é acompanhado e atormentado por aparições que buscam vingança.

Como a criatura da mitologia grega, é um ser que vive entre o mundo dos vivos e o dos mortos. Seus atos são influenciados pela necessidade de ajudar desconhecidos, da mesma maneira que pela vontade de, em algum momento, se livrar desse fardo. Ele é apenas um instrumento, um meio para a reparação dos que já se foram.

E, se não bastasse toda a pressão daqueles que buscam seus serviços, existem feridas abertas de uma vida pregressa, um porteiro intrometido e detetives em meio a uma investigação, atravancando seu caminho.

Em seu segundo livro, Rafael Waltrick nos presenteia com um suspense urbano que mescla a violência humana ao cansaço mental, a tormentos do passado e suas influências nas pessoas, bem como aquela pitada sobrenatural que serve de urdidura para que todos esses elementos coexistam de forma coesa no universo de Caronte.

Convido os leitores a subir na barca e navegar pelas palavras do autor, acompanhando o homem-barqueiro em sua jornada anti-heroica.

 Yasmine Evaristo

Fabíola Cunha conhece o que declara ignorar. A resposta desse falso enigma é justamente o elemento que nos conduz pelas linhas de sua escrita singular. Por meio de sua arte, falam ancestrais e vivências coletivas com a tradução de quem domina as múltiplas possibilidades da palavra e o ritmo da prosa.

Impressiona a capacidade da autora de criar paisagens. Não se trata da descrição de cenários, mas do retrato feito por meio de palavras para alcançar o sotaque e a gênese das personagens de suas histórias — o sotaque não como dicção em sentido literal, mas como expressão que traduz as experiências das figuras fictícias que a artista cria.

O poder de síntese e a contundência de Fabíola revelam-se em soluções como as contidas no conto “Corpo de lama”: …alguém dado a simetrias podia observar uma leve inclinação de uma das paredes. E o cristão cantou que sábios fazem casas sobre rochas. A questão é mais de dinheiro e menos de sabedoria. Também podemos ver essas habilidades no conto “Doum”: E que ninguém pense em força-tarefa daquelas de filmes. Aqui não voaram helicópteros nem latiram cães farejadores, policial não anotou o andar de cada um. Aeroporto e rodoviária não tomaram ciência do acontecido, nem TV fez cobertura nenhuma. O trânsito correu livre na BR 324. Carros sem averiguação, autoridades não emitiram um alerta sequer. Quem busca o seu sumido é o povo.

Embora interesse saber quem primeiro colocou as vistas no assombro de nossas manhãs, Fabíola, com a força poética de sua prosa, convida leitores e leitoras para que a acompanhem nos percursos de quem olha o espanto da vida com verdade, intensidade e beleza. Receberá a recompensa quem aceitar o convite.

Paulo Vicente Cruz

A capital alencarina, assim como nosso próprio desamparo ou mesmo a mistura entre crença e descrença no agora e no depois, nos encontra, ao mesmo tempo, na pele suarenta do “caçador” — personagem que guarda os segredos do mundo em latas de leite —, na solidão do Edifício Rubi e ainda no cansaço e na rouquidão que guardam as palavras ditas por um navio-fantasma. A suavidade das cascas de manga, o amor desavisado da morte e as mentiras que o passado conta formam esse “oceano vermelho-alaranjado de poeira e vento” que Leonardo Araújo anima em Frio magma.

As palavras, aqui, fabricam imagens que se sucedem no corpo de quem lê. O “azul elétrico” do céu da capital, a profundidade do buraco que cresce, o corpo de poucos satélites que repara o vazio são também caminhos que o livro assenta — e nos convida a tracejar. O passar de páginas põe nossa respiração suspensa e nos obriga a abrir os olhos, vem nos acertar em cheio e “derramar o próprio calor em todas as coisas”. As masculinidades falhas e risíveis, as histórias de amor que se esgarçam ou se costuram como tecido de algodão, as maternidades possíveis, as falências, os medos que nutrimos e os que teimamos em ignorar, tudo isso nos espreita por dentro das histórias que, como pequenos filmes, são memória feita pra ver, ouvir e guardar. É um convite à atenção: este é um livro sobre o que teima em acontecer.

Marília Oliveira,
artista visual e pesquisadora.

Assim — com uma pergunta sobre o mistério, um enigma posto, incandescendo — Juliana Dias abre este Antes de mais nada, seu livro de estreia. Como podem os cheiros, que são vivos, inscreverem-se num corpo frio, na matéria inânime? Há um vislumbre e um espanto que nascem aí, no litoral dessa pergunta.

 Agrupados em quatro seções, os poemas de Antes de mais nada repõem a incógnita própria do encontro entre os opostos, desdobrando-a na descoberta de que nós mesmos nos construímos pelo contraste entre o vivenciado e o perdido. Afinal, ao lado do tempo que se desenrola e se cumpre, corre outro tempo, feito de nossas desistências e abandonos, “uma pilha de livros/não lidos […]/um rio de palavras/não vertidas […]/uma lista de projetos/não executados/um punhado de amores/não ateados”.

 Não deixa de ser uma espécie de cronologia que segue à sombra — e que, vale lembrar, também atua sobre nós, sobre nossos corpos. “Desejo não é bicho que se mate”, diz a poeta. Não há renúncia que não pese sobre aquela que renunciou, seja numa cicatriz ou numa ferida aberta, seja na presença insistente de uma voragem represada ou num ímpeto torcido. Vira um hóspede, no fim das contas. “Ferve-me o sangue/arqueia-me as garras da boca”.

Com uma linguagem repleta de sutilezas, delineada no fio entre certa poética da sensação e a abertura à reflexão, Juliana nos oferta aqui um livro a um só tempo delicado e provocador, tênue e fulguroso. Nele, atravessamos um caminho em que a rede de referências e o endereçamento do vivido não encerram o vivo, pelo contrário: há sempre algo que a palavra não esquadrinha jamais, uma espécie de “silêncio-sussurro”, “furo-passagem da dúvida”. Deslumbramento, digo eu depois da leitura. Sonho a ser lido no escuro.

Mar Becker

A noite é o mal. É esse mal de se perceber só, sem saber como ou por que gritar a um mundo de poucos ouvidos. E é assim que estão os personagens de José Nascimento, com um grito na agulha. O que nem sempre é ruim. No conto “O grito”, as bombas, os disparos e a truculência policial não impedem a marcha. A manifestação prossegue. O grito não é sufocado. “Mesmo que acuados, mesmo que não nos restasse outro sentimento além do medo que era quase pânico, não deveríamos fugir. Fugir seria reconhecer o massacre moral”, diz a narradora sobre como responder à selvageria autoritária. Diz a narradora sobre nossos dias atuais. Além disso, se a ansiedade (esse “cansaço” que “debilita as certezas”, como coloca o narrador de “Tsé-tsé”) é mesmo o mal do século, este livro é sobre nossos dias. Se ainda continuamos sendo cruéis com o corpo feminino — como acontece em algumas narrativas aqui presentes —, é, infelizmente, um livro bem atual.

“Matilda quer ler” é, também, um conto sobre o efeito catártico para aqueles que abrem um livro em busca de fugir da realidade sufocante. A noite dentro de nós, livro de estreia do escritor potiguar José Nascimento, certamente seria um desses livros.

Aliedson Lima

Marcela Fassy, que desde o seu primeiro livro, Animais Cinzentos, se filia a esse gênero, aposta, em seu Oniros, na natureza onírica da literatura. Os , (em grego onéiros, pl. oneíroi), isto é, os sonhos, são figuras mitológicas que, em Hesíodo, aparecem como filhos da Noite e irmãos do Sono, da Morte e da Velhice. São criaturas das sombras, a habitar a fronteira entre o caos e a forma.

Os estudiosos, de Freud à neurociência, lhes atribuíram diversas funções. Gosto de pensá-los a partir de Susan Langer, para quem o ser humano possui uma profunda necessidade de simbolização, meio pelo qual o caos das impressões sensíveis se tornam para nós inteligíveis. Pois esse é, assim creio, um dos papéis dos sonhos, que eles compartilham com a literatura.

Não somos animais racionais por inteiro. Dentro de nós habita a luz da razão, mas também sombras, tão próximas do sonho e da literatura fantástica. Adentrar nessa dimensão que faz parte inescapável de nossa existência, tal como em uma katábasis de um herói épico, eis a experiência que encontramos neste livro.

Em alguns dos sonhos narrados, temos a simbolização de alguns dos nossos mais profundos desejos: a juventude perdida, o encontro improvável, a reintegração a um estado paradisíaco, ainda que impermanente. Mas Marcela, desde Animais Cinzentos, também se aproxima, em sua escrita, daquela literatura de terror que tem em Edgar Allan Poe o seu mais insigne modelo. É por isso que muitos destes sonhos são, na verdade, pesadelos, manifestações de nossos medos mais viscerais, aqueles que só ousamos confessar a nós mesmos logo antes de dormir ou quando acordamos no meio da noite: a fragilidade diante da violência desmedida, a transmutação para um estado inferior do ser, o completo desaparecimento.

Este é um livro para se ler no escuro. Mas, paradoxalmente, para lê-lo, precisamos de luz. Pois penso que estes contos, nessa síntese entre medo e fantasia, são como uma clareira que, em meio às sombras que se ocultam em nossas profundezas, nos permite simbolizar o desconhecido e caminhar, mais lucidamente, por entre os desacertos de nossa existência.

Bernardo Lins Brandão

São histórias que poderiam ter sido contadas, aumentadas e distorcidas em tom de fofoca pela sua tia à mesa de almoço num domingo de jogo do ASA. Poderiam também ser histórias de garçons (aqueles, tal qual Reginaldo Rossi já disse, que provavelmente já se cansaram de escutar centenas de causos de amor), e tanto faz se esses garçons fizeram parte do mais fino restaurante do agreste alagoano ou do mais farrusco pega-bebo de toda a História. Quiçá foram até histórias contadas ao fim da longa noite, quando trabalhadores se juntam para finalmente trocar a farda pela roupa e descansar antes de pegar a bicicleta para ir para casa.

Entre quengas, matadores, cornos, políticos, agiotas, bandidos, torcedores fanáticos por futebol e policiais face a atitudes extraordinariamente comuns descritas num humor irresistivelmente típico de Luciano, tudo se soma ao redor de grandes sentimentos do ímpeto: o amor, a raiva, a vingança, a amargura de quando não se consegue atingir
o objetivo daquilo que poderia ser bem-feito se não fossem razões exteriores, a surpresa que paira e nos ressente quando engolimos em seco e admitimos (obviamente, não para o mundo) que podemos ter errado por uma besteira… No fim, tudo neste livrinho é como já dizia o Conde Só Brega: “não devo nada a ninguém (só a Deus)”. Nossas vidas poderiam acabar, entre um beco bem traçado ou não, mais ou menos assim também.

Julia Magalhães

Na segunda parte, para arrefecer a dureza da anterior, vem o momento lúdico, leve e bem-humorado do livro, no qual destaca-se “Gatinho casual”, que, numa leitura de primeiro nível, fala das trocas recíprocas de um encontro entre um pequeno felino e um ser humano. Desse momento, há muito o que aprender, sobretudo com os animais, que, diferentemente dos humanos, oferecem carinho sem moeda de troca. Contudo, nas entrelinhas, a casualidade pode ser lida como a fugacidade nesses tempos de amores líquidos, e o felino não necessariamente tem quatro patas.

A terceira parte não é visceral e contundente como a primeira e nem humorada como a segunda. É nela que se encontram as narrativas mais introspectivas, quase sem ação. Tudo a sugerir, como indica o subtítulo, um mergulho nas regiões mais profundas da alma humana.

Como última palavra, uma recomendação: acene de volta pra ruivinha do sinal e leia, sem medo, antes que o sinal abra ou feche.

J.L. Rocha do Nascimento

Bruna Santiago

Janeide Oliveira de Lima

O rapaz trocou de nome, nasceu Luiz Carlos e virou Caio, pôs-se a escrever livros, mas de nada adiantou, pra gente aqui da Cruzília, ele é só o filho do sô Juca.

Saiu de sua terra, mas a terra não saiu dele: é só ler as duas primeiras partes deste livro, que é prosoema, croniquesia ou coisa que o valha ou velha, pois o tempo está no pé desse mineiro que garimpa diversos gêneros.

Se ser brasileiro é ter por profissão a esperança, esse escribaixinho, que foi professor por quase 40 anos, sofre muito de Brasil, tenta falar disso na terceira parte deste livro, evocando os versos de Manuel Bandeira, “vi terras de minha terra,/por outras terras andei,/mas o que ficou marcado/em meu olhar fatigado/foram as terras que inventei…”

Nas lidas com as letras, empanturrou-se de leituras, daí ter escrito ensaios, comentários, artigos e, nesta obra, há uma parcela do estoque dessa faina de um esfomeado por livros.

Como seu pai era sócio do Cine Vitória, empresariando sonhos, o filho do sô Juca desandou a ver filmes, apaixonando-se pela telona, daí misturar filmes com suas inconscientes viagens noturnas, o que também comparece nesta seleção de textos.

Escrever é também um jeito de brincar. Na infância, fazia do dedal um cavaleiro andante; e, com giz, rabiscava no pátio revestido de pedras de São Tomé desenhos para histórias que lhe letravam por dentro. Escolheu seus objetos diletos e fala disso neste livro.

Resumo da ópera: Este livro contém 60 textos, além da introdução; estruturam-se em seis partes, um hexágono, com a seguinte divisão:

1) a família; 2) a terra natal e Minas; 3) o Brasil e outras terras; 4) leituras; 5) filmes & sonhos; 6) objetos diletos.

Mas a palavra hexágono lhe traz lembranças obscenas: em Cruzília, o popular Vicente Batata Roxa, em atormentada geometria, usava esse termo para designar a genitália feminina.

Quem assina esta orelha é o zoado cruziliense Zé Jão, que numa atividade escolar anotou: “Redazão zem azinatura, azinado Zé Jão” Caio Junqueira Maciel

Feito Neblina é composto de contos cujos caminhos narrativos são imprevisíveis e entrelaçados por suas paisagens em comum, imersas em um mundo de fazendas, trabalhadores do campo, animais, árvores, frutos, cores — até mesmo quando o cenário é um quarto simples e úmido no subsolo de um estacionamento no meio da cidade grande.

A escrita de períodos ora tão curtos que nos deixam ofegantes, ora longos, repletos de gradações, formam imagens nítidas e bem delineadas, que não raras vezes chegam a ter textura e sonoridade. Dessa maneira, nos é possível adentrar a mente em turbilhão de um alguém chamado Juanito e seguir um gato que nos leva ao inesperado. Mergulhamos em silêncios que apenas são percebidos quando não existem mais. Observamos um ladrão de frutas que vive em delito por não saber decifrar palavras e o desmanchar de pessoas e sonhos.

As histórias deste livro nos escancaram a solidão dos mundos particulares de todos aqueles que não são vistos, ou que não se deixam ver. Escancaram-nos o “retrato defeituoso de um tempo atrasado”. Escancaram-nos as saudades, as ausências — de recursos, de amor. Feito Neblina é como uma tecitura poética de tristezas, medos, lembranças. Mas também de desejos, de possibilidades de amanhãs, de “sussurros de finitude” permeados de esperança.

Intenso. Violento. Pulsante. Vivo. Assim é o livro de estreia da autora mineira Marcela Ávila.

Mayara Freitas

Grãos de Areia é uma novela que já teve outros nomes, mas no final o simples da conexão temporal-ancestral ganhou força e virou este livro. Uma obra que reescrevi, ampliei, corrigi, conversei por anos e a qual fico muito feliz de poder ver chegar a mãos e almas alheias. Espero que quem já acompanha meu trabalho literário e aqueles que passarem a conhecê-lo curtam, pois, para quem escreve, no fim o papel se torna um pouco de nós, um tipo de portal onde escoamos nossa essência e que nos ensina muito. Marcelo Soares de Lima

De todas as mortes, as secretas são as mais doloridas e as microscópicas, imensas. Sejam células, neurônios e/ou esperanças: matamo-nos diariamente.

Liz e Nina morrem e renascem a cada frase. Em cada encontro regam seus brotos e arrancam matos de seus jardins com a doce loucura das que teimam em seguir amando — seja a si mesma, seja ao outro.

Suas catástrofes ganham contornos e se desmancham de maneira fluida e contínua, e tudo as mobiliza. Tudo. Tudo vira matéria poética para elas que tecem como Moiras seus próprios destinos e brincam de profanar tradições e velhas formas de amar e morrer, com a sabedoria das deusas expulsas de paraísos. Paraísos construídos para que permanecessem domesticadas, nutrindo, com suas entranhas e sonhos, a fome insaciável do patriarcado, enquanto elas próprias minguam como minguam as esponjas do mar expostas ao Sol.

De Paris ao Rio Grande do Sul, de São Paulo à cama repleta de fotografias velhas e coisas antigas, a viagem infinita e infinitesimal guiada por Liz e Nina faz com que nós — finalmente — olhemos para os nossos e ao redor, com a delicadeza dos que nada sabem. O encontro entre elas nos encontra.

“Quando a gente escreve, a gente sepulta. As pessoas leem e a gente morre um pouco.”

Leiam-nas
e
boa viagem.

Gabriela Guinatti

o desejo da nomeação de uma origem passa também por uma composição possível que interliga tudo a todos e a algo que também deve de alguma maneira sobrepujar a possibilidade da linguagem, que, ao mesmo tempo em que a perpassa, também a limita para que a própria chance da língua se prove somente limitada e limitante perante a sua materialidade: desejo de enroscar a sua na minha, fazer da prece algo que se endereça e se prova sempre cheia de desejo, ainda que de um desejo vazio, faz da constituição de um princípio algo que também evoca aquilo que já veio de forma faltante. pressupor a falta, o vazio, ao invés da presença, é também se tornar parte de um todo que se encaixe independentemente se sei ou não qual o meu papel perante esse grande outro que se apresenta e assume tantas faces possíveis quanto as minhas palavras poderiam formar, tanto quanto o desejo que nutro e nego seria capaz de materializar. se ainda não se sabe, enfim, o lugar de tudo perante todos, há aqui, nas páginas agora protegidas por essa capa orelhada, pronta para ouvir o sussurro gritado dessa prece, uma chance de começarmos a entender o que é que se começa a partir dos contos desejosos de outro de eduardo valmobida. leitor(a), devore-os.

Fabio Saldanha

A complexidade da vida dos seres envolve muitas forças, algumas controláveis, outras inexoráveis, que nos enredam em coisas que nem sabemos existir. Ao longo da leitura, me senti uma intrusa autorizada (isso existe?). A mim parece que andei xeretando momentos que eu não devia, tal qual Paulo Roberto. Outras vezes, senti a força de conhecer as histórias que ressignificam aspectos de minha própria vida. Eu já havia tido contato com alguns dos textos de forma aleatória, mas a força de ler todos eles, juntos, foi uma experiência marcante.

Verdadeiramente, o livro nos mostra que é pelo fato de sermos humanos que essas experiências, embora distantes de nossa realidade individual, são passíveis de serem nossas, e essa mera possibilidade nos aproxima de uma forma surpreendente de cada uma delas. A obra da autora se insere em uma longa corrente que vem desde a Literatura Antiga: representar o homem, recriando-o em suas relações com os outros homens e com seus próprios destinos. Não importa quanto tempo passe, quanto a sociedade mude, há algo primitivo que sempre unirá essas experiências, afinal elas advêm do caráter singular que existe dentro de nós.

 Enfim, no sexto dia, Deus criou os homens, sua master piece, já Hortência Siebra No sexto dia apresentou as diversas facetas que nos torna mais humanos e menos parecidos com Deus. A leitura dessa obra se mostra relevante e nos permite ver a grande versatilidade e o grande potencial da autora.

Leticia Freitas Alves.

Os narradores de Outros escritos compõem um conjunto cuja unidade, pouco apreensível à primeira leitura, define a qualidade indiscutível desta escrita. Tal unidade relaciona-se à qualidade linguística e às escolhas de estilização da linguagem. Todos os narradores são apaixonados pelas palavras e retiram de limbos vocábulos pouco conhecidos ou termos raros, mesclando-os a formas coloquiais de enunciação. Essa mescla, em si mesma significativa, não é gratuita: ela se articula organicamente à matéria dos contos e dá forma estilística ao que neles configura o sentido do conjunto.

Trata-se, antes de qualquer especificidade temática, de dar voz àqueles que a história sequer conheceu (como em “Anunciada”, curiosa narrativa, um pouco à maneira borgiana, acerca de uma outra carta do descobrimento do Brasil que, como o navio que a levava, foi tragada pelo mar). E, sobretudo, de apresentar personagens que, mesmo ao alcançar o sucesso, orientam-se pelo fracasso (como em “Questão de tempo”, em que as fantasias do escritor premiado revelam sua autoinclinação para a derrota e a certeza de que o mundo finalmente descobrirá ser ele um embuste). O ponto máximo da ironia em que o amor às palavras choca-se com a autoanulação da obra está no irônico e delicioso “O manifesto invisível”, quando o narrador proclama seu “dom para o nada”.

Configurar esse conjunto de contos nas temáticas do fracasso e, por outro lado, da tentativa de revelar o que permaneceu desconhecido indicia um modo de conceber a literatura na contramão do que atualmente tem sido produzido. O que há, aqui — e é novo por revigorar uma tradição que parece esquecida —, reinventa homens e atos falhados ou por suas fantasias negativas ou por contingências desastrosas que, não obstante, a linguagem salva. Não por acaso, o último conto é “Introdução ao fracasso”, manual que, na contramão do ideário do sucesso a qualquer preço, revela a contrapelo o ideal da derrota.

Tudo isso e mais — que não cabe numa orelha — revela que Martim Butcher é um escritor pronto. E que queremos mais.

Ivone Daré Rabello,
crítica literária e professora da USP

PAULO CORREIA

João, que é também ator, diretor-teatral, professor e poeta, nos apresenta aqui a sua prosa ficcional. As narrativas têm protagonistas de sortidas castas, da intelectualidade a um sacerdote de coreto, uma anja e um MC do morro. Aqui, acolá, personagens reaparecem, fios que voltam de um novelo. Dentre eles o cão Borges, que também merece o seu conto particular. Sobre essa alcunha, para quem conhece a vida universitária belo-horizontina, remete a uma moradia estudantil muito conhecida por gerações. Afora isso, a forma como o representante canino é criativamente inserido pode, por que não, ser também homenagem às alegorias do grande escritor argentino.

As surpresas nas criativas e bem-construídas tramas do escritor aparecem também na maneira como ele não se esquiva de abordar de lâmina afiada querelas sociais que sempre precisam ser ditas, visto que os atrasos não se cansam de tentar nos empurrar para trás. E a escolha do mito de Atlântida transposto para o nosso XXI é perfeitamente plausível se a lenda platônica quer lembrar que não importa quão poderoso é o homem, a natureza é sempre mais forte. Quanta atualidade! “Do Oiapoque a Nova York, se sabe, que o mundo é dos que sonham, que toda lenda é pura verdade”, canta Rita Lee na música “Atlântida”, dela e de Roberto de Carvalho. Como sobrevivente, leitor, embarque de remo em punho.

Júlio Assis

Rodrigo Ratier

Este livro deve ser lido porque traz o melhor do fantástico contemporâneo. Frederico Toscano surpreende neste segundo livro de contos com sua linguagem marcante, lapidada para tocar as nossas emoções e, em muitos momentos, confrontar nossos medos.

Entre rios, aranhas, sifões e ruas comuns, encontramos personagens fantásticos que habitarão nossas mentes por muito tempo. Os ambientes insólitos dos contos por certo estarão em nós, quando fecharmos os olhos, antes de dormir. Por vezes, nos impedirão de descansar.

O livro foi escrito para assombrar, provocar, mostrar as forças e fraquezas dos personagens, alimentando as nossas próprias angústias comuns de leitor.

Só posso dizer que este livro deve ser lido porque é incrível.

Depois de ler, tenho certeza de que vocês repassarão a mensagem: por que este livro deve ser lido?

Camila Inojosa

Continuo então com minha caminhada cambaleante e, ao dobrar outra esquina camuflada, aproveitando o inesperado ato de bondade do meu algoz, me deparo com Tralalá, magrinho-magrinho, usando o seu sempre limpo calção azul de educação física de listras laterais, levando na mão um pote vazio de margarina, passando de casa em casa para fechar todos os portões, grades e janelas, esfregando as pontas do indicador e do polegar junto ao nariz exibindo misterioso refinamento para a noiva invisível que o teria abandonado logo depois da primeira crise. Eu estava muito feliz por rever meu irmãozinho Tralalá caminhando pela rua daquele jeito dele, meio de lado, com molas gastas nos joelhos e articulações, balançando o corpo descoordenado como um automóvel com sérios problemas nos amortecedores. (…)

Maiara Gouveia,
poeta, autora de Pleno deserto (2009), Antes que se rompa o fio de prata (2013) e E o resto é barulho de água (2019).

De biologia fui pra filosofia, política, religião… E mais vezes me questionei se este livro fala de Emílio e desse futuro aterrorizante ou se está falando de nós e nosso mundo atual.

 Ao terminar de ler e voltar para meu mundo mais ou menos real, fiquei olhando a paisagem urbana da minha janela. As pessoas em seus apartamentos, um pouco da mata existente e esse céu ainda azul que temos. E fiquei pensando, que ousadia desse escritor falar com tanta convicção sobre assuntos tão delicados! E usar o sexo e a pornografia para questionar nossos tabus e escolhas como sociedade. Que bom que existem pessoas que se arriscam, se jogam e nos jogam de penhascos fictícios para podermos refletir sobre nós mesmos, sobre a situação que vivemos e sobre o que é o amor.

Dandara Guerra

Lia muito Haruki Murakami naquela época, e o flerte com acontecimentos misteriosos, como os vividos pela protagonista na também fictícia cidade serrana de Morro das Araucárias, deve vir daí. Não que eu tentasse imitá-lo. Já que isso estaria fadado ao fracasso. Gostava do estilo do autor. Naquela época.

Romance? Talvez O homem do jardim possa ser chamado de novela ou de uma sucessão de reflexões da Mila. Independentemente de definições, há personagens, e a narrativa trata das relações entre eles. De seus encontros e desencontros em uma época em que a internet e os smartphones não eram onipresentes como hoje. (E de sua solidão, porque essa parece ser uma característica da juventude.)

Julgar o que eu mesma escrevi é difícil, e sempre tive necessidade de algum tipo de validação externa. Fiquei feliz quando alguém na Urutau achou que esta história, ou estória, merecia uma chance e me estendeu a mão. Espero que o livro propicie alguns instantes de entretenimento aos leitores. Mais, não peço.

A autora

Paulo Scott

Em alguns momentos, há um clima de O Louco do Cati, de Dyonelio Machado, outro autor gaúcho que fez dessa região um espaço para a viagem de seus personagens. Há também alguns vestígios, ecos, do sofisticado Assim na terra, de Luiz Sérgio Metz. Knewitz estabelece um diálogo com dois dos mais ousados escritores de seu estado e de nosso país.

Na obra, as vidas de dois solitários personagens, Cego e o jovem ciclista, se cruzam e o segundo — que afirmava ser o umbigo a “finalidade última da minha jornada, a razão e motivo” — acaba por socorrer o primeiro, que parecia morto no cume de um cômoro. Esse encontro é marcado pela alteridade, por um momento de rara beleza. O ciclista deixa sua individualidade de lado e acolhe Cego: “Ele senta na bicicleta. O umbigo desaparece. Um irmão gêmeo toma forma no meu útero que nunca existiu”. A partir daí, os dois se juntam na travessia. Mas logo Cego, levado na bicicleta, começa a perturbar o colega com suas profecias. Torna-se uma espécie de jovem Tirésias, a prever uma pátria caótica, coalhada de fanáticos, fascistas etc. Vemos também as sombras de um passado marcado pela violência, e isso se dá durante um sonho de Cego, no capítulo “Operação El Condor”: “crianças de porcelana mortas ao longo da praia”, crianças de “boquitas pintadas”. Nesses trechos o livro parece ganhar um tom de crítica política; a operação Condor, conduzida pelos militares e patrocinada pelos eua, sequestrava oponentes políticos do regime e seus filhos aqui no Brasil. As boquitas pintadas no trecho citado parecem estabelecer, ainda que de leve, uma aproximação com o experimentalismo do argentino Manuel Puig em seu romance Boquitas pintadas.

Portanto, é válido dizer: Viagem… não é literatura fácil. Este livro, aparentemente pequeno, se expande em suas possibilidades interpretativas e exige de nós aos menos duas leituras para absorver boa parte de sua grandiosidade. Mas a leitura (ou leituras) e a travessia que fazemos com Cego e o ciclista, tenho certeza, serão gratificantes a quem nelas se aventurar.

Paulo Sandrini

Em seu livro de estreia, Danilo Brandão tece narrativas que cortam os fios que nos ligam às relações humanas. O leitor vai encontrar, nas 20 narrativas que compõem o livro, personagens que transitam entre o horror de pensar na própria vida e o drama de serem obrigados a conviver com o outro.

Sem deixar de lado um apuro estético e o cuidado com a forma, o autor levanta as cortinas da vida e propõe uma viagem pelos bastidores das relações humanas com narrativas que quase dispensam o lugar e o tempo para colocar o leitor em um abismo difícil de se localizar.

Dessa forma, esse se torna um livro sobre o que acontece quando todos os laços de uma vida se rompem. Um livro sobre como se livrar das dores que deixam as cicatrizes mais profundas, pois têm origem na própria condição humana.

A um dos protagonistas, por exemplo, a resposta está em reconhecer o mundo a partir da própria mente, deixando de lado os conceitos psicanalíticos que definem a psicose e neurose. Para outro, está em se trancar em um quarto de hotel e assistir às horas passarem à espera do fim. Para todos eles, encontrar a resposta é uma tarefa impossível de se livrar.

Tempos ainda sem nome é um livro incomum. Mais interessado em convidar o leitor a dançar entre os questionamentos do que a oferecer respostas concretas. Para o leitor, resta aceitar o convite e tentar, de alguma forma, encontrar a coreografia certa para essa dança. Mesmo após fechar o livro.

Desbravar horizontes ainda não imaginados foi o que fizeram os “colonizadores invasores”, invadidos na alma e no território, modificando modos de vida, adotando novos credos, descobrindo a cruz da dominação, imposição e capitalista opressora. Os povos já conheciam seu Deus, já tinham sua ligação com uma energia maior que movimenta o mundo e que fortalece a quem lhe busca encontrar. Deus para uns Nhanderú, Senerú, Tupã para os povos originários filhos da floresta.

O livro “A Invasão” do escritor Olívio Jekupé vem refletir com a gente sobre esse olhar agora partindo de dentro para fora, com as ideias de quem fala do seu espaço de luta, do seu território memorial, na sua simplicidade de aldeia que não busca complicar as ideias do leitor, mas questionar quem são os invasores e como proteger nosso ser dessa invasão. Será que a literatura não é uma forma de descatequisar o que já foi colocado em nosso ser como indígenas e não indígenas?

Deixemos que as palavras de Olívio Jekupé que é um pioneiro na literatura indígena fortaleçam em nós uma reflexão profunda de nossas ações e reações perante essa invasão ainda presente nas formas como somos abordados, nas ideias equivocadas de que “estamos nos aproximando da civilização e nos tornando humanos como os que nasceram em um outro lugar na urbanização das grandes cidades”. Que nos fale ao coração a literatura nativa de Olívio Jekupé e nos descolonize da forma que puder.

Márcia Wayna Kambeba

O perseguidor-autor converteu consideráveis lapsos temporais em construções exíguas, fez da curiosidade uma obsessiva observação, foi macarthista na caça aos excessos. Com lentidão bovina, por tentativa e erro ao infinito (sem nunca se contentar com menos do que a perfeição formal), pôs à prova seu estudo e suas obsessões temáticas. Ciranda da Catarina e outros contos é o resultado de sua busca pela Literatura — assim, sem adjetivos e com L maiúsculo.

Muitos são os frutos dessa quixotesca empreitada: a verossimilhança, o non sequitur dos diálogos, os absurdos sequenciais do cotidiano; o amálgama do cronista ferino; o cerebral narrador e o filho lírico, que nem ao evocar o pai se despe da elegância e da concisão. Estão aqui o aforista implacável e o contista virtuoso, técnico, de almanaque. Presentes, também, o voyeur, executor de vinganças e de odes a partir do gris cotidiano, e o metaliterato — que, ao pedir benção aos seus mestres, não deixa de fazer o seu próprio milagre.

Persecução, perseguidor, perseguido. Neste objeto ideal, feito de tempo e de buscas, o que ainda falta? Neste jardim, em que se justapõem afeto e memória, onde a paciência do beato para talhar aforismos perfeitos encontra uma endiabrada imaginação, o que pode faltar?

Falta você, caro leitor, cara leitora. Você, que está prestes a entrar nas veredas deste notável jardim, e de conhecer, de um só jorro, todas as faces de sua terrível arte.

Marcos Peres

Marina Lima

Ambos já não possuem mais nenhum laço familiar, ou quase familiar, a não ser eles próprios, o que desperta a curiosidade entre um surgir no caminho do outro. Mas como será que os destinos de Álvara e Hélio Braga se cruzarão sendo que não se encontram há mais de sete anos? Hélio mal fora no enterro de seu próprio pai…

E no meio de tudo isso, claro, muita fofoca. Dona Elsa com sua teimosia e língua afiada e sua sobrinha, dona Inácia, tio Zé, Zilu, benzedeira e conselheira, e tantos outros vizinhos que não poupam medir as palavras e opinar sobre a vida da viúva e do filho de Martinho.

Esses personagens cômicos parecem fazer parte da memória de pessoas conhecidas, e de situações das quais se não vivenciamos, no entanto, pelo menos, já ouvimos falar durante a nossa vida. Ora estamos como os que fofocam, outrora com os holofotes sobre nós.

No bairro da cidade passa também o carro de ovos, o homem vendendo produtos de limpeza, o carnaval de rua, a procissão, e no entorno dela toda, a expansão de prédios e novos moradores. Enquanto na capital, há avenidas, vida boêmia, alagamento nos bueiros, moradores de rua sob o Minhocão e outros bairros mais chiques nas proximidades.

Por meio das narrações alternadas, a escrita do autor nos atenta para uma maneira amena de questionarmos sobre a brevidade da vida em figuras de pessoas que já viveram bastante. Há muitos ecos e orelhas em Almirante Castros e em São Paulo, mas poucas vozes para dizer uma verdade limpa e ouvidos para ouvir uma mentira suja. Um tanto quanto parecido com a realidade que nos assola.

Transpasse, ó, céus, de Gustavo Araújo, além de ser um romance que aborda estigmas sociais atuais com diálogos de fácil entendimento, é uma súplica diante do absurdo e do desconhecido. Também é uma leitura divertida na qual se cria expectativa sobre a continuação de um acontecimento num capítulo mais à frente, fazendo com que várias situações circulem e movimentem-se dentro dos dois cenários.

São tantas versões nas histórias que o povo conta. Cabe apenas ao leitor decidir qual conclusão tirar de cada desfecho.

Ingrid Dearo

A vida é um campo de batalha onde nós, artistas, estamos sempre mirando, de olho em alguma ou várias coisas, e somos igualmente alvos. Nos expomos de peito aberto do lado de lá da trincheira, esperando o impacto. Ou provocando o impacto.

O tiro, enquanto analogia, é apenas um estampido; o que fica é o que esse estampido muito rápido deixa de herança. A prosa de Baggio é o estampido. A herança vai da sensibilidade de cada um.
Certa feita, resenhei um dos livros de Baggio para o blog Bibliofilia Cotidiana. Não é uma resenha recente, mas me recordo claramente de aponta algo muito peculiar na obra dele: Baggio não conta histórias, ele conta fragmentos delas. É como se ele escrevesse narrativas mais longas e pinçasse de dentro delas aquilo que ele quer expor, cabendo a nós interagir com suas histórias.
É um processo tão fascinante quanto perigoso — leitores são altamente perigosos quando livres para completar as lacunas! Para além da brincadeira, Baggio realmente não teme que o leitor amplie sua obra e chegue às suas próprias conclusões. O autor cria pequenas histórias, o leitor lê romances inteiros de uma ou duas páginas.
Esta é a grande assinatura de Mário Baggio: histórias curtas que convidam o leitor a participar do processo criativo. Mas não só isso, ele é versátil, explorando uma diversidade imensa de temas, situações, personagens… como os soldados citados no início, a menina feia que quer ser a mais inteligente, o garoto que vai encontrar o pai e tantos outros.
A identificação é inevitável. E interessante. E, por vezes, aterrorizante. Autores são muito mais eficientes como espelhos da alma alheia do que os olhos. Uma visão de raio-X que desnuda realidades das mais avassaladoras às mais banais. Pequenas realidades, ou fragmentos de realidades. Como um mosaico de almas que se constrói página a página. Siga seu rumo. Em quais das páginas você precisou se encarar de frente?

Maya Falks

Frente a mudanças, no primeiro momento é necessário mergulhar em uma “fase de latência (LAG)”, cujas palavras de ordem são resiliência e adaptação para entender o ambiente, as relações que despontam e as formas de transformação, assim como traçar estratégias necessárias para a sobrevivência. Passado este estágio, surge um sentimento de fortalecimento e de segurança; é o momento de mostrar todo o potencial, de aproveitar os aprendizados e energia acumulada, advindos da prévia incubação, para finalmente despontar, brilhar e aproveitar a “fase exponencial (LOG)”.Contudo, seria ingenuidade acreditar que este processo seja eterno e tranquilo. Constantes desafios, competições, frustrações e situações que fogem do controle, inevitavelmente, nos levarão a uma “fase estacionária”, onde a produção e a exaustão ocorrem sempre na mesma medida até atingirem um ponto crítico. Quando finalmente reconhecemos que a “fase de declínio” entra em cena como o último ciclo possível, passa a ser necessário nos resignar e torcer pela chance de um reinício.

Do ponto de vista microbiológico, os desafios das bactérias parecem ser exatamente como os do protagonista. O desenrolar de seu relacionamento amoroso com a microbiologista Darlene, sua ideologia, sua trajetória no “chão de fábrica”, as imposições econômicas e sociais do momento: tudo dá margem para acreditarmos que ele também está predestinado a cumprir as mesmas etapas.

Este universo introspectivo e mágico, moldado com referências que vão de Mariana Ianelli a Gabriel García Márquez, é diversão garantida para quem adora explorar os desígnios da vida. E traz ainda uma boa pitada de ironia sobre o mundo real, onde o rumo da oferta de alimentos é cada vez mais regido pela produção industrial de grande escala, pelos padrões de qualidade internacional, globalização da distribuição e  recorrente dinâmica de fusões e incorporações de empresas.

Deise Baggio Ribeiro

Mariana, a protagonista da narrativa, é uma mulher cujos desassossegos são “seus problemas com a cor azul” e seu desejo de “experimentar como seria tocar intimamente outro homem”. A cada capítulo, por meio da focalização onisciente, o(a) leitor(a) acompanha — de forma muito próxima — a história da vida de Mariana: o ingresso na Licenciatura em Física, a intensidade de sua vivência como uspiana, a sua compreensão especial sobre a visão humana, a relação de amor com Cassiano, os flertes com amigos e o início da carreira como professora de Física na rede pública do Estado. Mas essa certa aproximação com a vida da personagem é colocada em hesitação pelo próprio narrador: “Há anos que as lembranças da vida de Mariana atuam como fantasmas no meu cotidiano, e sinto que é preciso contar essa história. Contudo, contar a história de alguém não é nada fácil. O ponto de vista do narrador é apenas um ponto de vista. A coisa funciona assim, sempre funcionou e deve funcionar aqui também”.

Apesar dessas (e outras) incertezas levantadas sobre o ato de narrar, o fato é que, com uma certa intimidade, convivemos com as fragilidades e as inquietações de Mariana sobre sua visão das cores e da vida.

“O mundo estava se adaptando novamente, a evolução humana prosseguiu, e ela estava ali, no meio de tudo. Que bosta!, pensou.”

Verdes quase cinzas propõe uma reflexão sobre a relatividade de percepções da natureza física, das vontades e das memórias humanas e, se por um lado aponta para a instabilidade do olhar humano, por outro oferece uma abertura para a variedade de percepções no modo de ver e de viver.

Com este romance de estreia, Renato Pugliese amplia seus trabalhos no cenário das artes, agora como prosador, mas não se distanciando muito de seu mundo profissional: a Física.

Vanessa Regina

Num tempo ainda à luz dos lampiões e à sombra da religiosidade, uma família diminuta vive isolada em uma casa na floresta. O garoto Macabeu é retirado da escola para cuidar do avô doente, enquanto sua mãe trabalha no vilarejo próximo. Os comportamentos estranhos dos adultos se acentuam com a visita de membros da igreja local. A ameaça de revelação de um segredo levará a uma espiral de tensão que descortinará o passado obscuro e marcará profundamente o futuro dos envolvidos.

Talvez a melhor forma de apresentar Desembrulho seja associar a Anicca. Um conceito budista, que é considerado uma das quatro nobres verdades. Anicca define-se por impermanência. Qualquer ideia de existência, seja do eu, seja de um objeto ou de uma experiência é impermanente. Ela não perdura. Tudo se esvai.

Na primeira seção, casca o conto “Desafixado” chama a atenção por não ter um personagem concreto. A figura perpassa por pessoas, ambientes, tempos e ao mesmo tempo se deixa perpassar por eles. Muda destino, muda identidade.

Outras formas de provocações estão presentes no conto “O Ritual do Perdão” por ser justamente o oposto de “Desafixado”. Aqui parte-se de uma personagem concreta que se desconstrói a partir do outro. Sua vida e identidade como conhecia é interrompida pela vida como ela é. Novamente a impermanência. O imprevisível nos molda, nos descostura e costura novamente. E felizmente.

Ainda nesse viés, mas de forma mais leve, o fragmento miolo, trata da identidade a partir das relações, sejam elas familiares ou meramente sociais, e os contos presentes na seção semente nos convocam a todo momento a buscar por tradições religiosas familiares que fazem nos tornar mais próximos de nossas raízes históricas. Destaca-se o singelo e sensível “Pardal e Pedra”.

Vanessa Santos,

aramyz é, sem dúvida, um desses grandes autores extremamente talentosos, cujas obras dificilmente passarão despercebidas, cujo desenho é, principalmente, retratar a figura humana. Entretanto aramyz explora infinitamente a luz e as sombras que, de algum modo, insistem imprudentes em acomodar o molde à superfície.

Flávio Moura

Peppe Souza

Mas é um acontecimento muito específico que a leva Léia (a personagem que carrega em seu nome o imperativo da leitura) a essa travessia: uma queda do corpo, a visão enevoada, os pés e mãos quentes. Uma ausência que estará ligada à descoberta de duas mulheres, Papusza, uma cigana polonesa e Sydonia, última princesa da Pomerânia que, acusada de bruxaria morreu decapitada e queimada. Uma habita marte outra a lua. Personagens pelas quais ela se interessava desde os tempos da faculdade, e que numa coincidência (não existem coincidências), aparecem nas anotaçoes do astronauta. E de certa forma, é a partir desse encontro que Léia empreende uma viagem para Helsinki, onde o seu pai está a trabalho.

Mas uma viagem pode nos levar por lugares muito antigos. E assim, Camilla Loreta nos leva pela mão por um tempo ancestral, consciência alterada do corpo, linguagem lírica dos sinais. É preciso saber ler, junto com os personagens, o que a vida desponta. E chegando ao final, saímos com a certeza de que a travessia é ao mesmo tempo individual e coletiva, e se repete no tempo e no espaço. E um dia, uma pequena cobra se alinha na coluna vertebral.

Carola Saavedra

Javier Montes

Filipe Fernandes Bonita é um filósofo. Sua filosofia está tanto na reflexão como nas referências de que lança mão ao examinar o real de forma sensível e tatear os estímulos da natureza e da cultura na vida de um indivíduo. Aqui, cada objeto que povoa nossa infância vira um totem a nos perseguir eternamente, e sobre eles edificamos nossas estruturas. Seja um quadro na parede da casa — para o qual olhamos obsessivamente durante toda uma vida — ou a cena banal de um vizinho sacudindo o tapete pela janela, criamos mundos a partir desses estímulos. Podemos fazê-lo de maneira automática, de modo a evitar a dor de estar vivo, ou como um eterno explorador, atento e exposto aos perigos. Ao adulto é impossível escapar dessas escolhas.

Em O negativo do rastro a mitologia tem papel de decifrador da experiência, verdadeira chave-mestra: heróis e deuses que vieram antes nos apontam a trilha e nos mostram como estamos destinados a repetir suas tragédias. Tudo isso feito com a observação cuidadosa nas metáforas, um trabalho de linguagem precioso, ciente de que a palavra é a coisa em si, como o mármore para o escultor. Uma experiência memorialística sobre a infância de todos os pertencentes ao gênero humano.

Lucas de Sena Lima 

Emilio Fraia

Alexandre Boide

João Anzanello Carrascoza

Luiz Roberto Guedes

Whisner Fraga

No livro, as cidades não têm nome e o tempo é inexato, mas o reconhecimento arde aos olhos. Não é preciso ir longe para entender que a galeria de personagens que atravessa o mar de telhas representa um simulacro de sociedade em que a crueldade, os abusos e o desprezo pelo outro configuram a normalidade. Perder a razão, aqui, é pura e simplesmente uma forma de se libertar.

As histórias de Augusto, Betinho e Rita espelham absurdos e tiranias, assim como as outras narrativas e os lugares que as perpassam. Dos dois desquitados abandonados à própria sorte que, após a morte de seu cavalo, fincam residência na rua; passando pela “casa dos bocós”, onde pessoas dormem no chão; o mundo aqui é um deserto e viver a vida de acordo significa fechar os olhos para o horror. Nessas vidas cheias de lacunas, a loucura descortina um outro modo de existir: mais honesto, mais real e, quem sabe, mais próximo da salvação.

A brasiliense Mariana Lozzi demonstra um talento raro para a escolha de palavras, flertando com a poesia e o realismo fantástico, com metáforas delicadas e sutis. Seu pequeno universo mítico é feito de solidão e tristeza. O desfecho da história esmurra o coração. Se a literatura é um modo de sentir, no “Mar de telhas” o sentimento transborda em uma prosa cheia de cadências. É uma linda e poderosa estreia.

Fabiane Guimarães

Márcia Marquez
jornalista e escritora

Rizolete Fernandes

Pedro Antonio Almeida Machado

Mas eis então que a crônica das situações domésticas encontra o fantástico. As nadadeiras da Enguia-Lobo como asas de uma imaginação que voa. Uma enguia falante, leitora de Machado, bebedora de cerveja (do tipo escura), que curti discos de rock. E ela também tem seus dias de ressaca… A crônica fantásticas das situações comuns. O comum das situações fantásticas. Tem vezes que tudo se mistura. E a lógica da Enguia é a que faz mesmo mais sentido.

Os vinte e um capítulos que compõem Enguia-Lobo possuem como regra nunca ultrapassar o limite de uma página. Rigorosamente uma página. Às vezes bastam algumas poucas linhas, dando prova de um domínio de síntese da autora. Outro exemplo: Às cinco da manhã de uma quinta-feira eu disse “bom dia”. Ela respondeu com uma voz caricata e rouca “bom dia”. Eu vomitei. Apenas três linhas. Um capítulo, mas poderia ser um miniconto.

Já faz algum tempo quando li pela primeira vez os textos da Flavia. Era uma série de contos curtos misturados com poemas distribuídos em umas cinquenta páginas de um arquivo doc. Alguns dos contos vinham com títulos duplos, outros nem títulos tinham. Mas todos eram marcados por uma originalidade rara, dessas que ilumina e te leva para cima te tirando de qualquer buraco. O texto solto, espaçado nas páginas, uma polifonia de vozes, trocas rápidas de diálogos, festas, danças, relacionamentos turbulentos, os CDs das bandas de rock… Sim, a época era essa, os CD players alimentavam as festas e as cervejas ainda eram boas…. Até hoje guardo como um dos arquivos de texto mais preciosos do meu computador. Uma fonte segura de inspiração.

Como primeiro livro, Enguia-Lobo vai aumentar bastante o número de pessoas que terão a chance de conhecer o precioso trabalho da Flavia. Inspiração multiplicada. E isso é só o começo…

Sérgio Puccini

— Hugo Peixoto é a linguagem.

Quando o jornalista, escritor e especialista em escrita criativa Hugo Peixoto me convidou para escrever a orelha deste livro, tentei traduzi-lo da melhor forma possível.

Conheci Hugo na primeira turma da especialização em Escrita Criativa realizada em Pernambuco, fruto de uma a parceria entre a Universidade Católica de Pernambuco (Unicap) e a Pontifícia Universidade Católica do Rio Grande do Sul (PUCRS), da qual fui ministrante de disciplina e coordenadora. Aquele jovem de Nazaré da Mata (Zona da Mata de PE), e que sabia manejar um facão tão brilhantemente quanto as palavras, me assustava no bom sentido. Assustava, pois não temia manejar nem aquele quanto estas, as tão difíceis e pobres palavras, matéria-prima mais humilde entre as belas artes. Porque, sim, nós, escribas, não contamos com tintas e telas, lentes e filtros, argila e pedaços de cristal. Apenas palavras, tão simplesmente palavras, e que nem toda pessoa que escreve sabe bem manusear sem se ferir com as arestas.

Mas Hugo sabe. Ele não teme deixar quem lê sem o final da história, nem navegar pelas classes sociais mais díspares possíveis, procurando mostrar mais do que dizer, nos convidando a mergulhar em seu universo social, político, reivindicador de melhores condições de vida para os menos privilegiados. Isso tudo sem uma acusação, sem um julgamento. Só nos faz sentir e mudar de caminho. O que era insensibilidade, se transforma em comunhão. O que era emoção à flor da pele, racionaliza os recursos e nos conduz a soluções possíveis em meio ao caos.

Hugo Peixoto é a linguagem. Ou bem transforma os personagens sofridos, humildes, sozinhos em palavras puras que nos tocam o coração. Os finais inacabados nos convidam a escrever junto com ele, a participar da história, porque só é possível construir um mundo novo a várias mãos. Treze contos que representam o vazio, a violência, a falta de sentido, a solidão, a prisão do corpo, a pandemia de Covid-19. Todos eles escritos para revirar nossas entranhas. Sabemos do absurdo que acontecerá com os personagens, mas os acompanhamos até o fim, como se disséssemos: “Vocês não estão sós”.

E, diante de tamanho afeto, pergunto a Hugo, pergunto a quem o lê:

— Medo de quê, Hugo?

 Patricia Gonçalves Tenório

Foi assim que conheci seu livro anterior, de contos. Já tem um tempo que vivi essa experiência e não fui capaz de desgrudar de mim essa potência toda que Rafaela coloca em suas histórias. Eram diversas, impossível dizer qual foi a mais bem escrita, qual melhor enredo, narrativa, personagem. Nota 10 no quesito “baita livro bom”.

E um dia chegou esse livro na minha mão. Meu primeiro fascínio com o que recebi foi o fato de Rafaela, uma brasileira, descendente de japoneses que já morou no Japão, apresentar uma família japonesa. Eu, descendente de italianos que nunca morei fora do meu estado natal (RS), percebi de imediato que ali teria algo novo, afinal, tratava-se de uma cultura distante da minha e dependeria quase que totalmente da autora que essa experiência fosse convertida de leitura para uma viagem.

A grande empolgação para o começo dessa jornada era justamente por saber que Rafaela é plenamente capaz de promover essa mudança de estado. Isso não evitou que eu me sentisse confusa logo na largada, porque a autora promove uma quebra de expectativa sobre o protagonismo da história (essa sou eu não querendo dar spoiler).

Então o que temos é uma história contada em dois tempos: o presente, de reencontro e mistérios, e o passado, que vai nos apresentando não apenas essa família japonesa que enfrenta xenofobia por causa da guerra, mas que vive em seu seio grandes conflitos, parte culturais, parte simplesmente humanos.

Narrativas em dois tempos são sempre um risco imenso para o autor, que pode, conforme a técnica usada, tanto subestimar quanto superestimar o leitor. Rafaela ficou exatamente na linha do acerto. As mudanças de tempo são facilmente perceptíveis sem que se escancarem a ponto de interromper o fluxo da narrativa. Isso sem contar, claro, o grande mistério que cerca a irmã mais velha, descortinado de forma quase poética.

Peixes de aquário é uma obra notável e inesquecível, não tenho dúvida de que encantará qualquer um que tiver acesso a ela como me encantou da primeira à última página. Rafaela é uma autora a se prestar atenção; sua narrativa e capacidade de contar boas histórias com certeza ainda nos reservam grandes e gratas surpresas no futuro.

Maya Falks

O balão guarda em si a essência do que somos e a eleva de nós, em segurança, como quem suspende uma criança diante de um cão raivoso solto na rua. Fica no céu, exposto. A altura permite que seja visto e admirado de muito longe, por muita gente. Poucos fios o sustentam. Muitas mãos corajosas nos poucos fios. As de Flávio, com duas voltas no pulso, estão entre elas.

Neste seu Minério de ferro, Flávio, com a camisa do Timão de 77, invade a live e arranca da parede, a tapas, a estante de livros-cenário da verborreia pequeno-burguesa dizendo: — Literatura deve ficar no chão. No rés do chão aos pés do povo!

É ali que ele atua feito estaca no peito dos vampiros que tocam o lúgubre projeto de escuridão que traçaram para nossas vidas.

Nesta estaca, com duas voltas no pulso, os fios que sustentam nossa lucidez, nossa sanidade.

Douglas Germano

Dos cães de rua, “liberais despudorados, aos coitos”, formando legiões, aos Josés da narrativa de Senna, ainda nos deparamos com pequenos curtos-circuitos da infância, desastres amorosos, sortilégios a considerar a vida como um sopro de loucura: entre uma mulher sentada sobre o sofá da sala, perdendo o olhar nas curvas da fumaça, e, como diz o conto “Serpenteia”, uma “luz no emaranhado das nuvens”. Um comboio de cenas, miudezas e deboches de naturezas diversas caminha por Encomenda e outros textos. É Jesus e é Rei Nato, mártires e bobos-da-corte, uma caravana para lugar nenhum e para o coração dos leitores agora mesmo avisados: a vida não pode ser levada a sério.

Daniel Zanella

Adriana Nolasco

[Árion Lucas em Todos os fins, p. 123]

A relação com a criação literária é complexa. Clarissa revela escrever para apaziguar as dualidades nela abundantes. Diz que é na produção textual que se sente inteira, sendo o lugar em que tenta ‘digerir’ o mundo real, o espaço em que se perde e se reencontra, estando sempre em busca. Não é outra a jornada empreendida pelos personagens que aparecem nesse livro.

 Em constante deslocamento, não é possível, para nenhum deles, sentir-se à vontade na vida, à qual não aderem sem angústia. Seus corpos sofrem. Atormentados, portam mal-estar permanente, responsável por dores terríveis e uma aguda sensação de ‘desencaixe’. Incomodada, Átroa troca seu coração humano por um de galinha. José enxerga num sofrido cavalo o covarde que sempre foi. Antípoda não consegue ser feliz em dezembro. Nem, provavelmente, em qualquer mês do ano… A mente insone tenta ‘redefinir a ordem de terras, folhas, assentamentos de planos. Meu corpo dói, a cabeça pulsa, meu estômago está velho (…)’. Etéreo está fora do tempo. Vivendo, para sempre, no eterno presente, perde a chance do futuro.

Sintonizada com as questões mais agudas de sua época, a contista também aborda o espaço e a voz da mulher na sociedade contemporânea, focalizando, em “Parto”, o duro embate que ela precisa travar para afirmar-se, para proteger a sua saúde e a sua integridade física. Plena de esperança, a narradora do conto não desiste de seu sonho, alimentado desde o nascimento do filho: ‘Mas eu sei que podemos mais. Derrubar o patriarcado com sangue e placenta. Fizemos juntos, eu e meu menino. Fugimos das ordens. Nascemos.’

A insurgência contra o status quo adquire o tom da crítica ácida em “A tabela perfeita”, profunda reflexão sobre a insensibilidade social e a burocracia, representadas por Pedro Otávio, o PO. Acompanhar a sua saga é perceber como as estruturas vigentes têm o poder de penetrar por todos os poros daqueles que a elas se submetem, desumanizando-se irremediavelmente: ‘(…)sentia um aperto no peito, como se linhas verticais e horizontais se colocassem entre suas vértebras, causando uma sensação de desencaixe corporal, uma angústia física e psíquica assustadora para um homem tão organizado em suas relações com o mundo’.

Em mais um momento interessante do livro, quando apresenta “A mulher e o Ipê”, Clarissa Menicucci abre uma fresta para a ternura, convocando entre seus leitores as suas sensações mais suaves, ainda que o parágrafo conclusivo conserve uma nota de melancolia. A árvore encanta e seduz: “Virou projeto de escola das crianças e casa do beija-flor. Micos, bem te vi e até os morcegos vinham visitar o ipê, que usava tudo como ensinamento para os quatro. Passaram a tomar café junto com ele (…)’.

Finalmente, por tudo isso, “Contos de Fuga” é um bom companheiro para essa quarentena que nunca termina. E, sobretudo, para depois dela, como inspiração e guia criativo para mover-se por um mundo que jamais voltará a ser o mesmo.

Rogério Faria Tavares

Seus textos abrigam um encantamento e criam um real fantástico, se não folclórico. Passeia entre o sacro e o sacrilégio como quem caminha no calçadão de chinelos. Usa fantasia como metáfora para contar nossa história, afinal, “tudo é política”, faz assim, de seus contos um carnaval literário.

O sagrado ganha ares de ordinários nas mãos do Yussef e, como canta o gigante Milton, “tudo o que move é sagrado”, movemo-nos em seus contos através de aflições, ora de um bardoto, ora de uma comovente assassina, ora de um homem comum.

Mas no fim, talvez contradizendo o próprio autor, no fim, tudo é sobre amor.

Jade Prata

Pedro Alves

A memória de Amanda, a protagonista, se assemelha a um bordado intermitente, linhas que não fecham, palavras que se desfazem antes mesmo de emergir. E ela observa o mundo à sua volta como um detetive que investiga uma realidade incompreensível. A narrativa acompanha essa desagregação. Frases pela metade, pensamentos que não se realizam, algo que insiste. Porque, por trás da desmemória, há algo que precisa não ser dito, algo do âmbito do horror. E de repente, percebemos que Amanda é Amanda, mas também é todas as mulheres, e também somos nós. Não há saída além de acompanhar a personagem nesse mergulho, mesmo que intuamos que, do lado de lá, talvez não haja nada, só o horizonte infinito do silêncio.

Carola Saavedra

No centro dessa experiência solidária está um narrador ambíguo que, no limiar entre dois mundos (o do texto e o do leitor, e tantos outros a se descobrirem), tem a prerrogativa de, ao enunciar, dar a existir as vidas que se descortinam diante nós. Essa voz incorpórea e anônima é também errática: não só porque vaga sem rumo, fixando-se a esmo nas figuras por quem se apaixona e, para nosso deleite, passa a acompanhar. Ele é errático também porque recusa o papel de detentor da verdade do que conta. Entretanto, como todo bom e velho contador de histórias, não pode recusar a autoridade (não o autoritarismo) da sua enunciação. Já disse Walter Benjamin que o narrador é quem sabe dar conselhos, e por isso é ouvido e respeitado pela comunidade. Mais ainda: o conselho tecido na experiência converter-se em sabedoria. Essa sabedoria, no entanto, nunca é signo de discriminação, mas objeto de partilha, como sugere o adágio africano: “O ensinamento se dá de boca perfumada a ouvidos dóceis e limpos” – como estas orelhas, que aceitaram o convite ao diálogo e agora convocam os leitores e as leitoras a afinarem a escuta e engrossarem a comunidade de ouvintes dispostos a resistir ao embotamento das nossas memórias.

Raquel Souza

Canções de outrora abafadas pelo barulho da contemporaneidade. Maria Lucas escutou as vozes ancestrais e contou a Ela, afetando-se-lhe.

A sagaz escritora confere a Ela uma capacidade ímpar de compreender o quanto de subalternizante pode haver em atos aparentemente gentis da cisnormatividade. Ela pergunta a quem a lê: quais são os limites da sua sororidade? Até que ponto não se resume a um gozo ante à dor alheia? O que significam “casa” e “família”? Por que o sofrimento afligido a esta corpa lhe importa menos do que a uma mulher cis? Por que você fala em amor mas a deseja apenas como objeto sexual?

Estas não são questões exóticas, são universais. A fábula fala de ti também, não importa a sua identidade de gênero, mas qual papel você encena? Gênero são óculos que foram colocados no rosto de todo mundo, mas poucos sabem que o usam.

Através de quais lentes você enxerga o seu próprio mundo? Um microscópio que nos reduz a bucetas e paus ou um telescópio que nos alcança nas constelações?

O fato de estar cercada de artistas de forma alguma a isola da transfobia ou lhe garante um abraço. Ela denuncia o sonho da oprimida em se tornar opressora, porque se sente melhor ao pisar na travesti, que considera menos mulher.

Mas Ela não é minúscula e Maria Lucas é uma estrela! Nestas páginas você não conhecerá um falso brilhante, há substância nestas linhas. Gritos de liberdade. Resposta amorosa ao mar de ódio que tenta nos afogar.

Ela não abaixa a cabeça para falsas acolhidas, parte da casa assassinada. O que lhe prepara o futuro? Este livro não responderá, Maria Lucas tem muito mais estória do que cabe na prosa. Evoé.

Jaqueline Gomes de Jesus

que eu podia fácil apontar com o dedo na tela e dizer, “Aqui”. Estava lá: na confluência de raízes atadas aos pés de uma mulher de branco, a terra e a gravidade dispostas sob o desfiado de luares e grinaldas. À linha do abismo.

Neste O Congresso da Melancolia, de Léo Tavares, sou tomada por certeza semelhante. Ao entrar em cada conto, ao mesmo tempo em que fracasso – e fracasso porque a melancolia é um mal difuso, e eu não tenho palavras para falar do que ocorre com seus personagens –, ao mesmo tempo em que me calo nesse sentido

avanço definitiva em outro: sou capaz de indicar na página em que altura de cena, em que ângulo, essa paixão lassa toma forma e aparece.

É que Tavares domina como poucos a arte de compor imagens com a voz, dizer com imagens.

Assim, quando na leitura de “Lobuno-Azulado-Fantasma” quase perdemos Miro das mãos e começa a faltar pé às palavras, quando ali o território do indizível chega ao limite, nesse momento surge a miríade de cavalos e nos alcança pelos olhos.

Quando o desabrigo de Rose (“O Salto dos Bisões”) beira em nós o insuportável, eis que o foco lança luz a uma tela de celular, dentro a imagem de algo gemendo em meio à manada de enormes mamíferos.

Quando Silvana se descola de si (“Anátema, o Lobo”), e tudo é ameaça do sem tempo e sem espaço da cidade de sua infância, aí a perspectiva arranja bordas num busto: o lobo encurvado na praça central.

De viagem rumo ao mesmo evento acadêmico – o congresso de suas próprias ruínas expostas –, as figuras destes contos conjugam imanência e evanescência, betume e branco-véu-translúcido, carne-múmia e cortina de névoa, o maciço de uma pedra sacrificial e a fumaça de um cigarro que queima ao fundo de uma cumulus nimbus.

Essas duas forças da linguagem, da palavra como coisa viva, como vida, penso que são elas que se reconhecem num grande livro. E são elas que atravessam O Congresso da Melancolia.

Mar Becker

Ela já avisa no início: o tempo se marca em pingos de espera, e antecipa que a vida comum é só tudo isso mesmo. A vida comum, o aluguel, o emprego, as contas, a escola do filho, o desejo de um grande amor, o medo da morte. Só que desta vez, o medo da morte se escreve com maiúsculas, numa trajetória autobiográfica coletiva de quem esteve sob a tempestade quando ela chegou.

Cibely nomeia suas muitas mulheres para que existam “pela potência de uma corda vocal”. Elas falam e pedem, não mais por uma vida melhor, apenas para sobreviverem. Elas soam para que amanhã exista, para que a história continue e para que elas mesmas possam contá-la.

Num mundo pandêmico e desesperado suas personagens precisam tomar decisões diante do cotidiano. “Escolher, às vezes, é fazer nenhuma escolha” diz a autora e algumas situações parecem mesmo sem saída. Mas de quem é a responsabilidade quando não há alternativa?

Seja no confinamento entre máquinas de costura ou do condomínio, quando vão se esgotando as possibilidades de existência, é no outro que as personagens se apoiam. É no encontro, ou no desejo do encontro, que vão se reconstituindo sentidos e potências. Cada gota arrastada na outra até juntar num riozinho fino, até juntar num fio mais grosso, até juntar e ser poça, e ser qualquer coisa refletida, até chover outra vez. Até chorar e chover outra vez. E nisso, concordamos: existir é insistência.

Fernanda Senna

Durante sessenta e seis dias, entre um interregno e outro, a cronologia do protagonista flui torrencialmente como um autêntico romance-rio: nesse caudaloso fluxo de registros, consciência e memória, o autor dá voz às inquietações de um narrador profundamente insularizado neste mundo de pé quebrado, mas atolado nos seus dramas, dilemas, contradições e paradoxos.

Esta pequena grande obra condensa e ilumina toda a preocupação dialética e deontológica de Andityas não só com o destino do ser, mas com o lugar da arte, da filosofia, da democracia, da política e da esperança num tempo em que tudo é fetichizado pelo deus mercado, os afetos e encontros foram derrogados pela tirania virtual, as instituições são constante e avassaladoramente acanalhadas por espúrias composições e a vida e a morte são banalizadas sem qualquer oposição.

Do posfácio de Ronaldo Cagiano

Tainá Azeredo

         Novela que aborda a instabilidade que as noções de homem e mulher passaram a assumir a partir do momento que a existência trans se fez incontornável, nele também se percebe esse fascínio, essa curiosidade em entender o que leva uma pessoa a se reivindicar de outro gênero que não o do seu nascimento. Quando se dá essa descoberta? Não há arrependimento? As mudanças são irreversíveis? Eis algumas das perguntas aqui exploradas, reveladoras de subjetividades que tentam se entender à medida que dissecam o nosso possível comportamento, que fantasiam como seria estar na nossa pele.

         Mas tudo isso que aponto está nas entrelinhas apenas. Na superfície do texto, uma narrativa policial que borra a fronteira entre vítimas e algozes, que discute a capacidade humana de adaptação e que imagina as descobertas possíveis e reinvenções necessárias para quem sobreviva a uma situação-limite. Carla Bessa

Amara Moira

é travesti, feminista, doutora em teoria e crítica literária (com tese sobre o Ulysses, de James Joyce e autora do livro autobiográfico E se eu fosse puta (hoo editora, 2016).

A prosa de Natasha nos conta de um amor que brota do banal e que, se não o cultivarmos todos os dias, murcha, quase morre, mas ainda pode resistir (porém como voltar a florescer?).
Desmantelo é a beleza e a feiura da vida de cada uma de nós.

Lívia Corbelari

O título cheio de aliterações da primeira novela de Marcio Markendorf, Soy loca, Lorca, feito um chien no chão, é bastante sugestivo. Ele remeteria de certa forma ao título do filme surrealista de Luis Buñuel e Salvador Dalí, Un chien andalou (Um cão andaluz), de 1929. Em comum, ambos introduzem o leitor/espectador num mundo em que tempo, lógica e clareza não se conjugam. Cabe lembrar que Lorca, Dalí e Buñuel eram amigos e fundaram a residência estudantil de Madrid, que reunia intelectuais da época. Esse, contudo, não é o único filme aludido por Markendorf, professor do Curso de Cinema da Universidade Federal de Santa Catarina; muitas passagens de sua novela parecem evocar imagens de O livro de cabeceira, do cineasta britânico Peter Greenaway, principalmente quando sugere o desejo de cumplicidade entre o corpo e a escrita.

Soy loca, Lorca, feito um chien no chão é um delírio, uma espécie de carta-confissão ou “conficção”, como Markendorf se refere à sua obra, de uma personagem que se diz apaixonada pelo poeta e dramaturgo espanhol Federico García Lorca. Na tensão entre o sexo e o gênero, a protagonista faz uma alusão à homossexualidade de Lorca, que poderia ser lida, por exemplo, no poema Gazel da fuga, cujos versos servem de epígrafe ao livro: “Muitas vezes me perdi pelo mar/ Como me perco no coração de alguns meninos”.

A personagem criada por Markendorf poderia ser também uma das filhas de Bernarda Alba, a matriarca autoritária de A casa de Bernarda Alba, última peça do dramaturgo espanhol, que enlouquece em razão das imposições da mãe. A propósito, o cenário de Soy loca, Lorca, feito um chien no chão lembra o “aposento branquíssimo do interior da casa de Bernarda”. Diz a protagonista de Markendorf: “Não tenho a mínima noção de quando enlouqueci, de como enlouqueci, nem do motivo para me manterem aqui. Não sei se estou em um hospício ou uma casa de cura espírita. Parece um apartamento apertado, todo branco, azul clarinho no banheiro”.

O fato é que a protagonista tem poucas certezas e uma suspeita, a de que lhe apagaram a memória: “Não tenho ideia alguma, o que me faz ter a paradoxal suspeita de que apagaram minha memória quando me colocaram aqui”. Apesar disso, afirma manter seu coração e desejo intactos e, com o que lhe resta de memória, ela luta para preservar vivo o nome de Lorca: “Eu o escrevo nas paredes, nos batentes das portas, nos tijolos queimados, no ferro retorcido da cidade arrasada. Para não te esquecer, eu tatuo teu nome na porção fantasma de mim”.

Mas ao mesmo tempo que se diz desmemoriada, a personagem afirma recordar a infância, a literatura e as coisas sensíveis. E passa a revelar passagens de sua infância e de sua vida apossando-se de citações literárias como esta que remete a Alice no País das Maravilhas, de Lewis Carroll: “O relógio do mundo me dizia e eu repetia: ‘Estou atrasada, estou atrasada’. Fugia como um coelho, meus cabelos vermelhos, minhas orelhas atentas, um coelho branco e de alma negra. ‘Cortem-me a cabeça se eu não conseguir ouvir, decifrar, ver os sinais de novo e a tempo’, repetia eu como um mantra. Repetia em surdina até perder o sentido, até perder a palavra e o som, até me perder na loucura de saber que o destino era incerto […]”.

É dentro desse paradoxo entre a memória e o esquecimento que se encontra a personagem de Soy loca, Lorca, feito um chien no chão: “Acho que estou lembrando quando perdi a referência de tudo, quando me tornei a esquizofrênica do apartamento claro. Era hora do almoço. Eu estava com um homem. Falava animada sobre qualquer coisa que não me recordo e, ainda que recordasse, não teria a mínima importância diante do que se sucedeu. Pois, ao levantar a minha cabeça e olhar para o balcão do restaurante, vi um boneco de Papai Noel. Foi o suficiente para que um clarão passasse diante de meus olhos e eu já não soubesse mais onde estava”. Não seria o esquecimento a própria vigilância da memória, como afirma Maurice Blanchot?

Para não esquecer, a personagem precisa falar, mesmo que fale “sem entender nada sem compreender a sintaxe a morfologia a pontuação e apenas deus apenas deus entenderia a língua na qual pronuncio meu nome teu nome meu nome o nome de ninguém da ninguém que ecoa no violão da garganta […]”.

É preciso falar para não morrer, mas a fala quando dita, diz o escritor francês, “apaga-se, perde-se sem recurso. Esquece-se. O esquecimento fala na intimidade dessa fala, não apenas o esquecimento parcial e limitado, mas o esquecimento profundo sobre o qual se ergue toda a memória”.

Soy loca, Lorca, feito um chien no chão é uma novela que inclui em seu enredo também uma peça de teatro, Carn3s do coração, escrita pela protagonista com a intenção de encená-la para Lorca. A peça, em três atos, é composta de monólogos protagonizados por duplos de Federico García Lorca e por uma mulher, provavelmente a própria protagonista.

Neste livro múltiplo, o leitor se perde, se encontra ou se reencontra num outro lugar da ficção.

Dirce Waltrick do Amarante

No conhecido poema de Drummond, José quer ir pra Minas. Mas Minas — diz o poeta — não há mais. Anos depois, Drummond explicaria que escreveu “José” em momento de crise existencial, quando queria fugir de tudo e de todos. Neste sentido nem que voltasse, de fato, para Minas encontraria alguma paz. Mas no mesmo texto Drummond acrescentava que carregava Minas no sangue, por onde quer que fosse. Parece-me que os contos deste livro que você tem nas mãos são como frutos destas duas explicações dadas pelo autor de “José”. De um lado há a vontade da autora de se voltar para as suas origens, de outro, o entendimento de que estas nunca nos deixam por mais que, muitas vezes, queiramos disfarçá-la por vergonha, pelo preconceito que a cidade grande tristemente nos ensina ou pela não compreensão do que há de nobre na luta diária dos mais pobres. Estamos diante de um livro escrito com os pés no chão, sua autora está descalça, precisamos lê-lo da mesma forma. Portanto, comecemos descalçando os sapatos.

Podemos nunca ter pisado os pés na Minas que Lidiany Oliveira nos apresenta em seus contos, mas, rapidamente, nos tornamos íntimos da sua galeria de personagens: a tia benzedeira, Ita, o Sr. Arlindo, e tantos outros. No mais das vezes, somos essas duas crianças — ora o menino ora a menina, ainda num estado onde estas diferenças pouco importam — que figurantes ou protagonistas criavam um universo todo seu para o mundo áspero e seco no qual viviam, “apelidado carinhosamente de ruinha”. É este universo que Lidiany Oliveira recria aqui, escolhendo palavras com a precisão de uma artesã. Cada conto tem a extensão dessa precisão, nada falta, nada sobra, tudo encontra seu lugar — como a autora encontra o seu.

Lidiany Oliveira quis voltar para Minas, para “sua” Minas, “diferente da que o comum reza”. E nunca é fácil fazer o caminho de volta. Até porque se volta para o que se deixou, para o que, num outro momento da vida, entendia que era pequeno demais, simples demais, para quem se acreditava maior que a vida que o pai, a mãe, os irmãos, as tias levavam, volta para tudo o que havia propositadamente esquecido: “o açude e a canoinha presa com a corda que um dia eu mesma amarrei”. Mas aqui não se volta para ficar, volta-se, como disse, para reencontrar o seu lugar, é por isso que seus contos são como se apontasse para si mesma, descobrindo-se entre os negativos revelados de um filme que há muito guardou em sua memória — e se as imagens no papel fotográfico não são mais tão nítidas, devido ao tempo, recorre-se à poesia: a mesma que transforma papel de seda em pássaros azuis.

Cabe a nós, leitores, apreciarmos esses contos como se fossem cartões postais que Lidiany Oliveira nos envia da sua Minas “quase irreal, quase fantástica”, dando notícias do congado que passou por lá, da menina que queria desnascer, do abacateiro que virou pé de laranja lima, se o menino já sarou do bicho-de-pé e até do bolo de milho da tia Hilda. Mas a melhor notícia que poderíamos ter recebido é saber que se quisermos ir pra Minas, Minas há e está aqui nestas páginas.

Ricardo Pereira

O livro fúcsia — da linguagem tripartida, segundo livro do escritor e tradutor gaúcho Diogo da Costa Rufatto, é um trabalho ímpar. Não, isso não é um clichê! Tampouco uma muleta para começar este texto. Isso é um fato. Porque a palavra ímpar, aqui, não quer dizer apenas uma singularidade específica — embora isso também exista no livro: singularidades —, mas sim uma forma de divisão que está nas coisas do mundo, na linguagem, na natureza, nos corpos, nos medos, nos livros que Diogo leu — fluxo e floema — do seu próprio texto, forma essa que não é apenas binária, mas um pouco mais múltipla.

Neste livro de três histórias autônomas, porém complementares, o autor nos apresenta uma espécie de santíssima trindade do eu: três personagens em busca de uma linguagem que lhes dê existência. Em “Eu. O vento. A coisa”, primeira história deste livro ímpar, acompanhamos a constituição de uma mulher, uma mulher velha, abandonada em uma casa de repouso, esquecida, enfrentando sozinha o processo de se (re)conhecer: “como se vive?”

A história que se segue, “Língua paterna”, nos conta sobre a vida de um homem “resiliente, sério e forte”, como costumam ser alguns homens. Um homem que não conhece a linguagem dos afetos até que…

A última história deste livro tripartido, “HLH”, nos apresenta um triângulo amoroso intertextual, que convida o leitor a entrar no campo da linguagem e — no gozo — perder a palavra, a linguagem, o limite, escapar…

Diogo da Costa Rufatto escreve com lascívia, sua escrita é sensual e substantiva, nomeia cada coisa até extrair dela sua medula óssea, seu cerne, sua infinita potência semântica. Tradicionalmente, essa artesania é mais comum na poesia do que na prosa e é nesse limite — entre a narrativa e o verso — que este livro impõe sua beleza. Eu não sei dizer se os livros precisam nos ensinar coisas sobre a vida — amar, resistir, libertar-se. Talvez. Os bons livros, como é o caso de O livro fúcsia – da linguagem tripartida, nos ensinam que a incerteza, a desobediência e a insensatez são também formas — encarnações — da lucidez.

Flávia Péret

Lesbos é um livro original, que fará o leitor ou a leitora entrar no mundo do amor entre mulheres. Este não é, atente, um livro feito apenas para mulheres homossexuais. Trata-se, aqui, de uma obra de arte para qual o tema escolhido foi o amor lésbico. Reduzindo, ao amor, ponto. E o amor não é o grande tema da literatura desde sempre?

Por outro lado, o lesbianismo é revolucionário e ser lésbica é ser revolucionária: essa condição reinventa o desejo, afronta o patriarcado, ridiculariza a heteronormatividade, choca os conservadores que cheiram a mofo e a naftalina.

Estão dadas, pois, as condições para a realização de uma obra de arte ao mesmo tempo abrangente e pontual; subversiva e sincera. O lesbianismo, tão estigmatizado e tantas vezes reduzido ao pequeno mundo em que homens criam sua fantasia de fazer sexo com duas mulheres, é um tema espinhoso, no qual meter-se, como faz Vivian de Moraes neste livro, é como caminhar em ovos.

No entanto, Vivian não caminha em ovos em nenhum dos contos. Ela aborda diretamente questões como o desejo e a perda, e, sobretudo, mostra que, no amor entre mulheres, estão características de qualquer tipo de amor, como o ciúme, a cobiça, o enternecimento, o desespero de não ser amada, o erotismo etc. Ela descortina, neste livro, a beleza que está no amor lésbico desde os tempos de Safo, “a décima musa”. E o livro é, aliás, iniciado com uma paródia da história de “Dom Casmurro” e é encerrado justamente por uma narrativa sobre Safo de Lesbos, autora do “Hino a Afrodite”, uma justa homenagem não só ao lesbianismo mas à qualidade literária que Vivian reconhece em Safo.

Como se disse, é um livro sobre o amor. Mas a questão de eleger um tipo específico de amor é estético – as mulheres podem deixar de ser apenas as musas para escritores homens e heteronormativos, sendo alçadas aqui à qualidade de protagonistas como escritoras que, homo ou heterossexuais, admiram a beleza do exclusivo feminino no amor.

Podemos aprender com este Lesbos. Quando o lemos sem os filtros dos clichês sociais, estamos prontos a fruir o encantamento que mulheres provocam entre outras mulheres. Esse encantamento, mágico, poético, profundo, é o melhor legado deste livro. Afinal, ser lésbica é o cúmulo da sororidade. Faça esta viagem ao mundo lésbico com entusiasmo, segure os olhos em Vivian e recrie seus padrões estéticos com a beleza de cada conto e cada canto deste livro.

Ao ler Ombros caídos olhando para o inferno, de Constança Guimarães, o pensamento, incômodo porque instigante, de Arendt, pairou sobre a minha leitura. O machismo e a misoginia, como frutos da estrutura patriarcal, são tentáculos nos quais a banalidade do mal intumesce. No livro, gerações de mulheres são massacradas por único homem que, embora apareça como sujeito de um mal absoluto, só pode criar raízes devido à naturalização social da ideia de que o homem é superior à mulher. O mal absoluto só floresce porque socialmente ele é aceito, seja pela omissão do pai, seja pela conivência aterrorizada de outras mulheres, ou ainda pela galhofa criminosa dos companheiros de trabalho diante da violência.

Não por acaso, este sujeito é denominado como “O Delegado”: ali está uma força repressora e violenta tutelada e fundamentada pelo Estado. Num país em que o feminicídio e a violência de gênero atingem índices alarmantes, a ficção nos leva a fazer perguntas desconfortáveis como que tipo de justiça é possível para vidas continuamente violentadas? Em que território os limites entre justiça e vingança se esgarçam?

Nesse livro em que suspense, exercício de poder e tomada de consciência — e de rédeas do próprio destino — se congregam, a atmosfera é densa e as personagens, que estão à flor da pele, parecem saltar das páginas. Um thriller impossível de largar até a última frase.

Micheliny Verunschk