No peso dessas páginas que sentes entre as mãos, tu serás pai e filho. Encontrarás o dilema de nosso país descrito com total precisão, o drama de conjugar o amor pleno com o simples direito de existir, de sobreviver.  Reynaldo Bessa, autor deste livro, está no hall daqueles grandes escritores que possuem a sensibilidade de absorver diferentes realidades e nos presentar desvelando cenas dos rincões mais interiores de nosso Brasil.

Adentres essa porta, essa narrativa, como se tu chegasses ao mundo, aos dourados das tardes sem pressa. Conhecerás a indomabilidade de Demétrius, o facho escancarado de Tereza, Índia movida de encantamento pela velha arara, o barulhinho da explosão dos insetos no lampião e essa luz que alumia tal qual saudade.  Reynaldo conseguiu criar um universo de personagens singulares, mas que ao mesmo tempo existem, são presentes, estão no dia a dia, nas paisagens que, desapercebidos, esquecemos de contemplar.

Estilo é algo que todo artista busca e das coisas mais complexas de se apropriar. Muitos tangem esse lugar, mas não chegam a produzir uma voz própria. Reynaldo tem estilo e sua voz potente não se reduz em florear sentenças, mas movimenta os sentidos, nos leva a ser para além do que somos. Isso é belo e aterrador. A verdadeira literatura reverbera no corpo e quando nos deparamos com construções assim

“A estrada era toda uma existência”,

“Refiro-me mesmo aos tropeços da vida, a cair dos meus desígnios.”

ou ainda

“Hábitos difíceis de abandonar quando o espírito se molda na forma rotunda da obediência, na aspereza da subserviência de joelhos carcomidos, nos olhos para o chão dos pássaros sem voos, na timidez, na lida dura, na queda iminente. Estas, todas, filhas das privações, da ignorância, da miséria, da lama.”

é impossível ficar alheio, atravessa a pele, chega num lugar mais de dentro que até então desconhecíamos. Há um escritor em sua máxima potência entremeado nas palavras as questões fundamentais que permeiam nossos dias.  “Prato frio” está recheado do começo ao fim de momentos sublimes, é um exercício de humanidade.

Num mar de livros publicados todos os anos, este jamais ficará à deriva, salvará muitos afogados, tenho certeza. No escuro da noite, nos ajudará a cantar.

Tiago Fabris Rendelli,
Editor e escritor

Luna Dy Córtes

1

um livro de estreia múltiplo
a desejada (e necessária) vazão
para tanta criação de décadas
que no pós-mundo de tudo que é coisa
reconecta o olhar de outro tempo
com perspicácia em ver com olhos livres
a doce amargura do atual calendário

2

sagaz nas páginas que seguem
é entre outras a capacidade fluida
de transar o trânsito entre popular e erudito
boa medida de passeios por clássicos
em paisagens cotidianas
e o domínio de línguas/gens
que favorece o batuque das palavras
onde improvável se torna possível
e louco confunde sábio sem deus pra adorar

3

lucidez dos sóbrios delírios
caminhos que se apresentam sem mapas
somente ao percorrê-los será possível
chegar em algum lugar (ou lugar algum)
uma bússola girando pode interessar mais
que direções previsíveis óbvias datadas
pathos de poeta nas páginas arenas e ágoras
a incrível peleja entre o sangue e as veias abertas
por tanto tempo que já nem se sabe quando
haverão de serem fechadas

4

a questão épica
e a questão antropofágica
ocidentes com ares de orientes
aforismos flertando com provérbios
variadas atmosferas em diferentes camadas
memória afetiva colchas de retalhos
por aqui o ritmo é quente — item indispensável
tem de sobra só de sapato não pode sobrar
pode embarcar tranx porém atentades
nos versos deste outro grande Alexandre
que disse “e a noite cai sem nunca haver subido”

Caco Pontes

Para além disso, por mais bem sucedidas que sejamos, nós (as mulheres) há gerações somos treinadas para orbitar em torno de outrem. Tanto dentro dos poemas, como na vida, nos pegamos de novo e de novo fora do nosso centro. É olhando por essa perspectiva que Doze Passos Até Você não leva ninguém a lugar algum. Mas é também sem sair do lugar que muitas vezes damos os passos mais importantes. Vemos a perspectiva da narradora migrar da obsessão para a possibilidade de simplesmente enxergar o outro. Luciana Annunziata nos entrega o ponto de partida para um caminho novo, que se abre em infinitas direções.

Experimente ouvir os poemas com o corpo, deixar-se atravessar por eles. É possível que seus ossos enxerguem o próprio deserto e suas miragens. Mas é provável também que a poesia ocupe os espaços vazios do seu corpo, revelando a possibilidade de sentir-se bem em ser vulnerável. Poema a poema, vértebra a vértebra, passo a passo, testemunhamos um amor contido e sua urgência cronometrada. A busca, a falta e a ânsia, a conta-gotas, alimentando a iminência. Mas, então, aquilo que não chegou a ser abre espaço ao que é, como é. Porque sim, também amor.

Doze passos até você é um romance mínimo, escrito em poemas, sobre um amor em tempos de pandemia. A narrativa, que se forma através de um delicioso encadeamento, vai deixando cair no trajeto muitas das desilusões sobre o que julgamos saber do amor. Os mesmos objetos, antes cúmplices durante a fuga da realidade, compõem o cenário do que foi possível acontecer em presença. Terminamos a leitura de mãos dadas com o passado e, da cabeça ao corpo, percebemos escorrer aquilo que em palavras tanto nos escapa.

Lucila Losito

As memórias infância-juventude impressas neste livro são habilmente mescladas por uma visão retroativa e prospectiva da autora. Lá estão fundidas duas visões infantis — uma sob o ângulo de alguém enquanto criança, embora não mais criança; outra, a criança ainda criança. Logo no início do livro, quase que como um código a ser memorizado, a autora se situa claramente dentro do seu passado: “estou de azul no primeiro/degrau da escada olhando/as frutas verdes. as frutas/quietas respiram. encosto/a boca no seu rosto/adormecido e constato/a textura de pêssego, manga/maçã”. E assim também se situará o leitor como espectador de vidas que começarão a se desenrolar dentro da “narrativa” dos poemas. Pois o livro é quase uma novela em poesia, possui sequências narrativas. É isso que torna Grãos um livro melancolicamente doce, nos conduzindo todo ele ao repouso.

Joyce Cavalcante
em Livros em Debate, jornal O Escritor, UBE/SP. Ieda
Romancista, contista e conferencista, autora de O Cão Chupando Manga, O Discurso da Mulher Absurda e Noites Masculinas, entre outros Ieda Estergilda de Abreu

A capital alencarina, assim como nosso próprio desamparo ou mesmo a mistura entre crença e descrença no agora e no depois, nos encontra, ao mesmo tempo, na pele suarenta do “caçador” — personagem que guarda os segredos do mundo em latas de leite —, na solidão do Edifício Rubi e ainda no cansaço e na rouquidão que guardam as palavras ditas por um navio-fantasma. A suavidade das cascas de manga, o amor desavisado da morte e as mentiras que o passado conta formam esse “oceano vermelho-alaranjado de poeira e vento” que Leonardo Araújo anima em Frio magma.

As palavras, aqui, fabricam imagens que se sucedem no corpo de quem lê. O “azul elétrico” do céu da capital, a profundidade do buraco que cresce, o corpo de poucos satélites que repara o vazio são também caminhos que o livro assenta — e nos convida a tracejar. O passar de páginas põe nossa respiração suspensa e nos obriga a abrir os olhos, vem nos acertar em cheio e “derramar o próprio calor em todas as coisas”. As masculinidades falhas e risíveis, as histórias de amor que se esgarçam ou se costuram como tecido de algodão, as maternidades possíveis, as falências, os medos que nutrimos e os que teimamos em ignorar, tudo isso nos espreita por dentro das histórias que, como pequenos filmes, são memória feita pra ver, ouvir e guardar. É um convite à atenção: este é um livro sobre o que teima em acontecer.

Marília Oliveira,
artista visual e pesquisadora.

“Sabe o que é um menu confiance? É quando você vai a um restaurante e não escolhe nada no cardápio, você deixa a critério do chef os pratos que vai provar. Você entrega nas mãos dele o destino da sua próxima refeição.”

Assim Lígia Fonseca disseca a si mesma com uma faca afiada, expõe suas vísceras, sangra a nossas vistas usando o conto O Barba-Azul, escrito por Charles Perrault em 1697, como bandeja onde será servida a sua carne.

O conto de Perrault já passou por inúmeras interpretações ensaísticas e psicanalíticas ao longo dos anos, especialmente a partir do século XX, quando suas leituras se multiplicaram, mas agora aqui, neste livro, Lígia traz uma nova perspectiva que nos identificamos imediatamente, não sem dor, não sem medo, não sem horror, mas urgente para nós mulheres, principalmente nesses tempos que nossas vozes estão sendo ouvidas. Ela nos mostra a violência que somos condicionadas a naturalizar, a loucura que nos é atribuída como forma de desvalidação. Quantos Barbas Azuis existiram e existem no mundo? Quantas mulheres são iludidas para se tornarem mortas psicológica e até fisicamente através do abuso e da violência que estes relacionamentos trazem?

Lígia está certa. Abrir portas misteriosas é muito mais do que “curiosidade feminina” ou “desobediência”, características depreciativas que tanto tentam nos enquadrar há séculos. Os Barbas Azuis de nossas vidas usam os quartos trancados dentro de si para nos anular, nos silenciar enquanto tentamos desvendá-los, entendê-los, amá-los. Eles se sentem no direito de abrir as portas que desejarem tanto quanto nossas pernas. Portas são criadas para esconder segredos e aqui encontraremos a chave certa para abrir as que irão nos libertar.

Ler, Barba Azul ou todo coração tem um bosque de Lígia traz a confiança de que estamos no caminho certo. Nada mais poderoso do que fazer de traumas uma obra, ou pelas páginas de um livro ou em cima de um palco, suportes que ela transita com igual talento e força. Difícil colocar em palavras o quanto é necessário este texto, uma refeição tão profunda como indigesta.

Fernanda Nobre

Assim — com uma pergunta sobre o mistério, um enigma posto, incandescendo — Juliana Dias abre este Antes de mais nada, seu livro de estreia. Como podem os cheiros, que são vivos, inscreverem-se num corpo frio, na matéria inânime? Há um vislumbre e um espanto que nascem aí, no litoral dessa pergunta.

 Agrupados em quatro seções, os poemas de Antes de mais nada repõem a incógnita própria do encontro entre os opostos, desdobrando-a na descoberta de que nós mesmos nos construímos pelo contraste entre o vivenciado e o perdido. Afinal, ao lado do tempo que se desenrola e se cumpre, corre outro tempo, feito de nossas desistências e abandonos, “uma pilha de livros/não lidos […]/um rio de palavras/não vertidas […]/uma lista de projetos/não executados/um punhado de amores/não ateados”.

 Não deixa de ser uma espécie de cronologia que segue à sombra — e que, vale lembrar, também atua sobre nós, sobre nossos corpos. “Desejo não é bicho que se mate”, diz a poeta. Não há renúncia que não pese sobre aquela que renunciou, seja numa cicatriz ou numa ferida aberta, seja na presença insistente de uma voragem represada ou num ímpeto torcido. Vira um hóspede, no fim das contas. “Ferve-me o sangue/arqueia-me as garras da boca”.

Com uma linguagem repleta de sutilezas, delineada no fio entre certa poética da sensação e a abertura à reflexão, Juliana nos oferta aqui um livro a um só tempo delicado e provocador, tênue e fulguroso. Nele, atravessamos um caminho em que a rede de referências e o endereçamento do vivido não encerram o vivo, pelo contrário: há sempre algo que a palavra não esquadrinha jamais, uma espécie de “silêncio-sussurro”, “furo-passagem da dúvida”. Deslumbramento, digo eu depois da leitura. Sonho a ser lido no escuro.

Mar Becker

A noite é o mal. É esse mal de se perceber só, sem saber como ou por que gritar a um mundo de poucos ouvidos. E é assim que estão os personagens de José Nascimento, com um grito na agulha. O que nem sempre é ruim. No conto “O grito”, as bombas, os disparos e a truculência policial não impedem a marcha. A manifestação prossegue. O grito não é sufocado. “Mesmo que acuados, mesmo que não nos restasse outro sentimento além do medo que era quase pânico, não deveríamos fugir. Fugir seria reconhecer o massacre moral”, diz a narradora sobre como responder à selvageria autoritária. Diz a narradora sobre nossos dias atuais. Além disso, se a ansiedade (esse “cansaço” que “debilita as certezas”, como coloca o narrador de “Tsé-tsé”) é mesmo o mal do século, este livro é sobre nossos dias. Se ainda continuamos sendo cruéis com o corpo feminino — como acontece em algumas narrativas aqui presentes —, é, infelizmente, um livro bem atual.

“Matilda quer ler” é, também, um conto sobre o efeito catártico para aqueles que abrem um livro em busca de fugir da realidade sufocante. A noite dentro de nós, livro de estreia do escritor potiguar José Nascimento, certamente seria um desses livros.

Aliedson Lima

o claror nos pulsos, teus sóis aindas em vísceras erguendo-se em canções, andanças,
um violão que cruza a turquesa da estação mais quente,
o lírio de sal nos teus lábios.

dói num homem a mulher amada ali onde lhe dói o mar.

nós já estivemos aqui antes —
e tu eras ave em meus pulmões de organza,
e eu era passo em teus pés. dizíamos

eis o início de tudo

esta cidade: suas meninas dormindo inclinadas nas janelas,
a rosa dos ventos ainda entregue
às figuras do impensado,
os cabelos em naufrágio sobre os parapeitos, casas afora, afogando gentes,
ruas e avenidas.

             só se aprende o mar pelo que o mar devora.

eu te observo, poeta, em teus escuros de retiro,
entreaberto pela boca apenas — teu vocabulário de óbulo de jaspe.

pela rue du caire ou em tramandaí, no anúncio da vindima ou no elã, tu segues,

e já todos os nomes do mundo me parecem pouco
para dizer do outro livro que há neste livro, mar adentro

aberto,

intocado miráculo,
infinito

como um fogo.

Mar Becker

Urgente é a gente nos convida a enxergar beleza nas contradições do ser mulher: o cuidado, o desejo, a maternidade, a culpa, o envelhecimento, o amor, “na moldura do casamento, para onde resvalam as mulheres?”, e nos faz refletir sobre o peso dos papéis sociais do gênero feminino.

Minha primeira lembrança da Mari é a de que ela não queria ser escritora. Eterna leitora, era o que dizia ser. Mas a palavra é traiçoeira: quem vai se cercando dela numa leitura aqui, num livro acolá, quando vê, está tão misturada delas que “enquanto você escreve/seu marido vai ao supermercado/a professora ensina os filhos”. Para nossa sorte, Mariana Diniz se deixou ser levada pelas palavras e não é mais uma “escritora muda”. Eis aqui a urgência de sua poesia.

Nayara Noronha

O poeta escreve: “Este não é um daqueles livros de poesia sobre o amor”. De fato, trata-se de um diário de poesia, um artefato usado para cantar pinturas fotográficas colhidas pela mão do poeta, que forja, como se em argila do manguezal, o itinerário dos girassóis, como quem clama a estrela maior, o sol.

Neste Ao modo dos girassóis, temos a insistência do autor em uma escrita pela reinvenção, que, trajada por um vestuário de palavras, pontua um vértice fora da curva, curva essa que dá gás a Victor H. Azevedo a continuar tecendo uma memória, inconformada ou não, que começa a sair de suas gavetas, de seus diários de bordo, de sua cachola e beija o mundo. Saímos ganhando nós, que somos do mundo, pois o autor parece ter muito mais a contar.

Jefferson Martim Turibio

A autora Emanoelli Soares Farias apropriou-se desse medo coletivo e explorou em cada um de seus contos um embate, em que o sobrenatural se coloca como uma alegoria a representar tais terrores que tentamos manter ocultos. Quarentena, home office, fake news, sanidade mental, violência doméstica, entre outras importantes pautas levantadas nos últimos anos, atravessam suas narrativas em paralelo a elementos lendários como bruxas e demônios tão amedrontadores quanto o lado de nossa personalidade passível de disfarce.

As palavras da autora são perfeitas para dar o tom pedido pelas temáticas empregadas. As linhas se enchem de frases perspicazes, criatividade, um bom toque de sarcasmo e outros ingredientes literários, fazendo cada narrativa inserida na obra se salientar entre outras do mesmo gênero. À medida que o texto flui, os sentimentos afloram, e a obra transcende ao período da pandemia. Temos amor, superação e muita reflexão.

Sombria e outros contos vem para nos impactar. Afinal, mexe o tempo inteiro com nossos medos. É somente a partir desse confronto que podemos chegar a novos lugares — esses mais iluminados.

Michele Fernandes,
escritora, editora e crítica literária

Só quem tem coragem sabe como usar as palavras no tom certo. Elas nascem e, em um movimento preciso, podem rasgar o fio que une a venda dos nossos olhos. É preciso coragem para encarar estes versos. Essa é a tal da sensibilidade a qual ouso dizer que é a maior arma que temos.

A grande revolução não se constrói no silêncio, não se constrói no conforto, não se ganha nem se perde. Foi isso que aprendi com estes poemas. O homem ocidental nasceu adoecido, e estes versos podem ser usados como remédio. Às vezes tão amargo quanto a doença, às vezes tão doce quanto a cura.

A grande revolução tem traços marcados pela literatura, e no caminho da transformação tenho o privilégio de acompanhá-los, caminhar pelo íntimo, ancestral e expansivo (do autor e do leitor), cutucando cada parte do conforto. Esta obra é um convite para desconfortar-se.

A grande revolução é um grande desconforto. Encará-la é tatear o cotidiano com atenção e deixar-se atravessar pelos versos que encontramos no nosso caminho. Eu deixei e deixo este texto como um reflexo do que li e um alerta a quem lerá: se quer continuar abstendo-se das suas revoluções, feche este livro e vista novamente a sua venda.      Renato Franco

Talita Horniche

É conhecida a afirmação de Ferreira Gullar de que a poesia surge do espanto. Neste sentido, os poemas deste livro parecem querer nos dizer que, se olhadas com atenção, até a mais rotineira das experiências é de fato espantosa. Desse modo, a realidade imediata se estabelece como ponto de partida para muitos dos poemas, num exercício meditativo (porém ativo) de presença e observação, como, entre outros, nos poemas “Aos urubus da avenida Omar O’grady”, “Despertador”, “O piolho de Cassandra” e “Depois de tudo”, onde o mundo exterior do rio e do cair da tarde (com suas árvores, pássaros e animais) se mistura com naturalidade às imagens e associações do mundo interior do sujeito lírico, e no qual o fluxo poético e lírico desse encontro é desfeito, de forma sintomática, pela chegada incontornável de outras presenças e subjetividades.

Note-se, portanto, que a poesia aqui emerge não só da observação, mas do atrito com o cotidiano, do embate entre a realidade objetiva (os fatos e coisas e seres externos) e a subjetiva (o mundo interior, os sentimentos, as associações e referências do sujeito lírico). Estabelecendo uma atenção relacional ao mundo que é também uma investigação do mundo por meio da linguagem, que funciona como um vínculo, um veículo, uma ponte, uma forma profundamente humana de conexão e contato com os seres e as coisas ao nosso redor. Note-se, assim, finalmente, que é preciso embarcar quando uma poeta digna de nota nos concede um passeio pelo mundo visto por seus olhos, cérebro e nervos. Maíra Dal’Maz

Márcio Simões

De todas as mortes, as secretas são as mais doloridas e as microscópicas, imensas. Sejam células, neurônios e/ou esperanças: matamo-nos diariamente.

Liz e Nina morrem e renascem a cada frase. Em cada encontro regam seus brotos e arrancam matos de seus jardins com a doce loucura das que teimam em seguir amando — seja a si mesma, seja ao outro.

Suas catástrofes ganham contornos e se desmancham de maneira fluida e contínua, e tudo as mobiliza. Tudo. Tudo vira matéria poética para elas que tecem como Moiras seus próprios destinos e brincam de profanar tradições e velhas formas de amar e morrer, com a sabedoria das deusas expulsas de paraísos. Paraísos construídos para que permanecessem domesticadas, nutrindo, com suas entranhas e sonhos, a fome insaciável do patriarcado, enquanto elas próprias minguam como minguam as esponjas do mar expostas ao Sol.

De Paris ao Rio Grande do Sul, de São Paulo à cama repleta de fotografias velhas e coisas antigas, a viagem infinita e infinitesimal guiada por Liz e Nina faz com que nós — finalmente — olhemos para os nossos e ao redor, com a delicadeza dos que nada sabem. O encontro entre elas nos encontra.

“Quando a gente escreve, a gente sepulta. As pessoas leem e a gente morre um pouco.”

Leiam-nas
e
boa viagem.

Gabriela Guinatti

Arthur Braganti

Do mesmo modo como esse leitor duplamente passageiro, no renga (連歌, “poema encadeado”), também as estrofes estão em um jogo de duplicidade. A estrutura desse gênero de poesia japonesa é tal que toda sequência de duas estrofes constitui um poema. Sendo assim, à exceção da primeira e da última estrofes, todas as outras formam dois poemas: um com a sequência de versos antecessora, e outro com aquela que vem depois. Dessa maneira, o renga maneja simultaneamente a repetição e a variação, mantendo uma unidade temática ao mesmo tempo em que modifica as imagens apresentadas.

Originalmente, essa poesia era composta por dois ou mais poetas, que escreviam cada uma das estrofes intercaladamente. E é apenas por isso que o texto de Karen Kazue Kawana é chamado “pseudo-renga”. Em Cancioneiro da desilusão, cada estrofe ajuda a revelar duas cenas da narrativa, ressignificando seu próprio sentido enquanto conduz a progressão da história. Os versos “um rapaz da cidade/com aspirações rurais”, além de promoverem o encadeamento entre as cenas, têm a capacidade de sugerir um cenário de ares idealizados quando juntos da estrofe anterior:

leio sobre flores
espécimes tropicais
plantar e colher
um rapaz da cidade
com aspirações rurais

E a de constituir um quadro de teor realista ao serem lidos com a estrofe que os sucedem:

um rapaz da cidade
com aspirações rurais
enxada em punho
pele queimada de sol
trabalho árduo

Assim, o texto de Karen Kazue Kawana exibe o fluir característico do renga: foca no presente, através dos poemas formados a cada cinco versos, enquanto realça a transitoriedade de todas as coisas no recontextualizar de cada estrofe.

Leonardo Reis

Transitando entre a poesia e o conto, o livro traz sujeitos atormentados pela violência das relações sociais, atentos aos momentos de revelação da violência que se esconde na cordialidade.

O lirismo crítico dos poemas também surge nos contos, como é o caso da narrativa “A salvação da ignorância”: “enfim havia descoberto, entre as obviedades técnicas resultantes da observação do fogo, como o fogo nos observa. Como o fogo é por dentro. Qual a verdadeira alma do fogo. A ciência novamente dava um enorme passo na reconciliação com a igreja”.

Professor de geografia, o autor oferece um bom mapeamento sensível dos trabalhadores e de sua vida cotidiana, revelando afeto por aqueles que não se encaixam, assim como um respeito que dignifica suas escolhas e seus desejos. Veja-se, nesse sentido, a abertura do conto “O preço do pão”, com um trabalhador desempregado que se pensa, reflete sobre sua habilidade com a linguagem e vê a insuficiência do mundo que o submete com uma certa ideologia do trabalho — “Sempre se julgou melhor cronista que trabalhador fabril. Mesmo assim se empenhava”.

Não é fácil, depois da demanda pela experiência de isolamento social e pela vivência da violência estatal que o Brasil presenciou nos últimos anos, querer escrever literatura, menos ainda uma poesia que nos oferte um olhar carinhoso, ainda que exigente.

Veja-se, por fim, este convite de um dos narradores: “Concluí com um certo orgulho poético, embora logo depois viesse a esquecer, que as voltas que o mundo dá separam as pessoas como se essas fossem pedras de dominó mexidas por mãos habilidosas”. Se o mundo separa as pessoas, a literatura mostra essa movimentação — por vezes aleatória e violenta — e nos permite participar do jogo com mais compreensão e com a sensibilidade apurada.

Mônica Gama

o desejo da nomeação de uma origem passa também por uma composição possível que interliga tudo a todos e a algo que também deve de alguma maneira sobrepujar a possibilidade da linguagem, que, ao mesmo tempo em que a perpassa, também a limita para que a própria chance da língua se prove somente limitada e limitante perante a sua materialidade: desejo de enroscar a sua na minha, fazer da prece algo que se endereça e se prova sempre cheia de desejo, ainda que de um desejo vazio, faz da constituição de um princípio algo que também evoca aquilo que já veio de forma faltante. pressupor a falta, o vazio, ao invés da presença, é também se tornar parte de um todo que se encaixe independentemente se sei ou não qual o meu papel perante esse grande outro que se apresenta e assume tantas faces possíveis quanto as minhas palavras poderiam formar, tanto quanto o desejo que nutro e nego seria capaz de materializar. se ainda não se sabe, enfim, o lugar de tudo perante todos, há aqui, nas páginas agora protegidas por essa capa orelhada, pronta para ouvir o sussurro gritado dessa prece, uma chance de começarmos a entender o que é que se começa a partir dos contos desejosos de outro de eduardo valmobida. leitor(a), devore-os.

Fabio Saldanha

A complexidade da vida dos seres envolve muitas forças, algumas controláveis, outras inexoráveis, que nos enredam em coisas que nem sabemos existir. Ao longo da leitura, me senti uma intrusa autorizada (isso existe?). A mim parece que andei xeretando momentos que eu não devia, tal qual Paulo Roberto. Outras vezes, senti a força de conhecer as histórias que ressignificam aspectos de minha própria vida. Eu já havia tido contato com alguns dos textos de forma aleatória, mas a força de ler todos eles, juntos, foi uma experiência marcante.

Verdadeiramente, o livro nos mostra que é pelo fato de sermos humanos que essas experiências, embora distantes de nossa realidade individual, são passíveis de serem nossas, e essa mera possibilidade nos aproxima de uma forma surpreendente de cada uma delas. A obra da autora se insere em uma longa corrente que vem desde a Literatura Antiga: representar o homem, recriando-o em suas relações com os outros homens e com seus próprios destinos. Não importa quanto tempo passe, quanto a sociedade mude, há algo primitivo que sempre unirá essas experiências, afinal elas advêm do caráter singular que existe dentro de nós.

 Enfim, no sexto dia, Deus criou os homens, sua master piece, já Hortência Siebra No sexto dia apresentou as diversas facetas que nos torna mais humanos e menos parecidos com Deus. A leitura dessa obra se mostra relevante e nos permite ver a grande versatilidade e o grande potencial da autora.

Leticia Freitas Alves.

A “pobre alma trabalhadora” de que Bührer fala é o que resta em modo de sobrevivência, aquele pedacinho da essência humana que se tenta proteger de um sistema que cobra tudo e abocanha tudo se puder. Quem trabalha um dia morre, mas morrer trabalhando já é demais. O capitalismo já tira a vida, tirará também até a morte? Aqui nós, amantes da poesia, encontramos um dos muitos segredos que o poeta revela a cada página. eu tento ser grato, patrão, eu tento ser grato sim, patroa traz consigo a rebeldia do cotidiano do trabalho, da precariedade, das negativas sociais, que mora entre a norma da obediência de classe e o impulso corporal, consciente ou não, que impede genuína gratidão aos ladrões de alma e suas mansões.

Os poemas aqui contidos foram escritos entre 2019 e 2022. Foram atravessados por pandemia, gestão de morte, deterioração do que resta de vida da classe trabalhadora, novos módulos de opressão, repressão, perseguição e a horrenda sensação de caminharmos de volta ao passado cruel que formou as desigualdades da nação brasileira. Mas o Brasil pode ser mais, já diziam os intelectuais, seja Lélia, Florestan ou Darcy, que ensinaram que devemos olhar para o nosso lugar a partir dele mesmo. “Conspirar e sorrir”, escreve Bührer de uma forma que poderia ser um mantra, mas pela natureza política – como deveria ser – de seus poemas funciona também como um manifesto.

A quem ainda se pergunta se há tempo para a poesia se vivemos cronometrados pela uniformidade do capital: claro que há. E se por acaso não há, que o criemos. O mundo livre não irá se anunciar sem que saibamos apreciar os detalhes do hoje e do porvir. Que a pulsão de utopia que brota entre as palavras mais cansadas e as mais destemidas dos poemas de Joaquim Bührer agucem nossos sentidos para quando a hora chegar.

Sabrina Fernandes,
socióloga, autora e educadora

Nesse sentido, Oluwa Seyi, nos poemas de seu livro de estreia o que há de autêntico em uma mãe inventada, revela, na verdade, como há tudo de autêntico na mãe que inventa, pois ela é também uma herdeira das propriedades ancestrais. Em seus versos a maternidade se torna não apenas uma inspiração ou um tema, mas o lugar a partir do qual Oluwa materna a sua criança interior, materna a jovem adulta com medo do futuro e, principalmente, parteja palavras como quem deseja parir um mundo em que as vidas negras não sejam interrompidas o tempo todo.

Da poeta que não sabe abandonar a própria carne, uma “casa que me prende/que não é confortável ou quente”, à poeta que afirma “serei, pelos séculos, a mulher da minha vida”, acompanhamos a jornada de alguém que aposta na capacidade e na possibilidade de gerar vida como força e potência da sua existência e de sua poesia. Ao mesmo tempo, é a maternidade que também a assusta e desperta o desejo de jamais dar à luz num país que “mata por capricho/criança que ousa nascer preta”, rogando por Iemanjá, pois “chorarei quando me souber grávida”.

Em seus poemas encontramos, então, uma menina-jovem-mãe que sonha, chora, ama, se cansa, tem medo, tem coragem — virtude que “só cresce em condições adversas” —, mas sem esquecer de se ver “como potência de outras vidas”, rezando e cantando os nomes dos rebentos futuros que, ainda que não nasçam, já vivem em sua poesia. Nada mais autêntico, então, do que a mãe inventada de Oluwa Seyi, uma “mulher parida” que escreve como quem materna. Sua poesia é, sem dúvidas, sua propriedade ancestral.

Fernanda Silva e Sousa,
crítica literária, tradutora e professora

Como um Hades grávido de cactos e pedras, talvez também grávido de mortes, esse poeta nos brinda, em seu primeiro livro de poemas, após o livro de contos Não sei quantas almas tenho, com um diálogo com o chão, a terra, o espaço seco, vazio de estrelas, pleno de ecos bárbaros e diários.

Sim, é um jornalista que escreve, e, como tal, a rispidez da existência aparece. Além disso, é também um autor de quatro romances publicados com as trepidações, já sem muitos devaneios, de um homem em sua quinta década de vida.

Ler Sismos também é encontrar Perséfone beijando o submundo, tecendo com agave e sal as linhas mais duras da vida e da morte. Ícaro às avessas, Cefas mantém o corpo poético no plano médio e baixo, quase réptil.

Esse convite à dureza provoca um impactante espanto filosófico. Tal qual uma pedra na garganta, é uma poesia que dói com pouco sangue, mas lateja e fere como treva.

Terminamos a leitura deste livro com essa treva nas mãos: meio planta, buscando ar, sol, raiz. O poeta trouxe duras sementes para que possamos plantá-las sob nossos pés. Lê-lo é também dialogar com a terra escura, com a morte e a sorte.

Entre bordados, fardos, rochedos, azulejos, o poeta tece e destece sua tapeçaria e nos apresenta um livro sem ardência nem dor, mas com uma árida e cálida força, como no poema “Ícaro, não!”:

o firmamento
deixo para
vocês
que voem em vão
em paz

desejo o solo
o chão
e nada mais.

Enfim, convidamos todos e todas a essa leitura ríspida e bela.

Iracema Macedo,
poeta e professora de Filosofia do Instituto Federal Fluminense

Os poemas e a poeta às vezes se juntam, às vezes se separam, aranhas pensam com a teia, garante-se a proteção, o lugar de andar, sua armadilha e sua beleza: as teias — uma extensão do corpo, como as nossas caraminholas. Mas além e com o título tem a poesia, essa arte sutil, besta e grandiosa, que se faz no próprio ato da pena, na virtualidade do miúdo e no todo que rebenta o mapa da mina da humanidade.

A Thaise fez da sua inquietude intelectual-artística-política um deslocamento da exatidão que a palavra no poema exige. E fez muito bem. Louvo a sua estreia com essas passagens que tentam, intentam e encarnam uma prosa de vida, que é uma poética dela, das coisas, do cotidiano — do corpo em extensão e tudo, os seus adjetivos: “Tenho as pintas quebrando a monotonia da pele/e elas não significam nada até que sejam tumor” (“Interpretose”); e outro: “já cortei assim duas vezes;/tô ficando parecida com minha mãe;/tá no meio mas ainda posso pedir pra mudar;/foi isso que pedi mas acho que pedi errado;/quantos cortes será que já tive;/no fim das contas cabelo cresce rápido;” (“Cortes”); e mais: “Toda a tragédia que emergirá como afluente da correnteza dela./Filha criando a vida com suas linhas,/toda tragédia que emergirá como afluente da correnteza da mãe” (“Novela”). Poesia para ler e reler com partes do corpo e outras.

Marcelo Brice,
doutor em Sociologia pela Universidade Federal de Goiás (UFG), professor na Universidade Federal do Tocantins (UFT) e atualmente realiza estágio pós-doutoral em Literatura na Universidade Nova de Lisboa.

O amor enquanto servidão, a servidão enquanto gesto de amor. A ambição sem limites de “posar nu para Deus” e “ser condecorado o melhor dos humanos”. A tocante simplicidade de sonhar com uma máquina de moer cana dentro de casa. As necessárias fugas de realidade cotidianas na constatação de que “alucinamos ao beijar, chorar ou cair” — afinal, “alucinação é a linguagem”. Conviver com ideias que se assemelham a moscas inoportunas, do tipo que não vão embora facilmente.

Tópicos tão distintos recebem como tratamento redirecionamentos estilísticos bruscos, imprevisíveis, assim como repentinas quebras no ritmo narrativo. Constrói-se, dessa maneira, uma biografia sinuosa e incomum, tanto em forma quanto em conteúdo. Como se o autor nos contasse sua história não através de fatos, sempre tão manipuláveis e sujeitos à censura da memória, mas ao nos apresentar quais eram seus questionamentos, percepções, paixões e anseios em diferentes momentos de seu desenvolvimento artístico e pessoal.

Jair Naves

Os narradores de Outros escritos compõem um conjunto cuja unidade, pouco apreensível à primeira leitura, define a qualidade indiscutível desta escrita. Tal unidade relaciona-se à qualidade linguística e às escolhas de estilização da linguagem. Todos os narradores são apaixonados pelas palavras e retiram de limbos vocábulos pouco conhecidos ou termos raros, mesclando-os a formas coloquiais de enunciação. Essa mescla, em si mesma significativa, não é gratuita: ela se articula organicamente à matéria dos contos e dá forma estilística ao que neles configura o sentido do conjunto.

Trata-se, antes de qualquer especificidade temática, de dar voz àqueles que a história sequer conheceu (como em “Anunciada”, curiosa narrativa, um pouco à maneira borgiana, acerca de uma outra carta do descobrimento do Brasil que, como o navio que a levava, foi tragada pelo mar). E, sobretudo, de apresentar personagens que, mesmo ao alcançar o sucesso, orientam-se pelo fracasso (como em “Questão de tempo”, em que as fantasias do escritor premiado revelam sua autoinclinação para a derrota e a certeza de que o mundo finalmente descobrirá ser ele um embuste). O ponto máximo da ironia em que o amor às palavras choca-se com a autoanulação da obra está no irônico e delicioso “O manifesto invisível”, quando o narrador proclama seu “dom para o nada”.

Configurar esse conjunto de contos nas temáticas do fracasso e, por outro lado, da tentativa de revelar o que permaneceu desconhecido indicia um modo de conceber a literatura na contramão do que atualmente tem sido produzido. O que há, aqui — e é novo por revigorar uma tradição que parece esquecida —, reinventa homens e atos falhados ou por suas fantasias negativas ou por contingências desastrosas que, não obstante, a linguagem salva. Não por acaso, o último conto é “Introdução ao fracasso”, manual que, na contramão do ideário do sucesso a qualquer preço, revela a contrapelo o ideal da derrota.

Tudo isso e mais — que não cabe numa orelha — revela que Martim Butcher é um escritor pronto. E que queremos mais.

Ivone Daré Rabello,
crítica literária e professora da USP

Assim, o poeta assume a “posição fetal/passiva ante a netflix” para descrever e enfrentar o tempo, enquanto o tempo no capitalismo lentamente acaba. Estamos todos presos neste pesadelo, como no “feed do insta-fantasma” que não cessa de se atualizar, uns agonizando mais do que os outros, vislumbrando pelo “google glass adaptável/aos escudos faciais/apple watch em sincronia/co’a guarita antimendigo” um futuro que promete terminar por nos devassar, porque não há “fuga do mundo dos mortos”, mesmo com “‘sonho por sonho’ à playlist”, mesmo com “a minissainha voandinho”.

[Arthur Araujo, escritor]

Depois de tanto destroço social, do lixo e da glória televisivos, dos primórdios da internet, das décadas de neoliberalismo, dos antigos videogames, afinal, há vários fantasmas dos anos 90 dando voltas na poesia de Gabriel. O “et de varginha”, várias vezes citado, é um primor, é uma assombração cômica e recorrente. Diante dessas voltas, devemos talvez retornar aos primeiros poemas, procurar pelo bonito nome de Luane ou pela declaração à “pesseguinha”. Porque em meio aos ruídos dos ossos urbanos, em meio a tudo isso, há o afeto: “[…] seus bocejos flébeis, gráceis ao fim de tudo, enfim, nossas delicadezas alegres, travessuras, de verdade, inesquecíveis”. E ao afeto, Gabriel Medeiros dedica os poemas mais extensos.

Maíra Vasconcelos,
poeta e jornalista

“Arquiteto e mentiroso”, Felipe Matheus divide sua obra em capítulos-cômodos. Guiados por seus versos, percorremos entrada, quarto, banheiro, cozinha, quintal de um projeto quase antidoméstico, no qual não há fronteiras entre dentro e fora. Ao mesmo tempo em que deseja se esconder do mundo e blindar-se do fato de existir, o autor é atravessado por eventos que ultrapassam suas paredes tão permeáveis: a força imposta à pele preta, os avós que dançam e depois vão embora, a história e a memória que se refazem a cada dia.

Com este livro, aprendemos que, quando sentimos muito e nos aventuramos a imergir no sentimento, seja ele o desespero de estar ou a melancolia de perder — um avô ou um possível amor —, os tijolos ao nosso redor umedecem de experiência. E então o universo inteiro, o completo cosmos de ser humano, passa a caber sobre uma cama desarrumada.

Sem temer a linguagem, remontando as palavras para que ergam sua casa-carta, e usando-as num jorro que tem tanto de grito quanto de lucidez, Felipe Matheus nos lembra por que escrevemos. Não para encontrar o que procuramos sobre nós e sobre o todo e muito menos para erguer muros. Escrevemos para seguir buscando, o que significa continuar vivendo. felipe matheus silva alencar

Ingrid Fagundez

Apesar de trazer uma poética da intimidade, esta muito próxima, ainda, do incômodo, Samara se debruça sobre algo universal — a incompletude do corpo, ou a impossibilidade de mapear todo o aparelho sensorial que constitui um corpo. São poemas que, entretanto, buscam investigar um incômodo para além da dissecação, questionando conceitos como subjetividade e identidade que sobressaem dos processos fisiológicos retratados.

Dividido em três partes, “matéria macia feita de pele deitada”, “ampliar os cortes para saber de que tecido é feito o eu” e “estruturas porosas”, bruxismo e outras automutilações busca trabalhar o corpo em suas interrupções, trazendo como material poético joelhos ralados, narizes escorrendo e, até mesmo, o processo de embalsamamento de cadáveres. São textos que evocam principalmente o conceito de defeito, mas que se catapultam, partindo destes, para um exercício de elaboração — seja da experiência corpórea, seja da construção poética em si.

Nesse sentido, traça-se uma poesia em que se reconhece tanto a influência da ode ao silêncio proposta pela poeta argentina Alejandra Pizarnik (1936-1972) quanto a ideia de conscientização da morte, trabalhada pela escritora e agente funerária estadunidense Caitlin Doughty (1984).

Apesar da temática pesada — e dos versos curtos de Samara — percebe-se que a autora não se limita em termos de linguagem, explorando a disposição gráfica do texto e se atentando à escolha das palavras, reverberando a ideia inicial de se produzir um efeito físico em quem lê. Trata-se de uma escrita única, que carrega uma verve contemporânea, trazendo elementos performáticos em seu texto.

No final, o que se tem em mãos é uma estreia bastante potente de uma autora que busca não se inserir, mas, sim, se reconhecer dentro do texto a partir de uma visceralidade — palavra que pode definir bruxismo e outras automutilações em sua totalidade. Trata-se de um convite ao eu, o eu que se enxerga e que se tem consciência a partir de uma autópsia.

Laura Redfern Navarro
poeta & jornalista
@matryoshkabooks

O teor metalinguístico de sua escrita está presente no diálogo intenso que a autora estabelece com artistas plásticos e escultores, através do qual propõe reflexões sobre o próprio processo criativo ou sobre a sempre necessária releitura da história. No entanto, se em abertura do livro as estátuas da artista islandesa Steinunn Thoraridsóttir — de aço e de bronze — evocam corpos mudos e sem expressão, através das palavras da poeta, aos poucos, estes assumem uma feição cada vez mais humana, mais semelhante a cada um de nós — perdidos e inertes no caos contemporâneo. Assim, as instalações metálicas  do escultor suíço Jean Tinguely – que evocam a crueldade do holocausto — são ressignificadas a partir de uma voz lírica (e áspera) que parece se levantar da sucata, dessa “fábrica de dejetos”.

Outro diálogo com as artes plásticas está na sequência que encerra a coletânea. Como explicita Prisca Agustoni, trata-se de uma tentativa de fixar em palavras o movimento interior da artista suíço-brasileira Mira Schendel (migrante assim como ela), movimento este que foi motor de criação em suas obras pictóricas ou em suas instalações, através de um inquieto interrogar a natureza do real (em sua materialidade) na medida em que foi se interrogando sobre os mistérios da existência.

Já na seção central “Arcaicos” — como coração pulsante de um animal ancestral — é onde se desdobram as temáticas recorrentes em sua escrita — a memória individual, a relação entre as línguas, o espanto diante da morte por COVID do último membro da etnia Juma, a releitura dos vários incêndios que devastaram o país, seus museus e suas florestas.

Em definitiva, esse livro, breve e intenso, se compõe por indagações que se cruzam ao longo dos versos, se aproximam, circulares, como uma corola em cujo centro polinizador está a poesia em estado bruto, ardente, lacerante, brilhante.

Ricardo Evandro Santos Martins

]]> https://editoraurutau.com/titulo/materia-do-sopro/feed 0 https://editoraurutau.com/titulo/despotico-despolitico-despoetico https://editoraurutau.com/titulo/despotico-despolitico-despoetico#respond Mon, 19 Sep 2022 12:25:37 +0000 https://editoraurutau.com/?post_type=product&p=12877 medidas diplomáticas quantas tragédias seriam evitadas se houvesse uma régua e um banheiro para medir o tamanho das armas dos homens de estado flácido.]]> Phillipe Sakai (1987) me foi apresentado pelo nosso amigo em comum, Thiago Hansen, como “alguém que eu precisava conhecer”. Bastaram duas palavras para entendermos a proximidade de nossos projetos artísticos e políticos (há diferença?) e começamos de imediato a publicar juntos semanalmente na Hecatombe Edições. Na coluna política “QuintasHeca”, possibilitadas pelo trabalho primoroso de nossa editora Débora Ribeiro, produzimos poesias e imagens de urgência sobre os acontecimentos abjetos em nosso país. Imagens e textos se juntam em sentido como ideogramas chineses — não podem ser pensados em separado, pois os desenhos não são meros apêndices decorativos do texto. O significado é criado no espaço entre.

Em seus poemas, Phil trava as línguas dos leitores, como o país que tropeça em seus descaminhos, evoca imagens e imaginários, varia tecnicamente em estilos e recursos poéticos, usando eu-líricos improváveis, demonstrando sem exibicionismo grande erudição. A justaposição dessas diversidades cria um todo articulado em várias camadas. Assim também fiz com meus desenhos em nanquim, numa estética diretamente desenvolvida pela coluna semanal e que perfaz sentidos parciais que se ativam num todo, exigindo idas e voltas, páginas de um sketchbook.

De nossas experimentações de quase dois anos de produção, Débora nos convidou para publicarmos este livro. Despótico, Despolítico, Despoético reúne elementos nervais e nervosos do nosso país em crise, de um ponto de vista irônico, que ri, mas que também chora, e que também ergue os punhos. De “pô, emas”, pastos, mi-mi-mis autoritários e contracheques escandalosos até a resistência dos expatriados, sobreviventes e lutadores, este livro é lançado como um molotov incendiário. Uma bomba. Mas uma bomba de versos, pois é com eles que Phil e eu nos armamos versus os “versus” daqueles que são contra. Nas fissuras que subvertem, um Brasil profundo aparece.

Yuri Campagnaro

Neste texto de espessa intensidade e ineditismo formal, uma bisneta contra-canta com ancestrais imagéticos, adejando díspar, por espaço e tempo, vem a pousar na crueza do real que assola e ensombra. Narrativa em que nos cabe erodir, elidir. E se aquilo que escapa à devora nos revigora, outro verão há de vir.

C. O. Viana 

“e como eu caminhasse/por aqueles pátios líquidos/de violência falada,/algo inesperado se via://a fenda é o espaço/estreito no qual o fio/morte e vida termina.”

O desejo nasce nas fendas — dos becos urbanos, do corpo — e manifesta-se despudoradamente na linguagem: varas que latejam à procura de preencher os buracos abertos pelos processos de subjetivação colonizadora de nossos corpos e mentes. Como Adília Lopes, Laurindo está ciente de que esse uso da linguagem constitui “um jogo bastante perigoso” e sabe também que é o único jogo possível, numa sociedade que, desde a infância, fode os corpos queers diariamente, porém lhes censura o direito de foder. Em O limiar das fendas, a violência erótica atinge novos significados, insuspeitos.

A leitora destes poemas ouvirá, entre outras, ressonâncias de Adelaide Ivánova — ignorância deliberada dos “níveis de fala” e produção de imagens que expressam diretamente o que se quer dizer —, Mário de Andrade — o boi como metamorfose da cultura e da palavra — e Dorothea Tanning, de quem Douglas poderia perfeitamente roubar estas palavras: “Por favor, esteja ciente de que irei vacinar o mundo com um desejo de espanto violento e perpétuo”.

Particularmente, este livro me fez lembrar Hélène Cixous: “A literatura como tal é queer”. Douglas Laurindo nos dá uma poesia em que as identidades se diluem: tudo é processo, produção e performance. Devore-a e seja por ela devorada.

Eleazar Venancio Carrias

Sem ignorar os cânones (mas a partir deles), o poeta experimenta e tensiona ao introduzir cada ato com uma citação que aponta para artistas sempre atuais. Alexandre deixa claro que tem os pés no presente e anuncia: os conflitos e prazeres dessa obra são inerentes às almas também contemporâneas.

O vocábulo “luz” surge diversas vezes ao longo do texto, um convite a enxergar as trevas que nos consomem e as possibilidades além delas. Da origem do mundo ao brilho de um vaga-lume, do valor da alma ao mistério da lâmpada. Não será surpresa se, depois da Água mínima, o leitor perceber que lá fora “é tudo pó de poesia”.

Aura Grube

Matheus Santos

Maiara Gouveia,
poeta, autora de Pleno deserto (2009), Antes que se rompa o fio de prata (2013) e E o resto é barulho de água (2019).

Todo tesão é real? Será que o tesão é narcisista? Ou seria platônico? Tudo é válido pelo tesão? Desejo é desejo ou desejo é automático? CARA, QUE TESÃO! Boêmio demais ou afetado demais? Racializado demais ou foda-se? Ah, a racialização! Este dildo racistinha que é arrancado do cu de uma vez e ainda sai com cheiro de laranja e óleo de coco, SORTE QUE FIZ CHUCA HOJE!

Allie Barbosa

Ela, pronome pessoal do caso reto, que por vezes se mostra no cotidiano da artista-autora como prótese sentimental — tatuagem — marcada abaixo de seu pescoço, é também a travesti, a personagem e a corpa-sobrevivente das páginas da ferida-livro-diário Esse sangue não é de menstruação, mas de transfobia, por conta agora de ser reescrita transcentradamente como alguém que tem sede de viver a tão sonhada vida, apesar d’Ela estar limitada — como toda gente — a viver dentro do grande coma CIScolonial do dia a dia no mundo.

Ser agora fugitiva de uma antiga casa civilizatória binarista gigantesca localizada no topo de Santa Teresa numa nova casa — semelhante às casas coloridas de brincar recordadas de sua infância — próxima aos Arcos da Lapa, ambas na cidade do Rio de Janeiro (Brasil), não será garantia d’Ela não se deparar novamente com o pacto da cisgeneridade — nomeado por Narcisismo pela autora-artista —, porque, quando Ela quer apenas esquecer da existência da demarcação exaustiva de seu gênero nesse novo espaço, ele será recordado e posto em questão imediatamente pelos novos moradores cisgêneros de uma forma brusca e dolorosa, quase como uma violência física, causando mais desconforto e dor para Ela. E assim o mundo inteiro vai vivendo constantemente numa grande FICÇÃO POLÍTICA ENCARNADA, onde a régua da cisgeneridade — entre outras réguas — atua em peso, o tempo todo, traçando formas de horror que vão desde desvalidar e inferiorizar até negar e matar as experiências e a legitimidade da identidade de gênero d’Ela.

Sob uma ótica transfeminista, Mais uma Casa de Bonecas ecoa — em sua narrativa — a ausência de solidariedade, a perda de oportunidade de entendimento do lugar que Ela ocupa e a recusa de sua presença em lugares inteligíveis que muitos feminismos radicais transexcludentes — e também movimentos LGBcis — assinalaram ao longo de décadas. Mas, afinal, por que a cisgeneridade como estrutura delirante tem tanto medo d’Ela? Porque Ela desafia a forma cisgênera de como o mundo funciona, bem como desestabiliza a organização de certas coerências corporais demandada pela cisgeneridade. Ela é inassimilável à cisgeneridade, em outras palavras, a qual recusa a entender a diferença de sua corpa em seu mundo civilizatório binarista. E o entendimento da consciência da diferença d’Ela e de sua capacidade política deveria ser agregador, porque desagregador é a ideia de negar justamente a diferença em prol de uma suposta igualdade que para se consolidar precisa excluir.

Mas, então, para onde Ela vai? Às multidões queer, para fazer de seu corpo-ouvido um samba corpo-coro que pulsa e grita por vida.

Hilda de Paulo