Christian Dunker

Camila Ferrazzano

Carla Guerson

Nesse balé, vai se desenhando um percurso nada óbvio que exibe o músculo de um exercício contínuo: o percurso da transmissão. Os gestos passam de uma geração para a outra e atravessam o tempo. As mãos da avó, da mãe, da filha deixam sua marca e permanecem.

Aos poucos, com passo delicado e firme, Isabel Ramos Monteiro vai lendo algumas formas de herança que restam e se refazem. A avó que pisca e olha com vagar, a mãe da mãe que anda com os chinelos arrastando, o avô que gira a aliança, que senta ao piano, as palavras e expressões que sobrevivem, o nome de uma que se repete em diferença no nome da outra (Daisy, Margarida, o mesmo nome com duas grafias). Ou, ainda, a impressão digital que se forma na ponta dos dedos durante a gestação graças ao movimento das mãos do bebê no contato com o líquido amniótico. A herança em seu caráter involuntário e singular, capaz de marcar a identidade.

O que parece estar em jogo aqui é uma espécie de “manutenção da vida”, levando em conta o sentido etimológico da palavra manutenção: ato de segurar com a mão. E passar adiante. Assim, nesses poemas comparecem a infância, a memória, as práticas corporais, mas também os nascimentos, as mortes, e tudo aquilo que pauta nossa existência. Além da presença de autores que trazem pistas de leitura, como Winnicot, Ursula K. Le Guin, Andreia Yonashiro etc., multiplicando os sentidos em jogo.

Nessa hora em que nos isolamos nas tecnologias digitais, cada vez mais distantes do manual, estes poemas evocam um mundo em que o cuidado e a comunicação passam pelo gesto de tocar, segurar e fazer coisas concretas com as mãos — quem sabe uma forma de vislumbrar “uma fresta de futuro” adiante.

Marília Garcia

Há um texto que é tecido e amarrado por suas poesias de maneira única, sensível e corajosa, a história contada diz que na lambança de sabores, na textura da comida e no cheiro da carne nascem e morrem memórias de onde germinam os desejos e a tragicidade de uma vida inteira.

Para mergulhar até os ossos das palavras, a autora traz meninas como personagens, se o osso sustenta a carne, a infância é o osso de uma vida, mulheres se moldam feito músculo em suas meninas. Com sua escrita, vemos esse processo duro e brilhante de (des)fazer-se roendo, engolindo e cuspindo.

Há conforto e beleza na leitura, pois é a partir do que é duro que encontramos o que é macio. A poesia de Angélica Glória torce a palavra e cria uma língua nova, que se viva então o mistério de como pode uma vida inteira caber em um verso? Em um movimento de moer o cotidiano com pitadas de humor e horror, a obra expõe aos nossos olhos pedaços de histórias, corpos e objetos para revirá-los do avesso. Em seus diferentes enlaces e desenlaces, essa é a vida como ela é.

“nós forrando a quina com lixa

cobertas no leito da vida”

Luísa Monte Real Raña

Psicanalista e escritora

Se o lar é o lugar onde nos sentimos mais à vontade, o de Julia Sereno é a poesia. Nela, a artista se protege e se revela, e, enquanto constrói jardins e derruba paredes, tem a gentileza de nos convidar para uma visita ao que está em permanente reconstrução.

Rodrigo Goulart
escritor

Tudo isso faz parte da grande aventura que envolve Trailer Frenesi. Um romance policial, passado nos anos 1990, trazendo toda a liberação sexual conquistada a partir dos anos 60. É interessante lembrar que tanto o cinema, quanto a música foram meios fundamentais para socializar essa revolução. E, se hoje, o cinema encontrou um viés crítico-político, a música parece viver uma polarização, em que por um lado se boleriza (como dizia Tom Jobim) e, por outro, busca radicalmente suas raízes (com perdão da redundância) em busca não sei se da felicidade ou da fidelidade a uma verdadeira ideia nacional ou étnica. Enquanto isso, a literatura, que em minha opinião é a mais atingida pela idade e ideias digitais, tem no livro sua grande ferramenta tecnológica, ainda insuperável.

O livro de Fabio Santiago, intitulado Trailer Frenesi, é um romance sobre como manter viva uma revolução de ordem sexual. Ou, porque não dizer, desobedecendo a uma ordem que, a partir do século xxi, se viu renascida por um falso moralismo muitas vezes travestido de religião.

A sensualidade sem filtro do poeta invade os diálogos com a volúpia determinante para se tornar erótica. E, dessa forma, atingir um tom mais próximo da juventude dos personagens que se relacionam de maneira aberta, sendo fiéis a uma época em que não era usual se esconder por trás de câmeras, telas, monitores para declarar seus sentimentos, satisfazer seus desejos e revelar seu jeito de ser.

Fabio Santiago no romance Trailer Frenesi expõe para todos a essência do existencialismo — viver o que você acredita é revelar tudo que está encoberto pelo medo, pela timidez, ou por não saber que um dia as coisas aconteciam daquela maneira. E cada um se sentir livre para ser o que queria, gostaria ou sonhava ser.

Bernardo Vilhena

Baile de solar terra é um convite ao jogo. São poemas que se abrem através do brincar de significar, nos quais pontuações e definições tornam a gramática, careta por natureza, um enorme parque de diversões — e quem não vira uma criança feliz e faceira dentro de um?

Se você é daquele tipo de pessoa que lê poesia em voz alta, pois aquele ritmo pulsa tão forte que é difícil de se controlar, este livro é para você. Se você gosta de versos que emanam imagens tão oníricas qual reais, este livro é para você. Se você se abre às possibilidades que habitam entre as palavras e nossas interpretações, este livro é para você. Este livro sempre foi para você.

Luiz me disse que pensava em baile a partir de dois pontos: como celebração, uma euforia, e como derrota, levar aquele baile. Como também me disse, como bom poeta que é, seja como for, sei que deu vida ao texto. Seu lindo. Mas, meu caro, eu aprendi que baile vem de ballare, que é dançar. E seu livro, assim como a dança, está sempre em movimento, em transformação, jamais se repetindo e a cada novo movimento novas possibilidades se abrem diante de quem dança — seu livro é dança. A você, que dançou, que dança e que sempre dançará, este livro é para você.

Matias Corbett Garcez

Doutor em Estudos Linguísticos e Literários pela Universidade de Santa Catarina

A faca é a morada dos paradoxos:

A proximidade da morte jorra a vida.

O gozo que convoca os corpos à guerra e depois à calmaria.

O corte seco da poda. Galhos caídos. O beijo molhado da foda.

A palavra corta um fluxo contínuo de sensações. Não afirma o que é “a coisa em si”, mas o que a coisa pode vir a ser. Fixa a verdade por uns instantes, depois liberta, deixa escapar.

Dos galhos caídos que avistamos, produzimos o lápis.

Da suspensão do silêncio, fazemos rabisco e poesia.

Rubens Takamine

Em Para tocar com os olhos, Abercio descortina o horror do mundo e suas minúsculas gotas de esperança, num mar de versos fuliginosos — iluminados, por contraste, pelos dias vacilantes de desconfortável brancura. Para realizar esse gesto, ele tensiona uma linha de costura que, ao se esticar, revela o movimento das retinas num assombroso deslocamento cinético entre o fluido e o sólido. Suas evocações desconcertam e erguem uma urbanidade polifônica de ruínas, dialogando com os antepassados — aqueles que também beberam o cotidiano em pratos rasos, preenchidos pelos restos da primeira e também da última refeição do dia.

Ali, o olhar não é apenas um gesto de ver, mas um campo de afetos, cortes e descobertas, exatamente como propõe Roland Barthes. Cada cena é composta pelo encontro entre o que o pensamento enxerga e aquilo que, de súbito, o atinge como punctum: um detalhe, uma memória, uma presença que devolve o olhar. A narrativa poética se constrói nessa tensão entre o que é culturalmente compreensível e o que escapa ao controle, revelando que ver é sempre interpretar, desejar e ser tocado. O olhar não descreve: ele transforma, fere, convoca — e, como em Barthes, faz do instante uma experiência íntima e irrepetível.

Manoella Valadares
Poeta, tradutora e crítica literária

Rui Sobral
escritor e poeta

Nara Vidal

Francisco Mota Saraiva
romancista e Prémio Saramago em 2024

Falta muito para o meteorito? poderiam ser imagens que o Luís rouba à cidade para, depois da errância, nos devolver, a nós, leitores, com os modos de uma linguagem que condensa num fluxo que, ora acima, ora abaixo, parece não chegar a bater nem num teto nem num chão. Talvez este livro seja um convite que o poeta dirige para uma caminhada poética, daquelas que têm início na memória, transitando por futuros possíveis até ao instante em que o embate com a contingência caótica, extremista e extremada faz com que o corpo atravesse a sombra de ruelas, passeios, becos, numa busca insaciável das coisas e dos seres que ainda vivem. Porque só quem sabe que tem um porto seguro, se arrisca a partir. Só quem sabe construir segurança a partir das ruínas, daquele fragmento que ilumina um dia inteiro, de um raio de sol que rasga o céu negro. Este livro, travessia do ódio até ao que resta do amor, mas amor, é canto que eleva as coisas simples, criando sentido para o dia-a-dia, numa voz poética que, em sol menor, discreta, se tem tornado mais coesa, limpa, certeira. Um livro para se sentir o prazer de viajar sem sair do lugar.

José Oliveira Pinto
poeta e editor da revista Txon

Ave, Maria, cheia de rima
O Senhor é convosco
Bendita sois vós entre os poetas
Benditos são os frutos de nossas entranhas
Santa Maria, Mãe de Deus
Rogai por nós trovadores
Agora e na hora de nosso salário, amém”

Thiago Cervan
Escritor

De alguma forma, das ocorrências, seja do ponto de vista dos fenômenos da natureza (“éolo”, “raios e trovões”) ou pelos nossos próprios feitos, somos passíveis de sermos marcados por alguma observação, que possa no futuro facilitar nosso retorno ao passado e, com o tempo, nos encontrar novamente por meio das nossas lembranças como na poesia: “os dias passam” (“percebia-se a alegria num longínquo momento/talvez pela solitude ao visitar anos vividos”). No entanto, o tempo vai além, atravessa continentes, paira nas zonas de conflitos que movem o mundo (“pacto de cessar-fogo/sem prazo fixado/gera agonia de fuga/reféns capturados”), como versa a autora na poesia “poderes”, enquanto aqui, o tempo da exclusão das minorias não tem fim (“vidas-trans”). Com uma linguagem não menos poética, Adriana provoca com certa ironia as relações humanas no mundo digital (“seja”, “queira”, “tenha” e “gaste”), em outras, ela cogita, imageticamente, diversificadas formas de vida, dinâmicas e, quem sabe; com um nascer do sol específico (“multiverso”). Para Adriana Carneiro, no sentido figurado, o tempo é quase um ser e, desta analogia, reforço o convite para conhecer este “tempo-quase-humano”, que segue pulsando em nós, nos norteando conforme nossa disposição diária para a vida, à medida que amadurecemos com o tempo ou no tempo nos perdemos no espaço cotidiano, lugar de múltiplas realidades.

Dilma Bartniczak

Em seu livro de estreia, Kaio de Sousa Ribeiro — pesquisador, professor e poeta brasiliense — nos desvela uma lição sempre tão cara, sempre tão valiosa, ainda que esquecida: como sustentar um corpo quando seus afetos são tão limítrofes? Como se sobressair à margem sem ter qualquer empreendimento com o que é garantido? Sem respostas simples, o poeta nos oferece por diversas lentes essa “poesia de rebento”, esse “quebrar-se em mar”, como se tentasse fazer poesia remontando um caleidoscópio, como se tivéssemos de lidar com um corpo-espuma que insiste em ficar pelas encostas, apesar de ser, vez ou outra, dissolvido pelos outros, pelo ambiente, por si mesmo.

Isso não vem do nada. Poemas como a razão pela qual escrevo: “meu sangue/não sabe/me ler”; “barreiras i”: “[…] mas a decisão/não me pertence/tampouco eu pertenço/a mim [a ti”; ou ainda, “finalmente”: “como pássaros de verão//[…] como uma caverna estufada//[…]como olhos que não enxergam a si//[…]como carnaúbas corcundas” servem de exemplo do compromisso e atenção do poeta em se tentar, a cada vez, mesmo que aos pouquinhos, se (re)inscrever, tendo de partir de advérbios de negação, conjunções comparativas, verbos em formas subjuntivas e pronomes objetos. Tantos recursos, tanta esperança em suas incertezas. Assim como no romance Autobiografia do vermelho, da poeta canadense Anne Carson, Kaio se vale de aspectos mitológicos gregos em suas referências e descrições de devaneios, compartilha com o protagonista do romance, Gerião, o desejo de comunicar sua infância, resvala afetos ainda que instáveis, levando-nos a uma fala ainda crua, direta, pequena… a voz do poeta ora se perdendo, quase pela espuma do mar, ora se reencontrando, em matéria marcada por rastros delicados de seu sofrimento.

Kaio de Sousa Ribeiro nos dá um livro com toda a dualidade e intensidade de um jovem autor, mas com todo o manejo necessário para um bom poema, e deixa claro como crescer, se ver e se entender é essencialmente difícil, como o amadurecimento desconcerta e nos põe em suspenso. Em suas palavras: “nos braços de meu pai/sustentei-me com força/dos seus braços cresci/[não muito”. Ledo engano. São nesses versos “nestes morfemas inundados/a maré/um oásis exclusivo/um oceano de lobas apenas/para quem sabe mergulhar” onde nós mais podemos aprender, basta saber se precisamos, ou não, de escafandros.

Pedro Willgner

Poeta

Cristiana Tejo

Yara Nakahanda Monteiro

Dan Caragea

Termenul „nuliscient” surprinde cel mai bine esența acestei poezii: o înțelepciune a neantului care nu pretinde să explice lumea, ci doar să o locuiască în toată splendoarea și oroarea ei. Iubirea are „părul roz pastel”, te trece prin „cel mai eficient program de la mașina de spălat”, te usucă la soare și te face să te simți „atât de mic” lângă mărimea ei. Totuși, chiar dacă „copacul vieții dă greș câteodată” și confundă „ziua cu noaptea / sfârșitul cu tine”, poeta propune singura soluție posibilă: „măcar de am agăța de el un hamac / s-avem […] odihnă veșnică”.
Cătălina Sandu nu scrie ca să consoleze, ci ca să depună mărturie. Vocea ei este a supraviețuirii într-o lume în care „speranța a murit penultima”. Această ediție bilingvă ne permite să urmărim cum o tânără poetă sparge „oglinda tăcerii” pentru a ne arăta ce se află dincolo: ger, lumină, fluturi și o imensă poftă de a fi, chiar și cu coastele fragile.
Epitaf este un bilet „doar dus” spre centrul fragilității umane, o lectură care nu se termină odată cu ultima pagină, ci continuă să pulseze sub bandajele de plastic ale vieții.

Dan Caragea

Rita Redshoes

Mas que não se antecipe neste país de solitude a flecha previsível do solilóquio: como na “ilha de edição” de Waly Salomão, o caderno aberto em figuração assume a responsabilidade de desalinhar o que imaginávamos ser estanque, mas que afinal é um complexo jogo de sombras a perseguir — a voracidade é, aqui, feita coisa que carrega o fruto, e não o seu contrário.
Há então que fazer contas ao que sobrou:
A alforria paga pela náusea conversa com a precariedade quotidiana (a da fragilidade do que é diáfano e quebrável, não a da mesquinhez da desigualdade absurda). É a paisagem “humana, demasiado humana” que se vê da esplanada que desaforadamente segura o fio dos afectos que dão sentido às perguntas, territórios perenes, engolidas entre bombardeamentos e sismos, cirurgias a peito aberto.
A linha da vida que parece amparar é a mesma que se dispõe frente ao precipício: afinal de contas, não houve tempo de arrumar / Os destroços, / As cartas.
Mas eis que subitamente surgem, desavergonhadas, rosas muito vivas, peixes imaginários, o sabor a cereja. E a vontade de permanecer à mesa resiste.
A quem vier para esta colheita, que observe o fruto: uma pequena fome, / o sonho em esquisso. A inteireza do olhar que o compõe no tempo.

Francisca Camelo

Daniela Carvalho

Após o excelente O limiar das fendas (Urutau, 2022), a poesia de Laurindo torna-se ainda mais concisa. O resultado é uma constrição a serviço do impacto, na qual palavras como pia, cóccix, Cristo ou rebojo podem muito bem ter o mesmo peso e hierarquia.

Por sua vez, piabas se unem a vulcões, canoas e ostras, de forma que o amante cotidiano se funde cada vez mais ao imaginário de entidades agora reconfiguradas pela excitação. São essas as nossas águas do Norte, nas quais não se nada: o leitor apenas se deixa levar por elas para dentro do desejo.

Susy Freitas

A minha escrita passa completamente pelo meu corpo, pela dança, pelos desenhos que faço em picos de ansiedade. Como uma maneira de traduzir verbo de ligação em movimento de poesia. Para desafogar a depressão, para comunicar amor, para consolidar um pacto de beleza crua com o mundo. Escrevo porque muitas palavras precisam TRANSbordar.

Irma Estopiñà

Natália Nuñez

Karine Salgado

Kátia Borges

Poeta, jornalista e cronista finalista do Prêmio Jabuti

Como elas permitem a passagem do vazio que sobra em nós, que cresce no silêncio da dor, para a outra margem, uma margem feita de uma nova presença, que nos traz de volta para o movimento da vida?

O livro de estreia de Aline Guimarães Couto parece mover-se a partir desse “precipício invisível”, título do poema que abre a coletânea, para refletir e narrar o desdobramento da experiência da perda em quem fica, nos vivos. Nesse sentido, a escrita torna-se, para ela, um gesto quase concreto, necessário, para compreender, ou melhor, para dar outro sentido àquilo que permanece sem respostas, como lemos nesses versos: “com as mãos/ toco o buraco/ esse cheio de silêncio/ ele precisa de um nome/ um completo”.

Preencher esse “cheio de silêncio” é também uma resposta que tentamos dar, nós humanos, por meio da poesia e da arte, talvez para ensaiarmos dizer algo, como se tivéssemos que “medir o vazio” anterior e posterior à nossa passagem sobre a Terra. A poeta parece assumir essa tarefa, não tanto como quem conhece algum mistério e deseja confiá-lo ao seu leitor, e sim como quem sabe que perguntar é o que nos cabe, apenas isso, principalmente diante do irreversível, como um luto. Perguntar para dentro, perguntar para si mesmo — ou para a folha em branco — como diante de um espelho, para olhar para si e para o mundo, outra vez, com a consciência de que o luto está ali, à espreita, atrás das coisas vivas, no movimento inicial da mão de um recém-nascido ou na planta que cobre o rio.

A poesia da autora se alimenta, portanto, do dispositivo da pergunta como elemento constante que introduz densidade e abertura ao longo do livro, multiplicando as cenas e as vozes. Sua poesia assume por vezes tons narrativos, e o diálogo — ainda que sem um interlocutor explícito — atravessa todos os textos como um convite para que possamos, nós leitores, juntar-nos à dança do poema que encerra o livro, uma dança que é uma “marcha da alegria”, uma celebração urgente da vida nos que ainda estão aqui, após o luto. Apesar do luto, depois do luto.

Prisca Agustoni

O subtítulo, “poemas de saturação”, funciona como um contraponto dialético a essa solidez. Ele evoca a urgência do esvaziamento por meio do verbo. Em tempos marcados por excessos informacionais e pela exaustão das interações, a poesia de Castro propõe o esgotamento da dor, da alegria e da angústia até o último suspiro. É o exercício de deixar-se exaurir para que, no vácuo do que foi dito, a essência humana possa finalmente respirar.

Herdeiro de uma trajetória consolidada por obras como Tricótomo (2009), Autofagia (2022) e Versos de planta entre sonho e miséria (2025), o autor nos entrega agora 96 poemas de arquitetura instigante. Castro maneja com erudição a intertextualidade, estabelecendo diálogos vivos com a tradição canônica — como se depreende em “Minha terra tem palmeiras” — e com a mitologia grega, invocando figuras como a Medusa para tatear os abismos da psique contemporânea. Suas memórias de infância e as asperezas da vida adulta fundem-se em um mosaico onde o arcaico e o presente convergem.

[…]

A escrita de Castro opera como a formação de uma ostra: ele extrai das pressões externas as questões mais urgentes da gênese da vida. Mesmo quando o eu-lírico se autodefine como uma “ferida ignorável”, o autor o faz com uma sagacidade que equilibra o peso existencial e a leveza lírica.

Convido o (a) leitor (a) a despir-se das certezas e a iniciar a escavação destas páginas. Ler A crosta do ontológico é aceitar o desafio de romper a superfície das aparências para encontrar, no âmago da saturação, a pureza do que ainda nos torna humanos. Permita-se atravessar esta crosta; o que há do outro lado é o espanto renovado da poesia.

Trecho do Prefácio de Rízia Lima Oliveira

Mesmo assim, ela não fechou a janela do quarto, deixando perceber que une em seus versos passado e presente, que fluem em suas páginas luz e sombra, criando um verso de harmonia e conhecimento, aproximando o antepassado.

Nesta obra, que com certeza para mim é a mais profunda e ancestral, seus versos tocam o passado e trazem para o nosso presente a certeza de um amor vívido e correspondido. São versos que irão envolver a todos com sentimentos de amor e realidade.

É um convite a expressar sensações de liberdade. Desejo que Elis possa tocar claramente os seus corações. Que esse convite faça com que todos também ultrapassem as suas próprias janelas da poesia, em cada poema tão amoroso e revelador.

Solê

São eles poderosos porque chamam, atraem tantos animais, como é o caso da buganvília. “Nós, adoradores dos nomes e de os classificar, os chamamos por abelha, zangão, marimbondo, vespa, colibri, melro, andorinha, cotovia. Chamamos estes nomes e mesmo assim estes seres não vêm. A buganvília, alastrando-se ao longo do muro e afora, jorrando como cascata florida, quando chama a esses seres, à sua maneira, é correspondida.” Não basta a linguagem para comunicar.
O livro, na sua última folha, expressa: “Embora das plantas não saibamos decifrar o idioma ou as palavras, o poeta estuda os ritmos e artifícios desta expressão com afinco. Como as trepadeiras, engenha todo o seu empenho e arte, para por métodos diversos verter o que sente em palavras, e estas enlear na página. A palavra do poeta, seu verso, é percurso repleto de pontos de fixação. Visando ascender à melhor luz, é caminho e arrimo, para fixar-se nos olhos de quem percorre a página. O verso que vem do interior do poeta porventura logra enlear-se no íntimo de quem o lê, até amparar-se em seu coração.” No trânsito constante entre poesia e flora, Mauricio Vieira não esquece o que quer como poeta: que o leitor enleie-se em suas palavras.

Elisa Scarpa

A obra percorre paisagens de calor, ferida e exílio, onde o amor não é redenção, mas força de ruptura. Entre peixes, ossos, pedras e marés, a poeta transforma a experiência da ausência em matéria viva de linguagem. Há livros que pedem silêncio. Outros, atravessamento. Este, por outro lado, exige ambos. Ele toca os leitores com as mãos abertas e afetuosas, mesmo quando isso fere. Os poemas caminham entre o amor e a animalidade. O corpo feminino não é apenas metáfora, mas também território. A natureza não é cenário, mas força em disputa.

Ao adentrar as páginas, os leitores são envolvidos por uma tríade poética: o abstracionismo que desafia o concreto, a natureza que pulsa em cada verso e o misticismo que permeia as entrelinhas, evocando narrativas ancestrais.

A poeta entrelaça tais elementos e cria um universo lírico onde o tangível e o etéreo coexistem em harmonia. Seus poemas convidam a uma jornada sensorial e espiritual, para transcender o ordinário e chegar perto de tudo aquilo que não se pode explicar.

Você tem em mãos um livro escrito com corpo, suor e memória.
As páginas cheiram a pele e pulsam como carne viva.

O pudor não encontra espaço
onde a essência grita faminta.

Somos desejo,
desejantes,
desejados —
e a palavra é saliva.

Quando tudo é febre
e a pele quente exige presença,
o único caminho a percorrer
é o do encontro.

Aqui, entre lençóis desarrumados,
línguas emaranhadas
e vidros embaçados,
Gre Nardim não esconde a verdade,
nem a saudade que dói,
nem a vontade que mata.

Tudo às claras,
assim como é o desejo
entre quatro paredes.

Aqui não cabe medo
de se revelar por inteiro,
nem de se descobrir partido.

Sabemos que, entre veneno e antídoto,
a diferença está na dose —
e a dose que você precisa,
apenas você será capaz de descobrir.

A única certeza
é que a porta está sempre aberta,
como bem disse a autora:

“Volta.
Nem que seja
para rasurar
meu texto
ou tentar me corrigir!”

Bárbara Marca, @babiemversos

Por natureza: Zahỳ Tentehar

Giordano Leonardo Alves

Escritor de Santo Antônio do Itambé/mg

A rotina esvazia os indivíduos, o que os versos de “rua piracuama” desvelam a partir de uma das menores unidades urbanas. A rua cumpre o papel de microcosmo para o vazio criado pelo dia a dia. É onde tudo se supõe visível, está do lado de fora, mas nestes versos ocorre o inverso. Em “o dia”, novamente uma das menores unidades, dessa vez de tempo, o esvaziamento é ainda mais cruel.

Mas Erick Vicente oferece esperança. A noite traz aquele respiro e inspira o desejo de que algo mude. O jornal e a novela no fim do dia não são meras distrações; são o que mantém os citadinos despertos. A noite e o respiro levam ao que é humano. A rotina da cidade também esvazia os bolsos, condenando o lazer e até mesmo a nutrição, mas, nos poemas de Baldeação, bem como fora deles, Erick Vicente não se dá por vencido.

Há espaço até mesmo para a catarse, na liberação de energia que dá função ao caos em “danço”. Os habitantes da cidade buscam enxergar em meio à fumaça, seguir em meio ao concreto, e encontram música em meio ao ruído. Em “domingo”, há boteco, futebol na tv e risos à mesa. O merecido descanso para o corpo esgotado. Olhos moles enfim veem o que a rotina tenta sufocar.

Olhos amanhecidos registram a paisagem de asfalto e o sol reluzente, do momento em que despertam até o fim do dia, do começo ao fim da semana. Em um ambiente que frita e devora, o dia a dia leva a uma solidão acompanhada, até que, ao fim da jornada, o sono leva ao oblívio, distrai das obrigações. Todos buscam o respiro em meio aos cotovelos do coletivo moedor de almas. O tempo corre ao lado de cada um e passa quase despercebido.

Mas há luz na saída do subterrâneo. Nas trocas da baldeação, há trocas de olhares e toques. Contato que resiste ao esvaziamento, reacende a humanidade e devolve a personalidade quase esquecida. Na cidade também há o momento para observar o instante e apreendê-lo por todos os sentidos. E há, ainda, a fuga pelo delírio. Fuga para dentro como proteção na busca pela identidade fugidia. Em Baldeação, bem como aqui fora, a cidade alucina.

Lucas Mendes Kater

Evocar! Palavra que etimologicamente também remete a um símbolo concreto, que sai de si mesmo e que chama a voz por si própria! Evocar também (in)voca, (pro)voca, pede uma voz que diga, ressoe, cante (?) um verso escrito, grafado, e que segue mesmo assim sendo dito!

E por que esta evocação a respeito de um livro de poemas? Te explico já!

Sempre que eu leio os textos-versos da Ana Helena Amarante alguma coisa acontece na minha emoção: a palavra me pede, me solicita o som, a voz, a fala, e vale dizer, o canto.

Uma pequena história…

Conheci a Ana poeta depois de sentir e ouvir que por dentro dos versos dela, ressoam canções. Sim, a cancionista chegou antes da poeta! Se tu não sabes, quero te contar: esta moça poeta também tem o dom de criar letras e melodias, ou seja, canções, sem lançar mão de qualquer instrumento!

Sim, ela ressoa nas palavras as emoções do canto em formas entoativas, e este seu trejeito peculiar, ressoa nos seus versos, mesmo não sendo canções!

Tu não crês? Então vamos lá:

(…)“Porque justo agora a fila/ justo agora vi quem não queria/ justo agora a vontade de mar/ uma alegria/ porque justo agora”(…)

Agora, experimenta entoar em voz semi-alta, estes mesmo versos…

Dá pra sentir uma melodia e um ritmo vindo juntos né? E mesmo assim, continua sendo poesia, mesmo soando canção!

Tem outro agora mais ali adiante:

“Onde é que era o hoje?/  o ponto/ a incisão/ o corte/ o pingo/ a marcação/ a mira/ o alvo/ o x da questão/ encontro de paralelas/ o ali ” (…)

 É como se ao ressoar estes grafismos rimados, essa poeta e querida amiga estivesse também se perguntando: “O que eu faço agora quando a vida me oferta essa variedade de tantos agoras? Agrupo eles todos? Simplesmente convivo com eles? Ou faço poesia tentando senti-los?”

E do nada, ela brinca com o som em duplo sentido, e nada!

(…)“Poesia pra quê? Pra nada  r”

E tem também uma coisa doida de se ler-ouvir: a polifonia! Poli(várias) fonia(vozes):

 “Como controlar o que em mim desatina [pode ser pergunta ou afirmação, entoa e descobre aí!] Gênero, raça, etnia, perfil, valor de mercado…” [dizem as outras vozes] E por aí ela segue…

Diz o filósofo italiano, Giorgio Agambem: “Vocativo é o que chama. Com o vocativo, nos dirigimos a quem amamos ou odiamos, com o vocativo invocamos, rezamos e blasfemamos, cumprimentamos, nos despedimos, exaltamos e lamentamos. Com o vocativo iniciamos cartas, mensagens, acariciamos animais e crianças”

Sim, a voz chega antes da escrita, reocupa o seu lugar de fala, quando nos pede para entoarmos, ainda que isolados, mergulhados nas palavras que nos solicitam serem sons! E muito sentidos brotam nesse sentir, e Ana faz isso o tempo todo, seja com poesia, seja com a canção, e de forma lindamente espontânea!

Nela o Amar ante o mar se faz Helena, nas ramas do tempo, faíscas, pedaços, estilhaços e fragmentos.

De fato, Ana, tinha que ser agora, justo agora!

Felipe Azevedo

(Compositor e Ensinador)

Outubro de 2025

Provocado pelo autor para redigir as orelhas deste livro, mergulhei no discurso que compõe suas “bem-aventurânsias”, e detive-me na suavidade de um estilete afiado, invadindo a carne do verbo do mundo, limpando pouco a pouco, com profundidade, os ossos de suas palavras.

Sustentei o fôlego nos cabelos do seu “corasol” em continuado brilho, em mim, a incendiar o corpo do meu universo, grudado com suas “digitais na pele” da manhã, recém-chegada, na escrita do poeta.

Confirmei que a poesia, se bem emendados os fios de seus mistérios, pode gerar a luz que brota do branco do papel ou da tela, para seguir escancarando as portas da escuridão.

A poesia deste livro alcança nossos ouvidos trazida pelos ventos da memória, em clamor de Vila de pescadores, estragada pelo descuido dos passos dos estrangeiros, em continuada invasão; de algum deserto de riacho, guardado por uma concha, em angústia de partilha de cantoria com outras escutas, do barro esturricado que bebeu toda a água das nascentes, pedindo clemência para que a chuva crie outras correntezas, acabe com o lodo, o lixo, que o peso da insensibilidade humana, impôs ao seu vazio.

Experiente escafandrista, o autor vai ao fundo do riacho seco, porém fértil, com suas touceiras de capins maduros, experimentando ressureição, faz os olhos dançarem nas margens do mundo; reabilita o girar de tudo que necessita de inquietação para não enferrujar a engrenagem do seu sopro.

Atravessado por momentos sublimes, capazes de nos levar às alturas, sem tirar os pés do chão, este livro nos ensina a refletir sobre o sequestro da rotina que estraga o lirismo de nossos dias, e empobrece a convivência com o que nos resta de sagrado.

Fotografa com maestria a imagem do poema, para determinar o ritmo que move o destino de cada palavra de seus versos; rastreia a sua poesia o sentido de tudo pelo ouvir, pelo tocar, pelo aroma, deixado na pele das coisas.

Solar e noturna, a poesia de Rogério Newton, serve para abrir nosso 3º olho e enxergar além dos abismos humanos, no fundo da noite adormecida, inquietada por areias das distâncias que nos transportam ao infinito da matéria escura.

Deixo com o leitor a continuidade da busca da claridade de um horizonte possível, com olhar livre, ao encontro da ânsia criadora do verso e re/verso, deste livro, em reunião da arte com a poesia de um autor que aprendeu a transitar com segurança, pelos labirintos da voz.

Rubervam Du Nascimento-poeta

A Pangeia,

O Sopro do Espírito,

O primeiro homem arcado e implacavelmente sozinho

criando, descalço, dáctilos, anfíbracos e deuses,

As tuas mãos seis anos atrás entre as minhas

invento —

todas no dorso do pensamento.

Entre o real e o inventado, o plástico e o sonoro, Imagens do dorso. Do fim desenha experiências de ruptura, mas também de insistência — trata-se do olhar por vezes fixo, por vezes vacilante que, na contramão das despedidas, incapaz de desviar-se por inteiro, retém a sensação de que as coisas acabam.

Em sua organização interna, a obra divide-se em poemas cuja escrita em série propõe lógicas de união e de semelhança (“Ecfrástica”, por exemplo, contém quatro retratos de temática distinta; “Patéticos”, embora heterogêneos quanto à forma, versam todos sobre o amor apaixonado; “Antropologias”, obedecendo a um mesmo princípio rítmico, investiga em cinco poemas o que faz do homem o homem) e versos mais incidentais e autônomos, porém nunca totalmente independentes, afinal o signo poético aqui apresenta-se como força capaz de restabelecer o senso da união perdida, senão ao menos organizá-lo. Dáctilos e anfíbracos atualizados na busca e na experimentação rítmicas tornam a palavra o centro dessa reconstrução inventada sobre as coisas que perecem: a vida, a memória, os afetos, as formas e referentes culturais, a própria distância e o espaço geográfico, também a violência, a náusea e a morte. Assim, neste livro recai o olhar sobre as costas daquilo que se esvai; possibilita, no entanto, em alguma instância (a da palavra) a permanência.

eu peixe único, eu peixe separado

(ao menos do peixe árvore e do peixe pedra)

escrevo, em momentos isolados, pequenos peixes

de escamas tão fugazmente prateadas

que talvez a escuridão pisque de embaraço

— trecho de “No rio de Heráclito”, de Wisława Szymborska

A prodigiosa poeta polonesa já apontou que somos todos peixes habitando um vasto planeta-peixe. Se é verdade que nunca nos banhamos duas vezes nas mesmas águas, ainda assim somos parte de um grande cardume tentando perseguir a ilusão de um fluxo no tempo.

Gosto de pensar que é assim que nascem os poetas e escritores que, de tanto nadar e circular por essas correntezas, logram encontrar o ritmo e as palavras certas que levam nossos sentidos a viajarem pelo espaço-tempo.

É nessa brilhante qualidade de peixe único que Guilherme Amorim nos apresenta em seu segundo livro uma nova constelação de palavras. Nos registros de suas memórias somos atravessados por contos de amor, de solidão, de família, arquipélagos do corpo e cartografias da natureza, além de lembranças dedicadas a outras obras e diversos artistas que participam do precioso murmúrio de afetos do poeta.

Na dança caleidoscópica de suas cadências, Cardume revela a proeza de M.C. Escher e os mestres ilusionistas ao transformar escamas-espelhos na iridescência de pássaros em revoada. Assim são os movimentos de seus versos, com sua capacidade de expansão e dispersão que criam formas e mosaicos em constante mudança. Como um bando de estorninhos mergulhando em pleno azul.

Estes poemas são travessias, pontes a mundos de devaneios aos quais pertencem as sementes e raízes, luzes e reflexos de mares e montanhas, mitologias tão íntimas e tão universais quanto a nostalgia da infância. Talvez esse seja, no fim, um tratado sobre a saudade, sentimento oceânico comum a todos nós, peixes voadores, que entre nado e voo, podemos nos recostar flutuando à deriva contemplativa da arte das palavras.

marcela moretto

Maria Archer

Os versos transitam entre a filosofia e a melancolia, entre o humano e o abismo, na obra a voz poética reflete sobre as contradições da vida, a vaidade, o medo, a ilusão, o anseio pela eternidade, e revela que a beleza pode residir justamente naquilo que está condenado a desaparecer, os poemas assumem um tom de ficção e solidão cósmica: uma humanidade extinta, um homem que resiste apenas por hábito, um grito que ecoa em um mundo vazio, o pungente e o dramático.

A escrita deste livro é contemplativa e inquieta, e de poema em poema, somos convidados a verificar vestígios dos pensamentos diante da finitude, um retrato de um ser que se reconhece transitório, mas ainda assim busca sentido. A linguagem, ora minimalista, ora densa, convida o leitor a um mergulho silencioso, um encontro com a própria vulnerabilidade, com a sombra e a centelha do que somos.

E, por fim, resta a pergunta que atravessa todos os versos: o que é ser humano quando tudo se apaga? A resposta talvez esteja na própria poesia, no gesto de nomear o que morre, de amar o que passa, de encontrar, finalmente, a beleza de existir, mesmo que no fim, na verdade, tudo irá se consumir.

Adelina Lazzarotto Rockembaker

Escrita sinestésica, Embarcações vai em busca de novos mundos, construídos a partir de corpos em movimento. Talvez tenha fim essa viagem poética. Navegar é preciso. Talvez se chegue aos primórdios. Quem sabe a timoneira-poeta aviste uma praia, toque suas areias e sinta o cheiro das primeiras maresias? Para onde nos levarão as marés que lavam os tecidos de nossas peles? É possível ter algum controle sobre nossos destinos? Será que o próprio destino é alcançar os começos?

O certo é a simbiose, poderosa trama entre a navegante, o barco e a natureza marítima. A linguagem do livro nasce desse encontro. As costas do corpo se misturam às costas do continente. As nuvens dançam. À bordo do barco-poema, Aline borda com verbos e conchas, olhos e faróis, as velas dessa navegação ancestral.

O vento empurra a canoa à vela e, desse modo, nos modela. A escrita é filha do vento. Somos arremessados de um lado a outro, da popa à proa, de bombordo a estibordo, pelas fortes tremulações deste livro que você agora tem em suas mãos. Nosso corpo é flexível. Queremos esticar a corda, retomar o norte, desatar os nós, desembarcar em um atol biodiverso. Mas é o tempo, esse grande senhor, na verdade, é o tempo que nos balança e nos serpenteia.

Abra os olhos, leitor, leitora! Nosso barco — esse no qual Aline Bernardi nos transportou até aqui — está à deriva. Deixemo-nos levar. Vamos para dentro d’água, brincar com os cavalos-marinhos. Façamos a travessia a galope. Nunca se está perdido enquanto estiver vivo o poder do encantamento. As palavras são os remos. Rumo ao continente, não nos esqueceremos jamais da viagem que fizemos. Nosso corpo foi pedra, sal, peixe, coral, maresia. Terra à vista! É o dia que está nascendo, junto com o verbo. Aline nos oceanizou com sua escrita barcorpórea. Que bom foi dar esse mergulho no infinito do caminho-mar. Viver é preciso!

Thiago Thiago de Mello, poeta e compositor

Gessyka Santos
Poeta e produtora cultural

Mayara Dionizio

Lívia Aguiar

O primeiro livro de Otávio Tavares anuncia desde o seu título o interesse por um lugar que é, simultaneamente, um instante. Seus poemas são instantâneos feitos durante décadas, séculos — refeitos a cada verso. E são biografia, a escrita da vida — a palavra que inclui tudo, enquanto brilha mais forte se colocada ao lado da morte. O índice nas primeiras páginas é um mapa, mas também uma pista de que estamos diante, sim, de uma biografia, mas também de uma certidão de nascimento, e de um diário, e de uma memória, e de um presságio e de uma invenção.

Os lugares na poesia de Otávio Tavares são animados e colocados em movimento pela artesania das pessoas amadas que moldaram as lembranças do poeta. O mercado é o avô, a casa é o irmão, e cada um desses sítios é a materialização de uma ausência: as palavras, aqui, como de costume nos poemas que permanecem, atestam a impossibilidade de captura do tempo e confirmam que estamos destinados a essa trágica tentativa. Uma tragédia também alegre, à maneira brasileira, pois começamos no exercício melancólico das andanças e chegamos à eufórica partilha dos festejos.

E, observado por gatos, serpentes, urubus e árvores, o poeta se constrói como objeto e como sujeito, celebra o olhar silvestre das paisagens que atravessa e seus ecos, de cujas ruínas originam-se os versos, invadem nossos ouvidos numa tranquila e assombrosa inundação de imagens-sons; mas qual o principal? Ou melhor, qual a origem de tudo isso? De todo esse rejeito sentimental? Desta matéria que não serviria para nada se não para isto que chamamos poesia?

Entre as marés há um suspiro, uma impressão, um finíssimo véu que se levanta por um átimo de segundo. Nesse instante-espaço encharcado e exposto, Otávio escreve. Traz consigo tudo o que já tocou e tudo o que já imaginou. A correnteza dos seus versos, sua força e sua ressaca, são intenso sinal de que na precariedade honesta do poeta é dado a ele ser também o oceano.

Felipe Cruz

Giovana Fischer Neto

Clara Romariz

Atriz, escritora, dramaturga e diretora baiana

Ozias Filho
escritor, fotógrafo, editor

 A escrita feminina perfurante, direta e sensível de Por si só não é apenas disruptiva, mas traça rotas de cumplicidade com suas leitoras e leitores. Bianca nos conduz por narrativas intensas que se movem entre memórias, afetos e dores. Os contos nos levam a atravessar um vitral indiscreto, expondo zonas íntimas da vida cotidiana até então vedadas ao olhar comum. Suas primeiras palavras suaves, pueris, inocentes aturdem quando se encontram com os golpes inesperados do abuso sexual infantil, do delírio, da inadequação, da equivocidade dos amores vividos e das distorções de realidade.

As redomas que se apresentam neste livro – todas feitas de vidro – , seja para a proteção ou para a denúncia de suas personagens, erguem-se já trincadas e frágeis. São paredes de vidro que funcionam como um terceiro cenário entre a autora e seus leitores. A cada visada por entre as trincas deste invólucro vítreo, vemos o caráter vertiginoso e desconcertante da realidade. De um jogo de luzes e sombras de uma primorosa tessitura literária, deste livro não deixam portanto de brotar imagens carregadas de um lirismo transfigurador, revelando silêncios abafados e emoções que resistem mesmo quando ameaçam se estilhaçar.

Cada conto pode ser aqui lido como uma pequena redoma de vidro em que se abriga uma experiência intensa, guardada em segredo, até o momento em que o vidro se estilhaça e começamos a suspeitar do que realmente vemos.

Por si só anuncia assim a escrita de Bianca Parron como parte de uma nova geração de escritoras brasileiras que se arriscam a narrar o que muitas mulheres não conseguem ou não podem falar. Assim como outras vozes emergentes da literatura contemporânea brasileira, a autora paranaense traz com esta obra inicial a afirmação de uma potência literária capaz de tocar quem se dispõe a atravessar as redomas que envolvem as nossas histórias malditas.

Profa. Dra. Regiane Collares

Departamento de Filosofia da Universidade Federal do Cariri

                A poética de Um coração azul infinito é um exercício de insistência que ressoa dentro de quem desejou ser invisível por medo de não ser visto. Em tom de confissão, o autor explora afetos que pedem reparos, mensagens sem retorno, a arte inestimável de não finalizar um poema, a prova de vida que é um verso. Porque Rodolfo Hipólito escreveu este livro, podemos confiar que existir, assim como a poesia, é movimento. Assim como a poesia de Rodolfo Hipólito, há dias de pisar nos cacos do que quebramos e há dias de ver o mar. Assim como Um coração azul infinito, a poesia está em enxergar-se parte da mesma página que recebeu a palavra do autor.

                É possível que a maior beleza da obra seja a generosidade com que Rodolfo Hipólito se entrega como ouvinte de quem o lê. Ele diz: “desde criança/ sou companhia”. Por tudo isso, ler este livro é receber o amparo de ser compreendido.

Jarid Arraes

os poemas de o primeiro poema era o mundo têm densidade, identidade, corporeidade. enxergam o universo a partir das janelas-olhos da autora como se o fizessem pela primeira vez, traçando, genuinamente, relações que subvertem o senso comum. ao escreverem a vida, não têm a falsa esperança de laçar o tempo e afagar o eterno, como já disse Conceição Evaristo, mas de criar novos sentidos para a nossa existência. o mar, a natureza, o amor, a finitude, tudo ganha forma e significados próprios, nos fazendo lembrar que escrever é também inventar vivências.

no mergulho vagaroso neste livro, irremediavelmente saímos transformados: seus versos não se encerram na página; atravessam a linguagem, reverberam na pele, na escuta, na capacidade de sentir, no silêncio, naquilo que somos e seremos. como um impulso vital, este primeiro poema inaugura o — nosso — mundo.

Fernanda Simões Lopes

editora e mestra em Literatura Hispano-Americana pela Universidade de São Paulo

Leonardo Piana

Tais lampejos incompletos dão, paradoxalmente, contorno às imagens que transmitem movimento. Aqui, a casa é parte do próprio corpo, duto da experiência diária. Neste recinto, retalhado com tamanha lucidez, há um sujeito lírico que, como arqueólogo à cata de vestígios, assume duas notáveis posições.

De um lado, questiona os papéis de gênero que limitam ou impossibilitam a permanência de figuras femininas na mesma medida em que experiencia o desejo, a recusa e a ousadia diante de estruturas sexistas e limitantes: “uma cadeira/ espaço de muita vida/ cabe um céu de pedra […]/ só não as carolinas”.

De outro, no mesmo tempo em que narra, estende as mãos àquelas fraturas que se alargam nos quartos ou na nossa consciência alvejada, seja ao ansiar a inexistência do outro, seja ao reconhecer a própria culpa diante de um delito.

As situações descritas e representadas pela poeta, nesse sentido, tecem um fio que conduz o leitor a uma compreensão divertida e acrobática em relação às diferentes subjetividades, por meio, inclusive, de inteligentes alusões e alegorias. Há, ao longo dos textos desta casa de retalhos, um exercício constante de alteridade.

Douglas Laurindo, professor e poeta

A profusão de imagens inesperadas — a esperança bamba/ da gota de sêmen, o homem-boto sem memória, as mangas verdes/ comidas com sal/ e sexo, o seio/ banhado de poeiras cósmicas/ apanhado de jocastas enfermas —, orbita uma das constantes da poesia moderna desde Baudelaire: a busca da beleza na feiura, da musicalidade no horror. Aí, ladeiam-se o golden shower e a água mais pura do mundo, os pés talhados por Michelangelo e os pulmões tísicos de Egon Schiele. Algo desse jogo com a quebra de expectativa do leitor aparece já no título do livro: as metáforas em questão tentam arrombar as portas do imaginário e entrar com tudo. As palavras de Castro invadem, impõem-se com violência e ternura.

Trata-se, ainda, de uma poesia eminentemente urbana, que, como as pessoas que se acumulam/ nas terras do araçá, vive da sobreposição dos detritos e fragmentos que se encavalam nas ruas da cidade. O mundo aparece implodido entre pedaços de Caetano Veloso, Casablanca, Waldick Soriano, Drummond e da arquitetura de Lina Bo Bardi. A abordagem caleidoscópica do real ecoa, em primeiro lugar, as contradições da colcha de retalhos que são a cultura e a sociedade brasileiras de maneira geral. A manifestação máxima desse movimento é a cidade de São Paulo, com seu traçado bruto e revestido de ruínas, obras e concreto. Ao mesmo tempo, porém, há algo de universal nessa urbe contemporânea, morada do profundo desconsolo com os rumos da contemporaneidade, essa que promete o futuro mas entrega apenas a expectativa do fim dos tempos.

Nem por isso desaparecem as possibilidades de diversão e prazer nos meandros da melancolia: o presente se mostra veloz e implacável, mas esse eu lírico é sagaz, ácido, cachorrão — é mastigado e cuspido pela cidade e pelo tempo, mas acha a mordida e o cuspe sexy, tem tesão em chafurdar-se, cai atirando. O mundo em que vive é desesperador, mas o poeta afirma: quero preservá-lo/ como uma bela memória/ de um certo/ amargor. Bebendo na fonte da poesia insólita de um Roberto Piva, bem como na irreverência dos pós-tropicalistas dos anos 1970, aí está a força da linguagem de Castro: até do oco/ brota som.

Rafael Paccola

setembro de 2025

Ela escreve com o corpo todo. Com as mãos, o ventre, a boca, o silêncio. Cada poema é uma confissão vestida de coragem, uma lembrança com cheiro, uma saudade que pulsa. Tamara não descreve o amor: ela o encarna. Mostra o que resta dele: o gozo, o enjoo, o arrepio, o desencaixe, o retorno a si.

Este livro faz a gente se olhar no espelho sem filtro. É reconhecer, no espelho da outra, as nossas próprias contradições: o querer e o não querer, o prazer e a culpa, o poder e a entrega, a liberdade e o medo de estar só. Ela escreve de um lugar que é feminino e feroz.

O sexo aqui não é só desejo: é pensamento. É pela carne que ela entende o mundo. Pela escrita, devolve sentido ao corpo, ao amor, ao tempo.

Tamara escreve sobre o que toda mulher já sentiu, mas poucas tiveram coragem de dizer. Faz isso com uma linguagem que é dela: crua e lúcida. Terna. Irresistível.

Este livro é um convite. Um chamado para habitar o corpo e a alma com presença. Para lembrar que ser livre também é se contradizer, se despir, se recompor.

Tamara nos lembra: amar é um ato político. E sentir, um risco necessário.

Ana Luisa Neca

reordenei quase tudo

(internamente)

perdi a inocência da infância

(presa na fotografia três por quatro)

perdeu-se também certo idealismo

(sobre o comum e sobre o humano)

aprendi a resolver boa parte das coisas ficando imersa nas águas

(para regular a temperatura interna)

cresceu sobre a pele uma couraça

dura e flexível,

extensa e firme,

fiz-me assim: búfala.”

Içara Bahia

Gandhi

A arte é poderoso conduto para transcender a mente rumo ao silêncio criador. Sendo ferramenta potente, também oferece risco ao desvio de um imaginário sem norte.

Em algum lugar a natureza está a descortinar um mundo sem nomes, a “reabsorver as circunstâncias como quem absorve o calor do fogo, como quem não tem outra opção”.

Luiz Frazon nos desperta com gentis pontos luminosos de integração consciente com a Mãe Divina: a natureza. Apontando o caminho real sem se furtar ao agridoce sabor do mundo manifesto.

Adentre com amor e poderá desfrutar da busca, companheira de trilha que, ao pousar na clareira para o descanso, encontra enfim o expansivo silêncio da alma.

Léo Mathias

Raquel Patriarca

Ela nos convida a ser espectadores e participantes de uma jornada de autodescobertas e descobertas multiculturais sobre um tempo e espaço real e imaginado que cerca a existência de um artista e poeta, um criador brasileiro surgido graças a tantos operários das artes que, mesmo com tantas dificuldades, se propõem a permanecer no constante estado de busca que a arte muitas vezes demanda.

Para a criação de um mundo lúcido e lúdico, dividido em dez partes que aparentam linearidade à primeira vista, a autora conta com contribuições em um jogo apurado entre referências e homenagens, ora visíveis ora sutis. Como no poema “Piano cansado”, dedicado à compositora Carol Brites, e também transitando entre poetas como Murilo Mendes e Manoel de Barros e rappers como Racionais MC’s e BK’, que deságuam em versos inquietantes como “Dentro de mim há outro eu/ dentro do outro eu há mais de mim e se entrar mais/ não saio”.

Por fim, tomando emprestado o verso de Manoel de Barros que diz “No descomeço era o verbo”, a poesia de Marques Brites é uma brincadeira com o contraditório: ao mesmo tempo em que atravessa e transcende a realidade, não se esquece que é transpassada pelo dito real e nos faz caminhar por suas paisagens criativas como se lêssemos uma fantasia ou ouvíssemos uma playlist diversa.

Freitas de C. Silva

Todo este livro é sobre a palavra, sobre as suas insuficiências, as suas dificuldades de ser pronunciada, a sua demora em chegar até nós. É um gesto que percorre boa parte de seus poemas, sobretudo os metalinguísticos, nos quais o poeta medita sobre o próprio ofício da poesia. Ensina-nos que o “não dito” não padece quando é dito — antes, está sempre à procura de uma palavra. A poesia é isso: a busca incessante pela palavra, mesmo que ela escape por entre os dedos da inteligibilidade.

Ao lado da palavra, o amor — e, sobretudo, o amor entre dois homens – irrompe nos poemas, resistindo aos medos e disfarces impostos pela homofobia, mas também é mutável, perecível e não cabe em coisas tão breves como um “te amo”. Em flerte intertextual com Carlos Drummond de Andrade (além de outros autores, como Caio Fernando Abreu), na “quadrilha” amorosa de Vinicius Medeiros ninguém sabe responder o que é o amor.

É também o tempo que atravessa aqui é um bicho, que mostra o quanto o mundo é feito de tempo — aquilo que é, que foi, que será e que poderia ter sido. Calculável, mas impalpável, ele irrompe no ritmo dos versos, nas sonoridades que dançam na boca ao passo da leitura, acompanhando a semântica da própria vida — ora ligeira, ora vertiginosa.

A homossexualidade é questão patente. Nele, sabemos que se aprende o “não gostar” antes do “gostar”; sabemos que “gay” é um nome que pode carregar outros nomes — muitos deles não foram cunhados por nós. Mas é preciso ir além: considerar este livro como “temático” é limitar as suas possibilidades de leitura e toda a capacidade de alteridade inerente ao ser humano.

Vinicius Medeiros desponta na literatura como nome que merece ser lido e relido. Estreia na poesia com aqui é um bicho, provando que forma e conteúdo podem (e devem) caminhar de mãos dadas — algo um tanto raro de se ver por aí. Com ele, aprendemos que “a palavra é nosso/único-último recurso” e que, se “não fossem as palavras/eu aqui não estaria” — e nós também não.

Leandro Noronha da Fonseca

Jornalista, pesquisador e doutorando em Estudos Literários (Unesp)

ana silva

Lendo suas “brotações”, fiz de suas imagens espelhos de algumas de minhas sagas; e, quando não me vi, ainda assim respirei amplo e luzes se acenderam em mim.

É transformador me saber “acometida pela deselegância da impotência”, e, deste lugar aparentemente conclusivo, seguir criando outros Caminhos, ainda em busca da tal da Pedra.

Este é um Livro que convida e convoca: somos Alquimistas!

Yolanda Freire

Psicoterapeuta junguiana

desde que os povos africanos foram sequestrados e trazidos como escravizados para as Américas, opera-se uma lógica colonial de silenciamento, uma violência não apenas física, que corta línguas, mas também simbólica: o memoricídio de nomes, origem, família, costumes, cultura. línguas.

porém há um silêncio contra-colonial levado a cabo pelos povos escravizados e seus descendentes ainda hoje: o segredo.

o segredo tem sido nossa arma de resistência, repassado oralmente, porque sabemos que a escrita pode ser rasurada, modificada, silenciada.

aprendemos o segredo nos terreiros e capoeiras, nas gingas e mandingas; no samba e no pagode, no jazz e no blues, no rap e no funk; nos grafites, pixos e na poesia.

e é na poesia que cassiano figueiredo não apenas mantém o segredo, como afirma na escritura o nosso poder: escreve e se inscreve.  para que ninguém mais manipule, rasure, silencie sua fala. porque só ele poderia criar esses poemas, verdadeiros ofós, encantamento.

com uma linguagem impressionante, o poeta dobra a língua, assumindo ironicamente a voz de supremacistas, rememoria o passado para enfim retomar a sua própria língua, nossa língua, e dizer: venha ver o mistério, ele é escuro, é encruzilhada, e é aláfia: caminhos abertos.  uma ponta de lança no futuro-agora.

entre, ouça e se deixe também encantar: axé-ô!

nina rizzi

Partindo, sobretudo, de versos curtos que constroem imagens sintéticas e, por isso, muito vivas e bastante sonoras, os poemas trabalham contradições (“como a cidade me tem/ nas pontas dos dedos/ que ela não possui”), exploram possíveis certezas (“perdi as horas/ por algum canto da sua casa/ não fiz questão de procurar”) e revelam um olhar atento para as coisas cotidianas do mundo (“se o vagão fosse grama/ os corpos orvalho/ que tombam a cada manhã”) e de si (“sou matéria/ densa/ bruta/ flutuante”).

A ideia de jurar implica acreditar ser capaz de cumprir aquilo que se jura. Porém, ao escrever, certas coisas se provam mais fortes do que as vontades da autoria; há uma espécie de vida própria do poema que se impõe. A promessa rompida, voluntária ou involuntariamente, é a premissa aqui. O elemento que insiste em estar presente, apesar do juramento, é o tema do amor — um dos temas clássicos da poesia de que nós (essa classe escorregadia dos leitores de poesia contemporânea) frequentemente tentamos fugir ou juramos recusar e que, ao descobrir que são inescapáveis, nos tornamos capazes de ver por outro ângulo. Esses poemas de amor navegam esse confronto com maestria.

Para Anne Carson, Eros — o desejo, o amor — tem a ver com fronteiras: entre o ser que ama e o objeto amado, mas também entre o eu e o mundo. Ao trilhar o percurso do livro de Lígia, constatamos o quanto fronteiras são imaginárias. Andamos sobre o meio-fio que divide uma pessoa da cidade em que habita, uma pessoa da outra. Um pé depois do outro, percorremos um caminho mais atento ao gesto, ao corpo, à escuta do silêncio e do ruído.

Ana Canellas

Há ainda os poemas em que a voz poética é marcadamente feminina e trazem no título nome de mulheres: “verônica”, “sabrina” e “cecília”. Neles a mulher é protagonista do próprio gozo. É ela quem orquestra os atos sexuais e sem censura. O prazer ganha a dimensão de ritual, um ato sagrado de autoconhecimento.

me olha. me olha de novo é um convite para pensar a sexualidade fora de padrões, um convite para rever conceitos e buscar o prazer à sua própria maneira, no seu próprio corpo, sem idealizações, nem de si nem do outro. É um livro que louva o corpo como ele é, além das pressões estéticas e sociais.

Kariny Tavares Dutra

A citação — o ensaio de reproduzir uma paixão de leituras, como diz Antoine Compagnon — é um motor decisivo neste livro de estreia de Luiz Felipe Riva. A conversa apaixonada com grandes poetas atravessa os poemas e se converte em matéria elementar, em que convivem o deboche e a epifania, a voracidade e a delicadeza. O diálogo com os textos de origem não se organiza como quem ergue monumentos, mas como quem deixa bilhetes nos corredores, pede emprestada a um vizinho uma xícara de açúcar sem intenção de devolver. Com a altivez de quem sabe que prepara a receita mais excelente e que todo banquete é um jogo perigoso.

Ao mesmo tempo, quando enumera o que roubaria, nos surpreende na coleção que monta com seu butim, e isso é tudo, na poesia. Poesia é a arte da escolha da palavra; a colisão de palavras cantada por Bandeira, as melhores palavras na melhor ordem de Coleridge, a palavra poderosa de Dickinson que, quando escrita, até começa a brilhar. As palavras que não prevemos e que agora nos são servidas de forma tão natural que é como se sempre estivessem estado ali. Um bom poema temos vontade de subir no banquinho no meio da praça e repetir tal qual: “da lua: as cicatrizes; das cicatrizes: as formas; das formas: os rios…”. Como em “Diário de um sonho que se repete” ou em “Pensamento”, as imagens se somam em mutações inesperadas, saltos líricos, deslocamentos de categorias. O poeta joga com as palavras como num pega-pega de infância, abrindo fendas de percepção e sentido. Este, um dos fios condutores deste livro: a ludicidade de pensar as semelhanças e os desvios, em um processo que nos faz reconsiderar o que é uma coisa, o que é outra.

Aqui, o perigo está em toda parte, mas não paralisa. O perigo é vital. Com essa sabedoria, o eu lírico encara tudo — o amor que fere, a morte inevitável, o risco de perder (e de achar, ainda mais) as palavras. O silêncio cheio de peixes é um livro que arrisca, e é também por isso que lemos poesia: testemunhar a beleza de um percurso intrigante e luminoso como o desta estreia.

Moema Vilela

Amanhã não seremos dois nasce desse espaço: entre o que arde e não se vê, entre o silêncio da cidade e o ruído de um coração que insiste.

Não escrevo porque sei.
Escrevo porque sinto, porque preciso, porque é o que me resta quando tudo o mais falha.

Este livro reúne fragmentos de presença e de ausência. São textos que caminham pelas margens do afeto interrompido, da saúde mental em colapso, da memória que insiste mesmo depois da partida.

É uma tentativa de fazer da palavra um lugar de cuidado — ainda que precário, ainda que provisório.

Sou médica. Escuto histórias diariamente.
Mas há histórias que não se dizem em voz alta.
Há dores que ninguém verbaliza — e que talvez só possam ser ditas assim: em poesia.

Se estas páginas oferecerem a alguém o mínimo de reconhecimento, um abrigo breve, um respiro entre os dias, então, já cumpriram seu papel.

Beatriz Felipe da Rocha

Narrar o nascimento para si mesma é nascer de novo através de outro nascimento feito de água, terra e fogo. Ler linhas da vida em mãos, ler linhas invisíveis que se tecem fora do alcance da vista é escrever essas linhas como movimento de ser gestada pela vida que habita o mínimo: ser estranha, ser entranha — há muitas formas de nascer: “Ela me devora, grávida de mim”. Nascer de um inseto, por exemplo, é ser lida por outras linhas.

Ser devorada, devorar-se com as mãos: uma mulher com muita vontade nasce, erótica, pelas próprias mãos. Com uma fome insaciável, fala-se com todas as moscas dentro da boca, vira-se a mosca que entra na boca alheia. Se a poesia ocidental foi fundada por um verso que cantou a ira de um homem (“Canta, ó musa, a ira de Aquiles”, eis o primeiro verso da Ilíada), aqui, dar passagem à poesia é dar passagem à ira de uma mulher que passa por muitas mulheres: “canto, ó musa, a ira que é minha/ filha da minha mãe que é filha/ da mãe dela que incontáveis/ trouxe ao mundo deitada/ em sua cama de casada, cambraia e renda / mordaça na boca para não gritar”. O canto é grito chamejante, que chama e queima. Abrir a boca e abrir as pernas estão em estreita relação. Mulheres com vontade de comer tijolo reconectam garganta e sexo para que elas possam percorrer seus próprios buracos e viver gozando com eles, e não morrer porque são tomadas por eles.

Os versos deste livro, tijolo por tijolo, constroem “uma terra sem heróis”. Quando há “algo de novo no front”, restos de guerra são poeira onde tudo ganha vida e chama brilho. Após os destroços, o que se ergue de uma ponta afiada não é senão a língua que, tijolo por tijolo, lambe o pó, a poeira, as entranhas, e diz “sobre o destino de toda estrutura: vai ter que quebrar para ver”.

Danielle Magalhães

A libélula pousa sobre o fóssil de um dinossauro.

Frágeis, segundos dobram-se sobre si: a areia dourada do outono passa na ampulheta do tempo.

Para este voo, Nima desafia a cronologia e costura versos com fios de memória. A vida aqui não conhece linha reta. Passado e presente, em espiral; DNA que guarda segredos em cada uma de suas voltas.

A eternidade mora nos detalhes: borboletas aninhadas em órbitas vazias, urutau que canta a primeira palavra pronunciada pelo vento. Saturno e suas 145 luas brilham neste quintal.

Com 35 composições, a obra articula uma delicada arqueologia do instante; paciente, a poeta escava silêncios, até que flores raras paridas ao sol arejem o sufoco, a dor, o pó.

O caminho é por poemas breves, haicais, cânticos e preces — desenhos no ar, recitativos de pedras. Percorro a rota entre o efêmero e o eterno, até chegar à casa. Vejo sua varanda ocre, o ocaso sobre a mesa ainda posta. Sou a convidada que chega tarde demais para o café da tarde?

A vida no corpo, na terra, é passagem, fecunda, nada escapa ao seu arrepio. O livro termina onde o tempo recomeça. A manhã ensaia mais um retorno, rosa obstinada, poesia que se recusa a morrer.

Adriana Aneli

Entre o humor e o desalento, percorrer estas páginas é galgar ruas conhecidas, mas também territórios sombrios, mergulhar no passado, mas insistir em avançar. O tempo, ora cúmplice ora carrasco, deixa que cada verso se torne um impulso. Pelo meio, a cidade desenha-se enquanto as sombras dos casacos desfocados se perdem no amanhecer. “Estava sozinha em casa e escrevi. acho que é a isto que sabe a solidão. ou a liberdade”.
Se há livros que desviam o curso de uma leitura contínua, há outros que ecoam de tal modo em nós que nos atingem como farpas, que nos reorganizam por dentro. E que, na melhor das possibilidades, como aqui acontece, nos fazem acreditar que “o poema é não estarmos sozinhos quando nos falta a voz”.

Joana Moreira

Beatriz Sernagiotto

Em O oceano negro, Thales Guaracy recria a busca essencial pelo valor da vida diante dos dilemas contemporâneos, mesclando mitologia clássica, ciência e memória pessoal numa narrativa íntima e épica.

Deus não é ser divino, mas o robô de inteligência artificial; a promessa de eternidade não vem da fé, mas da máquina, possibilidade de continuidade além da morte.

O poema enfrenta dilemas atuais como inteligência artificial, transumanismo e risco de desumanização. No desafio da perpetuidade, viver é morrer para renascer na máquina — não fim, mas evolução.

A dúvida persiste: será a máquina humana? O diálogo do poeta com a máquina, que aprende os princípios da humanidade, une indivíduo e cosmos, presente, passado e futuro num tempo indivisível.

No limiar entre a civilização de carne e osso, adormecida na “cidade elétrica”, e o “ser-luz” feito de energia, ele se dirige ao “Grande Carteiro”, guardião de cartas sem resposta que coleta a informação da humanidade em “museu do sentimento”.

Alternando lirismo, filosofia e narrativa, o poema mostra como, ao inventar deuses e máquinas, o homem reinventa a si mesmo — e corre o risco de se perder.

Dividido em ciclos — Gênese, Civilização, Cosmo — o poema percorre da origem mítica ao futuro tecnológico, da criação dos deuses à máquina, onde o progresso ameaça abolir a morte e, com ela, o sentido da vida. Como contraponto, emergem memórias e lembranças de infância: a solução está na inocência — tanto humana quanto da máquina — que aprende pelo desconhecimento e mantém vivo o impulso do infinito.

O texto dialoga com Hesíodo, em sua Teogonia, onde a poesia funda não só o mundo, mas o humano. Atualiza o gesto arcaico da criação poética na era em que ciência, tecnologia e memória pessoal tornam-se novas mitologias.

Poema em verso livre e fragmentado, alterna cadências curtas e enumerações extensas, ecoando a descontinuidade da história humana, feita de saltos e contradições. Move-se como fluxo de pensamento, por vezes próximo ao ensaio filosófico, mas sustentado pela densidade imagética da poesia.

No fim, O oceano negro é uma autoelegia crítica: celebra a grandeza criadora do homem, mas reconhece sua miséria. Afirma que só a poesia pode dar sentido ao universo inventado; ao recusar a explicação, oferece ao humano — ou humano-máquina — a chance de resistir ao vazio.

Neste intrigante livro de estreia, plasmada em porções de flores e abóboras maduras, a linguagem se contorce sob o céu quimérico da alagoana Maria Alice Ferreira da Silva. A palavra poética, isso é sabido, tem a capacidade de ecoar, em seu mais íntimo recôndito, o mistério do mundo, o princípio. Nalguns poetas, contudo, o trato com esse “segredo” da linguagem integra um projeto de escrita. Menciono, disso, um exemplo mais próximo geograficamente: a obra da poeta Ana Maria Vasconcelos, cujo trato com a linguagem se dá no campo do enigma. Escorre o enigma do litoral para o agreste de Alagoas. Maria Alice lança o verbo — ora metáfora, ora alegoria — ao encontro, tantas vezes, do insondável. Em “Antropomórfico”, por exemplo, são dois os dados tangíveis: 1. um abdômen, pelugem, visto em primeiríssimo plano (1º verso); 2. um homem deitado de bruços (7º verso). Funcionando como dispositivo nimboso, entre essas duas imagens, correm aquelas que contrastam desejo e culpa: a margem do rio, um ouriço enjaulado (que rosna e move os olhos), o leito de pecados, o beijo no pé do vigário. O que esse ouriço, banhado em pecado, diz sobre o cara deitado de costas? E, mais, o que diz sobre a voz poética, nessa ocasião, tão impessoal? Já em “Lírios”, texto que dá título à obra, a voz poética, embebida de amor, joga com a sinestesia: os ardores do/a amado/a soam como um “respirar de areia” e como um “craquelar de traqueia”. Qual som faz a areia ao respirar? Quando craquela a traqueia? Aqui, mais uma vez em foco, o segredo da palavra exige de quem lê outro tempo de recepção.

Se para Octavio Paz “a imagem [poética] é cifra da condição humana”, com a rara habilidade de aprisionar a “alteridade estranha” dos humanos e das coisas, citando de Bosi em complemento, a poeta, em diferentes momentos de seu livro, embaralha e turva a linguagem, convertendo-a em símbolo, ícone. As palavras de Lírios, nesse sentido, jogam nos limites entre a língua portuguesa e a língua dos hieróglifos: é preciso percorrer com cautela esse poemário, atendo-se a cada um dos símbolos-imagens-ícones criados por ele.  A poeta Maria Alice dá, assim, pistas de que sua trajetória na poesia andará no encalço do mistério.

Larisse Nolasco

Professora, poeta e mestra em Literatura pela Unicamp

Fazendo do poema um desdobramento do corpo e da memória, os poemas culminam na fantasmagoria que resta, afinal “a palavra depois de ir, evapora / não sobra rastro / do sumiço”. Este corpo, que parece estar sempre se desmanchando na paisagem, é também o corpo amoroso, numa tessitura em que o desejo evapora desde as ausências e as tentativas frustradas de nomeação. A poeta constrói seu texto na oscilação entre anseio e apagamento, em versos que recriam a experiência amorosa à espreita da finitude: “te pedi finalmente / que me olhasse / mas não sobrevivi”.

Há desde o título do livro uma aposta no inacabado, no deslocamento de sentido, na recusa de uma totalidade. Os poemas, com sua dicção hesitante, vão sendo interrompidos por uma urgência de dissolução: “há na escrita o ato / de testemunhar um desaparecimento”. As imagens, muitas vezes abruptas e oblíquas, são atravessadas por silêncios estratégicos que presentificam a brutalidade dos finais. Agravando a erosão da palavra, o perigo do corte iminente confirma que não há caminho seguro no percurso destas linhas.

Do atrito entre nome e o seu avesso, Nathalia Bezerra constrói neste livro um território não apenas de ruína, como também de reinvenção. Ao trazer à baila outras vozes para ressoar em seus versos, como as de Chico Buarque e Ana Cristina Cesar, além da própria Alejandra Pizarnik, a poesia passa a compor uma paisagem. Estamos, portanto, diante de um panorama que nos desafia por preferir a fissura e o rastro, por perseguir aquilo que, a todos nós, escapa.

Ana Maria Vasconcelos

 Em Saudade, além da experimentação em si, a poesia também se torna um exercício de velocidade e ritmo. Ainda no começo deste livro, Ana Clara escreve que são “várias saudades de um mesmo dia”, são vários ângulos pra se ver o cotidiano, pra sentir saudade. Também explica que “saudade” é uma palavra de que gosta, então, o livro se torna uma abordagem de várias coisas, inclusive a vivência da poeta, sua perspectiva, sua memória, sua saudade. O sentimento é que sua poesia não desvia os olhos de nada, mas conta de um jeito próprio, como se, tirando uma fotografia, escolhesse outros ângulos pra mostrar o que está aí, pra todo mundo ver. Aqui fica um aviso: este livro é um experimento poético.

Em um dos poemas, Ana Clara escreve que “escrever às vezes é dolorido”, e eu concordo muito. De fato, nem todos os assuntos abordados neste livro são fáceis, mas se escrever é dolorido, o poema, em si, se colore. É no sotaque, na sonoridade, na poesia quase imagética, íntima, que a poeta foca sua poesia. É no enquadramento do cotidiano, o ônibus, o canteiro, a vista do prédio, o sol, e como ela mesma definiu, uma saudade é relembrar algo querido, puro e simples. Muito por isso, este livro é um convite para ler um poema, se sentar, ficar um pouquinho, olhar de novo. E, quem sabe, depois do fim, guardar um pouquinho de saudade pra depois.

Débora Cançado

Segunda advertência. Ler é ato. Ninguém poderá alegar que não foi alertado. Fabiana Grieco cria, entre versos, a vibração silenciosa e sutil do dia a dia. Sua escrita opera nos interstícios, nas brechas entre o banal e o sub-reptício. Sem alarde, a autora age na intenção de descomedimentos. Entre vagões, paralelas, diadorins, solavancos, costuras, fechaduras, diamantes, oroboros e outros artefatos poéticos, cria enlaçamentos que mudam de lugar, descarrilham o desejo.

Terceira e última advertência. Esqueça as notas de precaução. Mova-se pelo instante. A plenos pulmões, tudo pode acontecer: “a língua longa louca de desejo/ o todo enfiado”. A própria autora, uma curiosa, revela manter sua chama acesa. É um livro-provocação, precioso convite. Diante do terceiro ato, atreva-se, arrisque. Vida que segue, “o olho vai/ para não voltar”. Bom ou não, vale amar. E entregar-se.

Glória Diógenes

Que surpresa boa, e que sorte, encontrar a poesia humorada e madura de Vivi Rocha!

Surpresas são bem mais comuns que o tédio não poderia ser um título mais apropriado para este essencial livro de poemas. A poesia de Vivi fala da essência de poeta-pessoa, a que explicita a urgência de dizer e nos põe em contato direto — quase corpóreo — com a essência de pessoa, a se espraiar para todas as pessoas, a se reconhecerem em subjetividades e sentimentos.

A poesia de Vivi tem vários estratos. Visito uma artista-poeta, culta, autêntica, e isso faz a poesia dela saborosa para vários paladares. Ela provoca, em versos, leitores e leitoras a sentir e refletir sobre a humanidade, a partir de sua existência.

Os poemas se apresentam para nós, lindamente organizados, em oito capítulos. Nestes capítulos, a poeta fala de sentimentos íntimos, intrínsecos, e, também, de cenas por ela vividas. Mas tanto esses sentimentos como as cenas parecem nossos, nos apropriamos deles espontaneamente, pela qualidade da poesia e pela intensidade dos temas.

Os nomes dos capítulos, todos escandalosamente sobre o ato de amar, amalgamados, me permitem visualizar um novo poema de Vivi, a parte:

“moças urbanas míopes

surpresas são bem mais comuns que o tédio

justo agora,

cair em si

essa mania irritante de escrever em rima

nenhum ruído silencia

escafandrista num mundo de espelhos d’água

minha cama é uma ilha deserta”

“Surpresas” é para brincar e ficar na cabeceira, um livro para ser visitado e revisitado como um amigo e surpreender a cada vez que lido.

Escolher apenas um poema para exemplificar a força e as características da poética de Vivi é tarefa dificílima, mas o poema Amarela tem esse dom:

“amarela

nunca me vi assim

a cor do sol não está na minha pele

nunca esteve a cor da minha pele

talvez não reflita a minha origem

não escolhi o rótulo mas entendo a luta

e de tanto entender que não era branca

fui me amarelando

a pouco e pouco

tal como as folhas amadurecem

e caem em si

amarela

sou

por raiz

por história

por maturidade

por entender

que tenho que ocupar um lugar

que é só meu

amarela”

E finalizo a sentir: me torno amarela por esses versos, sou amarela, geral é amarela.  Afinal o sol amarelo brilha, tal a poesia da Vivi.

Aproveitemos, pois, as inevitáveis surpresas em cada deliciosa visita ao precioso mosaico de versos de Vivi Rocha, fragmentos a serem sempre renovados. E viva a poesia de Vivi que nos permite voar além!

Beatriz Di Giorgi

Beatriz Tavares delineia em seu livro de estreia a percepção de dentro sobre a mudança e seu revés numa voz poética recém-saída do pé. Em três partes, as palavras convidam ao passeio por um roteiro que inicia na contemplação do céu aberto, chega até a semente e perpassa as estações. Além de figurar na divisão do livro, o caminho do todo ao específico indica as alternâncias do eu lírico na obra.

Há versos-máximas, como: “trai aquele que acreditou/que colheria o que plantou” e “vejo-me no outro/pois sou o outro que vejo”, os últimos, dotados de um espelhamento duplo saltante aos olhos dos leitores mais atentos. Noutros momentos, prevalece a particularidade, como em o passado, o júbilo e o presente: “tenho vinte e dois anos/não sou um mito/e muito menos exemplar/não sei de muita coisa/mas não sou flor que não sabe brotar”.

Em certos poemas, ser dos arredores pode encurtar a estrada rumo ao intento de toda boa leitura: o reparar. Reparem, conterrâneos, as cores de uma cidade acinzentada à revelia. De acordo com o eu lírico, “o progresso tem dessas/de nos fazer querer regressar”, seja à terrinha, como em saudade incoerente, seja à fantasia, no desfecho encantador de testemunho de domingo, ou até a referências grandiosas do cânone literário. O regresso na escrita da paraibana são folhas caídas em volta da árvore: servem ao solo mais do que à copa, isto é, ao contrário de incitar um retorno, geram a transformação.

Beatriz demonstra em quintal ter fôlego para, na esteira de Alice Ruiz, Débora Gil Pantaleão, Regina Azevedo e diversos nomes de excelência na poesia, construir uma casa fabulosa no coração da literatura brasileira contemporânea.

Naíla Cordeiro

Estamos diante de um vulcão que observa, escuta, questiona, conecta, transgride, jorra e escreve. Bruna Castro escreve muito. Escreve como escape, carregando contrabando imaterial que entra nas fronteiras, infiltrado e imigrante. Ela escreve, entre lenguas, across the oceans, tecendo alas dans l’aire, encontrando gente da mesma laya, primavera nos dentes, metal e crocs no pé.

Em Traslado, Bruna segue a intuição das andanças e “cria a própria subtitle”. Dá a letra e nos faz chafurdar nos Ks (tenho certeza que foi ela que inventou o meme “kkkkrying”), enquanto concordamos que podemos viver sem alguns Zs, embaixo do solinho português. Na cisma, ela cava buracos com a própria língua, cria nós & mezcla tudo com farinha, borrando fronteiras. Sem sutiã, pero siempre com insistência.

Se o narrador arcaico (camponês e viajante) de que nos fala Walter Benjamin contava histórias com a alma, o olho e a mão, em Traslado temos uma narradora artesana, tecnológica y queer feminista, de bruxismos guturais, que escreve com o labirinto, os dentes e a garganta. Ela fala, “e, como toda mulher que fala, é mal interpretada”. E então ela fala de novo (“entra muda e não sai calada”!). Ela quer ser ouvida tanto quanto um homem.E então, quando é preciso, ela GRITA. Grita do fundo da gruta, no “gozo dos prazeres que saem da garganta”.

É claro que neste traslado também há silêncio. O silêncio é bem-vindo, quando cala a máquina, os jet-skis, a turba das metrópoles, a avalanche incontrolável do capital. O silêncio abre brechas de espanto nas fendas das rochas. E de repente, sob o céu estrelado da praia, podemos viver de luar e sardinha, como Mariella, e de manhã mergulhar na quietude das ondas, concordando com os olhos que é demasiado “cedo para falar alto”.

Decantado o silêncio, podemos rompê-lo novamente, na entrega às descobertas, abrindo conversas com estranhos mientras esperamos o ônibus, o autocarro, a roupa por lavar.
O silêncio se rompe nas miudezas da fala, nas diferentes estratégias de small talk e nos modos de demonstrar gentileza entre desconhecidos, matéria que Bruna Castro investiga tão bem. O que faz uma pessoa desconhecida virar conhecida, amiga, parceira? Na troca, podemos encontrar hérnias e hiatos em comum, construir vínculos, pares, comunidades.

“Wanna scream together?” Não há melhor convite neste traslado alto astral. A vida é finita, então toca gritar junto e aproveitar os encontros, pois pode ser que nunca nos vejamos de novo. Me joga pra cima, que te jogo também. E quem sabe, como disse o sr. Antonio: “ya nos veremos en el cielo!”

Flora Lahuerta 
(aeroporto de Roma, julho de 2025, depois de comer um tiramisù)

Baleia, livro de estreia de Felipe Bier Nogueira, é um entremeado de imagens fortes e dicotomias profundas: o erótico e o ingênuo, o profano e o sagrado, o coletivo e o estritamente individual, o transcendente e o tangível, a vida e a morte, o alusivo e o literal, a memória e o esquecimento.

A poesia de Felipe é imagética, sensorial, carregada de musicalidade e simbolismo. Os poemas são compostos de todas as coisas que constituem a vida, a matéria fina que molda um país e uma cidade, uma mãe e um pai, os ventos e as ausências. Baleia imprime no leitor a sensação de estar vendo algo que é ao mesmo tempo original e primitivo. Felipe escreve resgatando a ancestralidade das palavras.

Os versos soam estranhos e familiares. E é tão bonito, que é difícil de esquecer: na boca aberta do país há uma placa de pus, rasgar convulsões aos semblantes, Brasil é máquina de moer ficções, o sol estilhaça em cosseno perfeito, os olhos vidrados de sim, moagem de chuva e solo, Junho, mês dos cachorros com nomes de filhos, mês dos úteros soterrados de azul.

Em um dos poemas, Felipe diz que um livro se escreve do miolo. E é verdade. Pelo menos no que diz respeito aos bons livros, o que, definitivamente, é o caso de Baleia.

A escrita nasce do tutano da língua. É preciso afiar a pena e escavar sem medo até o alcance da medula das palavras.

Maria Fernanda Elias Maglio

acredito que não existem definições melhores do que a ruptura e a totalidade para representar o movimento dialético e concreto da reprodução criadora — não confundam com o conceito liberaloide de criatividade. não há nenhuma propriedade no pensamento, não há, aliás, propriedade alguma em qualquer coisa e por isso somos selvagens ao contrário dos beatos e civilizados portugueses, franceses, ingleses, que nos trouxeram o progresso e as máquinas de fazer máquinas nesta terra antes abençoada por deus. somos os filhos da invasão e expansionismo do capital. somos os filhos da revolta ascentral e originária dos povos. somos filhos dos acorrentados pela máquina de fazer açúcar. somos filhos da América Latina. é preciso, portanto, comer o coração de Rousseau e mostrar-lhe o bom selvagem.

Cada verbete desmonta o silêncio em torno das enchentes, da negligência e do descaso que se repete em cidades, e vidas, alagadas. Não há consolo fácil: o livro convida você a atravessar a densa lama da linguagem, enfrentar lembranças tempestuosas e reconhecer as marcas deixadas pela água no espaço e na memória coletiva.

Uma leitura desconfortável, mas necessária, que lembra, acusa e, ao mesmo tempo, abre um lugar de resistência. Ler o Dicionário da Xuva é atravessar águas turvas… e perceber que o verdadeiro desastre não é a enchente, mas os repetidos silêncios que a perpetuam.

Às mulheres tocou o trabalho pesado de gestar e materializar o que se vê. E o fazemos pelo cuidado que nos é exigido — para a além de escolha e prazer em servir de chão para a vida, como e com a maior de todas, a Mãe-Terra tão ofendida, profanada e agredida. Mas é no profundo [da Terra] que vivemos, de alguma forma, mesmo quando nos matam na superfície.

Creio que é desse lugar profundo, do fundo da Alma que habita as profundezas, que vem a poesia de Cintia Luando. De vísceras nas mãos, tem um mundo gritando através de suas palavras. Pela sua poesia vemos que “deus” renasce sofrido na alma dela, de Cintia; e talvez na alma de quem a lê e na alma do mundo.

Boa leitura!

Socorro Lira

Se é possível afirmar que a narrativa mítica acompanha o homem desde os tempos mais remotos, carregando consigo uma verdade específica e uma potência criativa incessante, aqui, ela reafirma seu caráter atual e de perpétua construção, ao entrelaçar o sublime e o banal, o antigo e o contemporâneo, cantando “[…] para o amanhã/ com a voz do ontem”. Tudo isso numa dicção que, meticulosamente concisa, quase impessoal, confirma seu caráter humano quando vacila, desdobrando-se ora numa ironia mordaz, ora num apelo ao íntimo, mas abrindo-se sempre a um universo de reinvenções, no qual cada palavra é tomada como um espaço infindo de dúvida e revelação.

Nesse sentido, é instigante a escolha das Latitudes, que dão título à obra, já que o termo, derivado do latim latus, que significa “largo, amplo”, corresponde à tentativa humana de, por meio de linhas invisíveis, tentar abarcar a vastidão do mundo; não seria esse, afinal, o esforço basilar da poesia, que, por meio da linguagem, busca comportar e — por que não — ultrapassar a realidade?

Nestas páginas, o leitor orbitará por mitos de cosmopercepções diversas, ao lado de uma voz que guia na justa medida, sabendo sustentar a beleza do enigma, à medida que nos enlaça ao prazer paradoxal de encontrar conforto diante do abismo. Em cada verso, mais do que a contemplação do belo, temos o questionamento, a dúvida golpeando e nos incitando a manter os olhos atentos no jogo que se estabelece entre a realidade e a necessidade de fugir dela, de mergulhar no fabular e de conseguir, nesse mergulho, a iluminação necessária para melhor avistá-la, afinal real e fantástico caminham em paralelo e a poesia parece ser justamente o estalo que se dá no momento em que se cruzam. Ao percorrer mitos ancestrais, figuras tornadas míticas e os mitos pessoais que habitam seu íntimo, o leitor trilha também esse encontro, guardando consigo a necessidade de manter “O mistério/ Eterno/ De acreditar”.

Em suma, estes poemas não oferecem respostas: abrem fendas. Cabe ao leitor aceitar o convite de caminhar por essas latitudes que, moventes, esboçam-se como mapa e enigma, lembrando-nos que imaginar é, por si só, uma maneira de existir.

George Henrique

Ao nutrir-se da poesia de Hilda Hilst, Ana C., José Régio e Augusto dos Anjos, o autor de Sereia de mármore e névoa arrisca-se ao revelar o quanto é tênue a linha entre o humano e o animal, entre o sagrado e o profano. O resultado é um longo santuário de sexo, gozo e perversão, ao qual o eu-lírico se expõe, levando o desejo às últimas consequências, como uma fera indomesticável.

Valendo-se de símbolos cristãos para construir um repertório próprio, interessam-lhe mais os membros quebrados dos anjos do que seu brilho divino. A serpente é o sexo; o paraíso, uma sauna gay. Os dias santos são os dias da danação, quando deseja “escorrer inteiro” […] “nos vazios de um rosto talhado/ à imagem de Deus”.

Como criatura das ruas, o eu-lírico faz do sexo isca para pescar suas imagens poéticas. Guia-nos por espaços clandestinos da urbe — lagoas, banheiros, cabines, motéis — onde o corpo, constantemente febril, é, a um só tempo, linguagem e arquivo.

Aqui, tanto ele quanto seus amantes são feras: mordem, lambem, caçam. De vez em quando, porém, descansa. É quando deixa de ser bicho para revelar sua verdadeira condição humana: ama, chora, adormece, lê, acalma-se ao toque dos terremotos. Até que o dia amanhece, e as feras o chamam novamente.

Nessa busca dolorosa por preencher os vazios, a partir do contato impessoal com homens sem rosto nem nome, o eu-lírico — um desvio no plano divino — se espanta quando se vê encarado de volta pelas ausências que coleciona. O que fazer com elas? Dentes polidos de fera nos convida a enfrentá-las.

Ues Batista

Em uma coletânea de poemas que flertam com o conceito de morte, Patrícia legitima as dores que se escondem no silêncio e se veem obrigadas a seguir em frente quando as vivências chegam ao fim, mas que, através da palavra escrita, encontram a forma de encarar a perda do outro, do eu e dos lugares que um dia ocuparam.

O Memorial é um monumento escrito para reflexão e celebração da sensibilidade por trás das perdas. Quando diz “a morte absolutamente não é o fim/ não é o fim/ absoluto // tantas dores que enterrei em mim/ ainda as sinto // à espreita”, a autora nos apresenta à ideia de uma sobrevida, aos fragmentos que persistem em nosso mais íntimo pesar.

Memorial é uma leitura mórbida, que utiliza esse recurso para transitar entre a tristeza e a esperança, capaz de envolver o leitor em uma contemplação sensível dos dilemas de quem sente demasiado, porque “é preciso segurar tão firme a caneta/ a ponto de rasgar o papel e o coração todo em verdade // porque ninguém vive só de acertos // e na ambiguidade voraz da vida/ viver e morrer // tentando”.

acabei de ler este livro. Os poemas, sinergéticos, estalam a pele “em alto-relevo” e, ainda, são bons de prosa. Lê-los é acompanhar um traçado no chão de terra que escreve, na poeira vermelha, histórias do cerrado mineiro e do asfalto paulista. Histórias secas e férteis que nos afetam como “as gentes” que brotaram de lá.

É bem um livro de encontros de passagens, aqui se encruzilham diferentes gerações da família, sotaques, desejos, cidades. A criança que não conheceu tristeza, mas que cresceu chorando o choro de quem lhe deu o que não teve: Minha mãe começou a trabalhar / quando era criança / e não teve infância / porque decidiram que pobre / tinha mais é que sofrer.

Encruzilhada onde desembocam e iniciam caminhos, num tempo que espirala na reescrita das gerações. As vivências pessoais se revelam em sua amplitude social: na experiência coletiva do controle e da normatização do desejo. O livro é um exercício para: aprender a se apropriar / a fazer o usucapião do corpo expropriado / é reaver o si que 

[sabe

[sobre

[viver.

Diz dos não ditos, do tio bixa, melhor pessoa do mundo e assunto proibido a quem restou gozar na mingua e olhar pelos próximos. Com a benção de Exu – que acertou o pássaro ontem com a pedra que lançou hoje –, esse amor discriminado, feito doença, foi quarado ontem, pelo gozado hoje no entre de duas mulheres amadas.

Um passado que se completa agora, na herança recebida, e que se faz futuro pela herança escolhida. Mesmo quando a depressão espreite à porta como um parente com quem se divide a casa. (…) porque a correnteza das vidas que ocupam a gente desde cedo / faz o corpo querer desaguar. São muitos os versos que marcam.

Aqui se escrevem poemas de amor, esse bálsamo ardido que derrete órgãos e departamentos. Faz dizer com outra língua enfiada na boca; que em suas re-voltas úmidas, re-voltam a vida em poesia, “numa pele porvir”.

Terminei o livro agora, ao contrário do sistema que denuncia, ele é bom de serviço, segue na boca, no gosto vermelho de ferro das minas

Gerais.

Juliana Guida

PRÉ-VENDA ATÉ 16/11/2025.

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Alguém procura você, mas não sabe se você existe. Alguém sabe muito bem que você não existe e continua procurando assim mesmo. Uma troca infinita de mensagens, um homem que não responde, um terceiro encontro adiado para a próxima encarnação. Uma nuvem de nudes, um bosque de dick pics, um poema de amor sem segundas intenções. O périplo interminável dos bares de homens da cidade. Um homem luminoso que não esfarele na mão. A palavra “gay” significa “alegre”, ou deveria significar.

O café não salva, os livros não salvam, a internet é infinita, mas não salva. O sexo por si só não salva, mas o contrário do sexo ainda menos. A pornografia é barata, coisificante e irrealista. Os aplicativos de date são ansiogênicos e homogenizam os indivíduos. A palavra “queer” significa “estranho”, ou deveria significar.

Patinar num gelo que está rachando, ou lutar na lama do cansaço coletivo. Esticar os braços para que alguém nos resgate da enchente, ou construir um navio juntos para o próximo lugar. O fatalismo como um movimento de alívio, de se libertar do peso do futuro. Uma erótica do amor aos fatos, uma lírica da chuva e dos chuveiros, uma comédia do pavor e do pânico. Um inventário de afetos inventados, em tempos em que o teto parece estar sempre à beira de desabar.

Cristiana Tejo

Mas nascer negro é imperativo, e o primeiro baculejo nunca se esquece:

O camburão da polícia parou na porta do bar do meu pai (…) / caíram em gargalhada (…) / Acharam engraçado / o menino de cinco anos / afastar o máximo que pôde / perninhas e bracinhos magros / diante da parede / Por muitos anos essa foi uma lembrança / divertida da minha infância / no bairro Renascença em Montes Claros

Que ninguém se engane, ainda que o teor do vivido nem sempre reine sobre o sabor da lembrança, a perda da inocência também é obrigatória:

eu tinha cinco anos e já sabia / que coturnos chutariam as pernas / e cassetetes machucariam braços / que não se abrissem a contento / na hora do baculejo

O negro poeta* sabe o quanto é difícil flanar e observar o mundo, enquanto os olhos ao redor estão a pensar que se está a serviço ou planejando furto:

 — Você trabalha aqui? / Fui promovido, penso / Antes de virar a última gôndola era o ladrão / Agora sou funcionário

Nem tudo é esbarro, predomina lirismo e o corpo que forma X enigmático, enquanto olhos fitam a parede, faz cair naturalmente a religiosidade (barroca) mineira do bolso esquerdo:

Bem-aventurados os luxuriosos / cuja paixão habilmente / intumesce a carne / e amolece o espírito / enquanto A Paixão com rispidez / faz o contrário / ao trespassar ferozmente ambos

Do bolso direito escorre tradição mais antiga:

Depois do verdejar / talos fibrosos / rútilos / trazem vermelho ao pasto / outrora verde aquoso, agora / longas lanças de Troia: / Marte / Morte / Moira à espreita / de Aqueus e Dânaos / Mas que memória é esta / que até mesmo doce pasto / palatável ao paciente boi / e ao belo e exigente cavalo / torna belicoso?

Se Lennon disse que “a mulher é o negro do mundo”, o negro poeta também pode em sonho (ou seria pesadelo?), formular necessária resposta:

Ontem fugi de Pasárgada / foi lá que matei o rei / Enforcado nas vísceras / do poeta que estripei / Pasárgada só é idílica / pros velhos amigos do rei

Baculejo é o primeiro livro de poesia tardio do escritor mineiro Marcelo Luiz Silva, representante da linhagem dos negros poetas brasileiros: Cartola, João do Vale e Zé Keti. Negros que o Brasil não deixou ser poetas, talvez vislumbre dos livros que poderiam ter escrito.

*Nem mesmo foi escolha ser negro primeiro, é apenas o mundo colocando as coisas em seu devido lugar

]]> https://editoraurutau.com/titulo/consequencia-do-fogo/feed 0 https://editoraurutau.com/titulo/a-caligrafia-da-lingua https://editoraurutau.com/titulo/a-caligrafia-da-lingua#respond Mon, 29 Sep 2025 14:26:30 +0000 https://editoraurutau.com/?post_type=product&p=27033 Caligrafar a língua, o corpo, a rua, a cidade. Desacomodar os versos. Desenhar as palavras, traçá-las, bordá-las, pari-las, uma a uma. Enrolá-las num cueiro. Segurar nos braços o poema que nasce, aos prantos. O desgosto, a margem, o desumano. Aquilo que vive escondido. A caligrafia da língua se aloja no tempo, no som, no ritmo. Organizado em quatro tomos, é um livro de intensidades, que se arrisca. Um imenso poema de coisas ausentes.

Os versos de Diana Castilho nos convidam a colocar o pé na terra e nos conectam profundamente à nossa ancestralidade e às pequenas tradições que, muitas vezes, esquecemos em meio à agitação moderna. Esses gestos simples, como benzer um patuá ou inspirar os aromas da vida, lembram que a plenitude está nas pequenas grandes ações.

Este livro é um testemunho de que, ao abraçar nossos minimalismos, encontramos intimidades. Isto aqui não é apenas uma leitura, é um convite à descoberta de um novo olhar sobre a vida.

Diana, obrigada por me fazer apaixonar novamente. Obrigada por agigantar com tanta fluidez a vida.

Debora Rendelli

A escrita, que costura este livro, dança. Dança essa que se dá entre línguas — português, inglês, francês, espanhol, silêncio. Uma invenção corporificada de uma língua singular que nos convida a caminhar por casas, ruas, varandas, cozinhas, lençóis, países. É entre várias que a poeta tece seu bailar, em um culto à força da ancestralidade feminina: mãe, avó, tia e amante. Glorita, Conceição, Virginia, Luedji, Bethânia e Gal.

Esta carta-diário-poema desapega da forma e, pela via da escrevivência, produz um deslizamento de temporalidades. O tempo-espaço esguio que nós, mulheres do terceiro mundo, temos para dedicarmo-nos à escrita, a infância no solo europeu, o retorno a um país materno, a difícil agenda das despedidas, partidas-chegadas de uma existência migrante.

A poeta dança entre memórias e seus cacos. Vai da ponta dos pés ao ato de encostar sua sola andarilha no chão na busca por raízes, pertencimento, um lugar. Escreve com as unhas sujas da avó. Escava com as próprias mãos o corpo, os barrancos da língua, as saudades… retecendo sua existência, incontáveis vezes, no gesto de fazer-se desconhecida para reconhecer-se, de novo, a cada vez que lança seu corpo no mundo. Seu texto é agridoce. Invade o corpo de quem lê: saliva as papilas, arranha a pele, molha os olhos.

Paula se insere, com seu primeiro livro, na cena literária forjada pelo trabalho de escritoras em diáspora, nos convocando a um além-mar “do que pode a literatura” diante dos feitos da colonialidade. Aqui encontramos a linguagem poética torcida ao limite para tocar e enunciar as experiências transatlânticas, a ficcionalização da memória e o exercício ético da imaginação de futuros (im)possíveis.

Mariana Queiroz

Nos versos de Perverso universo, o amor é catástrofe e epifania. O autor Jordan Caetano convida o leitor a mergulhar num cosmos íntimo, no qual as palavras vibram com a dor da ausência, os espasmos da memória e a beleza incômoda do afeto não resolvido. Esta poesia não busca o consolo fácil — ela encosta no abismo da experiência emocional e, sem medo, transforma o colapso em criação.

Dividido em três partes, o livro constrói uma trajetória lírica que vai do lamento ao lampejo, da perda à permanência simbólica. Há um cuidado quase tático no ritmo dos poemas, como se o autor coreografasse o sofrimento, extraindo dele imagens de altíssimo teor sensível. Em sua poética, o cotidiano — uma camisa azul, uma fotografia antiga, um café quente — torna-se vestígio do sagrado que habita as pequenas coisas.

A poesia de Jordan Caetano é marcada por uma linguagem direta, mas não simplista; íntima, sem ser confessional demais; melancólica, mas não desprovida de esperança. O poeta tem consciência do drama, mas também do estilo: cada poema é lapidado com atenção ao som, à quebra de verso, ao silêncio.

Este livro é um convite: leia devagar, sinta com o corpo inteiro, aceite não compreender tudo — como quem observa o céu noturno sem entender as constelações, mas ainda assim se comove. Porque há, nesta obra, uma verdade emocional que transcende o eu lírico e atinge em cheio o leitor que já conheceu o amor, a ausência e a estranha gravidade que nos prende ao outro.

Juliane Elesbão

Denise da Costa

Ainda que nos remeta aos versos simbolistas, às imagens barrocas e a uma realidade de tempo incerto, a escrita de Mariano absorve o tempo presente e a estética do contemporâneo através da bricolagem, ou do que podemos nomear de uma “poesia reencarnada”, em que a intertextualidade do cânone e da cultura popular servem de estruturas para a produção de imagens e da experimentação literária.

“Canta, preto velho, / canta bonito para o mar / torna o mulato Josué / apenas Josué com teu cantar”. Para além dos recursos de oralidade e a métrica que nos lembra as ladainhas e as rezas populares, os versos de Zé Mariano dialogam com uma temática predominante: o lugar da fronteira, da indeterminação. O mulato Josué enquanto sujeito amalgamado à sua raça, se materializa também na figura do pardo, cuja pele ambígua remonta aos percursos da formação da identidade brasileira, em que o povo majoritariamente é apartado do sentido da sua origem: “Essa pele clara foi herdada de Nenê […] / enquanto esse cabelo veio do preto / Josimar”. O pardo enquanto signo é a contribuição sensível de Mariano ao debate racial, elaborada também por meio da linguagem poética, de modo que a poesia é a forma literária indeterminada, a qual emula as tensões e as fronteiras entre o texto e a experiência vivida.

Não basta apenas a consciência da realidade, a poesia de Zé Mariano nos apresenta um mundo em construção: “Dançar como dançam os pretos / Cantar como cantam os pretos / Foder como fodem os pretos” e que revela a disputa de um projeto estético que não se submete à ordem, mas que escolhe um mundo imaginado, porém duro. Pois bem, a vida é dura — mas as encruzilhadas podem nos levar à emancipação.

Isabela Benassi

Chega,
Ara a terra
Terra vermelha

O suor no rosto
O sol do meio-dia
As marcas do tempo

Em tempos em que a terra era a vida,
Terra era seu amor e o seu cuidar

Planta, colhe, consome
Cuida, trata o solo
Tira o sustento

Ensaia
Seca o café, ensaca

Cultiva o pomar
Colhe a fruta, desfruta

É hora da recompensa,
Dias cheios e cansativos de labuta

Os calos e as marcas
O caminhar, carregar
O dia a dia de muita luta

O apanhar algodão, café, laranja
O cortar lenha, cortar cana

O fincar ao chão os pés
Dar o sangue à terra e tê-la em seu sangue
Dar a ela o nome e dela ter o sobrenome.

Me arrisco a dizer que quem começa a escrita é o homem-menino, mas quem põe o ponto final é o menino-homem. E vejam: aponto o fim desta obra como ponto final, não

como encerramento — a poesia dele não se encerra em si, tamanhos os sentimentos que transbordam e se entrelaçam com o existir do mundo.

Em Estorvo coração, é possível tatear sua humanidade ímpar e visceral, capaz de inebriar os sentidos de quem acessa com sobriedade. O choro, o riso, a dor, a saudade, o anseio, o gozo, o amor. O encantamento diante de sentimentos tão sublimes, que aqui escorrem sem a intenção de caber, apenas de existir em contato com o que nos afeta.

Trago um alerta: é preciso se deixar afetar. Pablo Emmanuel se deixa afetar quando permite, ainda em sua formação de menino-homem, não aquiescer diante das tragédias da vida e dos escombros do que um dia fora uma cidade reluzente. Entre vigas e penumbra, há sempre uma criança que o resgata e o leva pr’um caminho seguro, um cais onde seu barquinho velejante possa descansar em águas mornas e içar vela para desbravar o mundo sob novas ondas.

Escrever, aqui, é lançar-se em alto-mar e sentir a maresia do desconhecido. É tocar

um jazz e descobrir o amor num sábado frio. É também recusar cobri-lo: amor não se cobre — se cuida, protege e acolhe. A língua que corta silêncios e escreve poesias no céu da boca é a mesma que detém silêncios preciosos como uma joia. E entre segredos, sagrados, lágrimas e sorrisos contra a maré, o perigo do amor vem à tona: como ousa ser um homem que tateia as próprias dores, grita em silêncio e adormece com os seus barulhos?

Os convido a vê-lo tecer acordos tácitos com o sentir, pensando em perguntas que talvez não tenham respostas, digerindo lutos e adoçando quereres. O que sinto ao escrever estas palavras, com tamanha dedicação e honra, é o afago de ver a promessa se cumprindo sob a seiva da folha e o negrume da noite. Que esse Jardim Ossâinico, mata fechada e abrigo de tantos em um só, também os afete e conduza a um futuro possível, em que poesia e amores bonitos iluminem os dias.

Lavínia Ribeiro

Trecho do prefácio de Flávila Barbosa D’Ávila

Faz-se também nas ondas tempestuosas do mar, que discursam ávidas. Faz-se no lugar do outro que não conhecemos, no sentimento de exílio que não nos pertence, na morte que não vemos, no choro da mãe que grita por cada criança morta, no tempo que se repete no eterno ainda-é. Não há conforto nestes poemas que deságuam. Só a terrível angústia pelos que lavam as mãos. Ainda assim, escreve Helena, “sigo as águas à procura da ave rara que leva no bico a palavra”. Ainda assim.

Anélia Montechiari Pietrani

A névoa setentrional, as brumas tropicais, a nebulosidade fronteiriça, a alquimia das horas que precedem o amanhecer imponente no rio que é dentro. O mistério insondável do limítrofe. Em meio a tanta obscuridade, amores túrbidos, mas que são lidos com a transparência hermética do lirismo. Entre dias enluarados e crepúsculos largos, Mariana Alves delineia um percurso poético marcado por imagens sinestésicas, paisagens amazônidas que refletem epifanias, dilemas existenciais e tensões emocionais.

Oiapoque é o horizonte que ambienta esta obra que se divide em três seções principais — “Neblina do Oiapoque”, “Céu aberto” e “Maré cheia”. Ainda pensando por meio dos conceitos de Anzaldúa, Mariana se configura no ethos de uma “mulher fronteira” — e “mulher mágica” —, ser interseccional situado entre múltiplos mundos: cultural, social, econômico, plurilíngue, político e psíquico, com habilidade de navegar em zonas de conflito, sejam eles geográficos ou simbólicos. A fronteira que para Anzaldúa não é apenas uma linha física, mas um espaço psicológico de (des)encontros, em Da neblina, da poesia, do Oiapoque se liquefaz nos fluxos da memória, inebriante travessia literária, tal como as passagens e descaminhos navegáveis em Saint-Georges-de-l’Oyapock.

A poesia de Mariana Alves está profundamente ancorada em uma cartografia imperscrutável: uma região que representa literalmente uma fronteira — entre Amapá e Guiana Francesa — se desenha no mapa das encantarias entre terra e rio, entre o vivido e o imaginado, entre a saudade e o desejo, entre amores findos e a celebração das paixões vindouras.

A neblina como metáfora catalizadora dessas elucubrações evoca e traduz os esfíngicos enigmas que a cidade esconde nas ensimesmadas encruzilhadas do extremo Norte. Junto da cidade, outro território — o corpo — oculta e revela também. Sondando essa abstrusa neblina, olhando para o firmamento infinito para ser inundada de incertezas, Mariana Alves escreve: chagas, feridas abertas, delícias do afeto, diários do passado e do devir. Este livro é um convite para penetrar o impenetrável: os contornos das bordas-limiares do Eu.

Lara Utzig

Este museu é feito de versos que se recusam à moldura. Aqui, a poesia se move, dança em becos, cicia em lençóis, zomba das normas da métrica e do decoro. Pode-se encontrar uma ode ao simples, um sonetilho fotográfico, uma epifania entre o afeto e o absurdo, um amor que se serve cru como sashimi. Tudo com humor, lirismo e ironia: marcas de um autor que domina o tom da delicadeza tanto quanto o da provocação.

Carlos Castelo, reconhecido por sua verve humorística e seu olhar afiado para o humano, reúne neste livro letras e poemas escritos ao longo de décadas. São declarações tardias, confissões improvisadas, bilhetes que nunca foram entregues. Musas reais ou inventadas, passageiras ou perenes, todas reunidas neste espaço de palavras que ora se parece com um quarto de pensão, ora com um altar pagão.

Entre versos, aliterações e afagos, Museu de musas é também um autorretrato em pedaços. Onde cada mulher inspira um homem diferente. E onde o amor, mesmo impossível, sempre encontra abrigo em algum canto da linguagem.

José Antônio Cavalcanti 

Michele Flores 

Sofia Lemos Marques

São muitos os tipos de fio neste mundo e, em cada um deles, há a ambivalência de dois lados ora opostos, ora companheiros. O fio da sutura entre o corte e a cicatrização. O fio da pesca entre a espera e a conquista. Os fios de um tecido que só se torna tecido quando todos os fios ocupam a trama.

Por um fio é um livro do “entre”. Entre o silêncio e a voz, a pausa e o impulso, a análise e a escolha. Em meio a uma sociedade febril e distraída pela pressa, pelos excessos e por muito barulho, é o olhar sensível da poeta Mara Santos que nos devolve o fôlego ao pinçar da vida o fio entre o devastador e o belo, entre a realidade e a arte, entre o sofrimento e o encanto.

Ao trilhar a vida como quem caminha por um fio, é possível encontrar o equilíbrio em meio ao balanço do corpo: sabedoria é movimento, toda cura vem da insistência em adentrar a linha tênue entre sacudir e serenar. Ao escrever como quem amassa a vida com as mãos, Mara entrega a sua palavra ao toque, nos oferece relatos íntimos, desnuda sentimentos e lembra que “sonhar é atemporal”.

A poeta nos inspira a exercitar o cuidado, a fazer do amor um ato, a enternecer a vida e tecer com o fio da palavra um bordado-poesia na pele do tempo. Para quem dança com o vento, toda brisa é música. Acerta o passo quem respeita o ritmo de dentro.

Mara, atenta e forte, anuncia: “ser amada é o meu manifesto”. Este livro é um gesto de amor a si mesma, às pessoas do seu coração, ao coletivo, a você. Te convido a cruzar o fio e adentrar a obra com os pés descalços sem temer a travessia. A distância entre os seus olhos e as páginas a seguir é espaço fértil a ser ocupado por um fio que se estica, embola, emaranha e não rompe.

Ser humano é estar por um fio, aqui há espaço para a humanidade, a liberdade e a poesia. Desfrute deste banquete!

Maria Ávila

Elisa Oliveira
filósofa e escritora

A realidade, com suas experiências duras e por vezes violentas, assombra então nos poemas por meio de uma linguagem áspera, cortante, que reverbera no leitor de forma contundente, incitando-o a entrar e a habitar as fendas, as zonas de silêncio, os “terrenos baldios”.

Interessante observar como o olhar da poeta sobre a realidade é desprovido de resquícios românticos: o que lhe chama atenção são as ruínas, os terrenos baldios, os rasgos nos muros, os cortes na pele e, em geral, os fantasmas que habitam as zonas invisíveis da imaginação. Para isso, Alice Pereira Carlos foge da representação narrativa do cotidiano, tão presente na tradição lírica brasileira contemporânea, e recorre à composição por fragmentos, por retalhos, por blocos, como se os versos fossem partes de uma escultura ou de uma colagem. A poeta articulou um jogo sofisticado de recortes e encaixes de versos e referências de outras poetas mulheres (Aglaja Veteranyi, Luiza Romão, Regina Azevedo, Maria Teresa Horta, entre outras) além de um diálogo com a pintura da artista Adriana Varejão. Sei disso, pois o livro foi escrito durante seu curso de mestrado em Criação Literária na UFJF, ocasião em que segui de perto seu processo criativo. No entanto, a poeta optou por não tornar visíveis essas referências, com a intenção de embaralhar e intensificar as relações entre as peças no seu tabuleiro da escrita.

Afinal, é disso que se trata: de uma poesia que resolve, ao “prestar honras à morte”, celebrar aquilo que pulsa, que lateja, nas feridas e nas tensões, criando um mundo poético no qual a vida “tanto dança /quanto aniquila /extraindo as cores do jardim”.

Prisca Agustoni

Onde moramos é onde mora nosso coração — que, em quase todo fim de tarde, se senta em cadeira de balanço à calçada do bairro. Onde moramos é onde saramos das dores de amores partidos e onde imaginamos nossa partida da cidade de maresia, cidade essa massacrada de movimento, da vida retirante de sua população, gente que já chorou tanto que inventou o mar. A força da natureza também é expressada assim. Tantos quilômetros entre o instante e a eternidade que, ao mesmo tempo, não há unidade de medida universal que meça tal lonjura. A humanidade, pelo instante, manda mensagens sangrentas ao Criador, mas antes disso, são interceptadas pelos senhores da guerra que não gostam de criança. Já o papel da maternidade em nossas comunidades é solo de refúgio e de guarida; e nossas mães representam a dinâmica de prosperidade afetiva em cada morada, entendendo maternidade como a unidade entre nossos pais para nos guiar em nosso assento futuro. Sempre voltamos ou procuramos voltar em memória para esses braços: canais entre a doença e a cura, o descanso.

Em Feicebuqui entrar (2014 a 2018), o trivial e ordinário é nossa conversa com Deus e os encantados, como o canto de Sérgio Sampaio em “Leros, leros e boleros”. Em certo momento, Deus desaba do céu como os anjos de Wim Wenders no filme Asas do desejo (1987) e passa a viver no bairro, desaba com muamba nas costas em busca de maloca e tapioca; e apenas encontra morada na favela. É quando sente saudades pela infância que não viveu, pois Ele nasceu como sol. O documento histórico da metrópole é sua população. A cidade faz das casas gaiolas e as pessoas se prendem e prendem seus pássaros em prisões para eles cantarem de tristeza e de saudade. Meu canto é de pássaro novo longe do ninho. Em Fortaleza, o mar trata de enferrujar cada estrutura metálica, colapsando grades e cercas elétricas. Já o corpo do amante é preenchido de ferrugem e osso.

Thaiz Cantasini

noah mancini

Em Estilhaços de um baobá de vidro, sexto livro da baiana Lavínia Mendes, a poeta se utiliza de observações sobre o corpo feminino, antes (em suas obras) abordado a partir da sexualidade com foco no amor e prazeres, agora como ferramenta de resistência.

Nos textos desta coletânea, Lavínia desnuda-se para ampliar vozes de mulheres diversas que, infelizmente, compartilham das mesmas angústias que o eu lírico das poesias que compõem o livro. Trazendo referências da História de quem veio antes de nós, da questionável política brasileira e todo o racismo e violência existentes, os cotidianos de mulheres negras no Brasil são traduzidos em versos marcantes.

Entretanto, Estilhaços de um baobá de vidro, lógico, não se resume a dores: a afroestima, as resistências desde a manutenção do cabelo black power ao uso do pretuguês, são os pilares deste conjunto de poesias que farão você refletir e ambicionar a revolução.

Boa leitura.

Lorena Ribeiro

Escritora e responsável pelo Passos entre Linhas

Líria Porto

Paula Ana

Ainda com a roupa molhada no corpo penso
Todos estamos presos a um Coliseu
sem muralhas
A poesia de Julia me atravessa
Preciso do tempo
Do silêncio
Me abeirar até
“a península que ainda não existe”

Chris Facó

o livro é uma orquestração de vozes e ritmos, onde o sagrado e o profano se encontram, onde a alegria, o lúdico e o erótico se manifestam multiformes agregando em si várias temporalidades como o refúgio de buscas constantes. das encruzilhadas do blues aos tambores ancestrais, da diáspora à celebração da negritude, esses ovissungus de leo gonçalves pulsam com a vida que teima em florescer em meio ao caos de seda e de ternura.

com uma linguagem em sexualidade que ora fere e ora acaricia em eroticidade, o autor nos convida a revisitar a história, a questionar o presente do antropoceno e a construir um futuro onde a liberdade seja mais que uma palavra, mas a energia que pulsa em todos. marselhesa para sangues impuros expõe em cena os sentidos dos cantos/poemas (ovissungu) em sonoridades, visualidades, tactiabilidades como músculos da paisagem que deve residir na beleza humana.

abreu paxe

Moisés Baião

Camila Jabur

Boa leitura.
Bom nascimento, L.

Com amor,
Maria Giulia Pinheiro

Fátima Pinheiro escreve com a zona febril da voz porque arder na linguagem é também acolher a morte, e trazê-la para perto vem junto com a fina observação dos objetos mesclados aos estados d’alma e corpo, fazendo-se palavra desde a sua gênese, envoltos na voragem das coisas feitas de sons, deflagrando sabores nas minúcias acústicas que as vogais sugam: o cheiro da fruta me conduz à fruta/ a cor se abre como mácula.

Leio AZIZA como um cântico de amor à língua, essa que desliza numa zona crispada, amor apaixonado, amor sem solução, amor que exige nada menos que levar a palavra ao seu limite/ de tal forma que ela se sinta usada/ que nem pedaço de pano que se molha, pano úmido sobre a tez, o mais superficial e o mais fundo, memória d’água e margem fresca, a equilibrar a África que ressoa nos pulmões.

Ode sagrada, profana, carnal, brado e pranto, as palavras se embebem de corpo, banhando a língua em louvores à África. Onde? Mãe, mulher parida, mutumba, fundura, deserto, evaporada. Talho, página, cicatriz: nenhuma palavra, não há nenhuma/ a África desbota a razão.

O corpo-África é sítio geográfico e não-geográfico, lugar e deslocalização, címbalos de vozes em línguas diversas, vegetal, animal, mineral e simultaneamente, o vazio deixado por alguém que passa.

Réquiem entoado em silêncio, por instantes à duas vozes, luto em fúria sob árvores dobradas. Qual é a medida do luto? Ver o rinoceronte/ cultivar flores em seus cascos/ encontrar o teu rosto frente ao meu. Duas e uma e várias e múltiplas vozes a indagar: – o que é a língua? De onde nascem as palavras? Vazias agudas e falhas, suspensas, incriadas… shssssssshssss……………  …. ..

Leia Aziza Moyo, e você verá como é arriscar onde não há nada/ dali cravar uma pequena palmeira/ e ver se desprender o fr………. …. … leiam Aziza Moyo!

 Lucíola Macêdo

Logo, algumas certezas surgem. A primeira delas é que, assim como a escritora italiana Natália Ginzburg afirma em seu belíssimo ensaio “O meu ofício”, Maurício sabe que é escritor há muito tempo. Não sei se, há 15 anos, quando o conheci, ele se via assim, mas sempre foi um excelente contador de histórias. Acredito que, assim como Ginzburg, ele já sabia, de algum modo, que a escrita se transformaria em seu ofício; que escrever seria como estar “em seu país, nas ruas que conhece desde a infância”. A sorte, portanto, está cravada nesse não-dito, nesse mistério que envolve o processo e o desejo de escrever.

A morte e a sorte não mandam recado é uma estreia literária que traz um projeto bem delineado, que vai além de organizar poemas com temas ou estilos semelhantes: ela os conecta ao ciclo da vida e da morte de corpos humanos e não-humanos, de ideias e de amores. Em O corte, O outro e A morte, as três partes que compõem o livro, somos apresentados a poemas que exploram a beleza e o tormento das relações. Que corte seria esse (de um baralho, talvez?) senão o do corpo, que se expõe ao mundo e, consequentemente, ao leitor? O que seria o outro senão aquele, seja humano ou não, com quem buscamos entender nossa própria realidade de mundo? O que seria a morte senão o grande mistério que persegue a vida e, paradoxalmente, lhe dá sentido? O percurso da existência, com suas vitórias e desafios, é impregnado de sorte (ou da falta dela): “Viveremos um resplendor ou uma tragédia”, dependendo do alcance de nosso desejo; é possível perceber, nos pequenos rituais diários, que ainda estamos vivos “Enquanto ralo/ meus nabos e rabanetes”; ao entrar em contato com a vileza do mundo, se perguntar “Qual será o deus depois do massacre?”.

Talvez a sorte de escrever poesia no Brasil esteja diretamente ligada à de conhecer obras de escritores que, assim como nós, buscam na escrita seu verdadeiro ofício. A sorte, ao ler Maurício de Olinda, é encontrar, neste livro, o Outro sendo representado por uma mariposa, um gafanhoto, um carcará, o vento ou um pé de tangerina: “Tudo são palavras./ Se você não piar,/ passarinho verde fala.” Nessas relações, revela-se a necessidade de ressignificar o corte, nosso primeiro contato com o mundo, e a morte, que não é nosso último.

Mariana Marino busca viver do ofício de escrever. É poeta e doutora em Letras.

Como em uma pintura de gênero barroca, um interior de cômodo holandês atravessado por luz lateral, os atos cotidianos adquirem uma carga litúrgica, contrapondo o sagrado e o mundano. Em versos curtos e sincopados, escritos com uma estrutura marcada (três estrofes de quatro versos heptassílabos cada), um imaginário de excessos e volutas se confronta com o desejo de ordem e simetria formal apolínea, marcado por rimas internas, ecos e aliterações.

Nestes hinos esburacados, o leitor perceberá uma condensação de imagens compostas por justaposições abruptas, montagens orientadas por uma direção de cor e de volume, quase como se fossem talhadas em camadas de matéria. Capelas, portos, desertos e cidades marcam êxodos e deslocamentos que coexistem com geografias interiores. A violência e a calmaria, o bélico e o civil, o náutico e o terrestre, o humor e a sobriedade, a história e o idílio, linguagem e ícone, se tensionam como superfícies em atrito, massas comprimidas em uma escultura instável, prestes a ruir ou a se recompor.

O material e o figurado aparecem em constante fricção com a cadência oral e uma lírica rarefeita, marcada pela cintilação de uma atmosfera metálica. Uma orientação escultórica e ornamental envolve os poemas em um véu delicado, mas que esconde estilhaços. Há aqui um impulso enciclopédico, com versos que evocam outros versos, que abrem fendas e nelas se insinuam referências, heráldicas, preces. Esse impulso opera ao lado de cartografias de territórios e romarias.

Talvez seja possível ler Bagatelas como um gesto de inconfidência lírica; não no sentido da ruptura, mas de uma continuidade que só se realiza por desvio. Como escreveu René Char, “nossa herança não é precedida de qualquer testamento”: é preciso traí-la para que sobreviva. A forma aqui não é cárcere, mas campo de tensão; e essa aparente contenção encena cópulas inesperadas, revelando o esboço de uma insurreição.

Marcelo dos Santos

UNIRIO, Professor de Literatura

Ainda, Resto fica na corda bamba entre o clássico e a cultura pop, como no poema “Shakespeare existiu”, onde aborda o grande poeta e dramaturgo a partir da polêmica de sua existência. O poema reflete também sobre a noção de permanência do cinema e de sua reprodutibilidade, televisão e música com ironia e queeridade. Dessa forma, França se coloca como um poeta refinado e pós-moderno por expressar o que é mais caro à poesia contemporânea.

Resto é composto de sete partes: infans; escola; nascer, crescer e fugir; empacotados; de um diário abandonado; marinheiro; e, por fim, necrológios. Os poemas trazem à tona temas tais quais: queeridade; infância; dualidade entre vida e morte; carnaval; envelhecimento; literatura; cinema; música e tantos outros tão relevantes quanto para se pensar o Eu contemporâneo. Ambientados ora no interior e ora na capital, com marcas culturais de Florianópolis — local onde “miramora” — e tantas outras cidades cosmopolitas do mundo, Resto é também uma viagem por culturas e lugares mundo afora.

Em versos pincelados com tom surrealista, George França cria em “casa de bloquinhos” uma espécie de passeio pelo universo onírico, um tipo de fluxo de consciência versificado daquilo que é espectro do mais íntimo Eu — pontos em que flerta com a poesia moderna de Murilo Mendes. Já em “live to tell”, França nos apresenta um poema epistolar para alguém muito amado que já se foi. Com intimidade que deixa quem lê à mercê dos não-ditos, à la Ana C., “live to tell” mostra também o não vivido e, portanto, torna-se um poema sobre ausências — a carta tardia para a qual não já não há mais destinatário.

Com clareza e refinamento, França constrói uma poética que transborda intertextualidades, humor e crítica social a partir de eus-líricos que soam um desbravar pelo mundo e, mais importante, pelos seus universos interiores: memórias, opiniões, desejos e inquietudes.

Renata Gonçalves Gomes

Professora da UFPB e Doutora em Literaturas de Língua Inglesa pela UFSC

Quando a letra coincide com o corpo, um trânsito de sentimentos emerge da folha fina de papel. O poema não oferece mais a garantia da página em branco, do indizível, do silêncio do beco, do quarto escuro mesmo que dia seja. E isso não é simples, pois perdemos o pronome pessoal do caso reto e já não podemos dizer eu (leio, penso, existo etc. etc. etc.). Este livro é que nos lê, nos ensina outros nomes, palavras esquecidas e palavras em devir. Palavras vão e saltam e vem e mergulham e se chocam e se unem na falta. Faz a gente sair catando caquinhos de si — alguém trouxe cola¿

Dividido em sete seções, cada poema torna-se uma chance que a gentchy ganha.

Estratagemas de dizer:

“não

não é isso

não é isso ainda

também não é isso

nem aí

ali também não

também não do lado de lá

aqui mais perto também não

ainda não

ainda não isso

também não aquela outra coisa

menos ainda esta

talvez essa mas não

e menos ainda isto”

Ensaios de si-mesmo na palavra outra, de mundos outros, de quem escreve outre. Quem¿

Ensaios de língua, de linguagem, de gema de pedra preciosa e imprecisa, de gema mole dourada escorrendo escapando de qualquer possibilidade de definição. O que se propõe aqui só pode ser descrito com muita descrença de acerto como uma experiência, com todas as exigências melindrosas que a palavra experiência nos traz. O convite está feito.

Tarsilla Couto de Brito, poeta e professora de literatura

Italo Diblasi

A autora expressa com sua despretensiosa delicadeza e observação momentos íntimos, tão seus que passam a ser nossos: “A foto da avó sorrindo/ ou meu irmão menino,/ que não sabia do peso que um homem carrega sobre as costas.”

Em todos os versos, um grito. Uma fala que deve permanecer em silêncio. Silêncios possíveis nas entrelinhas, frenéticos pela possibilidade de serem vistos.

A autora tece palavras como quem constrói caminhos feitos de linha de seda, numa tessitura de saberes que nos carregam com desejo incessante para que o trajeto — da vida e das páginas — dure um pouco mais.

Carol Diniz Bernardes

Doutora em Teoria da Literatura e escritora

Em seu segundo livro de poesia, Ana Marta Cattani assume um desafio temático e adentra um dos motes mais versados pela poesia ocidental, o matrimônio. Mas casamento não é necessariamente amor.

Amor era um dos temas principais de seu primeiro livro, Tutano (Laranja Original, 2023), no qual acompanhamos um eu lírico apaixonado que formula sua paixão até os limites do desejo físico, tornando-se, para dizer o mínimo, ameaçador. Cattani é uma poeta exemplar em rejuvenescer temas calejados.

É importante considerar que O dia mais feliz da minha vida aponta para um casamento, mas o que a poeta nos entrega é mais esteticamente próximo de uma quadrilha de São João. Afinal, o que a seleta manifesta não é o rigor moribundo do cerimonial, mas uma imagem de sua afetação, de sua estética desencontrada, de sua propagação de mitos ultrapassados via ritos cafonas.

Essa exuberante quadrilha conjugal vai se desfiando mediante uma série de reposicionamentos da figura do eu lírico e, como não poderia deixar de ser, a figura da noiva é conjurada aqui numa enxurrada de versões e arquétipos: “Noiva descalça”, “Noiva-papão”, “A Noiva de Frankenstein”. Uma legião que transita por situações características ou radicalmente arbitrárias, chocadas nesse universo: “Véspera”, “A marcha nupcial” vs. “A barata bota a mesa”, “Orgia boliviana” etc.

Enfrentando a missão de repensar personagens cristalizados, a autora aciona referências da cultura pop e de certo imaginário cinematográfico que abrange desde filmes b de ficção científica até a virilidade em caps lock de um Clint Eastwood.

Percorrem todo o livro (como docinhos espalhados pela festa) aliterações sofisticadas das quais a poeta faz uso sem se render a saídas convencionais, mobilizando inclusive idiomas estrangeiros em prol da consistência sonora, como no caso de “Noivas”: bibelôs no Marché aux Puces / embaraçadas embarazadas em baciadas / de preto pós-crepuscular. Ou em “Trampa”: um troço / branco / atrapada no banco de trás / entrapada em rendas / y tules /

destrozada / (com zê).

Figuras como Batgirl e Eva são convocadas com absoluta paridade de força, e temos também um delicioso aceno ao menor kafkiano, quando os poemas encenam a voz de uma ervilha ou de uma barata.

O que Cattani nos oferece neste livro, em suma, é um multiverso do “dia mais feliz” e as implicações terríveis e maravilhosas de um dia que leva esse título.

Gustavo Marcasse

dramaturgo e artista visual

Os apontamentos poéticos da rosa-dos-ventos de Vulcão, roçados por sua híbrida língua braso-lusitana, são expoentes de delícias a desapontamentos.
Em seu cinema de palavras traceja páginas e caminhos, pontilha lembranças, derrama sensações, em exercícios de formas — muitas vezes mínimas — típicos de quem foi fisgada definitivamente pela poesia e por poetas. Há um fluxo de potência feminal na totalidade dos versos aqui reunidos. Ela, a autora, deixa-nos como que assistir a tudo, ora por frestas, ora nos pondo espectadores diante da tela luminosa, em projeção, posto que tudo aqui, como revela o título do livro, é uma imagética ode de seus viveres agora impressos nas páginas que vão nos impressionando a retina, para projetar as suas memórias poéticas em nossos cinemas imaginários. E assim nos seduz, fazendo-nos achar que somos íntimos de seus viveres de ilhéu-cosmopolita.
Em sua segunda obra, e ouso dizer que ousar obras é um tanto se atirar em abismos, sei que a queda de Ana Vulcão é para cima, como se pesca num poema daqui deste conjunto. E ela singra — vez cosmonauta, vez argonauta — tal qual uma Afrodite Afro, na constelação de seus escritos, que vão cada vez mais firmando sua tinta autoral. Recomendo a jornada por esse deleite particular que aqui se torna publicado.

Pedro Luís
Cantor, compositor e poeta do Rio de Janeiro

Ao leitor, oferece um fluxo de consciência desprovido de supérfluos, lembranças e esquecimento da memória, com imagens e palavras que se repetem, se desfazem e retornam.

Este é um livro para quem reconhece, na dúvida, um caminho para o questionamento.

Lucas Nunes

Neste volume, que combina poemas em verso e prosa, a autora percorre a matéria da palavra em sucessivas investigações. Experimentos verbais que desafiam a transparência das frases cotidianas para poder “ver acesas as línguas ambidestras”.

 “Nada fácil criar um lugar para pertencer”, confessa. Fácil não é, mas é necessário — e por isso ela desentranha a rotina buscando “liberar as palavras mais reais quase visíveis”. Cria, assim, um sistema de códigos próprio, que aposta na proximidade máxima como estratégia de olhar.

Submersão, subversão: seus textos sintéticos insinuam o encontro libidinal da autora com a linguagem. “Não para fazer lembrar, mas inaugurar / momento de impregnação”. Da leitura fica a sensação de estarmos diante de um segredo. Uma intimidade que não é nossa, mas que passa a nos incluir a partir do momento em que deciframos, sem verbo, os enigmas que ela escreve com o som das palavras que, sabe, serão sempre insuficientes.

Carolina Zuppo Abed

Ami Sow
cineasta e ativista queer

Vala comum, como outros livros de Ricardo Pedrosa Alves, experimenta a forma e a linguagem, traço distintivo deste laboratório poético, “um poema são todas as palavras juntas onde lemos um corpo que nos lê”. Corpo, corpos diferentes colocados lado a lado, que demandam por uma construção. Um gesto no poético, do poético que coloca em cena o “fazer poesia”. Um gesto para o outro, que exige esse outro (“é preciso haver alguém ali”), um movimento de letras e espaços no qual “a poesia, se vier, virá na sequência, enigmática”. Talvez um voo proposto/exposto, oferecido ao leitor?

Trazer para o primeiro plano a distorção e o “fazer caleidoscópio” parecem ser, aqui, uma possibilidade de lidar com o real, uma vertigem necessária quando se está diante da “urdidura do estar no mundo”, ou ainda quando a tentativa de centrar essa trama só pode se realizar de forma descentrada, uma vez que, seguindo os passos de Lacan, o real “não cessa de se inscrever”. E esse não cessar chega em Vala comum pela via da própria performance dos poemas. Um livro que não deixa de lado a esfera do político, questões urgentes de nossa contemporaneidade acompanham o ritmo de sobressaltos, onde o(s) rasgo(s), que pode(m) lembrar os de Lucio Fontana na pintura, se apresenta(m) como elemento constitutivo do poema. A língua poética de Ricardo Pedrosa Alves enfrenta a palavra, lançando uma sonda na vala vertiginosa da linguagem e da vida: “ouviram o chamado do fundo? ninguém pode dizer, sequer o espelho inventor. melhor ser fungo, acaso mucosa // amor acaso, amor corpo, memória amor, amor doença”.

Patricia Peterle (UFSC)

Guilherme Rocha

Elizabeth Olegário
Investigadora do CHAM (FCSH NOVA) e doutoranda em Estudos Portugueses (NOVA)

Claudia Masin

Abro libros, encuentro espejos, traducida al español por José Ángel Cilleruelo, celebra los casi 40 años de trayectoria poética y los 80 años de vida de Maria Azenha.

Em cada cômodo, o escritor se depara com um residente que transforma a experiência humana em algo mais significativo e único. Esses encontros são vertidos em linguagem escrita e compartilhados conosco, os leitores. A poeticidade infiltra-se em nosso âmago, desperta emoções adormecidas e desfibrila uma energia única em nosso coração.

A obra de Joely Queiroz nos transforma ao aproximar o nosso olhar do afeto e suas ramificações. O amor é o cerne dos livros Nas vielas do meu ser (2016) e Duas casas: um só ser (2021), mas nessas obras existem também alguns versos existenciais sobre a lida de juntar os nossos cacos e renascer como uma fênix após eventos difíceis da vida.

O livro Enquanto não amanhece (2025) amadurece este veio artístico mais existencial germinado nas obras anteriores. Aqui, a poesia de Joely Queiroz constrói um lar por meio de sentimentos que fervilham dentro de uma poeta insone que troca o sono pela expiação através da poesia.

A calmaria da madrugada é uma oportunidade silenciosa de atingirmos um nível profundo de reflexão e Joely Queiroz abraça essa oportunidade para mostrar a poesia presente na ocasião. O conceito de Enquanto não amanhece se enquadra perfeitamente nas palavras escritas por William Wordsworth: “a poesia é o transbordamento espontâneo de sentimentos intensos: tem a sua origem na emoção recordada num estado de tranquilidade”.

A metáfora da casa não é leviana. Afinal, construir um poema é erigir sobre um terreno em branco um lar feito a partir das emoções humanas. Nesse sentido, Joely Queiroz é uma construtora de beleza, de angústias e de sensações que apenas quem adentrar as páginas desta obra poderá experimentar.

A poesia de Joely Queiroz é mais cativante antes do amanhecer — principalmente, quando apreciada à luz do luar. O brilho emanado pelas palavras dessa escritora magnificente dissipa a nossa escuridão interna.

Hugo Sales

Teresa Moreira

nada importa, nada importa:

é tudo grama para pasto, carne para salsichas,

tempo a ser gasto, vida a ser perdida.

O eu lírico, afinado com o autor, não reage com indiferença, por vontade própria, às solicitações de uma realidade empobrecida e desumanizante; simplesmente constata, desanimado, que é nelas mesmas que as coisas carecem de importância, postas a serviço de uma existência submetida aos imperativos da produtividade neoliberal. E se esforça para reconhecer e afirmar o valor do que realmente importa, coisa difícil de fazer quando se é jovem (ou adulto), e são infinitas as tentações do mercado.

Se não perdeu sua vivacidade devido à educação que lhe foi imposta, a pessoa jovem, mas também a pessoa em que persiste, irredutível, certo elã de juventude, protagoniza à sua própria revelia a “hesitação” a que Kafka se referiu num de seus aforismos: “Existe um objetivo, mas nenhum caminho; o que chamamos de caminho é hesitação.” O eu poético deste Dragão-de-Komodo hesita, no sentido kafkiano, entre o desamparo do remanescente, egresso de uma vida que tão depressa ficou para trás, e a solidão do reminiscente, reduzido, ainda muito jovem, às suas próprias lembranças.

Uma saída possível, embora precária, é a mesma a que este livro deve sua existência: a poesia, que, no entanto, pode faltar quando mais se precisa dela:

percebo tarde demais que, em mim,

não há poesia suficiente para terminar o poema.

À crise da sensibilidade corresponde a eventual insuficiência da invenção poética. Na poesia, que se contrapõe à feiura de qualquer século, Mallarmé enxergava nossa “única tarefa espiritual”. É de espírito, e da alegria que ele fecunda, que sente falta o eu lírico que assim se expressa, em nome de seus companheiros de classe e de geração:

Somos a desilusão do sonho,

no fim do poema,

na margem do mundo,

esquecidos e imundos,

postos de lado,

sem fogo, sem fogo.

Ora, “o poeta é verdadeiramente ladrão de fogo”, escreveu Rimbaud na famosa carta do Vidente, aludindo ao feito mítico de Prometeu, benfeitor dos mortais. Ladrão de um fogo originário, primordial, indispensável a quem plasma, com o barro de sua arte, alguma forma de sonho plausível. Privados desse fogo e da vida espiritual que ele propicia; abandonados pelos gestores municipais nas favelas ou no outro lado do rio, postos de lado, os filhos, as filhas deste século dificilmente podem vir a ser poetas. E este livro talvez não existisse.

Carlos Eduardo Galvão Braga

Natal, 9 de fevereiro de 2025

Contrariando os desígnios da colonização, e para além de reconhecer as violências que nós povos indígenas vivemos, os versos afirmam, sobretudo, nosso direito à alegria, ao prazer, ao encontro.

Em especial para aquelas de nós que amam outras mulheres, os versos trazem reconhecimento ao nosso direito de existir.

Os encontros que o livro enseja ora sinalizam vínculos intergeracionais, com as avós e avôs, ora anunciam relações que vão além do humano, em que o avô também é rio e as árvores também são irmãs. Aqui, o rio fala e a terra tem memória.

Os poemas são gentis com quem lê, como se convidassem para a dança, para a roda, para o canto todas aqueles e aquelas que chegarem com cuidado e respeito.

Este é um livro de plurais, há mais de uma língua, há mais de um sentimento, há coletividades e comunidades e um chamado para que estas palavras continuem semeando outros caminhos.

Geni Nuñez

Numa poética que articula o natural e o erótico, o corpo e a existência doméstica, a superfície pictórica e o papel em que as palavras são inscritas, Ossos e corais (2024) é uma teia de formas híbridas. Como no percurso da água a escorrer na aquarela, somos carregados num movimento contínuo por certa metafísica e filosofia da natureza, por um diário sentimental açucarado, por reflexões metateóricas sobre a prática da escrita e lições de pintura que ensaiam uma pedagogia da concretude. Para a natureza é elaborada uma linguagem própria, que nos permite o exercício do extravio na imanência das coisas.

Neste que é o seu segundo livro, após Peito do pé sobre peito, de 2019, Helena Borges desenha palavras para tratar de experiências que são suas mas que também se exteriorizam; questionando, enfim, as margens evidentes da matéria. Neste entrelaçamento, enxergamos as partes secretas da vida: seu sistema circulatório próprio, aquilo que a configuração meramente aparente parece esconder. Compomos e nos recompomos incessantemente, em várias atividades, no amor e na pintura, que, em seu olhar voluntariamente perdido, faz a linguagem caminhar como se tivesse corpo. A carne, assim, não é aquilo que macula a existência, mas sim o abrigo aberto a partir do qual podemos fazer linguagem. Jamais em repouso, seus poemas fazem a língua derivar, exigindo, enfim, a sua — e a nossa — regeneração constante.

Carmel Ramos

Anelito de Oliveira

A autora também explora a complexidade das construções afetivas que temos uns com os outros, mas mantendo uma postura gentil e tentando acolher esta complexidade. Reconhecendo o potencial que tem todos os laços de serem desfeitos, sem fugir da própria responsabilidade, ela afirma sua individualidade a contragosto:

desculpa por não te amar

o tanto que eu me amo

Em outros momentos ela traz em contraste aquelas experiências de vida que nos marcam de forma mais alegre. Miriã pinta cenários de deleite e mostra a busca pelas novas experiências que por vezes servem como faróis de sentido na rotina da vida. Porém faz isso com os pés no chão, de forma madura.

Esta obra revela a relação de Miriã com a espiritualidade ao mostrar seu encanto pelo mundo como ele é. Ela expressa gratidão a seus orixás pela beleza que encontra nas coisas mais simples e corriqueiras, como o belo pôr do sol florianopolitano, mantendo sua reverência àquele sublime sentimento que é melhor expressado em versos do que na prosa.

Você encontrará nestas páginas um amplo leque de sensações que atravessam o corpo, coração e alma. Reflexões para rir, chorar e rir chorando. Versos para se apaixonar, amar e desamar. E amar a si, a própria vida, e as dores.

Yolanda Cardoso

Pedro Lago

Como quem escuta um bom disco de vinil, a obra nos convida a apreciar um balir de cabra repetidas vezes e em dois lados. O Lado A — pra dentro e pra cima — narra em cinco partes um movimento de internalização de si, de adensamento e aterragem do corpo, de crescimento do ser. O Lado B — pra fora e pra baixo — espelha e completa o arco narrativo, revelando em outras cinco partes o resultado das tentativas que a cabra faz para esvaziar-se e simplificar a sua apreensão de mundo: o regresso ao pasto.
Nessa construção poética, as palavras – escolhidas a dedo e colhidas do pé – aparecem com profundidade mas também com o bom humor de quem brinca de se encaixar. Onde isso talvez seja mais evidente é em cada um dos mini poemas que inauguram cada capítulo, costurados de forma intrincada e divertida para refletir (literalmente) seu capítulo correspondente no lado oposto.

Cabras é uma e muitas. É percurso, pensamento, paisagem e viagem. É mulher, animal, senhora ou criança. É um corpo não-corpo que nos acompanha quando subimos montanhas, damos ou tiramos leite ou saltitamos por aí. Sem ser nada disso, a cabra em cabras é imaginária, universal, onipresente, inexistente.

Thais Ozzetti

Lídia Jorge

Ao longo dos 53 poemas que compõem a obra, iremos nos deparar com imagens bem trabalhadas, o que nos remete à Fanopeia — recurso retórico estabelecido pelo poeta norte-americano Ezra Pound para associar imagens à imaginação visual poética —, além de recursos estilísticos como a aliteração, sinestesia, ritmo e musicalidade, que potencializam a expressividade e despertam sentimentos em quem lê.

A sexta hora é um livro que flerta com a tradição poética, especialmente o Simbolismo, mas com o frescor contemporâneo, principalmente nos temas abordados e a estrutura dos poemas, que “não aceitam esse lirismo pobre manufaturado dos códigos da resistência”. Isto é, a poesia é catarse como “a água remove todo resíduo ou busca / ou oração / encontro”.

Ao ler esta obra é importante “que se entenda e não se surpreenda / não é retilíneo nem discursivo / o processo / o ingresso / a feliz ou infeliz permanência” da poesia que a todo momento se revela, ou melhor, se rebela.

Francisco Gomes

Carlos Lopes Silva
psicoterapeuta e psicanalista

No segundo poema, Eu perdi minha mãe na praia, a narradora tenta recuperar, de todas as formas, a presença dessa mãe que se esvai. Aqui, o litoral é o cenário perfeito para essa busca, pois é no encontro entre o mar e a terra que as imagens de perda e de falta se tornam palpáveis. A praia, com sua vastidão e transitoriedade, surge como metáfora da própria instabilidade da memória e da relação com o outro.

O livro transita entre o lirismo e o fugaz, a necessidade de pertencimento e a consciência de que todo encontro com o passado é, em última instância, um reencontro com o efêmero. Ao explorar a experiência da maternidade e a dor da perda, a autora nos oferece um olhar singular e poético sobre a fragilidade das certezas humanas. Aqui, a mãe não é apenas uma figura de cuidado, mas também um símbolo de tudo o que se perde e se reinventa, de tudo o que a poesia tenta recuperar.

Seja pela desconstrução da imagem da mãe idealizada ou pela busca persistente à beira-mar, este livro propõe a quem o lê uma reflexão sobre as dinâmicas entre o real e o imaginado, o fixo e o transitório. Por meio de uma investigação poética da maternidade, da perda e da memória, a autora abre espaço para repensar a ambiguidade do vínculo, questionando as certezas que sustentam as experiências de identidade e pertencimento.

Desvirtuar o haicai sem deixar de prestar deferência a ele. Está posto o desafio de Elias Fontele no sedutor universo de Haicaindo, um livro moderno que provoca reflexões sobre o ser e as coisas do mundo, fazendo arte com o pouco espaço (em termos de significante) que o famoso modelo japonês de poesia contemplativa deixa para a habilidade do poeta.

Elias, professor, filósofo e multitalentoso artista, olha tanto para a placidez fenomênica de Bashô quanto para as provocações em haicai de Alice Ruiz para elaborar seu próprio método de dizer a partir do extremamente econômico, do escasso recurso poético, o mundo a partir do mínimo. Afinal, sendo um raro poeta que se dedica principalmente às formas fixas, ele se debruça sobre o método acima de tudo, tendo claro entendimento de que, no haicai, só se produz semanticamente se tivermos a perícia do olho técnico.

Assim, Elias criou seu método haicaindo, um continuum de haicais triplos que inclusive ultrapassa os poemas individualizados que acompanhamos em cada página, como se fosse possível escrever uma espécie de epopeia de haicais. Por contraditório que possa parecer, o haicaindo sugere um pensamento em fluxo, onde uma reflexão pungente leva a outra, criando uma teia de olhares que demonstram sua sensibilidade, que não se limita à impressionante capacidade de criar ricos jogos de palavras, silogismos e figuras de linguagem.

Por exemplo, em Haicaindo lemos um ávido panorama da vida moderna, inoculada na morfologia mesma das palavras e das sílabas. A visão paisagística e zen de Bashô dá lugar aos algoritmos, à ansiedade moderna, à genética. Ao mesmo tempo, também se desenterra a paisagem interior, alternando entre razão e ser, refletidos no mundo material que nos rodeia, em imagens como as do sol e da lua. Humor, sarcasmo, otimismo e pureza também dançam e balançam, como se, contrários, não pudessem residir no imaginário proposto.

Finalmente, vale ressaltar o valor metalinguístico desta obra, já que Elias Fontele mostra também uma alta capacidade de se dobrar para o interior de seu método, com a lucidez de quem entende que o haicai é também sobre folhas de papel, tinta e livros. “Lá estão livres / Mas aqui sempre digo: / Eu estou livro”, assinala ele em um dos mais instigantes poemas. Sim, ao praticar o haicaindo, estamos livros. Livros das amarras de uma poesia engessada. Livros como este, l(i)avrado na longevisão onipresente deste poeta diferente e audaz.

Ciro Inácio Marcondes

Cynthia Agra de Brito Neves

Universidade Estadual de Campinas – Unicamp

Ana Elisa Ribeiro

Nina Veras

Valter Hugo Mãe

Entre ruínas e arranha-céus, as imagens líricas erguem-se sobre uma paisagem que mistura lembranças de infância e o ruir inevitável das estruturas — tanto físicas quanto emocionais, de onde se ouvem diversos ruídos, incluindo o ambíguo barulho de um salto. O registro das máculas, celestes ou terrestres, sugere uma busca pela transcendência, mas também o assombro da imanência, como demonstram as ruínas, a erosão e os terrenos baldios.

Por essa leitura, não apenas de ocupação arquitetônica ostensiva é feita a cidade em-verso, pois é a engenharia da perfuração e a técnica do andaime que sustentam a exploração poética da memória, nem sempre nostálgica. Há um movimento constante de retorno e projeção, por meio do qual as camadas do tempo e da perda sobrepõem-se, sugerindo, sob a lógica dos estágios geológicos, que somos, do mesmo modo que os minerais, formados pela erosão lenta e constante de nossas experiências. Mesmo as literárias.

Nesse viés é que Lucas Gabriel Soares elabora um diálogo com a tradição, revelando ecos, diálogos distantes entre o eu-lírico e outras vozes, como se as palavras fossem telas fachadeiras de um prédio literário, capturando fragmentos de existências passadas, detritos, pedaços de reboco, ferramentas. As ruínas tornam-se símbolos de resistência, de uma história pós-moderna na qual o poeta, mesmo intimidado pelo passado, sustenta a continuidade de algo maior — um novo empreendimento, um moderno projeto literário.

Marcio Markendorf

Há, nesses versos, uma batalha de reconhecimento do “eu” no mundo; batalha perdida, visto que ele é incapaz de se encontrar nas formas fornecidas por esse mundo. Isso aparece na discrepância entre interioridade e exterioridade, entre o Ser e a aparência, entre aquilo que se espera e aquilo que se obtém de si, da vida, do outro. Essa dualidade está presente também na forma e organização dos poemas, e no espelhamento estrutural do livro.

Se a vida, externamente, é regida pela incerteza e pela contingência, fluindo como o rio de Heráclito, é feita internamente de uma não aceitação tenaz daquilo que se experiencia. Viver desse modo significa observar e ruminar, mas sobretudo lembrar: o entendimento e a vivência chegam somente com atraso e de forma retrospectiva, num recorrente esprit de l’escalier. O eu lírico jamais está lá, mas dentro de si, que é um outro lugar.

No entanto, a tentativa de encontrar sentidos para si a partir dos próprios rastros se mostra vã, já que os rastros se constituem de tentativas elas mesmas frustradas de se estar no mundo, e que, por isso mesmo, nada explicam; não revelam indícios de uma natureza que esclareceria o estado de coisas presente. O “conhece-te a ti mesmo” não pode, portanto, ser confiado à recuperação, através da memória, de uma inocência e ingenuidade genuínas, pois, se já existiram, são, de todo modo, irrecuperáveis.

Como é possível que consciência e corpo coexistam? É aceitável que ambos não sejam irreconciliáveis? Questionamentos sobre o sagrado e o transcendente se misturam com os dilemas do corpo, e também com a inacessibilidade do Outro, que se apresenta como mistério. Se há algum conforto possível nessas relações, vem do silêncio. E o que se ganha com isso é uma perda: manter-se em um insistente estado de vir-a-ser, constantemente na iminência de algo que não se realiza.

Massa amorfa é a segunda publicação de F. K. Bettiol, e dá seguimento ao projeto poético iniciado em O velho. Autocontido, este segundo livro, de maior fôlego, levanta questões próprias e, de maneira brilhante, concentra em uma metáfora todas as suas preocupações estéticas, criativas e temáticas.

Lucas Hirata Mizuguchi

E ao nascer Mulher?

Quando uma semente é brotada no colo de nossa mãe, a mãe nos entrega uma memória. Não apenas a sua, mas a daquelas que vieram antes, daquelas com quem conviveu, daquelas que nem conheceu. Não só a mãe, mas todos a sua volta, esperam e entregam.

No ato do nascimento, a palavra mulher, que antes se traduz como a palavra menina, é dada àquela que nasce e de algum modo a acompanhará por toda a vida.

“É preciso plantar para colher e eu fico aqui agarrada às minhas sementes”, Marina Sales Rodrigues se agarra às sementes, ao mesmo tempo em que as quer soltar, me pergunto se não é o mesmo que fazemos com as palavras ao escrever um livro. As agarramos na intenção mais profunda de que elas sejam lançadas e sigam seu próprio caminho. Assim, são as raízes que se fincam no solo e se nutrem da água para que possam emergir. São nas raízes, nas águas de sua própria história, que Marina nos coloca diante do acontecimento de se nascer Mulher.

Os capítulos “Útero”, “Aquário”, “Areia”, “Mar Afora” e “Oceano” percorrem o caminho do nascimento à fase adulta de uma mulher, trazendo historietas e percepções sobre sua própria vida. Do mesmo modo que a memória não é linear, o livro pode ser lido em qualquer tempo e em qualquer ordem, como um oráculo que nos acompanha no encontro e no acaso de quem lê. Cada texto é em si próprio, ao mesmo tempo que é cuidadosamente alinhado a um todo.

A metáfora da água que irriga o útero e chega ao oceano, em uma escrita poética e límpida, mostra o devir mulher. Nossos fluxos são diversos, temos em nós a singularidade, mas há uma semente que nos une. É essa gota, que espalha e nos acompanha por todo sempre, que é reconhecida em A palavra mata a coisa desta autora que estreia na literatura com consistência e delicadeza. Mulher. Palavra de encontro.

Isabelle Borges

A intertextualidade é outro elemento fundamental para a construção do sentido deste livro. Jorge de Barros dialoga com Fernando Pessoa, Cazuza, Bandeira, Herman Melville, Gonçalves Dias e outros, tecendo camadas de leitura que vão do literal ao simbólico. Em um caso emblemático, o poeta parece ecoar a resposta precisa — talvez de algum aluno — resgatada de sua experiência como professor de literatura: “Bandeira transformou um carregador de feira que morreu afogado em poesia”. Mas essa intertextualidade não se apresenta como um exercício de erudição; ao contrário, é fruto de vivência e convívio, cultivada em anos de sala de aula e da relação íntima com a poesia.

Outro eixo relevante são as dedicatórias a amigos e familiares, que acrescentam um tom afetivo à ironia e à crítica do conjunto. O inventário familiar aparece no poema “Floema” como uma “Árvore genealógica” viva, em que os parentes são o próprio líquido vital que atravessa gerações, dos avós aos pais, até o poeta. Ele, por sua vez, bombeia um “coração espremido” pelo peso dessa herança. O reconhecimento das origens — com referências a Mauá e Pernambuco — aparece de forma tocante em “Sinos”, um tributo ao pai, projetando uma cosmovisão poética constituída pelas memórias.

A relação com autores prediletos é marcante, especialmente Drummond, Bandeira e Mário de Andrade. Jorge ressignifica suas referências modernistas com um olhar atual, criando um horizonte de diálogo imediato com essa tradição. A escolha por poemas curtos e diretos, quase telegráficos, reforça essa aproximação, como no poema “Paisagem mineira”: “tanta igrejinha assim em cada canto que a gente/quase nunca se esquece de estar pecando…”. A leitura de O mínimo desnecessário é um convite à boa poesia brasileira contemporânea. Prepare-se, porque essa redondilha maior já vai começar.

Danilo Bueno

Mais do que uma denúncia, Consumo imediato é um manifesto poético que expõe, com precisão e ironia, as problemáticas contemporâneas. Entre versos incisivos, aforismos e indagações, Zeli revela um ciclo de exaustão que atravessa todas as esferas da vida. Da exploração à crise climática, das relações sociais à fabricação de realidades, os poemas transitam entre o íntimo e o coletivo, entre o humor mordaz e o desconforto necessário, trazendo à tona o retrato das engrenagens que nos empurram para um consumo sem fim.

Consumo imediato apresenta uma movimentação que abrange cortes abruptos, enquadramentos em plano aberto e fechado, jogos de perspectiva, constituindo, assim, fragmentos narrativos e visuais. Somados a esse dinamismo, há os momentos de contemplação, que possibilitam um território para a análise crítica da materialidade.

Com referências que dialogam com Carlos Drummond de Andrade, Ferreira Gullar, João Cabral de Melo Neto, Luiza Romão, Manuel Bandeira, Mário Quintana, Paulo Leminski e outros grandes poetas, Consumo imediato não é apenas poesia — é reflexão filosófica embebida no cotidiano. Ao percorrer seus versos, o leitor é provocado a enxergar as contradições do presente e a refletir sobre o que ainda resta após os excessos.

Leia sem moderação. Leia com urgência.

Larissa Campos

mediadora cultural e pesquisadora de artistas mulheres atuantes na América Latina

Vítor Guerreiro

Eliana Rigol
escritora

Jandeilsom vem construindo uma trajetória literária em que essa paixão extrapola asfalto e favela, rua e academia, luta e poder: simplesmente salta aos olhos e volta ao coração. Ser apaixonado pela escrita requer a sorte da inspiração, mas também a dedicação de cuidar do que pede, cotidianamente, crescimento e foco.

“Sentimento um tanto tato/ Proscrito saudade e contentamento/ Memória, não esquecimento,/ apneia poética/ desejo contrito” (em “Nada-dor”) e “Adiante o silêncio devora o mar/ E a última luz era estrela” (em “Antes do tsunami a resistência”) são provas dessa paixão em estado maduro.

Outra prova desse amadurecimento poético está em “Pororocando o mar”: “Quantas margens te tocam/ nesses rios de saudades, nascentes pequenas,/ de correntes que jorram/ nos caminhos ancestrais/ por onde tu passas/ na força do vento ou do silêncio/ sendo onda que dança/ no encontro do mar?”: típico poema que, de tão preciso, dá margem a múltiplas interpretações. O autor registrou um momento de amor a dois ou a sua própria relação com a poesia? Pouco importa saber. Recomendo, apenas, sentir.

Usando o mar como ref(v)erência, o livro também traz à tona o eterno mistério que habita a essência de todo escritor: de onde vem tudo isso? A criação, em si, a surgir no horizonte e pedir nascimento. Em “No fundo o poema é mar”, Jandeilsom dá a sua versão que, ele bem sabe, não passa de uma suspeita: “Como em um céu azul de maritacas/ Transparentes são as águas onde/ Nadam as letras e as palavras/ Tão profundo e denso/ Nadam em sincronia/ Preenchendo/ O oceano.” Uma suspeita a ser lida e ouvida com atenção.

Jacinto Fabio Corrêa

Poeta

Ronei Jorge

Marcelino Freire

um universo que se desdobra em fragmentos — camadas que se tocam e se afastam, compondo uma paisagem cheia de hiatos, ritmos, humor, metáforas e palavras vivas que ecoam como ondas. a vida larga embarca em uma jornada poética de múltiplas dimensões: o corpo, a linguagem, o amor são camadas em constante transformação.

a obra instiga os encontros entre o subjetivo e o tangível, os dilemas da identidade, e as paisagens emocionais de quem transita entre o ser e o tornar-se. é um lugar onde o cotidiano se recria. onde limites não são barreiras, mas pontos de partida para entender o que nos define e o que inevitavelmente escapa.

a vida larga atravessa fissuras — aquelas que carregamos, mesmo sem saber. deixar vestígios e descobrir-se naquilo que se move. entre ausências e presenças, o que se desfaz também inaugura. expandir é sempre recomeço. uma ode ao encontro entre palavras e sentidos, um lembrete de que a vida não é reta nem estreita.

As palavras dançam em um equilíbrio entre a crueza e a melancolia, abrindo um espaço para o mistério que se esconde em cada gesto, em cada som, em cada silenciamento. A escrita que emerge dessa tensão é uma bússola que aponta para a fragilidade da vida, a solidão que nos acompanha desde o primeiro suspiro, e a busca incessante por algo que transcende o entendimento humano. O livro não oferece certezas, mas nos envolve na inquietude do não saber, convidando-nos a abraçar a incerteza como a única verdade possível.

As crianças que habitam estas páginas são habitantes de um mundo em que tudo se desfaz e se reconstrói em uma incessante metamorfose. Elas caminham por um continente marcado pela fome, onde as árvores têm o poder de retardar a loucura, e os olhos, sempre voltados para o rio, buscam os demônios que nadam em suas águas. A escrita não faz promessas de entendimento, mas evoca a força de um olhar que se recusa a ser domesticado pela realidade. Ela é um grito de liberdade, uma tentativa de entender o incompreensível.

Cada poema surge como uma ausência, uma falta que se torna presença. Um espaço vazio que, paradoxalmente, é preenchido pela intensidade daquilo que não se diz. Este livro não é sobre o que se pode entender, mas sobre o constante fluir de uma vida que se reinventa a cada instante. A cada palavra, o leitor é conduzido a um mergulho naquilo que é invisível, tocando o silêncio que se esconde atrás da linguagem e da experiência.

A única vida no universo é, assim, uma meditação sobre a efemeridade do ser e o eterno retorno do nada. Ele nos convida a olhar para o que somos com olhos novos, a ver o que está diante de nós e, ainda assim, não conseguir entender. Em cada linha, há a promessa de que, ao final, restará apenas a vida, em sua forma mais pura e indomável, como o único ponto de ancoragem em um universo que não se deixa capturar.

De cunho reflexivo, dividido em três seções (“Voo cego”, “Âmbito” e “Pouso e migração”), Íntimo das aves é um livro que traz o brilho epifânico e o alívio que a catarse proporciona. Uma obra cristalina, que descortina o existencial do que resiste; o que é intrínseco ao Ser: “É quase uma dança, subir é preciso. O caminho não muda,/ ser é se tornar”. Eis uma obra que distingue-se pela beleza da poesia; o belo harmoniza-se entre as palavras, as imagens, o não-dito e as entrelinhas: o belo da estranheza ao colher a novidade e “sem dela exigir alento ou qualquer/ explicação”.

Em tempos de modismos e de versos que “desdenham ao entardecer o nome e a forma da flor”, Renato Melo, com este Íntimo das aves, nos presenteia com uma obra inspiradora, fruto de indagações, silêncios e da contemplação do viver, onde o “eu estoico”, habitante do eu lírico, busca “Paz imensa mesmo ante os transtornos do mundo”.

Ao término da leitura de Íntimo das aves, aliás, a cada releitura do livro, tive a sensação de elevação do espírito, como o voo das aves, onde do alto é possível ver e perceber o Todo, o si-mesmo, quando nos distanciamos. No mais, “Deixemos que os filamentos do sol expliquem/melhor as coisas”.

Francisco Gomes

fonte: Novo Dicionário Aurélio da Língua Portuguesa

Deseiério apresenta-se como um convite a mergulhar naquilo que pulsa a todo momento, na Voz que se encontra — e se esconde — dentro de cada ser. Como um leão faminto busca pela sua presa, o homem, desejante, busca. E o que é que busca esse bicho da linguagem? Qual a Voz que tanto o move quanto é movida por ele?

A Voz é a fonte da qual o autor bebe. Para ouvi-la, é preciso tapar os ouvidos. Manter o olhar atento. Tão atento quanto uma criança.

A cada página, a Voz vai se inscrevendo no texto, se fazendo e desfazendo, ela própria uma brincadeira de tapar seus buracos, mostrar outros. Uma semente com furos, palavras quebradas, cortes de faca, uma craca que arranha a língua. Neologismos, quebras e aglutinações são a maneira da Voz dizer a si mesma.

Imagens como a craca, os pés, e a faca se mostram eixos de leitura: obsessão paranoide – uma figura de linguagem necessária para compor Deseiério. A partir dela, esse universo esquisito e encantado ganha vida e ritmo, próprios das canções infantis: “este é Meu canto cranal/a crá cá cá cá/não lava o pé”.

Uma das obsessões centrais, a craca, parece esconder dentro de si o próprio mistério a se decifrar. É a esfinge do texto. E, justamente ao se aproximar demais e tentar tocá-la, ela se esconde. Foge como uma gata, no pulo do susto.

E “Eis o que há:/uma palá”, que se encontra escondida nas palavras, no impossível de se de se dizer e de tapar todos os buracos.

Deste destino, impossível escapar. Sempre haverá a Voz que alimenta a busca de cada um em direção àquilo que escapa à língua comum, em direção ao signo incognoscível. A Voz dá o ritmo do compasso; de cada palavra, de cada verso inscrito; e se finda com batidas onomatopeicas, entre sístole e diástole silábicas: um coração que faz o texto pulsar.

Isabela Reversi

Raphael Khalil

Fernando Fiorese
poeta, escritor, ensaísta e professor

Livro de estreia há de ser sempre um ensaio. Em Rito de passagem, de Laura Tomé, temos o ensaio teatral. Não um mero e primeiro ensaio de mesa, mas aquele em que o sujeito lírico entra em cena — uma cena hoje menos avessa e alheia à performance de mulheres — para experimentar as máscaras dramáticas e o figurino de páginas numeradas, colocar à prova os gestos e as entonações de suas falas, examinar as deixas de ação dos autores (próximos ou distantes) com que escolheu contracenar, revisar as marcações dos movimentos e corpos futuros. A plateia pode ser amiga ou restrita, mas trata-se de um ritual de passagem, de um teste do texto: “Eu pairo o texto./Eu pairo no texto./Eu, quando me texto, pairo. […]/… logo eu/ que testo se um texto paira na minha testa/simplesmente testando se um texto me testa/Se me testa ao me textar!//A minha parte eu faço: me texto.”.

Passagem há de ser sempre o lugar e o modo do poema. E a poeta sabe das passagens da vida ao texto e do texto à vida, tal eterno retorno nas diferenças: “Aquela palavra: fronteira./Depois da fronteira,/a vida.”. Daí o cúmulo de substantivos e verbos da flânerie: limite, paisagem, movimento, labirinto, margem, encruzilhada, desejo, passar, viajar, circular, passear, caminhar, atravessar, procurar, apenas para citar alguns. Porque a flânerie da poeta que diz “me escrevo/no escuro” é procura de si e do mundo: “Para o mundo,/precisa-se de/palavra,/fonema,/sílaba,/verbo e/caneta.”.

Procura há de ser sempre amorosa, famélica, sedenta: “A procura não se sabe: se saboreia.”. Com fome e sede insaciáveis, ainda quando refere que “Anoiteceu o vocabulário da poeta”, Laura Tomé não arrefece na busca de si, do mundo, da palavra, do outro, do amor, essas coisas esquivas que se ocultam na noite e iluminam: “Me visitas à noite,/trazes algo para beber:/és tu.”. Porque a procura do amor (como também da poesia) tem algo da ritualística canibal: “O meu corpo pede mais vinho/e a minha boca pede a tua carne.”.

Noite há de ser sempre simbólica, dentro e fora. Ao atravessar a noite, com “O poema na mala” e um verso de Drummond no bolso — “Sempre dentro de mim meu inimigo” —, não é luz nem razão o que a poeta busca, mas estar no e dizer do ritual iniciático da palavra, no qual vigoram em enigma a via e a viagem, o viajante e a paisagem: “Plural é meu eu em minha estória,/que à noite sou santa, louca e puta.”. Então, a todas e todos advirto: ou o leitor devora este livro ou Laura o “indecifra”.

Fernando Fiorese

Com rua nove casa vinte e um, Hellington Vieira retorna à vila operária onde viveu até os 10 anos.
Dividido em “Notas Introdutórias”, “Primeiro Turno”, “Intervalo”, “Segundo Turno” e “Hora Extra”, este é um livro atravessado pelo fardo do trabalho, pelas desigualdades sociais e por um quotidiano duro que, ao mesmo tempo que sufoca, alimenta sonhos e aspirações para tanta gente impossíveis de alcançar.
Numa voz melancólica, reflexiva e crítica, Vila Estrela é apresentada como um lugar de pertença, mas também de limitação. O próprio título, reforça a ideia de um quotidiano sistemático, no qual as ruas têm números como as casas e há fronteiras claras entre pobres e ricos.
Vila Estrela é o subúrbio de onde o poeta quer escapar para alcançar algo maior, mais alto e mais longe, mas também o reconhecimento de quão profundas são as raízes. As origens são um passado que carregamos para sempre às costas. O desejo de liberdade encontra na gravidade uma realidade implacável: “o chão não gosta de quem sabe voar”.
Mas se estes poemas denunciam expectativas sociais (como em “[não nasci para escrever]”), também celebram o empoderamento: “o resto da vida/era o que tinha/de maior valor”.
Hellington escreve em versos curtos com rimas insistentes. Os seus poemas são estruturais e secos como uma espinha limpa, mas só na aparência são simples, até porque “as coisas simples da vida/não existem”.
Com o avançar das páginas, na “Hora Extra”, a libertação territorial já não basta e mesmo ser poeta já não é desejo suficiente, é preciso ser poesia, ter uma existência que transcenda a produção, tornando-se algo maior e mais puro: a poesia como possibilidade de transcender.

André Tecedeiro

Este é um livro para ter nos bolsos, para fazer da casa cidade
e da cidade casa, para levantar voo com a terra nos dentes (…)

Sara Duarte Brandão

Manante é uma palavra cuja origem está no latim e que dá conta daquilo que escorre, que mana, que flui… como as palavras-imagens-ideias que se encontram nas páginas deste volume. (Pensei em dizer se organizam, mas organizar não é uma expressão que contemple a experiência de escrita e leitura deste livro; tampouco a palavra encontrar está aqui como sinônimo de achar, mas no sentido do encontro mesmo, como o das águas.) As palavras se tocam, se repelem, se afastam, encontram outras; de cada encontro nasce um novo sentido e, por fim, as palavras nos encontram, leitores, e tocam nossas línguas, percorrem nossos cérebros, veias, os campos ocos dos nossos corpos. Como a água, que caça todos os caminhos possíveis para seguir seu fluxo ao encontro de, Lameu vai se imiscuindo em nós a cada leitura, garantindo a imortalidade de sua alma, que está nestas páginas que devem ser lidas — atenção! — como quem lê o mais íntimo dos diários, o mais profundo dos segredos. Afinal — vocês verão! — a sensação é que estamos lendo algo que nós escrevemos (talvez porque ela já se lance pra dentro de nós assim que lemos “entre a hesitação do primeiro gole de café e a fuga para o litoral”).

Jefferson Almeida

Da parte baixa do íngreme relevo, elege a perspectiva de quem “mina de dentro” — expressão que é minha teoria da potência de revolvição pelo caminho miúdo, interno — as estruturas da cidade e das próprias palavras (aqui o poeta revela seu dna cabralino). Para além das filiações que explicita com Alberto Cunha Melo e outros antecessores neste ofício de “dos sonhos dos homens inventar uma cidade” (evocação a Carlos Pena Filho), Estevão escolhe a via menor, a sutileza das águas, capazes de derrubar arranha-céus, para conferir voz ao que habita o mais fundo.

O poeta lança o convite-desafio, sua “proposta de reassentamento” feita por “mãos calejadas na vontade de durar”. Não almeja pouco: a escolha das tantas perspectivas é estratégia de quem quer cerzir “a beira da vida ribeira”, arquitetando encruzilhadas. De sua cidade-terreiro desfolha uma poesia que não oculta sua face política, rasga “na carne morta dos mangues” e escancara as “novas senzalas de zinco”. Sentencia, com a força do anímico, o poder das pedras, dos tijolos que carregam o suor de quem neles trabalhou, e estanca a percepção linear do tempo e da geografia. A partir dos arrecifes (ecoando Cícero Dias, “Eu vi o mundo… e ele começa no Recife”) deambula pelos quatro cantos da esfera e revela “as cabeças dos homens/entre os vãos do tempo”, para emitir a dureza do aviso, sua carta em uma garrafa à cata de nós, leitoras/es: “a ruína da democracia é a falência da fala”, por isso a poesia a reinstaura no estreito fio da navalha. Que o prazer da descoberta destas trilhas na escarpa acorde o que há de gente em nós: evoé, poeta!

Renata Pimentel 

Poeta, escritora, professora, artista do teatro, da dança e do audiovisual

“Um brilho inédito atravessa confiante

A fissura das pálpebras (…)”

Sua colocação, ao meu ver, sempre foi muito audaciosa, expandindo-se a cada verso e consumindo, das beiradas ao centro, cada nova página. Por isso o nome: Terra abrasada é o local depois da catástrofe, o resultado de um incêndio, fruto da extrapolação enorme das temperaturas.

Após a primeira onda de calor que instaurou suas ideias, então, o que se seguiu foi um intenso trabalho de busca, interna e externa, o qual por diversas vezes me fez regredir nas observações e estabilizar os pensamentos incendiários. Estas importantes pausas dão cadência ao livro e permitem, assim como ao eu-lírico, a compreensão de si, do outro e das vontades motrizes de ambos.

“(…) Ergo o tronco, por fim

Como se levantasse a cabeça

De um balde d’água gelada

E repouso a consciência na materialidade (…)”

“(…) Ao centro, há o poeta,

Fadigando os olhos há horas,

Procurando à esquerda e à direita

A linha em que perdeu as amoras.”

Fato é que, mesmo durante a escrita, este livro absorve e consome quem o lê. Os cenários pintados tentam, com esforço tremendo, atrair o leitor para dentro deles, onde a experiência sensorial atravessa a camada lisa das palavras e permite a existência de declives, a flutuação das temperaturas e do ar, o paladar dos sabores, a audição dos estrondos etc.

“Acordei de sobressalto no meio da noite

Estava febril como uma lâmpada em uso

Estava, na verdade, convulsionando de febre”

            Por esta razão, Terra abrasada ambienta, comunica e se aprofunda, essencialmente, nas relações humanas, principalmente naquelas em que se dialoga consigo mesmo e se abstrai o cerne do que é capaz de nos mover, individual e coletivamente.

“(…) Era, enfim, uma estrela nova

Incinerando a fonte exposta de minhas capacidades inúmeras.

Lampejava esplendorosamente em cada canto do universo (…)”

Espero, enfim, que os leitores deste meu livro querido possam dialogar e se relacionar com ele de alguma forma. Além disso, espero que estas palavras permeiem por diferentes camadas e permitam múltiplas reflexões na contraposição do que existe dentro e o que se coloca do lado de fora. Desejo-lhes uma excelente leitura e uma boa viagem por este campo renovado após o atravessamento das chamas.

Allan de Carvalho

O poema que abre o livro pode ser tido como uma chave de leitura para o todo da obra, pois apresenta uma característica de autorreflexão que se concretiza ao navegar pelo tempo dessas paixões; trata-se de “Espelho”, objeto que se materializa enquanto metáfora fundamental para a narrativa proposta e para a consolidação do contentamento de si.

A poesia de Mia cativa o leitor e o encanta, comportando sentimentos universais em versos de singela humanidade, reproduzindo a “criação constante” do eu lírico por meio de inúmeros caminhos percorridos ao longo das existências. Em poemas como “Sob o olhar de Saturno”, “Bosque sagrado” e “Do teu nome uma prece”, temos a insubmissão do tempo à potência do amor, enquanto poemas como “Vertigem ao luar” e “Canção de amor” exploram o alcance desse sentimento.

Apesar das andanças nas vidas passadas, há um tom jovial sempre presente, imprimindo frescor e um certo brilho à poesia. O eu lírico navega entre momentos de amor não correspondido, de paixão intensa e mútua, de nostalgia por um amor que se perdeu, de sofrimento por um amor que já se foi e de reconexão com o eu nessa jornada de vidas. Avesso ao não sentir, o eu lírico sofre de amor, de morte e de solidão, mas encontra a si próprio na natureza, a canção da vida e da eternidade.

Isabelle Araújo

Mestra em Estudos Literários pela UFPE

Tão passional quanto cético, Gabriel caminha pelos cenários de sua vida e faz uso dos filmes O mágico de Oz e Apocalypse now (dentre outros) como panos de fundo, evocando imagens familiares do cinema sem medo de subvertê-las. Sempre artístico, porém nunca leniente, o livro chama a nossa atenção para o chiado que fingimos não ouvir e aponta a fragilidade das bolhas e panelas do meio literário, sinalizando os títulos que escolhemos desconhecer e a hipermetropia que rodeia as nossas leituras. Com a mesma escuta cuidadosa, consegue capturar a sutileza dos ecos de um abraço e os desencontros agudos de um eu-lírico intruso.

Tormenta por vir é simultaneamente incendiário e tempestuoso, escrito com versos agridoces que convidam à reflexão e fazem o leitor questionar “qual versão de mim estará certa no juízo final?”.

Dora Lutz

“Vem/ouça o canto das folhas —/tu podes beijá-las/e com elas cantar/ajoelhar e chorar/mas não as arranques/de seus galhos”. Assim se inicia o Cantar o chão em pleno voo. Inicia-se o grande código de experimentação da vida conduzido pelo poeta Nitiren Queiroz. É uma declaração poética constituída com propriedade, intensa, e com uma particularidade: a linguagem de encanto nomeada com todo o seu encadeamento de sons, figuras e movimento.

Autor de Nêfesh, pelos olhos do jaguar e O apocalipse é meu parque de diversões, livros nos quais já se pronunciava a sua profunda percepção, engenhosidade e fecundidade, Nitiren Queiroz amplia, com rigor, seu horizonte neste livro. Desdobra o processo. Isso é evidente quando nos deparamos com uma coisa fabulosa, com uma coisa estranha, um delírio, peças fundamentais para a significação, para o encantamento, para a construção da poesia. É um anunciado de inventividade, de multiplicidade.

“Canto e persigo esse monstro/para renascer/em seu colo vibrando/cores e cores/de mundos que navego/e de outros tantos/que me germinam pelos poros”. Nitiren Queiroz tem consciência plena de todo o seu campo de emprego. É uma penetração na alma humana. É a caixa de Pandora aberta. Tem ele conhecimento de tudo aquilo que o cerca, tem relações com o mundo, conhece as paisagens. É cúmplice das grandes metáforas. Tudo isso é Cantar o chão em pleno voo. É poesia.

Celso de Alencar

O título evoca a sensação sufocante do calor que marca o fim do verão, metáfora que se desdobra em estados emocionais variados ao longo da obra. O poema “Negativo” explora a matemática do sofrimento: “Toda semana, tenho / morrido três vezes. / E renascido duas”. A morte simbólica reaparece em “Ai de mim” — “Ai de mim, ai de mim / se não fosse a poesia. / Como eu faria para morrer / tantas vezes e, ainda assim, / continuar viva?” — e encontra eco nos versos de Mario Quintana — “Da primeira vez que me assassinaram, / Perdi um jeito de sorrir que eu tinha. / Depois, a cada vez que me mataram, / Foram levando qualquer coisa minha”. Em Lohaine, a poesia emerge como espaço privilegiado de reinvenção da vida.

A obra é atravessada por imagens uterinas e fetais, possível reflexo da formação em Psicologia da autora. Em poemas como “Autoabortável”, “Amniótico” e “Romaria”, o útero simboliza simultaneamente proteção e angústia, numa ambivalência que ecoa teorias psicanalíticas sobre o desejo de retorno ao estado pré-natal. Em “Lar-falo”, a vulnerabilidade feminina é exposta em uma sociedade que nega proteção e equidade de gênero: “Eu chorei pela / falta / da proteção / Muro maciço / Pele materna / Barriga // Tampouco saí, / tocaram-me as mãos / do gatilho / Dele. / Que me deu meia vida / E tirou outras inteiras / Sem dó”. Para as mulheres, nem mesmo o lar é sinônimo de segurança.

Apesar da densidade temática, Calor de março oferece vislumbres de esperança. Em “Resistência”, gestos cotidianos como “o café quente e amargo” ou “o ‘crock’ do pão levado aos dentes” tornam-se rituais de sobrevivência, mostrando como pequenos atos podem ancorar o sujeito na existência. É nesta tensão entre desespero e resistência que a obra encontra sua força maior. Conjugando sua formação em Literatura e Psicologia, Lohaine Miguez constrói uma poética que transcende o mero registro confessional, alcançando uma dimensão universal que dialoga com as experiências mais profundas do ser humano contemporâneo.

Anna Faedrich

Professora de Literatura Brasileira na Universidade Federal Fluminense

Essencialmente catártico, Varanda de insônia é um livro visceral, de um lirismo insubmisso, que, também, por meio de temas metalinguísticos e metafísicos, desnuda sem pudor o eu lírico, expondo suas vulnerabilidades, vontades e — por que não? — frustrações; uma obra meditativa, inquietante e redentora: “De repente a noite virou dia/eu e minha poesia/passamos a noite em claro/eu e meu dicionário/cúmplices do silêncio não raro/naquela noite/em que eu não dormira”.

Com imagens fortes, eis um livro de buscas, autoconhecimento e silêncios. A poética que habita Varanda de insônia é potencializada pelo tom prosaico da linguagem expressiva, revelando uma poesia intensa e emocional, que fará o leitor imergir em si mesmo.

Mergulhar nestes poemas, dissecando palavra por palavra, verso por verso, estrofe por estrofe, me fez perceber que “Neste instante/comovo-me com exatidão/quase que como um devoto/da poesia/que me aposso//Pouco a pouco/sou outro”.

Francisco Gomes

]]> https://editoraurutau.com/titulo/varanda-de-insonia/feed 0 https://editoraurutau.com/titulo/o-levante-das-aguas https://editoraurutau.com/titulo/o-levante-das-aguas#respond Thu, 20 Feb 2025 09:10:32 +0000 https://editoraurutau.com/?post_type=product&p=23667 maré, substantivo feminino

É feita de água e de anatomia feminina a poesia de Leila Tabosa. E seu levante nos ergue com o fluxo de mil enxurradas. Maré brava. Seus poemas percorrem estações da vida e de um mundo que ainda sobrevive graças aos deságues que um corpo-água esguicha. A menarca, o sexo, o gozo, o parto, o climatério, a umidade que redime e reproduz. A água, que rega e se refaz no fogo, reverte a fina poeira de ressentimento misógino que os costumes devotam ao corpo das mulheres. Uma biografia líquida, na flexão feminina do gênero, vivida através das águas. Desde os batismos de uma infância sitiada às revoadas de resistência, sob balanços de chuvas. “Tudo em mulher é água”, diz. E também das águas nascem geografias do olhar. Cidades fêmeas erguem-se dos nossos 70% de água orgânica. Morcegas e guarás voam, caçadoras, sobre os caranguejos do Delta do Parnaíba, que sonham ser devorados por elas. Expõe a água como elemento de poder, controle e sobrevivência no continente Nordeste. Onde a má distribuição de chuvas serviu a governos coronelistas, fabricantes de misérias úteis. Cães e gatos magros incorporam a desapropriação das águas, sequestradas pela ingerência. A especulação que a tudo drena, até mesmo a praia. Roubando o lúdico dos faróis, jangadas, brinquedos de mar. Das águas nascem um herói cearense: Dragão do mar. E um rio lar potiguar: Mossoró. Onde uma gata sarnenta regurgita a dor de etnias indígenas exterminadas, lambendo o dorso envenenado. Não há tréguas para o que a vida vaza. Seus poemas têm tempestade. Sangram. Recitam. A água, toda fonte de vida. Resíduo de infância. Vestígio colonial, elemento civilizatório. Casa. Verbo onde escorre o começo e o cerco ao que nos resta de humano. A exemplo de João Cabral e Sophia de Mello Breyner, Jorge Amado e Zila Mamede, o leito da poesia de Leila se deita sobre o desejo de desvelar as mãos que secaram os rios, que medraram as veias do sangue exploratório. E corpos fartos de chuva. A água-corpo-poesia é uma força maior que os diques, extravasa. Um fio de água, como um fio de sangue, conduz o corpo revoltoso a uma vida contracorrente. Não cede às rochas. Não cabe no cabaço comezinho da falsa moralidade. Água placentária, de onde outro corpo germina, explosivo. Atravessa a vida como um rio que é tangido do córrego. Se recusa a deixar de escoar. Transforma-se em flecha. E nos atinge em cheio. Envolve-nos numa escrita de estuário. Doce, salgada. Viva. Oásis. Tal qual sua Ilha de Cajus.

Daiany Dantas

Nos poemas de Beatriz, a escrita funciona como um instrumento de dissecação da identidade, uma bússola que aponta para o seu íntimo enquanto analisa o seu entorno, transformando o incômodo do não pertencimento em arte.

Diante do novo, o eu lírico se sente uma criança: ávida pela novidade, pelas primeiras vezes e pela incerteza. Ao vislumbrar a imensidão de um novo horizonte, passa a se encontrar nos vestígios do que desconhece. Como um explorador que tenta demarcar o território não pelos pontos de reconhecimento, mas sim pelo que lhe causa estranheza.

Em terras estrangeiras, a poeta traça um mapa de si mesma. Analisa cada possibilidade, tomando o cuidado de afirmar, a todo momento: não estou aqui. Até se perceber como alguém que partiu, mas leva dentro de si o lugar de origem. “Sentir saudade significa / estranhar a ausência de algo”, e é nessa ausência (nas entrelinhas) que ela se encontra: “onde eu puder sorrir / hei de fincar / minha bandeira”.

Carla Guerson, escritora e poeta

Marika Gidalli

Essa é a prática adotada pela voz lírica que atravessa tempos difíceis em Brumação, de Isadora Dutra. O isolamento social, as tensões sociais e políticas, a crise climática e a insegurança em relação ao futuro afetam a vivência cotidiana dessa voz que contempla as noites como uma forma de suportar a dureza do momento.

Entre a memória e a insônia, a voz lírica inventa uma conversa com a Lua que vê da janela. Assim reflete sobre os acontecimentos, a sensação do tempo, os medos e desejos, o sentimento de revolta, e o que ainda está por vir. A série de conversas oscila conforme os estados ânimo dessa voz que precisa inventar para si novas formas de experimentar a passagem dos dias diante das imposições das circunstâncias.

Em alguns momentos, ela lança apelos e súplicas, em outros esbraveja e maldiz a Lua na janela, jurando vingança. Por meio dessa conversa insólita, vai elaborando angústias, sonhos e lembranças ao passo que recria os dias e o ânimo para enfrentar a solidão do isolamento. Nesse fluxo, vai se tornando possível até reinventar alguma esperança de dias melhores.

A noite observada da janela ainda traz outros personagens que atravessam as reflexões da voz lírica: um cão que ladra e outro manco, um sabiá madrugador, uma vizinha que rega plantas, uma catadora que passa com os filhos, os ônibus na avenida e uma saudade, afinal, os jacarés também amam.

Macula Amaral,
professor e escritor

Convidados à dança, somos chamados pela música que aparece como substrato importante nos poemas, enquanto experiência auditiva, íntima, física, espacial e motivadora. E é nessa existência sinestésica que os poemas se formulam agregando quantos temas e formas são necessários para se desenvolverem enquanto universos de palavras.

Davis tem a capacidade de criar pequenas ilhas moventes que, aos poucos, se juntam em arquipélagos até simularem um cosmos. E em meio a essas estrelas dançantes algo relampeja para o nosso mundo em perigo: experiências de amizades, encontros, nossa implacável solidão, as ruínas do mundo ao redor, as guerras, configuram temas aqui escritos em uma tinta capaz de produzir fagulhas entre passado e futuro. Os poemas, em conjunto, não chegam a constituir uma aporia, mas apostam em uma fricção produtiva ao colocar o pensamento em movimento, sem se entregar ao niilismo, nem tampouco sucumbindo à esperança.

As greves e as mãos do poeta, os sacrificados e os sobreviventes, a casa e o mundo, memórias e esquecimento, os navios e as névoas, as novidades e as repetições, o corpo, o rio e a cama, são colocações poéticas que produzem aqui deslocamentos singulares: “pássaros / têm um tanto de barcos” ou “lembrar dos mortos / e ser enterrado pelos vivos”.

Não se trata de qualquer dança o movimento que aqui se concebe de uma a outra página: entre o desequilíbrio e o mastro, entre os momentos claudicantes e a certeza, o corpo aparece enquanto produtor de verbo capaz de nos orientar durante a turvação do olhar provocada pelo nosso mundo atual. E isso é só um pouco do que o leitor poderá encontrar nestas páginas em que a mastigação lenta só tem a oferecer mais e mais sabor.

Pedro Kalil

Ademir Pascale

escritor, editor e ativista cultural

Priscila Bissaro é uma escritora fascinante. Em seu livro Marula aos leões, nos conduz em uma jornada poética pela ancestralidade, onde cada verso resgata memórias do passado, atravessa as fronteiras do presente e expande os horizontes do futuro. Simplesmente incrível!

Marcos Prates

Makarios Books Livraria

Marula aos leões, ou melhor, aos leitores!

Embarque em uma viagem cultural sem fronteiras, onde as palavras são seu guia turístico e os poemas, o mapa que revela um mundo escondido ao nosso redor. Este livro nos convida a descobrir o que está ao nosso alcance, mas tão frequentemente passa despercebido. Prepare-se para sair “amarulado” desta jornada literária, com uma nova perspectiva e um olhar renovado para o mundo que nos cerca.

Sara Gomes

Editora Ascensão

Priscila, uma linda Rainha que cuida do seu Orí com equilíbrio em conexão com os Orixás, na essência do seu ser cheio de generosidade, amor, bons pensamentos refletidos em seus            poemas.

Eliane Queiroz Auer

escritora e poetisa

Um aluno me perguntou hoje: “É verdade que História não cairá mais no ENEM?”, sim, está rolando este boato entre eles… minha resposta foi que, independente se vai sair ou não, a História foi, é e sempre será importante: quem não procura entender as antigas civilizações não consegue entender o passado, se situar no presente, nem ter uma perspectiva de futuro. Nesse sentido, esta obra tem inestimável valor, uma vez que a África é o berço cultural da humanidade. É preciso entender como o passado influencia o presente, o porquê das coisas serem como são e quais são os melhores modelos de vida, de sociedade, para ser capaz de gerar infinitas possibilidades.

Maria Nilda Bissaro

historiadora, especialista em docência e antropologia

Aqui, a escrita parece ser uma prática transtemporal, na qual cada poema dialoga com o futuro, o presente e o passado simultaneamente. A poeta investiga o cotidiano de forma sensível e crítica, atribuindo ao aparente “pequeno” uma profundidade que o transforma em possibilidade de reflexão. Ela questiona, com o desvelo de quem escuta o mundo ao redor: “de onde brotam estas palavras miúdas?”. Questões políticas e sociais entrelaçam-se ao tecido poético, conferindo ao tempo presente contornos de fúria, indignação e afeto coletivos. Como ela expressa, “há anos disfarço a intensa lucidez com as tarefas do dia a dia” — uma escrita que não se esconde na rotina, mas emerge dela.

Composto em três movimentos, o livro convida a leitora a se mover junto com a poesia, que percorre despedidas, ausências e sonhos. Para a autora, o silêncio não é vazio e parece ser uma ação importante no trabalho com as palavras. Ao escrever “eu preciso de silêncio”, ela nos apresenta, da mesma forma, uma questão: como realizar uma real escuta — neste e em outros tempos? O silêncio é como um elo que liga o presente e o porvir, também sendo ofertado, ele mesmo, ao futuro.

Nesta obra, os versos abraçam a vida em sua transitoriedade, como ao afirmar: “não há nenhum deus na despedida”. Eles não procuram divindades ou certezas — ao contrário, acolhem a impermanência e o fluxo das existências: “não há o que cicatrize o corte profundo na carne viva”, lemos.

Esta publicação é, então, muito mais do que uma reunião de poemas e prosas poéticas: é um chamado para resgatar a escuta em meio às pressas e distrações da vida cotidiana, para que possamos encontrar a poesia nas minúcias e complexidades do dia a dia. Karen Debértolis nos convida a um espaço onde a escrita é um ato de afeto profundo pelo tempo e pelos outros — e pelo tempo dos outros. É um livro que nos lembra, a cada página, que a poesia pode ser o lugar onde é possível — verdadeiramente — imaginar: para alguém escutar no futuro.

Francisco Mallmann

Ao longo desse livro você vai se surpreender com a facilidade com que ele simula e joga o tempo inteiro com a expectativa do leitor. Ele parece não ter um estilo, mas isso é mais uma informação falsa. O seu estilo é sugerir que não há estilo e assim o leitor é levado a se perder nesse labirinto sem ansiedade para sair de lá. Poemas curtos com imagens fortes e de beleza irresistível se misturam com outros de maior fôlego que se alternam com poemas fonéticos que flertam com poesia visual. Tudo parece espontâneo e armado para enriquecer o desenvolto Samba mudo do poeta polifônico.

Toda essa liberdade poética permite que o autor nos proporcione uma prazerosa experiência que permite com que nos percamos no mesmo labirinto até o desfecho do poema sempre beirando o inusitado e que faz com que um sorriso adventício brote em nossos rostos cansados (“São capazes de sorrir/ sem um mínimo movimento da sua boca.”). E para isso ele não tem o menor pudor de flertar com referências pop (“um amor Ross e Rachel”) a fim de fechar a conta com o mais deslavado, delicioso e surpreendente arremate (“Eu quero um amor de época que seja na nossa época. Eu quero um amor inteiro e completo, com paixão e se puder, até um pouquinho de farofa.”).

O lirismo incontido e desavergonhado do autor faz com que nos identifiquemos com vários versos ao mesmo tempo em que somos levados a equivalências saborosas (“desconfio dos poetas que não sabem o que é comprar fichas para telefonar no orelhão e dizer eu te amo”) como Chacal e outros poetas cariocas que costumavam dormir em nuvens ciganas nos já longínquos anos 70.

A poesia de Brenno Costa nos lembra paradoxalmente de que “escrever é esquecimento” e que amar não só parece, mas é mesmo indubitavelmente um naufrágio.

Mário Bortolotto

Dividido em três seções, o livro aborda questões universais que vão além de uma anatomia específica. Na primeira, Cordões, são evocadas as raízes e o vínculo com as mulheres que vieram antes, refletindo sobre a herança que carregamos e que, muitas vezes, nos pesa. A segunda parte, Corpo lúteo, mergulha na experiência de habitar um corpo marcado pelo desejo sáfico e pela recusa a se render a expectativas externas. A última parte, Endométrio, nos lembra que tudo na vida é cíclico: morte e renascimento se intercalam, nos levando a constantes recomeços.

Diálogos uterinos é um manifesto contra limites impostos e um convite para quem deseja celebrar a identidade, a memória e a reinvenção em suas diversas formas. Este é um livro para quem já se perdeu e se reencontrou, para quem busca um espaço onde possa ser e estar por inteiro. Aqui, cada página é um convite ao sentir.

Thainá Carvalho

Escritora e artista visual sergipana.

Lucas Marques

Nos poemas de Beatriz, a escrita funciona como um instrumento de dissecação da identidade, uma bússola que aponta para o seu íntimo enquanto analisa o seu entorno, transformando o incômodo do não pertencimento em arte.

Diante do novo, o eu lírico se sente uma criança: ávida pela novidade, pelas primeiras vezes e pela incerteza. Ao vislumbrar a imensidão de um novo horizonte, passa a se encontrar nos vestígios do que desconhece. Como um explorador que tenta demarcar o território não pelos pontos de reconhecimento, mas sim pelo que lhe causa estranheza.

Em terras estrangeiras, a poeta traça um mapa de si mesma. Analisa cada possibilidade, tomando o cuidado de afirmar, a todo momento: não estou aqui. Até se perceber como alguém que partiu, mas leva dentro de si o lugar de origem. “Sentir saudade significa / estranhar a ausência de algo”, e é nessa ausência (nas entrelinhas) que ela se encontra: “onde eu puder sorrir / hei de fincar / minha bandeira”.

Carla Guerson, escritora e poeta

Poderíamos dizer: este é um livro que se compõe como um álbum de figurinhas, uma coleção de imagens, uma sequência de espantos que se chocam com a própria vivência do poeta. Mas, se comparamos seus poemas a objetos, cairíamos em um erro, “porque um objeto pode ser útil ou decorativo, e a poesia não o pode ser nunca”, como disse Herberto Helder.

O melhor é se deixar levar pelo livro. Como estou dirigindo é daqueles que ficam para sempre na memória. Dividido em quatro partes (Saturno leva sempre algo nas mãos, Como se constrói uma melancolia de domingo, Ante nossas portas desdentadas e O escapista), o livro reage também com as próprias lembranças e imaginação do leitor, “como uma cisalha da memória do chumbo”.

No poema que dá nome ao volume, a frase-clichê “Como estou dirigindo” revela imagens impressionantes: uma biga conduzida por coiotes, um boi em chamas. O poema “mas isso só me ocorre agora”, com sua música encantatória, parece ecoar Joe Brainard ao mesmo tempo que se afasta dele: Lembro da face da dona do Tibola mas não sei bem o porquê (…) lembro da cara de Francrílson cujo nome pedi que me copiassem/ em um rótulo de cerveja/ e guardei como um troféu oleoso/ conquistado no ringue dos nomes transformadores.

Poderíamos dizer, sem medo de errar, que é um livro como uma barbearia que aparece e reaparece como mágica, cujo barbeiro é um tipo que lembra Houdini ou Gurdjieff e nunca se deixa deter.

Bernardo Brayner

Infértil desejo explora as principais fases do ciclo do abuso dividido em três capítulos. Cada fase é desvendada por uma narrativa em poemas, que testemunham o estado psíquico abalado de uma mulher dentro de um relacionamento tóxico com outra mulher.

O livro percorre em poesia visceral a passagem das fases do ciclo dentro da percepção dolorida, invisibilizada e silenciada de uma mulher que não se conforma em amar e viver em estado de angústia ao mesmo tempo.

Infértil desejo é um livro honesto em sua narrativa autobiográfica que vai além das lentes subjetivas, entrega também questionamentos e respostas por meio de uma denúncia sociológica e cultural da questão do abuso sofrido por tantas mulheres em nome do amor.

Também se destaca a palavra melancolia, emprestada em larga medida de Carlos Drummond de Andrade e Roberto Bolaño, algumas das muitas referências para os poemas. Ela aparece sem alardes, mas é assumida como traço distintivo, e é percebida geograficamente, num mundo que se mostra com frequência empobrecido. Através dessa paisagem ao mesmo tempo interior e exterior, o sujeito apresenta ao leitor o mundo visto, e tudo acontece como uma conversa singela, uma que se faz ao caminhar.

Talvez por isso a forma deste “acaso” conjugue o poema longo e o verso curto. Assim, cada sílaba é um passo; cada verso, um metro ou mais — e as imagens da rua e da cidade e do mundo se dão a ver em um mosaico feito de “cacos fora da moldura”, que o sujeito do poema indica ao leitor como alguém que aponta com o nariz.

Dizendo assim, parece sobrar desencanto em Um acaso nas mãos, e é possível que sobre. Mas não há engano: apesar da melancolia, um verso sempre escapa, o amor brota, a memória ilumina e a estrofe diz, implícita ou explicitamente: — Ainda vale a pena estar vivo, vale a vida.

E vale um verso também, ou muitos, mesmo que escritos por acaso.

Gabriel Reis Martins

Nesta reunião de poemas de Victor Oliveira podemos ver o espectro da simplicidade de O Velho e o Mar, da intimidade e delicadeza de A teus pés e do fragmentado desassossego de Fernando Pessoa. A poesia inerente a uma vida prosaica, transpassada por toda a dificuldade do que é traduzir a realidade sem olhar para o abismo (ou muitas vezes olhando e seguindo, mesmo assim), traz ao leitor o fascínio de olhar o outro pela fresta da porta.

Em busca do seu próprio espaço — até mesmo geográfico, entre os morros de Minas e a vida noturna paulista —, Victor escreve sempre do interstício, e Espelho só traduz a liberdade desta condição. Ou, como diz em um de seus versos: “Onde está o ponto na face da Terra em que eu me vejo exausto, caído, espatifado, fatigado, enfim, livre?”.

Luiza Anaya

Lendo o livro, não podemos ter certeza, o que é ótimo, uma vez que a leitura que me parece mais interessante é pensar que “tornada” é as três coisas a um só tempo: tufão que faz remoinho e um sujeito lírico aqui torna(-se) e retorna: aos sentidos, a si mesma, a algum lugar de onde partiu.

Desde o poema de abertura, somos convidados a pensar sobre o “princípio”, ou melhor, sobre “antes do princípio”. Intitulado “criacionismo”, ele nos diz:

antes do princípio,

havia uma entidade

descontente

e sobretudo só

O poema seguinte nos situa no campo da investigação sobre a linguagem poética:

diário

a linguagem poética

me fez estrangeira

meu desejo era voltar pra casa,

mas a casa caiu

A escrita, seja ela de poesia ou de prosa, sempre nos convida para alguma categoria de jogo: situada entre o autobiográfico e ficcional, esta é uma partida em que aquele que escreve, sem poder escapar de si mesmo, é, ao mesmo tempo, irremediavelmente alguma espécie de alteridade, um sujeito outro, capaz de olhar a sua própria língua com estranhamento.

Escrever também é sempre retornar, já que não há folha em branco. Escrevendo em 2024, com uma longa tradição que vem antes de nós – mesmo sem que tenhamos plena consciência disso – encontramos a página já toda escrita. Cabe à poeta retornar – a poemas, a autores, a temas, e relacionar-se com aqueles que lhe interessa. E, nesse caminho de volta, cabe a ela, também, multiplicar os estranhamentos, jogar o tufão sobre quem a lê, insistir e teimar

(…)

até achar jeito novo

que sustente

o meu nome

no fim

Hortência Siebra

O percurso da “Tornada” tem tudo isso. E tem bom-humor e fofocas misturadas a histórias trágicas e poemas “matemáticos”. Com uma linguagem condensada, acertada e precisa, Siebra não nos fornece respostas definitivas (ainda bem!), antes no convida para retornarmos, uma vez mais, a cada poema e investigarmos as possibilidades de resposta com ela. E não é isto mesmo, esse eterno retorno em cujo percurso levanta-se um tufão, a essência de cada poema que nos acompanha?

Lilian Sais

Escritora e educadora

Lisa Alves
escritora e videoartista, autora de Arame farpado e do livro transmídia Quando tudo for possível.

em outro livro do mesmo autor, curral de peixes, encontramos uma seleção de haicais inéditos chamada poética das árvores, talvez sinalizando um retorno ao estilo nipônico.

cada um dos livros desta trilogia é regido por alguma estação do ano: aquarelas representa o verão, girassóis maduros outono e primavera, já em arquipélago de pássaros temos o inverno enquanto signo norteador dos poemas.

enquanto aquarelas e girassóis maduros foram compostos com 99 poemas, este arquipélago traz à tona 129 haicais.

este livro chegou a ser anunciado ainda em 2019, mas sabe-se lá por que ele ficou tanto tempo engavetado.

com esta publicação, o poeta encerra uma etapa de seu projeto literário que teve início em 2014, quando estreou na literatura com baladas para violão de cinco cordas.

Vovó Penha, mãe do pai de Léo Rachid

*

Meu neto, desde novo, sempre amou as crônicas de Dopê Dias. Sentava às terças-feiras ao lado do avô para pegar sol na varanda e roubava o caderno “Cotidiano” d’O Mundano Tijucano. De perninhas cruzadas! Ah, que delícia de menino. Fazia umas caretas terríveis de quem não entendia nada do que lia. Mas as perguntas que fazia sobre a cidade em que vivia mostravam o quanto a coluna despertava nele o interesse pela história viva da cidade. “Vovó, o que é um flâneur?”. Hahaha, eu nunca sabia responder nada. Aí eu e o avô inventávamos. E ele se satisfazia com as respostas, sabe? E trazia umas conclusões interessantíssimas sobre o que não estava escrito. Parecia que esse era o objetivo mesmo de Dopê. Provocar o leitor a inventar uma cidade nova a partir do que ele sentia que ela lhe dizia. Dizer pro leitor sentir uma cidade nova a partir do que ele provocava ela a lhe inventar. E qual não foi a minha alegria ao saber que agora ele estava de verdade estudando os escritos de Dopê! Eu achei uma graça. Esses meninos inventam cada uma… e a gente dá força, né? Te amo, meu lindo!!!

Vovó Alayr, mãe da mãe de Carlos Eduardo de Souza e Mello

Yasmin Galindo

Os quarenta poemas que compõem este livro são estruturados sob esse duplo signo: um tempo que corre e escorre entre os dedos, e um tempo suspenso. E, nessa dinâmica, quantos fins e inícios podem ser comportados?

Luisa se propõe, como uma espécie de arqueóloga, a escavar a superfície das coisas em busca constante dos términos e recomeços. E ela encontra-os, bem escondidos, sob tatuagens, sobre pintas, em constelações, dentro de canecas de café, atravessando blocos de Carnaval. É no momento desse encontro que o tempo se suspende. Só que, imediatamente depois do encontro, o tempo acelera, e algo, novamente, se perde. Então ela retoma a busca, repete o mesmo movimento. E repete. E repete. Até que, como diz a epígrafe que abre este livro, tudo fique diferente.

Alguém poderia, portanto, dizer que este é um livro sobre a busca pelo amor em amores perdidos, amores descobertos, amores breves, amores de outras vidas, amores pra vida inteira. E talvez seja. Mas, para mim, há algo bem maior que isso. Flor do Vento é sobre coragem.

Atravessar esse percurso ao lado da autora é pegar emprestado dela essa coragem. E é necessária muita coragem para fazer a operação que estes poemas fazem: dar vida à morte; crer de forma indelével na sobrevivência do amor, ainda que sob a sombra da perda; descobrir que o fim é sempre um não e, ainda assim, retirar desse não tantas possibilidades de sim. E só com a coragem que este livro te ensina que se torna possível ir em busca de tanta coisa; que se torna possível vasculhar mapas incoerentes, até encontrar um sítio onde fim e início se anulam e onde, enfim, se torna possível que algo viva para sempre.

Beatriz Malcher

(Audre Lorde, Irmã Outsider)

Quando li Café com pássaros pela primeira vez, imediatamente me lembrei da escritora Audre Lorde e sua reflexão sobre como nós mulheres buscamos saber quem somos, e nos definirmos, por meio das palavras. Em Café com pássaros, Karla Galant esculpe não apenas poesia, mas toda uma existência. E nos convida a um voo às alturas, onde cada verso dá asas para nuances etéreas da nossa humanidade. Karla consegue, com sua escrita lírica e envolvente, capturar a essência das pequenas coisas, deslocando nosso olhar ao alto para revelar novos horizontes. Com uma escrita que transborda autenticidade e paixão, a autora nos conduz por temas como o amor, a maternidade, a passagem do tempo, e a busca incessante pelo sentido da vida e da própria poesia. Karla Galant tem a habilidade rara de transformar o cotidiano em arte, revelando a poesia escondida no prazer da xícara de café ou na dor do dente arrancado.

Ao abrir este livro, prepare-se para uma viagem sem plano de voo. Entregue-se às alturas, mas também deixe-se levar pelo aroma de cada palavra em torrefação, saboreie cada verso como se fosse o gole de um café bem preparado — artesanal, intenso e inesquecível como o momento antes da partida.  Café com pássaros é uma ode à beleza da vida, um lembrete de que, mesmo nas rotinas mais simples, ou nas dores mais profundas, há poesia.

Desejo que seu próximo café seja na companhia dos pássaros! Bom voo.

Elisa Pereira

poeta, escritora, curadora e pesquisadora em literatura brasileira de autoria feminina

Claridade. O susto diante daquilo que estava ali o tempo inteiro e a gente nunca foi capaz de ver (talvez este seja afinal o trabalho do poeta). Com uma linguagem direta e os dois pés virados em raízes, o poeta sergipano espreita a beleza incauta e crua do cotidiano. Mas por quê?

“Porque antes do amor há a vida”, já disse uma vez Antonin Artaud — como traz na epígrafe da terceira parte do livro. Entre a vida, inocente e cruel (como “uma criança que/acende uma bomba/de São João na boca/de um sapo”) e o tal “amorremanso” (esse vislumbre da Bandeira de Pasárgada) é onde há poesia.

Ser poeta é aprender a amar o espanto (palavras do próprio Aliedson), é ser aquele que já vem voltando enquanto todos caminham em direção ao abismo. Pode parecer, a quem olha de fora, que os poetas de nossa geração se entregaram ao niilismo ou ao existencialismo como se não houvesse mais salvação em parte alguma. Mas isso que chamamos de “salvação” é um número sem fim de possibilidades absurdas, muitas vezes pequenas diante desta vida cada vez mais imediata, e a poesia é uma delas, à qual o poeta se agarrou para não cair na fundura abismal.

Esse é o mérito do presente livro: extrair das frestas da vida (navalha é lâmina que não cega) a salvação que ninguém mais viu.

 “¿Quién le dio al pequeño dios el centro gris del abismo?”, questiona Spinetta (uma de suas maiores referências musicais) no álbum Artaud (Pescado Rabioso, 1973) na canção “Cementerio Club”; foi quando Aliedson quando escreveu: “[mutilei] do instante/aquele versofaísca que/poderia incendiar a alma/de qualquer desgraçado”, e este livro foi seu sacrifício e sua dádiva.

Christi Rochetô

poeta e escritor

Aqui estão reunidos 30 poemas de Bianca Pataro, com uma semântica que busca expressar a (im)possibilidade de preencher o tempo da infância que se perdeu, o fim de uma relação amorosa e a existência que não pode ser explicada, apenas vivida. Os pequenos detalhes da vida cotidiana ganham um caráter sublime, com uma linguagem direta e precisa, na qual as palavras são cuidadosamente escolhidas, considerando tanto a disposição no espaço quanto a estrutura do poema. Embora sua poesia tenha ritmo, a musicalidade é geralmente controlada, sem o lirismo tradicional, apresentando-se, por vezes, como contos ou histórias vividas ou inventadas. Ela prefere uma métrica mais seca e rígida, refletindo seu estilo mais austero. Sua linguagem muitas vezes revela uma profunda reflexão sobre o ser e o mundo, evitando ostentação ou excessos. Essa introspecção se traduz em uma espécie de “sabedoria mineira”, onde o silêncio e o gesto contido dizem mais do que palavras grandiosas. A paisagem e o cotidiano de Minas Gerais, com suas montanhas, vastidões, rituais e crenças, tem um papel importante na obra de Bianca. As montanhas não são apenas geográficas, mas simbolizam barreiras emocionais, introspecção e uma forma de isolamento. O ambiente mineiro serve de metáfora para o estado de alma da poetisa – introspectivo e observador, distante e conectado a suas raízes.

Pedro Castilho é professor na Faculdade de Educação da UFMG, psicanalista e poeta.

Não é um livro de crenças arraigadas, quase sempre vãs. Semelha, sim, um romance de formação em versos, cuja voz do poema se nos dá a conhecer ao tempo em que se autoconhece: “de rio e mar,/ vou ao barro/ aos vermes que nele vivem/ e choram sozinhos/ como eu.”

Eixo importante de leitura aflui no poema XXXIV, em que se vai ao encontro de uma tal Adélia (Prado?) e de um tal Campos (Álvaro?). Ali e nos poemas seguintes, parece vir à tona a indecisão entre a delicadeza do amor burocrático, em Adélia, e o deixar-se rasgar pelos brutos, em Campos. Lugar ínfimo e ímpar este em que Luana faz residir sua poesia.

Por ser o primeiro livro da poeta, há que se ressaltar a organicidade formal e temática dos poemas. Não se vê neles o afã caleidoscópico que as estreias costumam ter, embora se conserve o frescor do achamento da poesia, como convém a quem adentra sua morada.

Quem conhece Luana, sabe que ela é uma pessoa em estado de poesia. Só isso bastaria. Mas o que vemos neste Touros e lagartos é que principia, também, uma jornada de grande poeta.

Marcos de Carvalho

Os poemas de O céu de tempestade carregam em si o questionamento inolvidável do nosso existir. Sem qualquer pretensão de cultivar crise existencial, traduz em versos os devaneios do sentir artístico e regozija a esquizofrenia das palavras, destacando a liberdade da arte como nos versos “As coisas são feitas sem nome/vem o verbo e empobrece a imagem/O Sol ainda não batizado/insiste em iluminar o dia/e ao transformar-se em Lua/desnuda a noite para os românticos”.

A intenção em cada poema é chacoalhar a realidade. Não para dizer ou desdizer a verdade, mas para referendar o que já dizia Ferreira Gullar: “a arte existe porque a vida não basta”. A metáfora do céu como algo misterioso e divino em contradição à tempestade do cotidiano mostra que a vida precisa de equilíbrio. Segue o conselho: “cuidado com o relâmpago do instante/somos temporais”. Esse é o mote principal do livro.

No poema que dá título à obra, o autor personifica o mistério nos seguintes versos: “Perambulando livre/o vento respira o caminho/e pinta o céu de brilho acobreado”. Já a constatação do cotidiano encontra eco no arremate do mesmo poema: “Desatando suas amarras/iça as velas/deixando que o vento assopre o seu andar/É velejando no incerto que o náufrago volta ao lar”.

É isso que este livro nos mostra, a visão curiosa do céu e a vivência cotidiana na tempestade que nos faz humanos, demasiado humano

No Oriente, há a estação onde predominam ventos que sopram da terra para as águas. Aqui, pelas Alagoas, o chão, a cana, a fome e a coragem compõem um novo signo terreno. Um éter que se espalha sem cheiro.

Presença além-cercado.

Em suas 40 primaveras passadas, Minervino — que carrega seus anos e os do avô no nome — é um menino-negro, pai do menino-rio Francisco — este um Opará mirim desembocado nas terras da Branquinha (AL).

Poeta sempre a caminho, sempre passando, sempre entre. Natural de Maceió, residente em Branquinha e atuante como técnico administrativo na Universidade Estadual de Alagoas (Uneal), no campus de União dos Palmares.

Nesta obra, sua segunda em matéria de poesia, ele perpassa por onde hoje mora, por União, pela capital onde nasceu, por Murici, Messias, Pontal do Coruripe e Rio Largo.

Sempre um aterramento em cada recanto que vai: 72 poemas que seguem um fluxo direto, sem cercamento dividido por seções sumárias.

Há haikais, dísticos, quadras, tercetos, sonetos e mais. Nas “Quadras elementares”, ele já dá pistas do que pode vir a ser um projeto continuado usando os elementos da natureza: água, terra, fogo e ar.

A água já está em Antes e depois da chuva, seu livro de estreia. Agora, o chão se manifesta em Terra cercada. Dois dos quatro elementos naturais.

Da metade para o final, os poemas interseccionam o rio e a terra devastada (enchente que cobriu Alagoas e levou Branquinha da cartografia, com sua feira, bacias, bicicletas, batatas, laranjas e mandioca), nestas peças escritas e revistas entre 2015 e 2024.

Com tanto chão e pouco pão, pouca partilha de existência. Parece esquisito viver num mundo chamado Terra, em que nem todo mundo tem um lugar comum para plantar e colher suas memórias. Um lugar para morrer.

Veja o poema “A posse da terra”: as vírgulas são como as farpas dos arames que delimitam a área e o ponto-final, a ponta de que não se fala mais nisso: a terra tem dono. Um poema do tamanho do livro.

O salto por cima da cerca é necessário. E só nós podemos dar, por nós mesmos. Assim, abracemos uns aos outros nessa lida.

Apesar de o formato-livro cercar as palavras, a fim de que não saiam destes limites estabelecidos editorialmente, este livro é um “terramoto”.

Move nossos ventos internos, abalando as estruturas fixas, e prepara o terreno para que um novo bosque possa enterrar suas raízes em nós.

Os nós estão dados ao se abrirem as porteiras. O vento vem.

Breno Airan

Ademir Demarchi

Neste livro, Piera condensa a linguagem e a espalha pela página como forma de evocação de entidades poderosas: a palavra e o papel; o corpo e o entorno. Orikis e origamis justapostos. Concisão, leveza e observação da natureza estão na estrutura do livro que conta com três seções delicadamente nomeadas: “Praticar o vento”, “Descaminhos do corpo”, “Levitar palavras”. Gosto de pensar nessas divisões como um haicai que aninha os demais poemas, que nos saúdam, e como lições despretensiosas desse gênero japonês.

Aprendemos aqui a “sussurrar como folha/ o idioma da ventania” e a observar a comunhão entre fala, silêncio e modos de pronunciar imagens, ritmos e sons. Aprendemos também a expandir a forma: o haicai não apenas enquanto linhas fixas, mas como modo de praticar e convocar a existência. Em algumas práticas de vento, Piera ultrapassa os versos esperados para a forma japonesa, sem perder o estado de presença. Dispor poemas com mais versos ou sílabas poéticas sugere um grau de subversão: a métrica não aprisiona a ventania da palavra.

Aves, palavras e marés são vivas e indicam rotas para se praticar a convicção do transitório: seja na aproximação de maré, Maria, mère na prece que nomeia o livro, seja no poema espiralado que nos remete à ciclicidade.

Como um pássaro “sobre nossos ombros”, “a poesia” de Piera “flutua”. Levanta voo e se inclina em direção à maré. Entre o lapso do céu e do mar, a exaltação da natureza, da página em branco. É íntima — da água, do ar, do arrepio e do sopro — e intima o mundo a habitar folhas e flores na calçada, ciscos que passam abraçados ao vento ou a brisa que desliza no dorso da borboleta. Há um jogo de proporções presentes neste livro, não somente pela forma do haicai, mas porque o silêncio de quem recebeu um “olho de vento/ pra escalar a altura cintilante dos insetos” insiste na dimensão. Outro caminho para continuar neste livro é confiar na “palavra solta/ ponta de flecha”, isto é, esticar a pronúncia do ar.

Nathália Lima

A poesia de Ariane Sapucaia filia-se a uma longa tradição de mulheres escritoras que, num exercício de luta contra o esquecimento, encontram na memória o seu lugar de abrigo e de conflito. Nesse sentido, as metáforas do baú e dos trapos, tão caras à construção desta obra, podem funcionar como importantes chaves de leitura para os poemas que compõem este livro. Abrir o baú, para que dele voem os trapos, é o gesto inaugural de uma voz fiandeira que, ao tentar ressignificar fiapos de memória, cerze versos, alinhava fragmentos de paisagem e os costura para tecer os fios do passado que se unem aos fios do presente.

Na mitologia grega, conforme lembra Yates, em A arte da memória, Mnemosyne era a deusa da memória e a mãe das Musas, numa linhagem feminina que aponta a indissociabilidade entre lembrar e escrever. No caso específico da poesia, a relação com a lembrança não deve ser entendida em termos documentais. É que a memória da poeta é uma memória inventiva, como indica este fragmento do poema que dá título ao livro: “eu guardo meus resíduos nem tão vividos / do baú voam os trapos / e eu tenho farrapos a contar”.

Abrir o baú, para que dele voem os trapos, é o ato de quem reconhece a leveza, da qual fala Ítalo Calvino, como um valor na poesia. Em contraponto ao peso do baú e de seus “resíduos nem tão vividos”, é o vento que enfuna versos e espalha trapos/fragmentos/memórias ao longo das páginas. Para acompanhar esse movimento, “é preciso sentir o vento enquanto / seu pai não volta a te alimentar pelo bico”, como no poema “memória de pelanquinho”, em que persona poética, criança e passarinho misturam-se em simbiose.

A memória, aqui, é ambivalente. Para tornar-se abrigo, exige o esforço consciente da persona poética, que se sabe “colecionadora de retraídos agoras”, e se desdobra nos gestos de abrir e de fechar o baú. Assim, “caminho nesse cômodo / abro obstruídas reminiscências” e “arrumo os soluços dentro, tampo a caixa” são movimentos complementares da persona que tenta ressignificar o passado e sobreviver ao peso do presente e, para isso, recorre ao exercício metalinguístico da poesia, enquanto olhar que se volta para a tessitura do próprio poema. Ao acompanharmos a abertura do baú e o voar dos trapos, deparamo-nos com poemas que (des)velam sua própria composição, numa seleção e combinação de fiapos de memória, e nos perguntam/convidam, como Drummond: “Trouxeste a chave?”

Elaine Rapôso

doutora em Estudos Literários

A língua, objeto de investigação de uma poeta-linguista, emerge como algo sempre “em condição muscular” e o articular da palavra nasce do convite feito por uma materialidade, que, não obstante se aloje na própria garganta — “It” no “I”, diria Jane Bennett — lhe é estranha: capturar, na precariedade do gesto, o lugar de si que é coisidade, palavra-corpúsculo, fio enroscado na glote, limas nas raízes dentárias, endométrio descamando no banheiro.

Há uma personagem que timidamente atravessa o livro, a mulher-ruína — “antes que desertemos da missão de vigiar e repetir essas ruínas” — quem, na conjunção disjuntiva, entre mulheridade, corpo, matéria e língua, inventa rachaduras que acomodam memória, sapatonice, raiva, amor e culpa.

Feito rio, o livro dá no mar. Somente quando lavadas a sal as ruínas é que, de modo heteróclito e ambivalente, pode ser instaurada uma narratividade evocando, por contraste, a violação, um chamado à revolta: “um dia, conforme/ mais e mais violências/ tiverem nome,/ (ou tiverem tradução/ para o português brasileiro)/ todos os estupros que sofremos/ voltarão.”

Em outro plano, é a cidade que se torna corpo a ser explorado, anatomizado. Não qualquer cidade, mas sim a cidade de “Desterro” (também conhecida como Florianópolis). São vários os poemas em que Viegas nos oferece as entranhas da cidade, seus órgãos e tecidos. Suas precariedades, aquilo que se move nas sombras, nas vielas. O cotidiano e suas dores. Sempre sob o olhar cuidadoso e gestos minuciosos de um anatomista-artesão das palavras. Atento e de cortante lucidez. É assim que surge uma poesia que “carrega a sujeira das ruas, a sujeira dos tempos presentes/a palavra colhida do lixo, o poema impresso em papel de jornal”.

Corpo: é disso que se faz Houve dias de humanidade em mim. Ser um corpo atravessado por toda a brutalidade do presente, esbarrando cotidianamente nas misérias do corpo da cidade para, por fim, tornar isso tudo linguagem poética no corpo das palavras, dos poemas e oferecer um convite a caminhar de mãos dadas. Porque afinal, é disso que se faz a poesia.

Eduardo Silveira

Escritor e professor. Autor dos livros Mirabile plantae (2023) e O Senhor Toshiaki (2018).

No início, somos invadidos por uma estranheza. Estamos num país estrangeiro, e para qualquer lado que avistemos, tudo tem a roupa da novidade, vista através de uma vitrine. Os cantos da casa conversam connosco; por vezes, paredes vazias, móveis inanimados, pássaro na gaiola, plantas malcuidadas, dizem mais do que textos inteiros, e complexos.

Tudo nesta casa me observa, absorve-me, absolve-me e acusa-me. Lembra-me, instante a instante, cobra o meu tempo, que escoa a cada segundo, e este tem o peso de um silêncio que não se coaduna com o tempo de Cronos, que determina a mortalidade de cada um, mas sim o tempo poético de seu filho Kairós, o tempo sem o relógio mecânico na sua marcha implacável. Mas pai e filho conversam à mesma mesa da eternidade. Poeta e leitor estão frente a frente sem se verem, mas o código é comum aos dois.

Cada objeto, seja o de sentir, seja aquele de se pendurar em qualquer lado; aos poucos, vai entranhando, ocupando espaço, onde antes só havia um terreno de outrem. Como qualquer torneira que pinga insistentemente, marcando o seu ritmo, incomodando o sono – aqui acordado – de qualquer um; assim a poesia vai criando fissuras, lapidando muito devagar a pedra que tem pela frente. Somos esta pedra que vai se moldando, somos esta fenda que se delineia, como um rio, à superfície; vamos cedendo espaço à água que não desiste do seu curso, do seu ritmo, que determina que cada objeto, antes sem serventia, “pendurado atrás de uma porta”, vá ganhando o nosso monograma; e a cada passo, ou leitura, uma nova inicial do meu nome é bordada neste lençol, sobre a outra que antes existia, e se perde na grandeza do território.

É nesse momento de comunhão, de epifania, e de apagamento de outras marcas, que o espelho começa a devolver-me a minha própria imagem. O livro, a casa, a cidade, a janela, o mundo que se vê de fora para dentro, ou de dentro para fora, deixa de ser do deus que o criou. Esta construção já não é mais do poeta que a edificou. Esta construção agora é minha. Eu sou o poeta. Eu sou o leitor.

Ozias Filho

Escritor, Fotógrafo, Editor

Cascais, abril de 2024.

A que gênero então Sobremesa pertence? Trata-se de um livro de poemas? Mais do que isso, nele há transas, ginásticas, dramas e esportes. Mas é como se não importasse realmente a finalidade desses jogos do corpo. No poema “handebol”, Paloma escreve que “em uma quadra 40 por 20/as regras em linhas pintadas no chão/dizem muito o que podem nossos corpos/e nossas mãos//mas se jogamos no mesmo time/o placar pouco importa”.

O que importa, de fato, é que dois corpos, quando se encontram, se confundem — Sobremesa é atravessado pelas formas da confusão. A confusão pode ser qualquer coisa como um mal-entendido, uma brincadeira ou uma mistura. Tudo isso você encontrará aqui. Um mal-entendido entre vizinhos ou ex-amantes, uma brincadeira infantil ou das palavras, uma mistura de corpos ou de sentidos. E, nesse ínterim, os corpos se ferem, e a poeta reconhece: “erramos a mão também/perdemos tudo”. Mas um corpo é um corpo: “ainda há fôlego”.

E Sobremesa está cheio de fôlego, como também está cheio de prazer. Nisso, as palavras de Paloma se aproximam de artistas da maior importância de nosso tempo. Ledusha, e seu erotismo melancólico; Ana Martins Marques, e o eros das coisas; Eleonora Fabião, e as ações que não têm por quê.

Paloma é generosa, ela quer dar prazer para você (sim, você). Afinal, com quem a poeta fala quando afirma que “se tiro essa língua da boca/posso, por exemplo, dizer/minha língua/e colocar na sua/o sentido da palavra prazer”? Os começos são sempre prazerosos — e Dioniso, o deus das ações, é deus dos começos. Onde Paloma começa? As últimas linhas deste livro o dizem: “a primeira palavra/sempre foi a palavra/desejo”.

Rafael Zacca

Numa conjuntura em que os eventos se sucedem no ritmo desenfreado dos algoritmos, cabendo a nós o papel de uma apática plateia, somos aqui instigados a perceber o quanto da realidade se sente rente à pele e à língua. Cada gesto e cada cena, ainda que domésticos, estão impregnados do que se dá no lado de fora. O movimento imagético de Martin nos leva ora por estreitas trilhas íntimas, às quais visualmente representa por meio da concisão dos versos, ora pelas grandes vias dos argumentos, sem se perder na amplidão e generalização das figuras, pois segue sem desvios na direção indicada.

Apesar de aquelas marcas se confundirem conosco, o que sugere a permanência indelével do passado, tudo o mais parece se sujeitar a uma inevitável transitoriedade. Para impedir que o vazio se alastre é que lançamos mão da linguagem e de sua função de descrever e, portanto, de estruturar a existência, dando a ela um sentido. Se nos satisfazemos com a utilidade da fala cotidiana e da memória, com o poema atingimos um ponto mais elevado, pois por meio dele conhecemos o mundo e a nós mesmos de um modo singular e único. A cidade vista pela poesia é distinta daquela que vivemos rotineiramente.

Paisagem e retrato são uma face da cidade, a outra é feita de voz e de ideias. Pode parecer concreta, mas sem uma narrativa que a organize, não existiria. O poeta nos guia por ela, por suas ruas e discursos, é ele quem nos apresenta os caminhos a percorrer e os sinais para identificar seu curso, o que experimentamos na passagem dos poemas, compreendendo o ritmo da sucessão dos temas escolhidos e como um ecoa no outro, revelando sua trama. Aliás, Martin nos alerta para o conflito entre matéria e palavra. Não podemos vencer, mas tampouco seremos vencidos, restando no poema o resquício de um tempo em que o mundo dormia, como ainda dorme diante das crianças que são assim capazes de fabular, essa forma ingênua de narrar.

Paulo Ferraz

Numa senda que vai da injúria relida em Genet como resistência e invenção, passando pela produção das homossexualidades a partir do hiv, até chegar nas relações românticas sempre repletas de ambiguidade, o que os poemas oferecem é uma trama de visibilidades e dizibilidades que parecem forjar a própria escritura do autor: acadêmico dedicado a pensar promiscuidade, passividade, risco e homossexualidade e, ao mesmo tempo, viado em seu tempo e  num esforço de se pensar numa “vida militante”, no vértice entre as injunções da vida prosaica e as práticas de liberdade — como práticas de si que passam, também, pela literatura.

Não se trata, porém, de um livro que se estabelece numa metafísica viada. O que temos é uma espécie de paralaxe, de ruído e grito: um espaço entre a linguagem e o corpo sem órgãos, sempre atravessado pela implicação de um não lugar e de uma negação dos esforços de captura.

 AYRTON ALVES BADRIAH

O fato é que o título que batiza este livro — Maresia — não diz respeito apenas ao movimento das águas, mas também ao cheiro forte, de peixe cru, ou mesmo de lama podre, advindo dessas águas. Se as marés representam o movimento e a provisoriedade das coisas, o aroma nauseante das suas águas é, por sua vez, uma bela metáfora do desconforto do nosso tempo. Afinal, há sempre algo de podre no reino da Dinamarca. Assim, entre abraçar os clichês que perpassam as poéticas da nossa contemporaneidade e explorar os silêncios que perpassam essas narrativas, Gilberto preferiu os silêncios. E falar dos silêncios é, no caso, falar daquilo que não se quer dizer, não se sabe dizer ou mesmo como se deve dizer. O silêncio é o que ficou emudecido quando se busca narrar sobre o medo do futuro, sobre a busca por uma felicidade idealizada e sempre inalcançável, sobre a difícil adaptação às situações mais absurdamente improváveis, sobre a permanente sensação de vazio existencial, sobre a busca por uma infância perdida… É isto que o leitor encontra neste livro: narrativas que declinam sobre o que os outros saberes não sabem dizer, sobre aquilo que não se vê, mas que vem impregnando o ar, como o cheiro podre das marés.

Anco Márcio Tenório Vieira

Neste caso, Iago Ribeiro não expõe relatos. O prazer de sua escrita atual está em utilizar o que é contemporâneo, dialogar com seus pares, dar vazão ao pensamento. Não lhe é suficiente o léxico: desde o título, juntando “aquiagora”, pois no átimo da leitura tem o espaço e o tempo permanentes e o desejo ou a necessidade de partidas.

Ele fala do corpo de órgãos embaralhados e do inconsciente, o ser e o tudo. Dedica o livro ao nosso mestre maior de criação de cômpitos, pois as palavras e logo os enunciados estão em bifurcações de significados que não estão apenas em dicionários.

Iago conta seu “Estórico de navegação” como uma eroica talvez gostaria de erótica des ave ventura. É o evento. Não há meta no percurso. Na rota ao nunca: mesmo a desistência fingida, pois sempre existe quem escreve, “por que te sujar com rostos, nomes? (…) Que amante sou eu (…)? (…) uma promessa”. Mas se ele nem sabe: é o alienígena: o que chega e o que está.

“Abstratos”, segunda parte do livro, é também um segundo livro. Atinge o tudo-ser, o não-ser, o muda-ser somatório de pontos que no auge forma um padrão como foi a superação do figurativo no início do século passado. “Informe querer-que-cesse”: a partida permanente sem figuras.

Se em O Quarto Chinês (Ofícios Terrestres, 2023) Iago Ribeiro tinha como principais temas o silício e o gozo e a dor das crianças do futuro, de Turing, neste livro, em textos que fazem lembrar aforismos nietzschianos, registra navegações e encontros rarefeitos em um programa que roda sem sujeito nenhum e que não encontra norte nem morte.

Para os “nunca-amparados” lereler — Auto da partida permanente quando da ocasião de um qualquer aquiagora — ficando aí na cibersintaxe deste aguçado autor.

 Guilherme Zarvos

É com esse primeiro verso que o sal e a sede nos convida, ou — eu ousaria dizer — nos adverte, ainda que sutilmente, a habitar um tempo e um espaço transbordantes. Surge do início uma curiosa quietude às beiradas de um segredo azul profundo.

Então aproveite o silêncio e não se esqueça de molhar os pés. As poesias aquáticas deste livro criam sentidos para palavras que se expandem, dançam com ritmos e semânticas, conjuram corpos, areias e águas-vivas. O mar toma forma nas conchas que escutam, na espuma que desabriga, nas ondas que envolvem e voltam a revestir os passos.

Aqui nos encontramos com a sede de um poeta que escreve com a pele e a língua como os principais instrumentos da memória. São mapas do instinto que ludibriam as linhas do tempo, evocam a saudade e percorrem distâncias, criando caminhos tanto para o anseio quanto para o abraço das marés.

Não apenas um experiente marinheiro, entre cruzamentos, derivas e naufrágios, ele também nos leva a viajar por terra e estrelas que revelam comoventes cartografias de afetos familiares, sonhos e lembranças. A sensibilidade de um olhar para o lampejo fugaz de um cometa ou para a perene mansidão das montanhas nos conduz à contemplação de ecos e espelhos.

Penso que existem muitas formas de cercar-se pelo mar.

Pode ser na solidez de uma ilha,

na travessia de um barco,

ou no flutuar do próprio corpo à deriva.

Mas talvez seja apenas através da total submersão que faltas e desejos finalmente se incendeiem em cores e vida. Como baleias e perséfones que transitam desimpedidas por tantas camadas de ambivalências, Guilherme nos prova que a profundidade é luminosa. Descobrimos que a melhor forma de emaranhar-se em suas palavras é tomando fôlego, com a sede do sal, do salto e, enfim, do mergulho.

Marcela Moretto

Neste livro, a poetisa nos convida a dançar exaltadamente a qualquer momento do dia, a andar de bicicleta em uma noite boêmia e apaixonada e a nos sentir em casa nas mais diversas e adversas circunstâncias. Nele, o amor-próprio, o amor pelo outro e as muitas paixões distribuídas em seus quase 40 poemas nos guiam por um álbum repleto de momentos que nos fazem refletir sobre aceitação e resignação. Essas reflexões, que nos levam aos lugares mais aconchegantes do passado, do presente e, esperançosamente, do futuro, só são possíveis graças à escrita potente e sensível da autora, como nos versos “A vida ficando mais doce,/a gente pegando o jeito das coisas/e as coisas pegando o jeito da gente”.

A dança em Até mesmo quando minhas pernas enfraquecem, inclusive, consigo e com outros, é um elemento central no que diz respeito à aceitação de si e da vida. Os membros estremecidos do título da obra dão lugar a passos certeiros em passagens como “Sou grata por cedo ter tocado/no precioso ato dança movimento/de mergulhar em mim/e me viver” e “Eu danço a dança cósmica do presente:/o amor chega a mim em suas infinitas formas/eu o encontro com meus infinitos sentidos”. Esses versos são, também, convites a serem aceitos quanto a estarmos mais destemidos e dispostos frente à existência, uma postura que parece ter funcionado para o eu lírico, em paz por agora.

Quando a leitura deste livro chegar ao fim, o leitor se pegará com um sorriso no canto da boca, pensativo sobre seus melhores dias — os que passaram e os que estão por vir.

F.K. Bettiol

Nos poemas aqui reunidos, tal desconforto assume a representação dos conflitos do eu-lírico e que se referem, por exemplo, aos relacionamentos sociais e amorosos e, supostamente, suas perdas, à vulnerabilidade resultante de circunstâncias de depressão e de ansiedade, à investida no artifício do metapoema, como formas de amparo ou salvaguarda de um desamparo, que, num sentido freudiano, é condição fundamental da existência humana. Tudo é desconforto na poesia de Jéssica, até quando se tem um eu-lírico que ri, como em “Poema da intimidação”.

Os títulos que agrupam os poemas em seções são portas de entrada para a leitora e o leitor acessarem um universo poético que atravessa e/ou representa certos condicionamentos sociais, culturais e existenciais bastante característicos de um modus vivendi moderno com ênfase a doenças que acometem o corpo e a alma da mulher e do homem desse mundo em que vivemos. Não raro encontramos menção ao estômago, intestinos, à digestão, de um ponto de vista mais amplo, numa conceituação da vida humana como algo (in)digerível.

A voz poética neste livro é, predominantemente, feminina e, em decorrência disso, seus temas centrais atravessam pautas reivindicadas política e socialmente, como a liberdade e o empoderamento, além de aspectos da intimidade, relacionados a sentimentos amorosos, perdas, vazios, solidão e, portanto, o desamparo de que tratei acima.

Certos aspectos da dimensão humana, apresentados nos versos de Jéssica, remetem-nos, também, ao místico e ao transcendental. Por meio de um vocabulário comum à(ao) falante da língua portuguesa, o que torna sua poesia acessível, deleitável e visceral, a poeta nos convoca, nessa sua estreia na literatura, à apreciação de um mundo lírico, em que somos recepcionadas(os) com a seguinte provocação: “Minha língua, antes fria e perigosa, é um tecido esponjoso e quente”.

Analice Pereira

Professora de Literatura do Instituto Federal da Paraíba

Julho de 2024

Em Fluxo, a primeira parte do livro, a ideia heraclitiana assume um trajeto próximo à autobiografia, mas logo percebemos o logro. “Tudo é invenção e intensidade”, o último verso de “Órbita em fuga”, revela a condição fugidia, imprecisa e imprevisível do poema. Se há uma recusa a rótulos e enquadramentos da existência — em vários momentos percebida como algo que escapa, residual e incompleto —, dialeticamente, ela também pode ser vista como a sucessão de fendas, intervalos, fugas e rupturas que formam a pele temporal do corpo de palavras.

Já em O corpo submerso da página, a parte subsequente, o autor apresenta textos metapoéticos. O poema e a falta se entrelaçam amorosamente: “sempre falta / uma letra / sempre / uma letra cai / no mar”. Fundamental à melhor compreensão do universo estético do autor é a leitura do poema “O império da perda”.

Entre Deus e o destino, prevalece a deriva. É ela que determina a Vida extraviada, o terceiro momento do livro. Aqui impera radical tensão acelerada pelo tempo inimigo de mínima permanência: “não nos banhamos na correnteza uma única vez / fluxo volátil / extinto antes das águas de março / o corpo foi o relâmpago / de um sonho de alma”. Sequer nos molhamos.

O mal-estar do mundo contemporâneo se intensifica na penúltima parte: A longa fila dos dias que não deram certo. Os males do nosso século, a supressão da ideia de humanidade e a produção de sombras sentadas em sofás e ilhas de conforto, atendidas por autômatos plugados em ilusões da nova ordem mundial informam o poema “Monstros”.

Formas de sair é a estação terminal dessas páginas de uma poesia de altíssima qualidade. Basta ler o belíssimo poema “Na orla” para corroborar essa afirmação. Ou observar a estrofe final de “Enlace amoroso”: “aqui o único lugar / onde há linguagem / o único lugar / onde a linguagem não deu certo / o único lugar / onde todas as línguas anunciam o fim / o único lugar / onde a morte e a linguagem / se abraçam”.

Filippa Schiavo

Quando um livro em minha mão me chega, observo esse primeiro desenho. Suas partes. Capítulos. Formato. Como se distribui o que ali se arranja. E aqui esse tríptico. Uma mesma moldura dando contorno para o que se divide em três desenhos. Há ruína sozinho, do mesmo modo como há sozinho a dois e, nessa triangulação, corpo que se escancara na vertigem do poema em primeira pessoa. Escrever em primeira pessoa como quem escreve sobre um mundo. É sobre um eu e também é sobre qualquer um.

Caminhar sem crivo moral pela densidade do afeto. Desde o início, talvez uma síntese do que se trata o livro “música triste quando estou triste/música triste quando feliz”. Afinei meu corpo nesse tom, e segui pelas páginas escritas de Fel. Rio de Janeiro. São Carlos. Uberlândia. Carro na estrada. Um mundo visto de um quarto que não se vê. É sobre o que se perde. Se despedaça. O exagero. Um corpo jogando numa roda viva de embriaguez. A constatação do limite. Constatar o limite: ruína. Ou será que a ruína é sobre nunca se constatar o limite? Ou talvez melhor perguntar, há mesmo isso que se chama de limite? De qualquer modo: ruína.

Drummond. Pessoa. Caetano. Buarque. “Meet me in the bathroom”. E o antigo se encontra com o novo pós-anos 2000 em um banheiro qualquer da vida de um junkie uberlandense. Strokes tocando ao fundo. Um montão de gente passando. Vozes vozes. Muitas vozes. Eu também estava lá. E vi tanta gente conhecida.

E por falar em vozes. Estar a dois é de fato polifonia de vozes. A dois sozinho. A dois ruína. “mergulha em mim/ficarei fundo pra te caber/e raso pra te dar pé”. O amor, essa membrana fina que confunde um eu no mergulho em outro. A dois e entregue. A dois e inseguro. A dois e tantos erros. A dois e a alegria plena tão forte tão frágil. Talvez sobre o amor, a pista lançada quando sozinho seja quase mantra:

“o que é real não é sintoma

embora seja

real o sintoma

já sei também

a essa hora

que não dou pra vida

o que ela toma

é dela de direito”

Diogo Rezende

Os poemas deste livro germinaram no mais mortífero período deste mal-começado século XXI. São textos sobre amores marginais que teimam em brotar, assim como brotam as flores drummondianas, as flores feias e as flores horizontais. Carregam inspirações vindas de Luz del Fuego, Madame Satã, Herbert Daniel, Al Parker, Pasolini e outras figuras que foram camufladas no anonimato e codinome beija-flor e, de forma enevoada, sopram variadas referências. Talvez, enquanto leia esses versos, você veja seu próprio rosto no rosto de um outro. Nesses poemas habitam signos de desejos e outras mil intensidades, que podem ser experimentados pelo corpo, que é tudo, inclusive alma. É um livro festivamente triste. Foi escrito com uma devoção religiosa, mas rigorosamente desamparado de transcendências. Foi feito para os que ladram para o nada e para o possível de tudo. Feito sobretudo para os que querem lutar contra preconceitos e provar o doce além do amargo. Poemas que são como chamas que traduzem criação e aniquilamento. Celebram a vida a despeito de suas tristezas e saboreiam essa fortuita chance com o compromisso de não se negar o direito do fracasso e o risco da dor. Estas páginas exalam o perfume de um materialismo erótico. É um livro sobre dizer adeus e estar só. Não é um livro fácil, porque deflora a beleza das coisas tristes e propõe à vida a vida.

Fernanda Mendes

Francisca Camelo

Poderia falar do rigor da construção formal ou da elegância e espanto que alimentam as imagens que engendra, como o “liso cetim da indeterminação”, do poema “Ma’at”, ou como os três irmãos que envelhecem e são tidos como canecas com e sem tampa, de “Nós, Abjetos”. Mas escolho falar deste livro como o desdobramento sensível de um olhar permanentemente criando/recriando o mundo, um olhar que, como a agulha perfurando o tecido, conduz a linha e, assim, dota de significados outros o novo mundo que vai surgindo. Esse olhar-agulha (aqui brinco com a justaposição, método caro ao poeta) não apenas reclama esse mundo, mas dele se apossa com propriedade.

E eis que temos um artefato poético continente da volatilidade da vida e dos afetos, da carne e do espírito desejantes e ainda do diálogo com o sagrado e com outros poetas, artistas e filósofos. Mundo arquitetado com o apuro da justa medida, que se transforma em outros como sói ser a algo vivo. Livro do Mundo arquitetado sobre um vazio que é paradoxalmente prenhe de possibilidades.

Assim, estão contidas aqui as seguintes dobras/vincos: “Terço”, poema que abre o livro à maneira de um prólogo, mas que pode ser lido como convite a uma contemplação do sagrado sem a ilusão de epifania; Mutação ou O Vazio Provocado, percurso construído em oposições, duplicidades não exatamente coincidentes, pluralidades trepidantes como um certo “eu/pássaro/leopardo/salamandra”; Tradição ou O Vazio Continuado, no qual a voz poética aponta certa genealogia, dialogando com nomes que vão de Malcolm de Chazal, escritor mauritano que encantou W. H. Auden por sua poesia simultaneamente aforismática e inventiva sobre seres e coisas, ao pensador da potência do erótico Georges Bataille; e, finalmente, Escrevência ou O Vazio Vislumbrado no qual grandes nomes da literatura e da arte são postos em diálogos que atravessam os limites do tempo, da morte e quaisquer outros: leia-se o belíssimo “De Bob Dylan para Zabé da Loca (antiode)”.

Finalmente, celebro porque há muito conheço a poesia de Ivon Rabelo, porque desses encontros raros deu-se que, há décadas, somos mais que amigos, interlocutores. E exulto porque, com esta publicação pela Urutau, o grande público terá a oportunidade de conhecer sua elegante e preciosa poesia.

Micheliny Verunschk é escritora.

Como no carnaval, esse livro subverte a ordem cotidiana para “inventar sutilmente o meu próprio tempo/ tornar a cronologia espécie de mito/ dançar xote pela madrugada”. Debochada e destemida, a voz poética ama radicalmente a vida e tem “os dentes capazes de devorar o mundo”. Se não é convidada para a festa, ela cria a própria celebração da incompletude, do charme medíocre de quem reluz quando apaga, daquilo que é item de colecionador raríssimo com avarias e não encontra comprador.

Filha de uma linhagem insubmissa, Manuela desestabiliza as dualidades, reorganiza as noções de sagrado e profano, “há pouco no mundo tão sagrado/ quanto amar uma mulher”, recusa o paraíso, zomba do inferno e, em oposição à ideia de céu, prefere o fundo do mar. Estar no mundo é um jogo, uma festa e um ritual. É verdade que existe a carne viva, “eu nunca soube caber/ eu nunca coube”. E também o contra-ataque, “estamos deslocando ao mundo com um ódio doce/ rasgando as órbitas do planeta para que nos caibam”.

Nos chega pulsante esse magnetismo da experiência e da autonomia, “quero experimentar a vida arisca entre os lábios/ como fruta indomável que busco do pé”, “estou viva, estou viva/ sou minha e estou viva”, esfoliando “sempre entre a fricção & o desejo”.

Uma camada de magia encobre os poemas com suas cartas de tarô, baralhos ciganos, ervas maceradas e espíritos fundadores do mundo. Também nas transmutações em bicho, em mulher-ilha-chuvosa, mulher-pequeno-pedaço-de-mundo, rejeita a hegemonia civilizatória e abraça o que há de mais originário e selvagem em si. Manuela comprova o equívoco de quem pensa não caber ternura na rebeldia. Torno-me agora as palavras deste livro e “peço que, meu bem, sirva-se com as mãos/ peço que, meu bem, leve-me à boca”.

Roberta Freire

Poesia que bate do lado de fora: na cidade, entre objetos perdidos; um dente no prato cuspido, o coração nas mãos ou o amante adormecido, à espera, com um buquê de flores — natureza morta no meio do dia. Entre levezas juvenis e sotaques de bem-dizeres. Máquina do coração do lado de fora, onde não tem palavra.

Flávia Albergaria Raveli

se este livro tivesse cheiro, dava pra sentir cachimbo,

porra,

loló,

melaço e

abraço de uma mãe que te ama.

nestas páginas, que sugerem um cair de nossas máscaras em queda livre do teto, há sempre a possibilidade de que alguma dessas que cai nos sirva muito bem. difícil não sentir acomodada na gente uma destas máscaras que nada escondem, só revelam.

vivemos numa realidade em que bauman, que nos fala dos amores líquidos, coexiste enquanto bell hooks nos fala da construção de uma ética amorosa. percebe a confusão? as palavras de máscaras que caem do teto nos confrontam a encontrar esse ponto de equilíbrio quando, muitas vezes, o tesão nos borra o limite de toda essa pulsão de vida.

dividido em 4 partes, com poesias intensas e palavras delicadamente colocadas em um motim sensorial, ele nos deixa um alerta: não acreditem, o poeta mente.

em “fantasia”, acompanhamos a rebeldia de quem sonha com aceitação, com um amor tranquilo e safado e com domingos livres de uma angústia neurótica sem nome. há um convite implícito a vesti-la. há um chamado a experimentar tudo que puder, não há paranóia que consiga prever a delícia de se entregar aos prazeres das coisas não ditas, mas sentidas.

dessa corda bamba entre imaginário e real surgem breves “14 tuítes”. complexos, curtos e explícitos. aqui não há esconderijos. recife, drogas e ansiedade se misturam quase que instantaneamente e te entregam uma larica textual pronta pra te saciar.

agora saciadas, vem a sede depois de se ter bem bebido. temos mais! suas “pulsões” inquietantes, aproveitadoras do prazer negado por anos de homofobia, fazem com que você sinta esta bicha escritora gritando de desejo. toda nudez é permitida e todo tesão parece pouco. pica, bunda, língua, cunhão. não há pudor. há uma festa. nela estamos derretendo e o cio nos consumindo.

daí, o momento do primeiro trago de cigarro após uma bela gozada, onde hibson nos conduz ao interior “do interior”. uma viagem deliciosa pelo mundo que o construiu, pelas relações que atestaram sua ternura, pelas mulheres que o fizeram doce e pelas ausências que o mantiveram presente. um labirinto emocional que parece fruto dessa modernidade tão apressada. não esqueçamos que há infernos em que a saída é atravessando, há silêncios que não se resolvem com gritos e há abraços que nos erguem do chão.

tenho o privilégio de apresentar a primeira obra do meu outro coração no mundo. sinta ele bater tão perto. dentro de você.

Hugo da Silva

Desde o início, com “Diagnóstico”, somos confrontados com a ideia de que a verdadeira essência da poesia pode ser sufocada pela tentativa de patologizar as características únicas do indivíduo. A autora resiste à conformidade e ao controle, celebrando a liberdade da mente e da expressão criativa.

Os aforismos que pontuam a obra, como “O silêncio é uma erva-doce” e “Sem o mistério a verdade não existe”, são momentos de pausa que nos convidam a uma reflexão mais profunda sobre a vida e a existência. Eles servem como lembretes de que há uma riqueza imensa nas pequenas coisas e no não dito, capturando a essência da experiência humana em poucas palavras.

Em “Paisagens próximas” e “Deteriorando”, a vulnerabilidade e a introspecção são exploradas com uma honestidade crua. A autora nos guia por cenários de luz e sombra, onde a fraqueza e a autossabotagem se revelam.

“Felina” e “00 horas am” expressam a essência selvagem e sensual da autora. A imagem da mulher-gato, simultaneamente dócil e feroz, se entrelaça com a noite insone na qual a autora se reinventa e explora sua identidade. Há uma dualidade constante entre o dia e a noite e entre o controle e a liberdade que permeiam toda a obra.

Os poemas “Encantamento” e “Selenofilia” nos transportam para um universo de fascínio e enigma. A relação da autora com a natureza e os astros é quase mística, uma dança entre o real e o onírico que nos faz questionar nossa própria conexão com o mundo ao nosso redor.

Em “Pessimismo” e “Taciturna”, a melancolia e a apatia são exploradas com uma profundidade tocante. Os dias nublados e as noites que demoram a cair são metáforas para a estagnação e o peso da existência.

Sabrina Morais revela a beleza da impermanência e da espontaneidade, nos convidando a abraçar o caos e a incerteza, e a encontrar poesia nas oscilações da vida. Convoca a ouvir os sonhos enquanto o corpo está desperto.

Águas oníricas desafia a categorização e nos convida a navegar por versos molhados de ironia e solitude, cotidiano e cenários imaginários, música e sonhos, em que cada poesia é um reflexo da alma inquieta e criativa da autora.

Viviane Siade

sobre longas caminhadas.

sobre o silêncio que surge logo após o gozo e a tormenta.

em Partida ficou um pouco de mim quando o li.

e ali, um pedaço meu deixei sem hesitar e assim o faria de novo e mais uma vez.

Pamela nos convida ao mergulho abissal com sua poesia,

sussurra nos nossos ouvidos os cantos noturnos das sábias, das loucas, das deusas e das putas.

“Eu apaguei.

Mas a pressão do lápis

marcou a folha, e,

se eu olho com cuidado,

tudo ainda está lá.”

sim, Pamela. sigo em tuas páginas.

todas nós seguimos.

obrigada pela estrada.

as lonjuras de Partida têm a pausa do suspiro do encontro.

Gabriela Guinatti

Sob o manto do seu tempo, o conjunto de 44 poemas reflete a fatalidade do antropoceno. O espaço urbano e seus símbolos carregam o peso de uma sociedade decadente, da qual Ricardo tenta se abster. Ele encara o mundo, fecha os olhos e não compra o discurso. Por outro lado, a geografia natural e seus elementos fazem sentir a vida, e o autor se vê integrado a uma faca de dois gumes — ainda que seja iminente a ruína, sempre venta, ora na cidade, ora dentro de si.

Diferente de Drummond, que usa do poema para celebrar alguém ausente do próprio legado, o autor quer sumir nas entrelinhas da estrofe, na parafernália da sua criação. Os ritmos regulares, as frases simétricas e a estrutura cíclica: ainda que o eu-lírico se faça presente, uma força impessoal parece tomar conta das páginas. O desligamento de Ricardo ocorre em pleno ar, no fôlego das palavras, enquanto desvanece para um lugar abstrato que (sobre)vive além do horizonte melancólico. A morte do poeta também é fantasia.

A sensação de exílio e desamparo percorre o espaço-tempo deste conjunto de poemas. Não se escapa da solidão do aqui-agora nem da incerteza e insegurança em relação ao presente e ao futuro: “e nosso futuro jaz perdido em lugar-nenhum”; “quando tudo isso acabar…/ainda não saberei nomear minha época”; “sinto que estou numa cela/do tamanho da europa”.

Mas a angústia maior, nestes poemas, talvez seja a do forasteiro em sua própria terra. Um desabrigado que viveu aquela experiência referida por Walter Benjamin: “há uma coisa que não tem reparação possível: ter deixado passar a oportunidade de fugir da casa dos pais”. Para onde ir? Alguns poemas sugerem a infância como única casa habitável. Mas ela, claro, não pode ser recuperada. Ainda assim, a infância reaparece, e, em determinado momento, o poeta é salvo pelo “barulho/de crianças num sábado de manhã”.

Persiste, porém, um mundo ou uma civilização que parece não aprender com seus erros, que não avança: “berlim continua dividida”. Frente a essa dura realidade, mesmo quando o poeta revela algum momento de otimismo, trata-se de um otimismo marcado pela ironia, como no poema “agora levante seus olhos”. Porém, diante de um cenário global tão pessimista, mais do que atacar os infortúnios da atual condição humana, me parece que o poeta pretende mesmo é defender “a liberdade de mudar de céu”, como queria Robert Desnos. Pois, “há sempre brechas/toda estrutura é constituída também com falhas/até mesmo a sintaxe, a alegria”. Talvez seja possível encontrar alguma felicidade, mesmo nas cidades. Talvez em Juazeiro ou Petrolina. Além disso, se “a linguagem é a casa do Ser”, como setencia Heidegger, citado numa epígrafe, Anielson Ribeiro nos faz pensar que talvez a poesia seja o abrigo que nos resta.

Eleazar Carrias

Rapidamente ele se mostrou como um exercício da busca do Outro, do próximo, o que por si só também se desmembrou em três vertentes. “O Outro: poema”, que o nomeia, é o encontro com o texto em si, ou a percepção da atividade poética como essa tentativa de captura do próximo verso, que será sempre melhor que o atual. “Outros: incêndios” é o encontro com o outro igual e tão diferente no amor, na família, as relações em que o outro é o produto da combustão do “eu” comburente com o “outro”, combustível, o que pode queimar em desejo ou destruição. Por fim, “Outros: naufrágios” é a água que apaga o fogo, mas também revela formas e caminhos. A água é a imagem espelhada do Outro em que me vejo, ou seja, o seu ideal baseado na minha perspectiva, que se desfaz no mergulho. Como não sei nadar, a água é também o meu naufrágio, a minha tontura e o meu impossível. O outro: naufrágio é aqui a utopia, para onde ir.

A primeira parte do livro, “mise en place”, é justamente esse preparo dos ingredientes e dessa forma sinuosa pela qual chego ao poema, muito derivada da topografia dos morros e pastos de onde vim e que muito habita meu imaginário e meu raciocínio em rodeios. Por isso, também, tantos espaços entre as palavras, tantos itálicos, na tentativa de colocar cada ingrediente na sua ordem e posição ideal para que crie a imagem sonora e o ritmo que projetei para a sua apresentação final no prato.

A segunda parte permeia as combustões e explosões que surgem da relação com o Outro. Na relação com o Outro, como indivíduo, é onde o Eu se cria e se fragmenta. É no elemento primitivo da metamorfose da matéria, que é o fogo, que esse Eu se molda. Nessa parte incendiária, caminho pelos efeitos do Outro na concepção do indivíduo: Eu (lírico).

Por fim, o navio precisa partir. A terceira parte é a apresentação desse produto aquoso e disforme do Outro, diante da água. A presença frágil desse Outro que nasceu, como nós nascemos tão frágeis do líquido que nos moldou. É uma elaboração cristalina final dessa turbulência que é nascer. Espero não ter notícias do naufrágio. MICHELE FLORES

Decerto há o encantamento com a imensidão do mar, depois a busca por um porto. Este é o primeiro convite que e meu coração quebrado como o mar da Bahia nos faz. Mas junto ao chamado, que se divide em “mar” e “areia”, há também os avisos “inatravessável” e “impertencível”.

Assim, Jonedsun demarca as rupturas, as partidas e rachaduras da sua poesia. Mergulhe, mas não espere travessia, tampouco ancoragem! Dentro do mar tem rio e esse viajante quer ser levado:

me carregue com coração e tudo quebra             mar.

A liquidez aqui nos faz olhar pra dentro, pras fragilidades ou o oculto do ser. Ora reconhecemos as feras, ora a observamos de longe, para depois deixá-las na salmoura. O viajante toma nota das intercorrências, das faltas e despedidas. Ele se desbrava, com a mesma sagacidade em que Raul Seixas separa o meio do início e do fim. Assim, percorremos juntos a Bahia!

Também divagamos nos becos, metrôs e desassossegos da pólis. O pé no chão é temperamental, tropical, vapor barato, feito Salvador. É pra infiltrar

as vigas os ladrilhos e esporadicamente habitar as fraturas dos lares desta cidade

Ao ler a obra, atreva-se a estar sob a pele de um sertanejo que carrega a sua própria bagagem e quer se redescobrir nas ruas da cidade.

Mariana Madelinn

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Najwan Darwish (Jerusalém, Palestina, 1978) é um dos principais poetas de língua árabe de sua geração, traduzido para mais de vinte línguas. E esta é a primeira vez que temos a chance de ler os seus poemas em português, colhidos de três dos seus livros publicados até aqui. Se não é uma antologia exaustiva, sem dúvida é uma consistente apresentação da força (ou ainda: do campo de forças) da poesia palestina contemporânea. Logo de cara, um assombro: “não há homem livre com quem eu não tenha parentesco, e não há uma única árvore ou nuvem à qual eu não seja devedor.”
A tradução do poeta Thiago Ponce de Moraes que temos em mãos foi realizada na companhia do próprio Najwan Darwish, ao longo de mais de sete anos de trabalho, em que foram cotejadas muitas das traduções publicadas em outros cantos do mundo. Aliás, o livro é muito coerente com a trajetória de Thiago, que tem se destacado como um dos poetas mais interessados em criar relações multilaterais do Brasil com outros países, ao representar nosso país em diversos festivais internacionais de grande importância, e atuando como o coordenador brasileiro do World Poetry Movement.
O encontro de Najwan Darwish e Thiago Ponce de Moraes é uma alegria e um presente para todos nós, leitores de língua portuguesa. Em um ano assombrado pelo genocídio, em que testemunhamos uma espécie de “solução final” para a destruição em massa de vidas e territórios da Palestina, a voz de Darwish traz notícias de um país ao qual não se tem acesso nos jornais ou nos livros de História. Sua poesia, como escreve Thiago, é uma força política na medida em que “apresenta a sua presença, acentuando o caráter daquilo que existe.” Ou ainda, quando traduz as palavras de Darwish: “meu desprezo por sionistas não vai evitar que eu diga que eu fui um judeu expulso de Andaluzia, e que eu ainda teço sentidos a partir da luz daquele sol se pondo.”

Marcelo Reis de Mello

tiago manguebixa

cientista social e escritora ensaísta

A poesia de Monique Portela traz um pouco de seu olhar de jornalista no ato de observar o que acontece enquanto você passa. Essa atenção voltada aos amores cotidianos, às suas expressões menos nobres e menos ornamentadas, fica evidente e saborosa em um bom tanto de metáforas caseiras: tem figo, tem pão, tem maçã, tem romã e tem amor cozido a fogo baixo levantando fervura.

Sendo um livro sobre o amor, este é também um livro sobre relações, especialmente em sua segunda e terceira partes, quando a autora fala de homens e mulheres. Aí, então, passa a ser uma obra sobre gênero, poder, abusos, desatenção, distância, desejo, limites, disputas… ingredientes das tantas relações reais, ainda que indesejados.

Para falar de amor é também importante saber escolher as palavras. Não podem vir muito certas, cheias de exatidão. Há que se ter espaço para dúvidas, há que se deixar uma porta aberta caso alguém queira sair ou mais alguém queira entrar. Neste ponto também a obra de Monique é rica, porque vai garimpando o vocabulário até achar a palavra que brilha. É divertido hesitar diante da polissemia de algumas de suas escolhas e olhar para os lados, sem saber exatamente qual caminho escolher.

Este livro, composto por poemas semeados ao longo de dez anos e colhidos agora, é uma belíssima estreia da jovem escritora. Os que amam irrefletidamente talvez se afundem na profundeza de possibilidades do amor. Os mais atentos terão mais elementos para um sorriso de cumplicidade ou uma entusiasmada discordância.

João Frey, jornalista

Pedro Passari

Essa casa existe na realidade e não existe na realidade. Ela se comporta como nuvem. Tanto se contém num novelo de algodão como se torna em uma enchente cuja força só a poesia consegue suportar.

Regina Morais

Izabela bebia mais um café, observando contrariada o punhado de folhas que eu recém jogara na mesa do escritório. Era o arquivo digitado com a reunião de todos os seus poemas, até então espalhados e negligenciados: o embrião deste livro. Não me parecia justa a ideia de ser privado o deleite poético frente à sua obra. A escrita que toca sua condição humana e sabe dizer sobre isso: “brigo com você pela náusea/brigo com você porque quero quebrar a engrenagem/brigo com você porque não quero quebrar a engrenagem”.

O que intento fazer como apresentação deste é mostrar ao leitor que os escritos aqui publicados são um meio para chegar até a autora. A identificação da arte produzida com a pessoa de Izabela sempre me pareceu grandiosa e urgente de ser comunicada, porque sua vida é genuinamente um gesto estético. O que eu poderia fazer além de me comover com a verossimilhança? As notas de sua poesia — os tempos das esquinas, as paisagens inóspitas, a ternura e também a dureza — são as notas de seu espírito. Ambas têm cheiro de coragem, crueza e retidão.

Belo é não encobrir a vida com dissimulações. Izabela possui dedos frágeis demais para tanger o real sem mediações, mas ainda assim o faz. Como deixa que o gozo escorra pela boca e se transforme em voz ativa? Como maneja olhar para o cansaço das horas e, justamente por isso, acredita na rotina? Como sempre imprime crianças a constranger generais? Por que não titubeia? Por que, quando desaba, produz força para ressurgir e levantar junto de si seus irmãos? E, o mais incompreensível, como opera a destruição de toda a vil moralidade dominante e, ao mesmo tempo, projeta sobre sua cabeça o imperativo categórico que comanda cada uma de suas ações?

Outro dia, revisitando seus registros, escrevi: “Como se tivesse o mar nas mãos”. Mas o que isso poderia significar? Certamente algo sobre a liberdade.

Isabelle Cruz

A cidade, o planeta e o corpo representam aqui espaços que se fazem e desfazem a todo instante, numa dança de células e ruas, luzes e sombras, líquidos e asperezas, encontros e despedidas. caminhei toda a água do meu corpo nos faz submergir na vastidão do espaço de uma história de amor, ainda que ela caiba em um apartamento, assim como as células que se desprendem de um corpo ao longo de uma semana podem caber no reservatório de um aspirador de pó. É que há tanto no que parece não ocupar espaço.

Caminhar seguindo os mapas aqui apresentados é descobrir que amar é também um ato extremamente solitário — pressupõe acompanhar o tempo de forma metódica, marcar, com precisão, as páginas do que se lê.
Jadson Rocha dialoga com um outro ausente, chamado apenas de você, um nome oculto que se desdobra de mil formas na geografia íntima que olhamos como voyeurs. Quase parece que podemos tocar aqueles corpos e pedras que povoam os poemas delicados deste livro. Pura ilusão.

por descuido alguma frase curta

na entonação certa reivindicava

sua presença a meu lado

e de súbito pouco mais de mil quilômetros

assim suprimidos do mapa

ainda que meus interlocutores entendessem as palavras

— elegemos para nossa língua justamente as mesmas palavras

da língua oficial deste país desencontrado —

conheciam as palavras mas ignoravam tanto

seu nome é um nome comum de homem

quando o chamo em voz alta soa para mim inconfundível

É desse descuido que surgem as frestas que nos permitem ver o inventário de miudezas que compõem o amor, o eu, a cidade e também o chão da cozinha. Este pequeno livro é ainda um guia para navegar o efêmero. Que sorte a nossa!

Anna Davison

Aqui vemos o amor em vários formatos. Do embrião do querer, tão carregado de expectativa, à carcaça de uma relação com a qual ninguém sabe o que fazer. Tudo embaralhado, sem contar uma mesma história mas dando pistas de várias. E temperado por um senso de humor, um espírito esportivo de quem entende que a dor faz parte do gozo e vice-versa. Como uma amiga que dá uma tragada funda de cigarro, te olha com todo o carinho do mundo e diz “é, gata”.

Talvez concentrar tanta vivência em versos tão sucintos seja uma forma de cura — de si e dos outros. O que era uma massa amorfa de sentimentos e uma troca sem fim de mensagens se vertem num mesmo objeto mínimo e luminoso; uma sabedoria que se condensa em ferramenta e se passa adiante. Nesse sentido, um livro de poemas como esse é um serviço comunitário.

Num poema sobre Adília Lopes, Rafael Mantovani diz que os versos dela são tão finos que quando ele tenta entrar, acaba chegando do outro lado. Sinto uma coisa parecida quando leio haicais do Bashô, tweets da Rita Lee e agora, posso acrescentar, poemas da Camila Felix.

A palavra desejo tem quatro ocorrências nesse volume: duas delas são logo no começo e as outras, perto do fim. É como se o desejo fosse uma chave que abre e fecha a leitura, nosso companheiro ao longo das páginas, quem sabe até mesmo a farinha do tal pão que o diabo dá. Como pessoa desejante, me sinto contemplado e imagino que você, desejante que tem esse exemplar nas mãos, também tenha algo a encontrar por aqui.

Pedro Cassel

Jorge Reis-Sá

Manuella Bezerra de Melo

Ana Karla Canarinos

]]> https://editoraurutau.com/titulo/salmoura/feed 0 https://editoraurutau.com/titulo/kora-contos-e-poesia https://editoraurutau.com/titulo/kora-contos-e-poesia#respond Sun, 21 Jul 2024 19:46:54 +0000 https://editoraurutau.com/?post_type=product&p=21462 TIBETE NAS VEIAS

O poeta Tenzin Tsundue é de um lugar onde nunca esteve: o Tibete. Nasceu na Índia e cresceu ouvindo: “você não é daqui!”. Desde cedo, sentiu que a escrita seria sua forma de resistir e de sobreviver ao não pertencimento, seria a maneira mais eficaz de afirmar que seu lugar no mundo existe e que precisa ser reconhecido.

É a partir desse posicionamento diante do mundo que Tsundue traz a lume Kora, um livro de poemas e relatos que perpassa seu sentimento de filho de expatriados. Kora, em tibetano, significa circum-ambulação, ou seja, prática ritualística em torno de locais e objetos sagrados do Tibete. E essa prática comparece e transparece em todo o livro, como instinto de preservação desses lugares e de seus artefatos místicos. Kora, o livro, é também assentamento da oralidade, ou seja, o entrelugar que registra a memória, e que clama por um Tibete livre.

Kora foi lançado em 2002, e é o livro que, nas palavras do autor, “parece ter capturado a imaginação dos leitores. Inspirou filmes, peças de teatro, histórias em quadrinhos, e alguns dos conteúdos estão sendo ensinados em universidades na Índia e no exterior”. Foi traduzido para 15 idiomas e se tornou um best-seller da poesia.

Sim, Tsundue é um ativista inconteste, e não há como separar sua escritura da sua luta pela liberdade do lugar que pulsa em suas veias, e que permeia seu imaginário; mais que isso, que confere sentido à sua existência. Porque tudo está amalgamado e é o leit-motiv da sua vida, que é o mesmo que dizer, da sua obra — que busca despertar consciências e juntar forças para que a geografia da sua pátria seja reconhecida perante as outras nações.

Agora, é fazer uma jornada pelas páginas de Kora, subir os andaimes de cada poema, as torres de cada história e, do ponto mais alto, ver Tenzin Tsundue estender o estandarte da liberdade e lutar para que seu povo possa “voltar para casa de novo”.

José Inácio Vieira de Melo

Pedra Só, Chapada Diamantina,

Bahia, maio de 2024

É o que se vê nos poemas que compõem foi o tédio quem forjou em mim ossos pneumáticos, escritos com a rara sensibilidade de quem sabe que o infinito e o nada existem, embora se construam com as minudências do dia a dia. Veja-se, por exemplo, o longo verso final de “como esmigalhar um tenro amor”, composto ao modo de um repertório de cruéis miudezas capazes de minar, no chão de fábrica do amor, suas promessas de plenitude: “divida-o em pequenas porções e mastigue-o com os dentes do ódio e engula-o com a garganta do tédio.”

Ora, a face mais premente do tédio é a sensação de que o tempo não passa, embora, para desespero dos que o descobrem, ele passe. Em “canção do amanhecer”, é o próprio tempo quem torna mais densa a experiência de cada dia: “meus amanheceres / são mais densos: / o tempo me obriga / a contá-los.”. Por vezes, essa experiência avassaladora do tempo é de tal magnitude que produz em nós uma espécie de ontologia das cinzas, uma constatação amarga de algo que foi e deixou de ser, sem sequer deixar memória, como o poeta nos anuncia no sintético “de fio a pavio”: “chega um momento em que as cinzas / são apenas cinzas, / e não a aquecida lembrança do fogo.”

Mas o poético responde. O que dorme dentro dos ossos das aves (pneumáticos, não?) é o pneuma, o sopro, o princípio a que os gregos atribuíam a própria existência da vida, como o verbo da tradição judaica. Aqui, a fala (imaginária?), o verbo rebelde que dá nome ao livro vem da voz de um pintassilgo aprisionado, que, no antológico “como engaiolar um passarinho cantador”, nos adverte: “não se espante, / no entanto, / se, por um breve momento, / percutir em seus tímpanos / o impossível canto de um bico fechado.”

Como os ossos das aves, também os poemas de erre amaral são densos e plenos de ar. Pneumáticos. E, no entanto, ou justamente por isso, voam e nos servem de antídoto contra o tédio em tempos em que, como o nosso, ele parece imperar.

Júlio Machado

poeta

Sapatilha trinta e sete responde muitas das perguntas que não querem calar, para a maioria das pessoas que jamais se aventuraram no universo da lesbianidade: onde vivem? Do que se alimentam? Como se relacionam? O que fazem as lésbicas? É um livro que te desafia e apresenta uma ferramenta imprescindível para a autodescoberta: o olhar genuíno para dentro de si.

Adrienne Rich (2010) nos lembra de que, onde quer que estejamos, somos exemplos de vida que recusam a estrutura patriarcal. Nós somos um erro do patriarcado, e este é um fardo difícil de carregar em um mundo que privilegia a linguagem masculinista de mundo; mas a poesia, diria Audre Lorde (2019), dá luz ao pensamento, nomeia ideias que não têm forma, mas estão prestes a nascer, já que já foram sentidas. A poesia é nossa coragem: nos salva, nos mete em contato com nossa ancestralidade, nos mostra o caminho para nosso próprio poder.

Este livro é sobre esse percurso — uma publicação inteiramente sapatão, de afetos antigos, costumeiramente ocultos, fortalecidos e visivelmente sapatões, feito por mente, alma, mãos, língua e linguagem disruptivas, parte de uma tentativa sáfica e, portanto, histórica e criativa, de nos nomear, dar forma às nossas emoções e olhares, de produzir e tornar memória nosso jeito de enxergar o mundo.

Mais um presente são as ilustrações e colagens feitas por Thay Kleinsorgen, coração sensível, arte brilhante e grande amiga de Zanni, que pode capturar com tanta destreza o espírito incendiário dos textos irremediavelmente poéticos contidos aqui.

Sapatilha trinta e sete é um alento, um lembrete da sobrevivência da rebeldia, e da resiliência de nossos cansaços zombeteiros. É também um chamado à dança, à fúria, à auto-observação e à celebração de nossos corpos; é, principalmente, uma homenagem ao sensível, que sempre vence.

Natália Kleinsorgen

Na primeira parte, homônima ao título do livro, alguns poemas são marcados por datas, outros por espaços e objetos do lar que, aos poucos, vão se insinuando com cores, cheiros, texturas, assim como se revelando em inquietas incrustações nas coisas mais comezinhas: “foi com essa idade (…) que começou a contar a morte na sua casa”. Sobrevive aos estilhaços da memória a presença da mãe e da irmã, de signos cristãos como vestes, versículos e santos, assim como de uma terceira pessoa com quem se compartilha “a nata pingando” ou a “nata / fina e nojenta” cuja cor contrasta com os muitos elementos em azul para além do céu: inscrições, mensagens, facas, azulejos portugueses. Isso vai construindo uma espécie de promessa, feita pelo enunciador, de um dia produzir um “tratado sobre as natas” a partir de imagens de um lar tomado pelos “modos brancos de um testemunho”, pelos “segredos dos bordados” e pelo silêncio cúmplice. Há também uma atmosfera tensa “no que há de mais fatal / ao abrir a boca”, que culmina, à guisa dos palimpsestos, na revelação de que o esforço mnemônico do eu-poético “é trabalho de bicho triste”.

Na segunda parte, intitulada “o que acontecerá às circunstâncias quando acabarem todas as goelas?”, o leitor encontrará poemas que se permitem, ao menos por algum instante, sair de casa e falar sobre o amor e o sexo por meio de perspectivas incomuns, como a da eletrostática (a exemplo de Marília Garcia) e da síndrome do coração partido ou cardiomiopatia de takotsubo. O homoerotismo, não sem alguma “dor de cotovelo”, opera sem grandes interdições e tudo agora desce “com o dobro de mucosa” até criar “nós nas amígdalas”. Como se o procedimento fosse raspar o íntimo para doar ou doer silêncios, ou ainda para mostrar alguns vícios, Pedro Willgner talvez deixe o tratado sobre as natas à espera de realização em proveito de uma outra coisa. Com o céu era uma nata pingando ele faz soar aos nossos ouvidos essas tantas sugestões e perguntas a respeito do encontro de corpos que se desejam e se repelem.

Edmon Neto, poeta

paulo brás

Inicialmente, é necessário construir a delimitação do corpo da linguagem, inserindo uma obra como a vocalização do artista que se manifesta no tempo e ao seu tempo. Não se reivindica, portanto, uma escrita imparcial – afinal, tudo que não consta em um livro é também a afirmação de um silêncio –, concluindo, por isso, que os capítulos materializam as costuras de um ser específico que se auto desenha historicamente. Vislumbrar essa premissa torna possível a continuidade da arte fora do criador, a arte pela arte, a mágica/algo além.

A obra assume, então, uma segunda face, múltipla, onde o leitor é chamado para identificar nos capítulos e nos poemas a ordenação de sua própria experiência poética de leitura, recriando-o. Ao se apropriar do livro de modo que ele não seja considerado um objeto terminado, seguindo a descrição da poeta argentina Alejandra Pizarnik quando resumiu que “únicamente el lector puede terminar el poema inacabado”, sua ressignificação ocorre.

Toda poesia é política e, por meio dos embates incômodos que movimentam versos/dos corpos/revoltos, o texto identifica a necessidade de se criar meios de recapturar a subjetividade e a capacidade de abstração dos sujeitos. Há no livro, em verdade, uma urgência em debelar a atual massificação da catatonia como verdadeiro estado de espírito coletivo, algo intensificado pelas novas roupagens do fascismo de nosso panóptico.

Assim, a leitura ativa e crítica de Apesar da Hora das Portas acaba sendo um dos caminhos de formatar nossas sensibilidades em alternativas de enfrentamento a realidade contemporânea. Reencantar-se através daquilo que nos toca proporciona o estabelecimento de novas coletividades a partir da ação ao se provar, inclusive, o amor em sua dimensão total, esquentando e esfriando, mesmo quando seu encontro tarda.

O risco é onde a afirmação da vida pode se estabelecer, e entender a máquina humana como construção é, ao fim, entender que estamos sempre no tempo de jogar novos dados; ao contrário disso, de costas para este fato, é certo, estaremos à mercê de sermos preenchidos, seguindo nas mesmas posturas e mesmas portas.

Thais De Menezes

Margarida Rendeiro
trecho do prefácio

Nada alheios a tais premissas, surgem-nos estes poemas deixados por Juliana Otoni, que se agarram a seus leitores por um “pacto/ sem palavras” de cumplicidade, aquele das experiências que, por serem tão humanas, em alguma medida podemos partilhar, como as do amor e da separação, da memória e do esquecimento, do silêncio e da espera, da maternidade e do ser mulher, do corpo, da casa e da cidade – e as da própria palavra poética.

Dividido em duas partes cujos títulos – “Para ler amanhã” e “Escrever para lembrar” – como que cartografam os caminhos de nossos sentidos ao longo da obra (sentido, aqui, como sinônimo de sensação e de direção), Poemas deixados canta, sobretudo, o tempo amplo do Amor, cujas setas podem ter como alvo o passado – as memórias, as marcas – ou o futuro – o desejo, o amor-vontade –, sendo o presente, o cotidiano, o lugar privilegiado de uma escrita-vivência onde “as palavras param” (e pairam, diria) “pra gente passar”.

Assim, se como afirma Paul Auster em seu ensaio “O livro da memória” (1980-1981), de A invenção da solidão, “a história da memória é uma história da visão” e “no momento em que adentramos o espaço da memória, entramos no mundo”, Juliana Otoni, esta “poeta [que] existe/ quando ninguém vê”, com seus Poemas deixados, coloca-nos diante do mesmo trampantojo “do qual nasce o amor” (este compatriota da dúvida, como ela mesma escreve), para, ao mesmo tempo, nos revelar e fazer adentrar o mundo complexo e belo de uma poesia que “fica como se sempre/ tivesse estado”.

Fred Spada

Aqui, a porta que poderia separar o eu e o mundo é elemento de condensação. Desaparecer é fazer desaparecer o mundo. Um céu não mais se abre, mas abriga a dicção de um eu que pode ser dito em vogais abertas — “tradução impossível/do que se faz entre nuvens”. Um eu que é “Bartleby do avesso”, um eu que é outro, outro também natureza: o céu, a tempestade, o rio. A tempestade é a palavra do amor — e assim o mundo poderia acabar inundado.

Dentre os poemas, é possível ler o sentimento daquele que se encontra entre tempos — o de existir e o de deixar de existir — e que é feito portanto de substância temporal. Um dissenso ressentido, sentido novamente no seio vazio, mas que busca algum sentido em um mundo que parece trancado. O livro se faz nesta “repetição da invenção/sem fim”. Uma poesia do sumiço, uma escrita sob a sua ameaça, cuja linguagem obriga o leitor não só a testemunhar, mas a, de alguma forma, também escrever o desaparecimento. É como se o olho lavasse, digo, levasse a escrita. Um livro que se propõe a desaparecer sob o olhar do outro, não como a figuração de uma inibição, mas com uma “total inversão de sentido”, desenhando uma “ilha deserta imagem/dinâmica miragem morada” no olhar de quem lê. Escrever um gozo fora do corpo, mas também perder a linguagem, quebrar as palavras, não mais saber falar, e dizer ainda assim. Dizer desde esse lugar de recolhimento onde o acolhimento falta.

Aqui, se as cartas são lançadas, não abrem a porta. E não precisam. Sua linguagem é como uma flecha que corta o mundo diferentemente a cada vez, a cada direção. O ato é falho, tropeça para destravar, corta a língua, fabrica sangue capaz de dizer outra verdade, que pode se tornar raiz ou ruína — a verdade do corpo por muito tempo observado por Ana Cristina Cesar. O corte e a morte são também nascimento, seja das cinzas, da dor ou da força. Como se desaparecesse faz da ameaça do desaparecimento o anúncio da escrita (“o que eu não podia/era não escrever”).

Bárbara Gontijo

em brechas, Biá Torres opera a linguagem com gestos sutis e afáveis, alimenta a ferocidade pela urgência do Aberto, maneja os silêncios em notas de rodapé, dilata ranhuras cotidianas com maravilhamento e espanto em igual medida, movimenta-se enquanto artesã da palavra a partir de um adensamento consciente e progressivo de sua percepção. nota-se a voz poética e a poeta alternarem o mesmo corpo-palavra, fundam juntas um código, “eu jamais poderia escrever/um poema em outra língua/pois a língua que me foi dada é/incontestavelmente/a de minha poesia”, a peleja inesgotável da primeira vez do primeiro verso, a ânsia por bordas, gargantas, fendas e saídas de emergência: “o poema sempre sonha”.

ao criar campos de atração e repulsão — estratégia amável, portanto fatal —, Biá coagula ritos desejantes: a escrita poética, a nudez, o silêncio, o sexo, entre outros. a poeta ama desesperadamente a palavra, o verso, a angústia libidinosa da página em branco. o medo medular do despalavramento flerta com o ingênuo, esmiuça os automatismos cotidianos com respiros brincantes.

este é um livro de delicadezas escandalosas. “somente um orgasmo poderá nos salvar”. e, se continuamos a ler e a escrever poesia ao longo do tempo, talvez seja pelos poderes específicos — e magísticos — da própria poesia, nesse caso, o espanto tangível de um poema nos colocar desnudos diante de nós, “apesar de, apesar de e apesar de: encontrar brechas”.

 gabriele rosa

gosto de pensar que algumas cartas de amor foram enviadas para os seus destinatários no mesmo momento em que publiquei estes textos e que quando eu morrer terei a certeza de que amei intensamente e me declarei sempre que necessário — mesmo que em algum momento tenha me faltado coragem.

e você, pode dizer o mesmo?

escrevo aqui para que cada texto seja um chamado. pra deixar o amor entrar, ou sair se precisar. são pequenas e grandes declarações pra lembrar que a vida é uma delícia com amor clichê e ninguém morre por coração partido (a menos que envolva um bisturi).

André Murraças
dramaturgo

como num fluxo de pensamentos, um devaneio inofensivo é seguido por uma constatação existencial, que é seguida por uma reflexão objetiva da realidade, que é seguida por uma observação tenra ou desagradável sobre algum aspecto da vida. a menor das coisas está indiscutivelmente ligada à maior das coisas. e é a forma orgânica desse movimento que dá grandeza a estas palavras. é também por isso que cada um destes poemas precisa do poema seguinte e do poema anterior para ser grande. os poemas conversam entre si, mudando ou expandindo o sentido que se havia dado a um bocado de palavras anteriormente. elas brincam, nos enganam e nos reafirmam.

tudo isso com a presença de espírito de alguém que não se leva tão a sério — noah comenta o trágico com humor. não aquele humor que esconde uma lama de subjetividade embolada, mal resolvida, mas uma predisposição em não se deixar abater pelos chutes da vida. nada é o fim do mundo, mesmo quando é. tenho a impressão de que noah compartilha conosco as anotações que fez para si em dias de mormaço, quando o calor nos convida violentamente a ser sucintos (num dia de muito sol, até a palavra tem preguiça de se dizer). então falamos pouco — falamos o essencial, registramos apenas o core da mensagem e pensamos: “depois eu volto a isso”, “mais tarde desenvolvo isso melhor”. e, quando voltamos a essas anotações, ou elas não fazem sentido nenhum ou já fazem todo o sentido e não precisam que nada mais as explique — está ali o conteúdo bruto da mensagem. simples, urgente, explícito, inequívoco. assim é delito delírio deleite.

thaysa paulo

Recorro à Mitologia Romana, para falar do livro do poeta Marcus Vinicius Santana Lima. Pouca lã, seu quarto livro, é uma grande tecitura sobre a vida: seus afetos, ausências, seus desejos e desassossegos, mas, sobretudo, é um livro de amor, do homem que tece a palavra e corta quando necessário.

Alguns dos poemas reunidos neste livro foram escritos em uma época em que as feridas do mundo ainda estavam abertas por conta da teimosia dos homens. Coube ao poeta suturar para seguir o fio.

Posterior à trama, Marcus Vinicius se isolou do mundo. A reclusão pelas palavras se fez necessária, assim como as imagens que o cercavam: foi preciso desfazer pontos antigos, tecer outros cenários para que novas matizes pudessem acontecer: “como se/fosse possível/desatar o nó/sem ferir as mãos”.

Escrever é tecer, não obstante, segundo o Dicionário Etimológico, a palavra texto, vem do latim texere (construir, tecer), cujo particípio passado textus também era usado como substantivo e significava: maneira de tecer ou coisa tecida.

Marcus Vinicius tece a forma a pensar os poemas como trama e entrelaçamentos: “a palavra está na ponta/da língua/o que ela diz?/‘não estou pronta ainda’”.

Pouca lã abriga, mas também desnuda, tomando um viés mais político. Mesmo que o poeta descreva laconicamente a tragédia devastadora e incompreensível como foi a de Brumadinho, ele faz da imagem o espólio da vida de outrem. Mas também não faltam esperanças, mesmo que estas estejam no fundo do baú, junto a outros tantos tesouros que compõe a trajetória de sua escrita ao longo do livro.

Marcus Vinicius é quem conduz o fio da sua jornada com a compleição mais significativa do amor e suas conexões. Ele segue amando a trama, os encontros e as descobertas num fluxo constante de sensações, desejos e experiências, exaltando assim as belezas encontradas ao longo do fio da (sua) vida.

Tatiana Bicalho

alto. carimbando de passos a areia, na praia daquela sereia “obscena, porque vista”. toda uma geologia-relâmpago especializada no baixo-relevo que se apaga à onda mais próxima — em blues e sal.

lanço-me a ela, então. no escuro, tom do céu da boca. e lá está a anatomia do tombo: o corpo acidentado. caio nos poemas como na gravidade solar que assola mulheres e janelas abertas, especialmente aos domingos.

Nicole, ali, na margem do caderno, no bilhetinho súbito. como se esboçando no verso de um guardanapo a última esperança para noites em que letreiros rosa-néon dão seus derradeiros suspiros. e aí que, quando a gente vê, esse papel amassado no fundo da bolsa, com marcas de batom e vinho, é, sim, a salvação debochada da meia-noite.

na cratera, ela conta do que permanece, já que nem os ossos. permanece a “delicadeza do que se desespera”, que suspende o tempo para contemplar, desde a urgência das galinhas que correm ao abrigo da chuva, até o “passar os dedos de leve sobre os pratos de porcelana”. permanece “desejar como quem só tem língua”, que desconfio ser o mesmo que uma mulher dizendo eu. ponderar então entre o tato e o caco — da porcelana ou da palavra.

permanece uma anatomia outra, estilhaços do corpo que se despedaça. é dele que ela conta: entre serpentes, pálpebras, consultório de dentista, aranhas, bocas e cômodos oníricos. e tudo isso é, também, o que o corpo se torna. ela diz “não sou uma mulher”. e reivindica, para si, a matéria para além dos devires. funda uma arqueologia da fratura do corpo, que quase devora, “assim, meio sem querer, até os ossos”, o meu. que seja “lenta a digestão”.

escrevo oferecendo meu corpo, como se fosse papel no fundo da bolsa. desconfio que seja essa a linguagem singular dos cacos de vidro, dos ossos quebrados e das questões ontológicas do tilt. ela desaba ou debocha em néon?

escrevo para ver se a pego no pulo.

Aline Cibele

A rotina e o mormaço dos dias opacos de Brasília se repartem em prédios, engarrafamentos, praças, esquinas e ruas. São espaços que irrompem nos versos da autora como vestígios de uma cidade que já não é a mesma, agora que a voz lírica precisa aprender a vagar só. O concreto não oferece conforto, a não ser o último de todos, aquele ensaiado em diversos momentos ao longo do livro. Consequência de uma sociedade que não nos acolhe, que mantém os portões fechados para quem implora por uma abertura mínima.

É devido a essas ausências que a cidade sem as figuras amadas (no plural, pois o amor aqui extrapola os limites do uno, do binário, do cis) é um ambiente decadente. E essa decadência aparece impregnada em tudo: na derrocada financeira (“não tem nada na geladeira/e eu me deito com fome/penso em/arrumar um emprego”), no perigo da vida urbana (“naquela mesma esquina/onde vimos o homem que vendia cachorro-quente/tomar três tiros pelas costas”) e no perecimento do próprio corpo (“doem os pulmões/e a garganta reclama/tenho cuspido sangue”). Ao longo de todas essas problemáticas, a escritora insere registros cortantes do vazio deixado por entes queridos e da sua própria experiência com a hostilidade (“cuspiram em mim no banheiro feminino”).

A cidade é um ente vivo que nos mastiga e nos cospe, um movimento de expulsão semelhante aos constantes vômitos da voz lírica, que parece estar sempre em iminência de vertigem. De certa forma, o próprio livro parece surgir a partir da necessidade de regurgitação. E assim os versos adquirem formas e ritmos que entorpecem quem os lê. Ao fim da leitura, somos nós que ficamos de ressaca. Se a destruição pela poesia é uma honra para a escritora, ler seus versos entorpecentes é nosso privilégio.

Luciano Duarte

Rogel Samuel

Dividido em quatro partes, poemas que escrevi enquanto sangrava encanta ao capturar com delicadeza as profundidades de uma mulher que carrega em si outras e tantas mulheres, numa façanha ancestral de habitar suas semelhantes; as dores pulsantes de um útero em luto, o vazio impreenchível de uma quase-mãe; os desejos que ainda a fazem viva; e o afeto que lhe reconfigura, fazendo reverências a todos aqueles que se movem com o seu renascer.

Em sua estreia, a autora dita o passo dessa dança de cor rubra. Cada poema disposto aqui traz sua maior assinatura: a capacidade de dobrar-se para si em contemplação de todas as minúcias, de cada detalhe vívido em suas entranhas. Esta mulher que sangra habita ambivalências — ora completa pelas presenças daquelas que ainda virão e aquelas que aqui passaram, ora dilacerada pelo oco de uma perda irreparável. A mulher-bailarina, de borboleta a búfala, escancara para quem a lê sua maior e indomável força, mas também a carne viva de seu maior abismo. Da dureza que recobre seu corpo ferido, Jaisy não se rende: sua poesia, sua vida e seu desejo ainda pulsam, ela ainda vive e ainda sente. E o mesmo corpo quebrado é o corpo que arde de paixão, de libido, de amor e de vontade de viver.

Entendendo tudo sobre pequenas coisas, os poemas não muito curtos que Jaisy Cardoso nos apresenta brilham no ato certeiro do seu fazer poético. A autora escreve com segurança e sensibilidade fascinantes. Entre as imagens tão presentes do fogo, dos ventos e do sangue, Jaisy não esquece do material aquoso, de tal forma que seu livro de estreia guarda em suas linhas uma sabedoria ancestral que Conceição Evaristo já desenhou com suas negras mãos: as águas que passam, enquanto as pedras ficam, são aquelas que da autora-faísca pulsam e jorram e abrem o caminho para transpor todo o resto. Jaisy faz todos voarem para apreciar em suspensão a glória do seu renascimento e a recriação dos caminhos. Lendo-a, é possível entender tudo o que sangra para se refazer. Daqui do alto, assisto a sua alvorada tingir seu corpo das cores iansânicas — e há beleza em acompanhar seu trajeto ascendendo.

Pablo Emmanuel

Com seus sentidos aguçados, Constança decifra as mensagens secretas das notícias de jornal, descartáveis, lê as entrelinhas de uma ecografia ou de um calendário com desenhos de Miró. Imaginei a autora insone, de pijama velho, porque dormir é se entregar e quem contaria a história dos ursos d’água? Dos moluscos azuis, dos bichos e dos seres-humanos em extinção, senão ela? Desperta, a poeta diz temer a escuridão. E ela o diz porque consegue enxergar a obscuridade da nossa época e é isso que torna o livro tão contemporâneo.

Mesmo que boa parte destes poemas tenha sido escrita durante a pandemia, não há dúvidas de que é um livro sobre o extremo agora e, ainda assim, sem riscos de obsolescência, pois a autora consegue nos tocar em nossa humanidade. Com coragem, ela derruba qualquer neutralidade para emitir sua opinião, que denuncia desde  ícones como Serge Gainsbourg até abusos nefastos do mundo neoliberal. Ou mesmo para replicar as palavras da atriz estadunidense Joanne Woodward, apagada pela máquina patriarcal de engolir mães, “se eu tivesse de fazer tudo de novo, talvez eu não tivesse filhos”. Depois que li este livro pela terceira vez, lembrei-me da poeta C.D. Wright, que disse: “O poema nunca dorme, a não ser que eu durma, pois se me deparasse com ele dormindo, o capturaria. E então seria isso, minha presa esplêndida”, e pensei em Constança de vigília fazendo emboscadas para capturar poemas nos lugares mais improváveis, como no fundo de uma geladeira vazia. Felizmente, nossa poeta está viva e ela sente muito. Muito.

Carina Gonçalves

Aqui se alinham o cabelo rosa da menina com asas de vento e um ponto de esquerda firmado com um ebó na Rua Direita, denunciado em um bilhete às vozes imemoriais do passado, mensagem a uma dimensão do tempo que nunca para de ser, a incessante polifonia dos aedos, estatuto ontológico do humano. Canto, logo existo. Mas há também nesse canto o silêncio da sereia, feitiço duplamente mais poderoso. A estética peripatética da poesia pirilampa é quase uma dança, cujas formas do saber_se acontecem em um só andar, só, em multidão de multiplicidades, devir-mulher, sangrando suas dores e prazeres, a_colhendo incertezas na partilha do sensível. Na sua busca de acalanto para o desassossego, na penumbra entre luz e sombra, entre brumas e trovões, ela anuncia seus ritmos: “entre o doce e o salgado, a diferença é de movimento”.

Este livro é feito de outridades, um convite a uma jornada para os desentendidos, os que não temem os riscos entre o dito e o não dito, os que sabem que toda palavra é maculada de silêncios, aqueles para quem a poesia é sempre a melhor das realidades.

Andros Anderson

Gabriel Nascimento

Linguísta e escritor brasileiro

Fuga eterna para lugar nenhum reúne 50 poemas de Héber Luciano. Com linguagem simples e introspectiva, os textos abordam temas como amadurecimento, solidão e a busca por pertencimento. Acima de tudo, a coletânea retrata — de maneira honesta, sem eufemismos — a depressão e o vazio existencial, como no poema “outra cama”, que apresenta uma autoanálise sobre relações líquidas:

“então observo a garota/cruzar, nua, o apartamento,/mas meu coração enxerga/uma alma trajando burca./às vezes é como/entrar numa loja de roupas/e experimentar as peças,/sabendo que não vou levar./e às vezes é como/invadir a reta final/de uma maratona e sair/com medalha no peito,/a camiseta limpa,/nem um pingo de suor,/sem saber ao certo/a quem estou enganando.”

O amor — como não poderia deixar de ser — também é abordado na coletânea. Com referências a poetas como Carlos Drummond de Andrade e Frank O’Hara, os poemas falam de amor platônico, paixão e desamor. É o caso do poema “renúncia”, que retrata o estágio final de uma desilusão amorosa: “tirei esse afeto do coração/como quem tira do bolso/o embrulho rasgado/e vazio de um chocolate.”

Pietra Galli

Fernanda Drummond

É um chamado para ir ao encontro do outro e do mundo sem medo, ou com o mínimo medo possível, mas é, antes de tudo, um convite para lamber as próprias feridas e se dar sossego.

“Eu vim cicatrizar músculos e costelas, rins, fígado e baço.

Eu vim regenerar pele e esquerdo do peito, depois de mil anos de cansaço.”

(Trecho do poema “De muito longe e de muito antes”.)

Manuella Bezerra de Melo

Em O transbordar da permanente incompletude, cada palavra é um convite para mergulhar nas profundezas do ser humano. Dividido em três grandes capítulos temáticos — Talvez, Seja e Demais —, somos conduzidos por uma jornada poética que oscila entre a dúvida, a certeza e a intensidade.

Ao adentrar essas páginas, permita-se ser transportado para um mundo onde as emoções fluem livremente, onde cada verso é um convite para explorar os recantos mais profundos da alma. Esta não é apenas uma obra de poesia, mas sim um convite para uma jornada íntima e pessoal, na qual cada leitor encontrará sua própria verdade refletida e fotografada nas incertezas e instâncias de seus pensamentos.

Talvez seja a busca incessante por respostas que nos move, ou quem sabe seja a aceitação da incompletude que nos torna mais humanos. Seja como for, é nas entrelinhas desses versos que encontramos a verdadeira essência da vida, em toda sua beleza e complexidade, que nunca será demais.

Esta obra é o produto de uma jornada do dia a dia, da exaustão de um dia de trabalho, dos devaneios de amores incertos, da felicidade de estar com amigos, da alegria de cozinhar algo gostoso e compartilhar, de passar os dedos e sentir o amor condensado nos pelos do nossos gatos e cachorros, dos gritos ensurdecedores da sabotagem dizendo que nunca somos suficientes, das infinitas e criativas possibilidades de fazer arte, da ansiedade de ser algo sem saber ao certo quem somos e o que queremos, da tristeza de se sentir só mesmo com pessoas te rodeando, do calorzinho no peito de quando estamos com quem nos completa e da risada boba e esperançosa de quando olhamos o mundo e o registramos por nossas lentes. Esta obra é, portanto, puramente a vida, caótica e certeira.

Do quarto de uma garota do interior, para o mundo. Perdure. Transborde.

Gustavo Fernandes Rodrigues

Lia Dauber

Úmido, volumoso e com cheiro de artemísia: O que eu Preciso Gritar deve ter sido escrito em noites de lua cheia.

Para quem gosta de navegar e para quem quer aprender a desbravar o futuro girando em torno de si. Uma oferenda a tudo que é irregular.

Bendita seja a inconstância!

Nathalia Ruggiero

Meu nome é Brasil, mas pode me chamar de “o país do futuro”. A propósito, o meu futuro acabou de ser adiado para a próxima década, novamente.

Estou aqui, com meus 8.514.876 km², para apresentar este livro que fala sobre mim — e um bocadinho sobre Portugal — através de aforismos.

Pária amada, Brasil é uma coleção de observações tão afiadas que poderiam cortar ao meio a cabeça dura de uma tia do zap. Nele, você encontrará verdades que são ditas em voz baixa por aí, mas que agora, enfim, estão impressas para todo mundo ler. E, se não doer, até gargalhar durante a leitura.

O livro é um espelho que reflete não apenas o que somos, mas também o que poderíamos ser, se não estivéssemos tão ocupados discutindo o futebol e a terminologia correta a ser usada nos banheiros públicos.

Pária amada, Brasil sou eu de B a L. Discute desde a política — essa arte performática que praticamos com o entusiasmo de uma micareta fora de época — até os nossos planos econômicos, que são mais furados do que as explicações de por que ainda não sou uma potência mundial.

Nada ficou de fora destas páginas. Exceto o autor, Carlos Castelo. Por nunca ser chamado para lives ou cursos de escrita criativa, como vingança, acabou adotando uma persona misantropa. Mas, em havendo cachê, Castelo costuma ser mais flexível, chegando mesmo a fazer performances de kuduro em festas de debutantes.

Outro ponto importante sobre Pária amada, Brasil. Não se preocupe, não é necessário entender de economia para lê-lo — até porque, se entendêssemos, talvez eu não estivesse nesse miserê todo.

Mas vejamos pelo lado bom, pelo menos possuo praias lindíssimas para os brasileiros visitarem enquanto decidem quem será o próximo messias a me salvar das mãos da esquerda, centro ou direita — dependendo do valor do dólar à época da eleição presidencial.

Então, se você quer rir um pouco da tragicomédia tropical que é viver em minha companhia, ou se simplesmente precisa de algo para ocupar o tempo enquanto me espera pegar no tranco, aqui está a obra perfeita para você. Afinal, arriscando criar um aforismo bem cabotino sobre mim mesmo: “No Brasil, até o passado é incerto”.

Brasil

é um país da América do Sul, lindo, trigueiro, terra de samba e pandeiro

Mineiro vivendo na região do Xingu, no Pará, Edmon transforma em poesia a experiência quase etnográfica de ser um “estranho familiar” numa terra nova que, no entanto, sempre foi sua. Redescobre, assim, uma humanidade que não consegue se reconhecer sem uma profunda comunhão com a terra, para citar seu conterrâneo Ailton Krenak.

Nesse processo criativo, o eu lírico evapora-se, mesmo quando usa a primeira pessoa, para dar lugar à perspectiva do poeta cidadão que se coloca inteiro na escrita. Ele não quer representar nada, mas assumir um ponto de vista, o seu. Faz-me lembrar de Viveiros de Castro: “Uma perspectiva não é uma representação porque as representações são propriedades do espírito, mas o ponto de vista está no corpo”. Não o corpo fisiológico ou anatômico, mas esse “conjunto de maneiras ou modo de ser que constituem um habitus”, ou seja, “o corpo como feixe de afecções e capacidades, e que é a origem das perspectivas”.

A perspectiva não é, portanto, um atributo exclusivamente humano. É por isso que, acompanhando a voz do poeta, ouvimos também as vozes de outros corpos, humanos, não humanos e inumanos. Animais selvagens, rios e igapós, visagens, meninos, música, chuva, odores, a cidade (sim, a Amazônia é também urbana), ruas, meios de transporte, nuvens, calor etc. Ao modo como os rios voadores do Norte se comunicam com o Sul e o Sudeste, essas vozes que se comunicam com o poeta e com o leitor nada informam, antes, alimentam seus corpos, fortalecendo neles um multinaturalismo — ainda Viveiros de Castro — que não separa cultura e natureza, poesia e política. Comunicação-comunhão. Celebração desse estranhamento familiar que nos une e nos dissolve, para então nos religar outra vez, elementos vitais interdependentes, Sob esses rios que voam.

Eleazar Carrias

Arthur Lima

Debora Rendelli

Harini Kanesiro

Caio Balaio

Fundo azul fala sobre ausências e vazios, mas não de modo niilista: pelo contrário, escava de dentro deles pontos de ancoragem capazes de dar a ver o quanto de vida existe, latente, no lado invisível das coisas. Nessa pesquisa orientada para o sentido de sobrevivência psíquica, a poesia de Fabiane de Souza dá conta de recuperar a dimensão de experiência dos acontecimentos — essa dimensão vital e cada vez mais rara — e imantar o vivido na pele dos dias. Porque a autora sabe que no fluxo das horas “algo não cessa de escapar (…) e é o jeito desse algo restar: sempre esvaindo”.

No cotejo de dias que se parecem a outros dias, a poeta vive sua verdade mais íntima: observar, absorver e traduzir em arte — por meio de imagens que tomam forma em cores e palavras — a poética de certa imobilidade ativa, colhida da “breve lacuna de quando a angústia vacila”. Com isso, demonstra um conhecimento profundo das nuances discretas da nossa humanidade e sugere vias pouco usuais (mas muito efetivas) de conexão com a pulsão de vida.

Povoado de imagens únicas, construídas a partir da escuta aguçada dos silêncios ao redor, o livro de estreia de Fabiane de Souza traz, em seus poemas, a mesma sutileza perspicaz, a mesma inteligência poética que a artista vem trabalhando nos últimos anos em suas séries de obras fotográficas e cianotipias.

Carolina Zuppo Abed

Christine Fernandes

Em seu livro de estreia, João Rodrigo Costa, poeta de nascimento, não foge aos tormentos inerentes à palavra. Pelo contrário, atravessa sem mordaça um abismo de feridas e desdobramentos, tendo a clara compreensão do despedaçamento, das sobras, dos ritmos e dos tons, como no poema em que ratifica e traz à contemporaneidade a frase de Theodor W. Adorno: “Escrever um poema após Auschwitz é um ato bárbaro […]”.

Mesmo a desesperança perante a morte e a inevitável finitude ganham voz aqui — algo como uma confissão existencialista, a exemplo desse excerto do poema “Palhaço”: “todos os poetas estão mortos/e fantasmas que assombram deuses/são homens de alma e osso”. João percebe essa lucidez com a sapiência poética de um meticuloso desbravador de rebeliões, saboreando com conhecimento de causa as nuances objetivas e maleáveis dos versos.

Neste sentido, Pacientemente desejei a morte é um livro para quem não receia acusar a força das palavras, defrontar seus sangramentos e refletir acerca dos contornos que caminham sob a ótica do que é considerado fim , onde o poeta, com maestria, nos convida — ou nos intima — a um passeio inevitável, porém tomado por uma natural compreensão, como nos versos de Carlos Drummond de Andrade:  “O pássaro é livre/ na prisão do ar./O espírito é livre/na prisão do corpo./Mas livre, bem livre,/é mesmo estar morto.”

 Brunno Leal

o quarto.

Dentro dele, o homem.

Solitário, múltiplo.

O Universo dentro de um cubo.

Na sua arquitetura escorreita,

ele é o elemento mais íntimo da casa.

Como se concebido para engendrar os artefactos do poema

que dorme nos desvãos do sono.

Nele, desdobram-se as estações do Homem:

o menino, o adulto, o ancião.

Naquele lugar, guardião do imaginário,

o poeta menino indaga

qual a cor do poema.

E ele nem sabe que

haverá de escrever um livro singular,

suscetível de fecundar nossa Poesia,

como este O quarto azul,

de Fernando de Mendonça.

Everardo Norões

O próprio autor deste livro anuncia “veja,/só há um tipo de mau poeta/o que negocia com seus versos, pois/todo verso verdadeiro é suicida”. E é exatamente isso o que ele faz ao se recusar, de forma inarredável, a negociar com seus versos. Ao contrário. Aluízzio aponta sua lente para os abismos corrosivos e os jardins suspensos das relações cotidianas amorosas e filiais para logo em seguida tirar do seu tanque de revelação um olhar profundo e crítico sobre a hecatombe social dos nossos dias, e na sequência escrever sobre o ato de escrever. E o faz com a acuidade e a sabedoria dos escribas.

Iminências de Agosto é dividido em duas partes, “A vida bate” e “Chamar a si todo o céu com um sorriso”. São dois blocos que se desdobram em outras figuras de paralaxe, como uma teia em que a visão do leitor pode projetar a imagem deslocada do seu ponto real, com um simples fechar e abrir de olhos. E não deixa de ser curioso lembrar algo que foge à maioria dos escritores e poetas: o ponto, na geometria, é um objeto que não possui definição, dimensão e forma.

 Ao leitor, aconselho que entre neste livro com a perspectiva dos indígenas que pescam em rios com arco e flecha, ou lanças. O alvo está onde não parece estar. Ao disparar, é preciso considerar que um poema se move no espaço. Portanto, flua no fluxo da poesia do Aluízzio fechando e abrindo os olhos, deixando-se levar pelas paralaxes que o conjunto aqui reunido proporciona. Mas, lembre-se, é livro de um poeta que descobriu algo fundamental a quem escreve. Em suas próprias palavras, “quando você se dá conta/de que não precisa de nada além de sua mandíbula/em brasa no altar”.

Caê Guimarães

Amanda Vital

Daniel Cruz
professor, produtor cultural, escritor e mestre e doutor em Literatura pela Universidade de Coimbra.

Por meio da escrita, Ana tem essa capacidade de inverter os números e nos conduzir exatamente para o destino que não sabíamos que esperava por nós. Ler este livro é um reencontro com tudo aquilo que, vez ou outra, esquecemos que existe. É a permanência descrita em “O arqueiro”. É a cama de solteiro compartilhada de “Viva” e a de casal, compartilhada em “Julian”. É a salvação em “Geografia” e o desejo em “Sistema cardiorrespiratório”. É a honestidade comovente de “Meios”. É a constância e a insistência em “O último poema do primeiro príncipe”.

Ao percorrer as páginas onde Ana dá destino às palavras que não poderiam estar em outro lugar, ficamos sabendo de coisas sobre nós mesmas que até então nos eram inacessíveis. É como se vários pedaços de existência finalmente se encontrassem. Alguns para falar de primeiras vezes, outros para lembrar de últimas. Alguns para sentir saudade do que não foi. Todos, sobretudo, sobre amar.

“As fracas aventuras de uma moça numa cidade toda feita contra ela” é um desses acontecimentos que você não percebe até perceber. É aquele alumiamento que toma um corpo distraído quando se dá conta de que a paixão já se instalou. É a levantada de pé nos beijos em contos de fada. É o meet-cute das comédias românticas hollywoodianas. É o táxi errado levando você para o endereço certo. É o encontro.

Marina Lua

Aristóteles afirmou que no átomo encontravam-se os quatro elementos (água, ar, fogo e terra), de modo que o ser humano seria constituído por essas quatro forças, mas depois desmistificou-se essa ideia do filósofo grego. Faria sentido dizer que somos emoção sentida, inteligibilidade espiritual e intuitiva, ação temperamental para impulsionar a vida, materialidade para que se faça corpo e presença-gozo?

Em sua escrita, lucas lins tece sua poética a partir dos elementos que constituem a nós e à natureza, mas também diz daquilo que nos difere como tecnologia orgânica, como corpo-arapuca. Trata-se de uma escrita-redemoinho que flerta com um determinado concretismo por fazer caminhos outros com as palavras, que aqui podem ser rochosas, densas como a terra, cheias de mistérios por descobrir, possibilitando que um poema seja dois ou mais, que inventemos rotas outras para ler ou até mesmo desler. Mais que a referência aos arquétipos desenhados pela astrologia com os quatro elementos (como evoca o título da obra), a escrita de lucas é cósmica e cosmogônica, carrega o desejo de desatar nós monoculturais que se inscrevem no corpo e no imaginário para, assim, poder bifurcar ainda mais as encruzas que antes nos levavam sempre a apenas dois caminhos, num eterno jogo maniqueísta: ao branco e ao preto; ao dia e à noite; ao céu e à terra; ao macho e à fêmea; ou ao sagrado e ao profano. A poesia é impossível por meio de uma lógica binária, pois, ainda que não haja equilíbrio, ainda que a escassez se faça presente, ainda que nos falte “fogo no mapa”, resta-nos a terra, o ar e a água de cujas entranhas pode brotar calor em pura lava.

E, se nos falta fogo no mapa, poderemos encontrar a chama viva da poesia nesta escrita, que já se mostra grandiosa. Eis um livro que nos convida a ir além de todo e qualquer limite para o afeto e para a literatura, esta feita das margens, como disse João Silvério Trevisan — nossas margens e de outres —, e talvez nessa origem resida a potência viva da escrita transviada: uma poética que desvia de profecias antigas para re/escrever novos mundos.

Anum Costa,
escritora, artista e produtora cultural

Não leia parada/o.

Leia em movimento, voz alta,
palavra entre a língua e o pé.

A palavra performática de Maria implora por ação.

A poeta constrói imagens como quem viaja junto,
cantando no carro,
observando as nuvens
e o cheiro dos pneus.

A estrada é a sociedade,
e o veículo,
um corpo de mulher.

Goza, treme e luta.

O corpo poético de Maria Caetano imprime
as suas opiniões e manifestos na palavra
e as palavras em seus movimentos.

Convida a não assistir ao presente
impunemente.

Aceite e mova-se com ela
sabendo que, juntas,
podemos.

Maria Giulia Pinheiro

Pedro Miguel Silva
in Deus Me Livro

Em cada poema de Leonor, há uma casa num Sul pouco árido mas húmido e fresco. A frescura é tão velhaca que está sempre presente e à espreita pelo ombro, tal como a morte. Como uma erva daninha numa parede de betão? Sim, como uma erva daninha numa parede de betão. À entrada, ela diz, poisem a cabeça neste varandim e olhem para a pombinha morta, e nós olhamos, mas é como se a pombinha fosse voar a qualquer momento. A pombinha está morta? Silvina desorganiza-nos; é uma selvajaria de ruas, flores e chochos gordos que enchem os lábios de ternura. Se há uma casa, há alicerces tortos e açucarados como a seiva de algumas árvores e pelo caminho;

golfadas de silêncio absolutas
como poças de ar

Encontram-se becos sem saída e angústias. A poesia é angústia. Nesse silêncio dos lugares que já conhecemos, julgamos perder a sensibilidade. Não queremos um Alentejo moderno mas um Alentejo sem modernices e pejado de léxico vintage; queremos inhas, inhos, itos e itas. Cacofonia e açúcar. Não sabendo se a pombinha se encontra viva ou morta, temos sempre para onde nos virar, e há sempre uma janela na poesia Silvina. A Natureza, obviamente, é o que vemos dessa janela para nos aliviar do burburinho dessa angústia. À mesa erguemos chávenas e praticamos o tilintar à burguesia, mas a falhada. Pode a burguesia ser outra coisa que não falhada? E, se há sempre um santo em casa de alguém, estalado, mofento e com bafio nas brechas, também há sempre um santinho na poesia de Leonor. Estamos de saída mas ainda queremos soprar milagres. Silvina, minha querida, penso nela todos os dias. Sopramos, não acontece nada, só a sombra que as pedras fazem nos pequenos círculos de relva fria é que parece aumentar. Ah! É verdade, dizem que os milagres não existem, mas Leonor diz muitas coisas, e eu digo esta, há luz na sombra, que cliché tão cheiinho de verité.

Rafaela Jacinto

João Peçanha
escritor, doutor em Literatura Comparada pela Universidade Federal Fluminense

Ana Mariz

Senhoras e senhoras, este livro reúne uma poesia explosiva, “vida que brota”, vista a partir de uma lente multifacetada. A poeta transita entre um olhar reflexivo e crítico sobre a cidade, especialmente uma grande metrópole, que ora é Rio, ora é São Paulo, e se mistura à pandemia, ao desgoverno, à inflação dos supermercados, à desigualdade social, à precarização dos trabalhos e trabalhadores: “Quantas passarelas da Avenida Brasil podem sustentar minhas mãos em descontrole, o meu corpo em descontrole, uma pandemia em descontrole”.

Ganha relevo, também, a desestabilização que essa cidade provoca, o que nos leva a uma escrita que, apesar de íntima, apesar de partir de si, é também descentrada, por vezes até desconcentrada — foge, se amplia. É em meio à profusão de luzes e estímulos da cidade e do seu tempo que Yana veste tudo de neon, até mesmo a pele. E escreve sobre incertezas, desconhecidos, desequilíbrios variados. Escreve no ritmo acelerado da cidade, mas cria um outro fluxo, apostando no que não estudou, no que não conhece, no que não sabe nomear. Aposta na escrita e no amor, coisa de quem sabe que é sempre melhor acordar com quem se ama — “o dia é mais dia quando acordo dentro dos seus olhos”.

A alusão aos vestígios do cotidiano, desde as pizzas frias na geladeira até “o jeito de amar a maneira como seu esmalte rosa se desfaz”, é um exercício poético em si. E assim ela funde o amor e a escrita como dois gestos indispensáveis, incontornáveis, que explodem apesar do capitalismo, apesar dos pactos sociais de pura violência e embrutecimento. Toda vez que isso acontece, ela segura o avião, e “life can be so sweet”.

Regina Azevedo

como classificar o trajeto até a completude sem considerar profundamente todos os percalços até lá?

respirar é insustentável incontáveis vezes
suspirar, contornar, retornar, remar
é tanta cor na ponta dos dedos
é tanto tom como se cada sílaba fosse lembrança (talvez seja)
como se fosse o instrumento mais sutil da cartilha de todos os instrumentos

palavras pra descrever o indescritível, vírgulas que definem a pausa dos fluxos — o ar, correntes de sensações e cenários e sentimentos explícitos. linguagens tão possíveis, olhares tão reais. memórias tão sutis quanto acariciar os lóbulos da orelha ou passar a mão em fios de cabelo, observar um entardecer ou olhar olhos de reciprocidade

são misturas intensas de tempo. todo segundo é feito de mistério, ruídos silenciosos, janelas entreabertas e portas mal fechadas. não existe fórmula pra amar. o amor é sempre só o amor. a gente nunca sabe de que forma ele vai se manifestar

e para além do amor: aqui vejo passados, presentes e futuros. espero que as pessoas possam ver também.

Luiza Soares,
(guilhotina – @euguilhotina)

Geruza Ilha,
poeta e escritora

Ricardo Marques

Miguel Oliva Teles

(tradução: Ayrton A. Badriah, Pedro Spigolon e Tiago Fabris Rendelli)

Caminhar por este livro é andar pelas trilhas de um romance e seus atalhos, suas fendas, seus buracos. Com pés cansados, pés lascados, caminha-se com a planta dos pés cheia de calos: qual é o burburinho do calo? Aqui, o que se cala fala sempre mais alto. Ele vai sulcando as besteiras que historicamente homens dizem sobre mulheres, fazendo do pé um ouvido ancestral que escuta o solo comum daquelas que nunca foram escutadas por eles, sempre pisoteadas pelo machismo, até levar todo esse barulho subterrâneo à superfície do pé da letra. Da planta do pé escutamos todo um pé de árvore: raízes, frutos, grama, toda uma gramática que grafa nesse terreno esburacado os passos de uma travessia tão antiga e tão presente nas mulheres. Tão antiga e tão presente como canções que escutamos desde sempre. Tão antiga e tão presente que chega a ser brega. Sim, essa travessia se faz pelo eco do brega, pelos jambeiros de Belém do Pará, pela paixão que faz ver estrelas, pela dor revertida em humor. Cair apaixonada como quem dá uma topada é apostar a sorte e o azar no lance dos versos: Teresa Dantas tece um modo de amar não com o manto de Penélope, mas com um pano de chão que junta os cacos do que não irá retornar, e faz dessa falta a abertura de caminhos para uma escrita ao rés-do-chão. Esse é seu maior lance, seu maior flerte, seu maior crush, seu maior gozo. E o que não é a catacrese senão uma palavra que falta? Com essa figura de linguagem que serve para suprir a falta de uma palavra específica, escutamos com a planta dos pés a vida que passa e pulsa aos pés da cama, nesse lençol freático úmido e quente.

Danielle Magalhães

É um livro que, andando com pressa, encontra um boyzinho pelo caminho, um corpo do qual não se espera muito porque tudo acaba mal no “capitalismo tardio” e tudo se esquece, ou morre na praia, talvez porque “não é possível amar nesta economia”, apenas comprar cigarros e classificar seus amores a partir deles. É um livro que incorpora a bela cerimônia meio-festa-meio-fúnebre de tentar exorcizar uma paixão cantando karaokê na feira de São Cristóvão, e reconhece que muito se dissipa antes mesmo de começar, como a onda de ódio capaz de abastecer uma revolução, mas que termina em “Fiz um tweet e depilei as pernas. Era suficiente/Sou millenial”. É um livro que tira sarro da falta de talento de uma inteligência artificial para a poesia, provando que poetas ainda servem para alguma coisa.

É um livro para ser lido em voz alta. É um livro que pode ser vivenciado ritualisticamente, em um bar de gosto duvidoso em algum canto desse Rio de Janeiro [ou preencher com outra cidade]. Passar o livro para a pessoa ao lado a cada poema, tomar um gole de algo a cada página virada. Ao atingir o meio da publicação, pedir um gurjão de frango com molho rosé, por falta de frango de padaria:

I — usar o livro para dar nome aos bois, II — afogar o que falta ser afogado, III — dizer amém quando enterrar seus fantasmas, IV — agradecer pelos livramentos, V — encerrar o culto no último ponto final.

— ou então —

ler sozinha, debochada, regendo seu próprio expurgo como um maestro regendo uma orquestra para ninguém.

E, apesar de tudo, e de uma nova forma, ser romântica.

Alexia Carpilovsky

Débora Caetano Dahas

A filósofa catalã Marina Garcés nos diz que a “educação é o substrato da convivência, oficina de onde se experimenta as formas de vida possíveis”. Qualquer modelo de ensino que quebre a aliança de saberes em prol de tecnicismos para uma hegemonia econômica é um ataque ao ato de educar; por conseguinte, à convivência, à sociedade. O que Estêvão traz aqui em temas e formas poéticas é o deslocamento de uma visão tecnicista e unitária de um “capitalismo cognitivo” — que apenas ataca — para uma reordenação rizomática de nossos aprendizados/exercícios: todos lastros das nossas convivências e formas de vida diversas.

Os recursos estéticos aqui usados por Machado reforçam a condensação e a gravidade dos poemas. Em malabarismos de ritmos e sílabas, utiliza versos livres, formas fixas e poemas visuais que renovam palavras e deslocam olhares com uso de polissemias e homonímias. Faz uso da forma fixa “retranca”, criada pelo poeta pernambucano Alberto da Cunha Melo — uma representação estilística de um esquema tático futebolístico que mais defende (o toque de bola ou dos versos) do que ataca com bandeiras vis…

Por tudo dito até aqui, as temáticas abordadas não poderiam ser menos amplas — abordam cotidianos bucólicos, operários, escolares, foliões, musicais, desportivos… — mas com a crítica transversal de “quais saberes estamos empreendendo em nossas convivências e possíveis futuros?”.

lutar com palavras

esgrima o sentido

golpeia o contido

na pancadaria das lavras

Escrever aqui é um exercício e um ato de liberdade… Uma busca, dentro do liceu da vida, para uma linguagem que reforce o aprendizado contínuo e a partilha entre os homens.

Omar Cury, pedagogo, ensaísta e poeta

Pelos teus pelos é um livro solar como o amante solar, figurado em vários poemas: rapaz-carnaval de pele-pétala, lugar de festa e descanso. Os eus dos poemas de João Pedro Cerdeira passeiam por um jardim do Éden onde “frésias e falos farfalham/firmes por campos e falésias”, “adão dorme, o corpo melado,/pelas flores da angiosperma/pelo esperma dos anjos”. Nele, amores machos inventam “uma gramática/para o futuro”, “uma área”, “um país/para viver junto/pra estar perto, ter corpo/e inventar memórias”.

Este livro é também uma prova de amor à escrita e a autoras como, Ana Cristina Cesar e Paloma Vidal. O poema “eu espero portuário/como só se pode ser num poema/você atracar em mim/feito navio” e o trecho “‘não é fácil formar frases/com a palavra amor’” aludem, ambos, ao labor poético e à disciplina da busca pela afinação desejada. Pela palavra que cabe e pelo não dito que tanto diz.

Ana Cláudia Romano Ribeiro

]]> https://editoraurutau.com/titulo/pelos-teus-pelos/feed 0 https://editoraurutau.com/titulo/tecido-de-papel-para-envolver-entranhas https://editoraurutau.com/titulo/tecido-de-papel-para-envolver-entranhas#respond Wed, 14 Feb 2024 20:12:00 +0000 https://editoraurutau.com/?post_type=product&p=19384 Às vezes a ferida está tão exposta que é preciso embrulhá-la num papelzinho, mesmo que este seja parco, precário. Como se desse esforço dependesse a possibilidade de preservar qualquer coisa de vida ante à emergência da morte, prologando a inevitável putrefação da carne, dos dias, da rotina, dos sentidos, do vocabulário. Um papelzinho que é também uma segunda pele; uma ferida que se faz tão íntima, que é também órgão, entranha.

Parece ser com esse gesto que Michelle Pastorini, essa poeta enfermeira de palavras, oferece ao mundo o seu primeiro livro de poemas, Tecido de papel para envolver entranhas. No lugar do bisturi, a caneta. No lugar do manual de anatomia, o dicionário. No lugar da aprendizagem técnica, a alfabetização. É com esses instrumentos que Michelle constrói seu tecido, essa frágil pele de papel na qual escreve, rasura, risca e reescreve, resistindo viva com a enlouquecida gramática das perdas e sem se eximir de reencontrar o amor diante do luto.

Os versos deste livro testemunham sua condição de sobrevivente. Como se, ante à perda de um núcleo organizador de sentido, precisasse reaprender o mundo por conta própria, dar nome ao inominável, ao silêncio de cada coisa, às texturas, às cores. E com quantas cores Michelle nos envolve em seus poemas. Descritora minuciosa de tons, é como se apostasse na passagem de um matiz policrômico à recuperação de um timbre de voz, um ritmo, algum som gutural apto a lhe dizer, a lhe narrar, a lhe reinventar.

O adoecimento e a morte, mesmo que reservados ao impossível, ao serem contornados e coroados de cores, deixam pestanejar alguma cintilância, alguma luminosidade que permite tocar o desejo, aqui retraduzido em escrita. É, portanto, uma aposta de vida a que faz Michelle, a de contar aos seus agora leitores o quanto a experiência de vazio se tece com alguma nascente invisível de claridade.

Respeitemos seus ritos. Caminhemos cautelosos nos enigmas que ela enuncia. Duvidemos do léxico cotidiano. Confiemos na prática de uma poeta que reconhece que amar é saber abandonar o texto. Ao fim, Michelle Pastorini, que nos brinda com este imenso livro, nos promete uma canção.

Marcela Maria Azevedo

Assim como o vate de “Invenção de Orfeu”, Francisco Gomes, em versos esfíngicos, canta o ansioso caos interior e o sentimento agônico do ser, num mundo que não é mais dele, porquanto o inventivo poeta, bem ao contrário da poesia hodierna que se quer social, transcende a temática meramente social e foca seu discurso na epifania do verbo no instante intuitivo.

Desses bardos quase não os temos no tempo presente. Daí o recurso à metáfora do tilacino, um marsupial da Tasmânia — o maior de que se tem notícia — hoje extinto, bocejando seus assombros e miasmas na aurora de um mundo imemorial.

Para percorrer esse bocejo, Francisco Gomes é erudito, mas não pernóstico, invocando vários ícones da cultura universal em seu processo dialógico de construção poética, mas sempre no sentido de escavacar o cerne do ser, em suas ansiedades e agonias, de modo a impor um mínimo de ordem nesse caos anímico e mental.

Se ele consegue pôr rédeas ao indomável e ao desconhecido, é um caminho que deve ser palmilhado pelos leitores deste livro inconsútil, no sentido de que deve ser lido como sendo um poema inteiro, ao estilo das epopeias. Somente assim poderemos (ou não, mas pelo menos teremos tentado) “(…) alcançar o mais alto galho/da árvore frondosa de Robert Frosty/abrir os braços para o céu/gritar o mais alto possível/para o sol/gritar para o mundo/gritar para si mesmo/para muitos/e poucos..…/Gritar sem medo ou pecado/Ainda há vida nos destroços das ruínas!”.

Regis de Moraes Marinho

Num bordejo intersemiótico, o ritmo poético das imagens evocadas e dos assuntos cotidianos é engendrado por uma beleza sem esforço. Tudo isso organizado na encruzilhada entre “o erudito, o popular e o massivo”. Lendo o livro ao revés, a última sobra que institui como má ideia adiar a vida aponta para o imperativo da liberdade na vivência do sujeito. O primeiro poema, por sua vez, sugere um ser híbrido que, posteriormente, alcança a vontade — “queria ter um corpo-aranha para dividir-me entre vários destinos”.

Na obra, sujeito e objeto de desejo se confundem, estes têm seus contornos fundidos. E, para além, a percepção particular das coisas se realiza muito bem no registro. O certo é que isso se dá pela atenção ao mundo e interlocução com outras produções. É, sem dúvida alguma, um livro “para morar na sua estante/entre Matilde Campilho e Caio Fernando Abreu”.

O projeto inaugural de compartilhar as andanças internas e externas, em textos que versam a respeito da tentativa desafiadora de inscrever o mundo em alguma gramática, é admirável. Dividido em seis sessões, Restos é, dentre tantas definições possíveis, um retrato do nosso tempo à graça de uma potência transatlântica mineira. E que ninguém se engane a respeito da afetação diante da obra, afinal, a pontaria certeira impõe sensibilidade de turista a quem lê, e, como o autor atesta, “é impossível sair impune de uma viagem”.

Maria Luísa Sousa

Judite Canha Fernandes
Túlio Stafuzza

Lançar livro é como ler textos escritos no escuro. Imagina-se algo que, refeito em linhas cruzadas e letras sobrepostas, revela uma caligrafia no breu. Há que se demorar para colher algo que normalmente varia entre sentido nenhum e um cluster mudo.

A palavra escrita, impressa e lida em silêncio é do gosto de Isadora, e seus textos, de tão seus, se tornam inevitáveis convites a projeções. Frases facilmente tão nossas que este impresso desvela.

Isadora, à primeira vista, é olho vivo que gera expectativa de inopiniões, que, depois de certo convívio, previsivelmente, sempre surpreendem. É também ligeireza de ângulos e perspectivas, um microfone aberto no viaduto. Um risco contagiante que se equilibra, em riste, na lâmina de um punhal chamado graça. E sorri de si, do outro, do contexto e da autoficção que elaboramos como geração. É doce saber o que atrai mais que a iminência do corte.

Penso que o que se espera de nós é sempre gozo e cadafalso. Assim o é Configuração Clandestina, um pedaço de Isadora, agora impresso e sujeito a intempéries no mundo físico. Aproveitem a viagem.

Almir Chiaratti

Yane San estreia com o fim, e parece ser este o oroboro que seus poemas portam: Para o buraco vão as sementes e os mortos. Que suas palavras germinem um começo, o despertar de uma voz estranha. É como torcer um rio a fim de que volte todo à nascente. Pensando desde aqui, também os mortos podem fecundar começos, caso possamos encontrar as sementes que nos deixaram e enterrar aquelas que queremos vingar. Como as pedras e as pupas que guardam em suas presenças o tempo larval, estático, silencioso. Que este livro guarde a palarva de outros livros a escrever, como tocar a flecha e lançá-la bem no olho da história. Pois que na ambiguidade de Yane San começar pelo fim, há também esta outra ambiguidade da despedida,

o desejo não é um lugar: é uma partida.

Partamos com nossos mortos, ou torçamos os velórios e os rios para nos enterrar: germinantes, nascentes.

Mariana Castro

Nessa ritualística de tudo, pela qual todo ser humano anseia, indomáveis almas selvagens que almejam a conexão crua com a origem de si, Carolina Carvalho faz sua poesia. Sua música, seus contos, sua prosa, seu traço, suas palavras, sua voz, é tudo fruto da memória que a autora cultiva na terra.

Desde pequena, Carolina se envereda por diferentes tipos de expressão artística. A latência do misto de suas dores e alegrias sempre se fez urgente, e rapidamente se transforma em suas criações. Na suavidade da voz serena, Carolina se prostra diante da obscuridade do luto quando reencontra sua terra e sente sob o corpo o galope de seus cavalos. Na beira de um lago, versa sobre o verde denso, sobre a roça, os animais, o amor, a infância, o silêncio que escancara o grito da dor geracional e universal de todas as mulheres: aprender a amar nossas origens.

As ausências e perdas são temáticas presentes na poesia da autora tanto quanto sua alegria e seu brilho por estar sujando as mãos de terra e sentindo as bochechas queimarem pelo sol que estala sobre o roçado. A coragem de poucos: olhar nos olhos a ambivalência da vida, o indissociável e incômodo-constante da ternura, que é íntima da tristeza.

Pelas entranhas da correnteza que beira a terra batida, Carolina descobre seu corpo de mulher-bicho. Evoca, assim, memórias de infância, cristalizadas sob tantas e diversas camadas que a vida adulta nos impõe. A redenção não é mais destino final, mas a divindade que habita no vento, na chuva, no rio, no céu, no sol que queima a pele e na terra que mancha os dedos. A impetuosidade da figura do cavalo, consolidada historicamente para representar poder e conquista, para a poeta é elo firme que se liga a seu coração dilacerado e abrilhantado e, assim, a conduz pelos fios da memória.

No galope, Carolina desbrava essa terra, onde reencontra a essência de seu pai e retoma as rédeas de seu próprio mundo. No entendimento da sabedoria da natureza e com confiança na maestria do tempo, a poeta nos convida a abandonar o medo dos ciclos de vida-morte-vida e apresenta a dimensão primorosa, incrivelmente complexa e ao mesmo tempo simples, dolorosa, bela e visceral de seu mundo. A origem de sua origem. A memória que é raiz que não cessa em se espalhar.

Carolina Menezes

este livro é a doença e eu não prometo a cura. porque não sentir nada é um sentimento, também.

]]> https://editoraurutau.com/titulo/tudo-que-escrevo-me-mata/feed 0 https://editoraurutau.com/titulo/tosca-lyrica https://editoraurutau.com/titulo/tosca-lyrica#respond Wed, 24 Jan 2024 13:13:15 +0000 https://editoraurutau.com/?post_type=product&p=19194 Tosca Lyrica é fruto de uma síntese de metamorfoses condensadas em verso. Alguns destes versos careceram de algum tempo nas trevas de um caderno fechado para que se percebesse se seriam semente ou esterco. Muitos foram esterco.
Estes, porém, e na perspectiva da poetisa, tornaram-se sementes. Poderão ser raízes de outra espécie, ou ramificar-se. Existe um elevado grau de imprevisibilidade na escrita lírica — por mais que os poetas afirmem habitar num reino místico de onde se colhem poemas como frutos das árvores,
não será bem assim. É difícil encontrar um poema que se possa contemplar, morder, despedaçar. A espera, creio, faz parte integrante do processo de escrita. Não obstante, eu devo ter-me enganado, e duvido que esteja no tal reino místico de que os poetas falavam. No reino onde estou, há aridez sob os pés e pó na atmosfera. Todas as janelas de todas as casas se quebraram, e todas as portas se abandonaram, permanecendo abertas. Cicia o vento. O ar crepita de febre e de fumo. Não é fácil encontrar libélulas poisando num lago, ou buganvílias espreitando de um muro. As pessoas parecem silhuetas que parecem sombras. Não se ouve música, canto ou som cristalino. Nem sequer a água ecoando de um poço. Mas continuo à procura.
Talvez Tosca Lyrica seja isto: um testemunho da procura de um reino que já ninguém encontra.

Octavio Paz

Mover-se em direção ao poema é atrever-se ao conjecturar de imagens, sons, semioses e universos através da palavra. Os poemas em Estilhaços instauram as tensões e os diálogos de quem não se move neste mundo completamente absorto. Allan nos revela seu olhar atento sobre o caos das estruturas sociais, as relações humanas, o amor, a religião e o fazer artístico.

A poética interrogativa em Estilhaços é elemento estruturador do exercício poético imprescindível ao fazer artístico, à literatura, à vida. Há que se fazer sentir, há que se buscar mover no outro aquilo que nos deslumbra, desperta, bestifica, revolta, faz ressentir, ecoar. A escrita de Allan vem inundada por Brasis, por dores antigas, amarguras, esperanças e, sobretudo, pela sutileza de quem consegue capturar um instante cotidiano e emoldurá-lo no poema antes que o objeto esmaeça no transcorrer farfalhante dos dias.

Estilhaços é uma obra perpassada também pelas veredas travadas no verso, sem a pretensão de bordar rima ou de reivindicar para si qualquer verniz que possa sobredourar a alcunha de ‘poeta’. Afinal, poeta se forja mesmo é na lida e na teimosia de perseguir a palavra — esse nascedouro que a humanidade faz verter em dicotomias, miragens e materialidades.

No Brasil escrever é um ato de resistência e de coragem. A poesia cristaliza a memória, auxilia o exercício de reconstituir nosso caminhar pessoal e coletivo, a palavra circunscreve cronotopias nesta nossa teia líquida contemporânea que tem acostumado demais nossos olhos às telas e aos subterfúgios luminosos que encandeiam vaga-lumes vacilantes entre a angústia e o sufocamento. Escrevemos, em um país que ainda luta contra as misérias da colonização, do analfabetismo, da violência policial, do racismo estrutural que nos (a)funda.

Insistimos na palavra, ainda que ela nos estilhace: sem verso/sem rima/sem tinta/ao reverso. Por tudo que se faz urgente, Allan escreve, é poeta e não me engana. Assim como Augusto nos alertou acerca do beijo, do escarro e da lama em seus mais íntimos versos, eu te digo sem medo de parecer lunática: acostuma-te às vozes, meu caro amigo. É com elas que aprendemos a fiar nossas próprias asas e a afiar nossas barbatanas para tomar com seres abissais lições sobre o alumiar de profundezas para seduzir e capturar os leitores.

Aline Cardoso

Em meio a tantas necessidades importantes, sociais ou individuais, Jonas Leite continua atento aos movimentos incertos da contemporaneidade. Sua invenção poética evoca a urgência do pão e do afeto. E, assim, junta-se caos, abismo, fome, que culmina em “Jardim das Delícias”, guiado por Vênus, as mãos do poeta voltam às vicissitudes de Eros, suas dores e seus gozos. O poeta, portanto, eclode em “Amor”, “Carnaval”, “Mar”, “Blue Jeans”, “Pretérito Perfeito”, “Em Frente ao Desejo”, “Olinda” e “Epílogo”, quando captamos um eu poético em todo o seu esplendor, sugerindo uma espécie de esperança; nem que seja como a efemeridade do “Carnaval” que, assim como o amor, é intenso e transformado em cinzas pelo outro necessitado. Este é o Livro de Urgências de Jonas Leite, de urgente e deleitosa leitura.

Maria Aparecida da Costa

Professora de Literatura Luso-Brasileira

Clara Rodrigues

Corpo cabrito morto é a inauguração de Carolina na poesia — embora há muito já a faça pelas vias de seus outros talentos. Sua narrativa sutil é percorrida por um entrecortar de tudo o que nasce ou rasga os mínimos acontecimentos — são as frestas dos dias, a matéria de Carolina. Assistir, ao longo desta reunião de poemas, ao seu despir-se/vestir-se pelas entrelinhas acabou por me despertar também o desejo bonito de conhecer a espessura das coisas (a espessura das coisas: quanto para se demorar, aqui).

Por entre notações e revelações, respiros, pausa e pesar, Carolina tece retratos de sombra e luz com a sua escrita. Tudo leve, breve, nosso — tudo tanto. Um livro que coreografa delicadeza e afeto, e que nos pinça do canto do olhar um sorriso.

Bárbara descobriu que trocou o fascismo à brasileira por outros fascismos. Parece um jeito triste de descobrir, nos 30+, que o sectarismo tá bem on e que privilégio é não ter que entrar em conflito com o relativismo cultural. Mas Bárbara passou por cima disso em uma viagem fora do trajeto Barbieland-Real World, feito pela homônima Bárbara (vulgo Barbie) do blockbuster deste 2023. Fez uma Conversão que não costuma ser justa em muitas cotações. Até era vida real contra vida real, mas de outro jeito.

Ana Cristina Cesar, que veio antes, usou a poesia para reclamar do inverno europeu. Me lembrei dela lendo Bárbara. Ana C. disse: Daqui é mais difícil: país estrangeiro, onde o creme de leite é desconjunturado e a subjetividade se parece com um roubo inicial. Recomendo cautela.

Conversão retoma essa história de muitas formas. A doutora em Filosofia saiu de casa para uma experiência imersiva que envolvia assistir a um homem negro servir uma mulher branca, rica e com as joias reluzindo o ouro que nos roubaram. Tem disso no Brasil desde sempre, Bárbara, mas entendo que essa moldura não cola mais em cultura alguma, nem no Velho Mundo. Fica kitsch-agressivo. É nisso que dá sair de casa pra ver o mundo a olho nu.

Acho que a canção do exílio sempre estará em voga. É aquela novela de Glória Perez que a gente sempre vai gostar de acompanhar: Jade no Marrocos pensou no Brasil; Sol em Miami lembrava de um amor em Boiadeiros. É assim mesmo, a mocinha descansa da luta contra os vilões para mostrar para a gente que tem um amor, família, amigos e perdas.

O livro de estreia de Bárbara Buril tem disso tudo, inclusive uma investigação sobre conversões de outro tipo, em direção a outros regimes de consciência e através de outras espécies animais. Aqui dá para atravessar de diferentes maneiras e, neste caso, sem jet lag.

Allan Nascimento, jornalista

“[…] cada poema confirma o que já lhe disse em carta anterior e constitui uma prova cabal de que a linguagem discursiva e o lirismo reflexivo ainda têm lugar em nossa poesia, hoje tão capitalizada pelos ventos incertos da moda e de um passadismo vanguardista que já disse o que havia a dizer.” — Ivan Junqueira

“Bela, grave e forte é a poesia de Alexandre Bonafim. Poesia humanista, plena de dignidade e compaixão, toda voltada para a nossa precária condição humana. Nada do que é humano escapa a este sutil, sóbrio e esplêndido poeta. Seus poemas tão belos de conteúdo têm também o esmero da poesia realizada com todo o cuidado formal. Poesia lunar, mas que retém o selvagem sentimento que nos atrela à vida. Poesia reflexiva, com mistérios, sombras, porém iluminada de êxtase.” — Olga Savary

“Poeta maduro, dono já do seu ofício, ele cumpre neste seu livro uma trajetória exemplar: com rigor, explora temas já consagrados pela poesia clássica, mas insuflando-lhes um sopro novo e original, graças ao domínio de uma práxis poética que não se rende aos apelos do canto de sereia dos modismos estéreis.” — Álvaro Cardoso Gomes

“Pois um poeta da estirpe do belo-horizontino Alexandre Bonafim, autêntico “mineiro marítimo”, digno herdeiro de Eugénio de Andrade, assim como de Cecília Meireles, Sophia de Mello Breyner Andresen, Luis Cernuda, Dora Ferreira da Silva, entre tantos mestres amados, pede muitas leituras. A voz que ecoa neste arquipélago é tão rica e rara que, sem dúvida, encantará cada leitor de cada ilha ou de cada estrela que dele se aproximar.” — Luiza Mendes Furia

“A poesia de Alexandre Bonafim revela, assim, uma sensibilidade dolorida, uma melancolia que se estende sobre os homens desde o princípio. Tem fortes traços expressionistas e passionais. Há também uma ligação com a lírica contemporânea portuguesa, de quem é grande leitor.” — Donizete Galvão

“São muitos os poemas e várias as imagens que tocam fundo na gente, porque nascidas de apurada percepção e da mais íntima comunhão com as instâncias poetizadas.” — Roberval Pereyr

“Alexandre Bonafim, jovem bardo de voracidade cultural ímpar, anuncia uma obra como falava Herman Hesse no Lobo da Estepe: só para os loucos, só para os raros. Loucura sã de Eros para o intelecto.” — Flávio V. Amoreira

A poesia de Isaías Gabriel Franco é pétrea. Ora, do tamanho de um muro de arrimo; ora, do tamanho de um cisco no olho. Sejam do tamanho que forem, das louvações aos aforismos, essas pedras (no sapato, algumas vezes) não devem servir para o conforto. Antes, para o impossível a que os poemas sempre se dedicam, como a eternidade; antes, aos acidentes provocados pelas pedras que nos atravessam o caminho, tanto faz.

Isaías escreve no poema “Magma”: “A vida endurece os homens, / a poesia os liquefaz”. É a porta de entrada para “Morada das coisas”, trecho em que estão assentados poemas metalinguísticos e “Inverdade das coisas”, uma longa sequência de aforismos. Se estamos diante de uma reunião de poemas tirados da pedra, o poeta se mostra o mais carnal possível: humano, gente, cidadão. O faz ao louvar a figura do pai, ao saudar sua terra, ao endurecer-se (o quanto mais for possível) contra uma certa escória política que tomou o país de assalto nos últimos anos.

O calor pode contra as pedras. A água também. Quem pode contra a poesia? A crítica? O público leitor? O próprio poeta? Talvez somente a própria poesia, enquanto ente autônomo, que se volta contra ou a favor (do vento?) de quem escreve e de quem lê. Seja como for, temos aqui um belo compêndio de poemas de Isaías Gabriel Franco, o poeta – não de pedra, como sua poesia, pois passível ainda de lapidação, como os bons poetas precisam ser, e a cujo desafio não se furtam jamais.

Marcelo Labes

Patos, setembro de 2023

Jéssica Martins Araujo

Molha-se o dedo para provar o gosto das páginas, numa experiência sinestésica de olho-verso-saliva-peito, onde o gosto do frango no centro mistura-se ao amargor de um coração partido. Marcante.

Essa fome chamada desejo transcende a barriga cheia, dispensa talheres, exige toque. É a conversa entre peito cheio e tábua de corte, a fome e a vontade de comer [poesia]. Também o cuidado que rompe com o definido, se apropria da própria dissidência, aceita o instinto e o alimenta.

E para quem tem coragem de provar dessa bacia, de melar-se na polpa dos versos aquosos: lambuze-se.

Amanda Amani

Quando for ler, abra-se antes; se já o leu, continue assim porque as palavras escritas não se fecham, não terminam, ecoam como alimento do cotidiano. Esse, em troca, também nos nutre e ruminou Luna em sua obra, como mulher satélite refletindo seus versos do norte ao sul de si, do imenso ao pequeno, vice-versa. E vale lembrar: nada aqui é por acaso, pois O mundo não dá à volta em torno de qualquer aleatoriedade, apesar de A gente te[r] o céu cheio de aleatoriedades.

 Nessa perspectiva, a estética de Natália, entre o não dito, é luna de face profunda e rumina um pouco de nós no muito de cada dia. À vista disso, ao ler os poemas a seguir, desejo que vivencie a experiência ampla dos sentidos.

Jennifer Trajano

A escrita começa antes. Beeem antes… Antes da primeira tecla digitada ou primeira letra desenhada. A escrita começa antes da ideia sobre o que escrever. Como um fruto, a escrita já está acontecendo desde o brotar da semente, em processo lento, levando o tempo que tem que durar para o crescer, desenvolver, gerar flores, maturar. A escrita é uma flor aguardando pelo pólen grudado nas patinhas de uma abelha ameaçada de extinção. A escrita começa antes, está no observar a janela e narrar o que vê, no levantar da cama, no escutar a mãe contar histórias que escutou da sua mãe, que escutou da sua mãe, que escutou da sua mãe… No guardar peixinhos no samburá. O conjunto de letras que se desenha já aconteceu antes, na fala de alguém, numa palavra tropeçada, nos segredos soltos em sussurros.

As letras desenhadas e pintadas com cor por Tayná carregam imagens da infância, da família, do amor visto por uma mulher de pele negra, o toque, uma planta que busca caber num vaso novo, uma carta não aberta, os dias da semana e os meses, a falta da falta. Na tentativa de deixar alguém ir ou um poema vir, ela faz nascer um mar, e nessas ondas de letras, palavras, frases e imagens é possível mergulhar nas profundezas poéticas dessa mulher. Durante o mergulho, em que você está prestes a embarcar, é possível sentir cheiro, gosto, calafrio, as extremidades da corpa se encharcam de suor pela catarse, dá pra ver poesia nas entrelinhas das estrelinhas do universo que a autora é.

O mar, tão presente, pintando ondas em nossas cabeças, nos provoca a rememorar lembranças de outrora. Ler este livro é tomar um caldo de uma onda do passado à beira-mar.

“Como seria você no mar?”

Dá vontade de cantar a musicalidade desse conjunto de palavras, um ecossistema de letrinhas que formam uma fauna/flora de sensações e imagens. Este livro pulsa de Tayná a partir do seu ori, sua memória, sua pele, seu sangue, seu picumã, seu peito, seu sexo, seu gênero, sua potência, sua fragilidade, sua ancestralidade, sua relação com o mundo. Como ela mesma diz: “um poema que escrevo em pé/para que todo o corpo vire palavra/para que eu não volte a me separar do meu corpo/para que eu acredite”.

A cor da letra de Tayná foi pintada neste livro-moldura e deve ser pendurada em seus olhos para lá enfeitar. Presentear as suas ideias com um livro de poemas que acabou de chegar ao seu destino.

Vista suas roupas de banho e bom mergulho!

por Amora Tito

Ora palavra anoitecida que devolve brilho aos olhos, ora metáfora de travessia feito “lâmina perigosa que a coragem afia”, nos oferece a certeza que a poesia, se não salva a vida, salva o minuto e nunca falha. Nos versos “em cada palavra um labirinto / se escrevo me perco / se me perco me sinto”, o poeta já anuncia a sua produção poética como um perder-se em palavras necessário para sentir, sejam as subjetividades e dilemas da existência com os quais nos identificamos, seja o terreno espinhoso de temas sociais dolorosos, sejam o banal e o cotidiano versificados em ironias e poemas-piadas que nos fazem rir em meio à rotina.

Começa com um poema-avalanche que logo se faz interrogação — Pode uma avalanche pausar em sua inexorável descida? Digo-o, porque os versos conseguem esse segundo de silêncio absurdo, no qual a neve, perturbada, se imobiliza no vazio da montanha. Divina Marta S, a mulher que cai, empregada do planeta Terra, para a meio da descida. Pois, antes disso ela ouviu/o som do mar/dentro/de uma concha extinta.

Tempo, nascimento, morte compõem o fio que urde este livro. Sutra do nascimento, poema que o fecha, traz nas mãos um frágil ser nascente: A primeira vez que o segurei/tive medo de derrubá-lo/imaginei que você pudesse morrer. Augusto é peculiar na sua relação com o tempo — ora parece incorporar uma poesia que “já não existe”, ora ser imune a datações. Este livro oferece essa incontornável contradição — o tempo avança tanto quanto permanece. Oferta a possibilidade de nos mantermos vivos ao progredirmos entre ruínas. Todas as ruínas, todos os tempos. O avião de Hiroshima que atravessa a sala onde as crianças brincam, a estrada pavimentada até certo ponto/depois fendas e escuridão, Lisboa revisitada por um estrangeiro entre a guilhotina e a saudade, a sua infância e a dos seus filhos desabrochando, no mesmo país, onde o cinema tornou-se uma igreja neopentecostal, e o lago oval de carpas douradas com uma ilha no centro/agora é uma cratera de cimento onde pulam crianças. Um país em fogo permanente, repetidamente invocado: Brasil eu não sei o que é justiça/Brasil suas crianças estão fodendo/Brasil eu não conheço o seu sexo/Brasil eu queria uma farmácia cheia de floriculturas/Brasil eu queria uma farmácia cheia de poemas/Brasil eu desejo um paradoxo. Brasil é um poema de 2007, mas poderia ter sido escrito hoje. Porém, o poeta é o que ressuscita, é aquele que no círculo do espelho permite o encontro com uma avenida ignorada até então.

Augusto, termino agradecendo. Ouso dizer que muitos te agradecerão este mesmo poema. Obrigado amanhã/por ter me esperado/apesar da história/que me precedeu. Beleza pura ter acompanhado tuas mãos tecendo este livro sublime.

Judite Canha Fernandes

Jorgette Dumby

O paradoxo do ser fronteiriço geográfico é a representação de todo indivíduo do nosso tempo, aquele que vive entre mundos, buscando um lugar — físico ou emocional — para chamar de seu.

Brunno, neste A sorte do sopro¸ mostra o movimento ruidoso do poeta entre a esperança da perenidade e a realidade da impermanência. A sua vontade é a de erguer casa, mas o ambiente com que se depara é o do terreno arenoso das dunas, a moverem-se permanentemente ao sabor do vento. Dois universos aparentemente inconciliáveis à luz da realidade, mas não da poesia, arte resistente e com histórico de rejeitar as coisas como se apresentam. O autor então levanta a voz em recusa: “pentear os cabelos de quem amamos/não pode ser um rito/a preceder o funeral”; ao mesmo tempo em que parece ceder: “Escrever seu nome no ar/com a fumaça do cigarro/como se bastassem/palavras descartáveis — um prazeroso aceno/à extinção”.

Brunno sabe que o poeta é um ser fronteiriço e, como tal, aprendeu a viver no limiar entre dois mundos, cria pontes e portais, os quais atravessa inteiramente nu, pois não concebe existir de outra forma. Igualmente compreende o preço a se pagar, respingando o que escorre da angústia: “Poeta/ajoelha-te/ante a chaga//sangrar-se/tudo//ainda assim/seguir sem/sangue?”, apontando para o fazer poético como o ato derradeiro de um corpo.

A sorte do sopro é uma obra essencial a quem sangra e espera com a mesma intensidade, a quem se reconhece como ser humano em desterro e à procura de um lugar para erguer casa, ainda que seja feita de palavras dentro do próprio peito, pois como disse Gullar: “é voz de gente — poema:/fogo logro solidão”.

Rafael Ferreira de Abreu

Denise reconhece na bisavó as suas próprias pernas. Aquelas que seguram o peso do corpo, da família, da casa, do trabalho invisível e do trauma. Enquanto mulheres sabemos bem que verbos guardam para nós: suportar, servir, aguentar, ouvir, carregar, engolir, calar, cuidar, cuidar, cuidar, calar — variantes viciadas da subalternidade. O que herdamos das nossas mães e avós é mais carga simbólica que genética. Ressentimos no corpo as falhas da História e perdemo-nos na repetição. Mas o que temos de nosso afinal? Quem podemos nós ser no meio da confusão?

Denise volta ao início. Observa-se. Descreve-se para se encontrar e, ao fazê-lo, propõe um novo atlas sensível da anatomia feminina, que é poema e manifesto — insurjam-se, moças, contra o ato de contrição. O direito à ira é vosso, assim como o desejo, o prazer e a alegria!

O exercício que lhe serve de contorno estende-se a nós, neste pequeno poemário de palavras afiadas e exatas, em que o corpo se faz de matéria, mas também de política, memória, dor e festa, tempo, espaço, campo, revolução e voz, voz, voz…. que nos encharca de riso áspero e choro, espanto e admiração.

Talvez as pernas ainda suportem o peso do passado, mas chegará o dia em que um grito das entranhas se lançará livre pela primeira vez.

Mariana Camacho

abrir os olhos, chorar. alongar o pescoço formando uma meia-lua pra dissolver a areia de dentro. elevar os braços num espreguiçamento, olhar o abismo sem certeza absoluta sobre o funcionamento das penas e saltar. abrir a boca, esticar a língua infinitamente até que se possa sentir o grito entocado na vibração não dada da prega minúscula vocal sendo empurrado pra fora. grunhir, gemer, tecer um som sem pé nem cabeça até que se possa vocalizar o indizível. cantar/pássaras-palavras que voam e voltam pra garganta. prestar atenção para que elas possam sair espontâneas e cuidadosas, acreditando na possibilidade de reparação consigo e com o outro. constantemente aprendendo a viver, vulgo peda[lar]. pedir lar pra mim e pro outro. viver é ação, exercício de ser nesse corpo que habitamos e se movimenta — como pedalar, esticando uma perna e flexionando a outra. esses movimentos coexistem, são mútuos para que seja possível/vingar a palavra, deixando-a sair de dentro como um vômito, como um grito, como algo que nos habita e que tem urgência em sair. fazendo vingar o choro que foi engolido, as partes que foram omitidas por não serem aceitas. as vezes em que fomos invadidas e não pudemos revidar por medo ou falta de espaço. fazendo vingar nossas vontades, nossa potência e luz sem culpa, sem medo e sem pudor/segura a própria mão, sente a pulsação. é no impulso que está o pulso. ímpeto, constância e consistência/é difícil caber na palavra. na gaiola, na goela, o espaço não acomoda — reforça, empoça, sufoca. o pouso tem leveza de peso, só que há sempre um punho de penas escancaradas, escangalhadas por aí/metade do mundo é mulher. a outra veio de dentro delas. pra parir pássaras-palavras, lembra desta fita: enche o pulmão e grita/com um grito de ave de rapina, que ecoa goela acima a maldita herança bendita das mais velhas, que não se dobraram ao estigma. lude freitas nos instiga a soltar a pássara presa na garganta, como quem fisga palavras mortas e prenhes no chão, como quem habita o ordinário, o onírico, e estica sua duração num vórtice temporal de atualização ancestral. mas talvez a pista mais importante que nos deixa é aquela que se dá antes de abrir o livro: entre pássaras — aliança necessária para seguir.

entre as pássaras: giuliana melito, marina caetano, jéssica costa, mariana pelizer, karen lira, luiza barros e carol ferreira.