Com associações inesperadas, brincadeiras linguísticas e imagens de delicadeza ímpar, Padu vai costurando dentro da escrita uma forma de viver o mundo e a maternidade que busca apoio nas muitas artes que já acompanhavam sua própria trajetória antes que os seus dois meninos (que aqui pipocam pelas páginas) aparecessem dentro do útero. A linguagem desta plaquete é lúdica, porém complexa; performática, e no entanto sutil; poética, e ainda assim sem volteios. A leitura pode até correr rápida — no entanto, o ritmo veloz não é acidental; ele evoca, isso sim, as conversas da mãe que tenta arquitetar uma ida ao parquinho só para fazer a criança se distrair. Essa mãe que, diante de um mundo em desabamento, tenta fazer brotar um sorriso.

Marcela Lanius

Tradutora e pesquisadora

Micheliny Verunschk

Camila Ferrazzano

Como no seu livro de estreia, a coletânea de contos Relógios partidos (Editora Litteralux, 2024), aqui Luiza Conde se utiliza do fantástico e do insólito para abordar temas urgentes de nossa contemporaneidade. O absurdo, afinal, se tornou um dos espelhos mais realistas da atualidade.

Vermelho está pouco interessado em oferecer explicações sobre o fenômeno que propõe. Pelo contrário, o fantástico aqui é tratado com pouco sobressalto, como ponto de partida para um exercício de imaginação do que poderia acontecer se, de uma hora para a outra, as pessoas no Brasil passassem a enxergar uma realidade vermelha, essa cor que se tornou tão maldita para uma parcela bastante considerável de brasileiros.

Mais especificamente, o conto se debruça na figura dos autoproclamados patriotas, aqueles mesmos que declaram seu amor ao Brasil aos quatro ventos, que glorificam a plenos pulmões a pátria e a nação, tudo isso enquanto desfilam com a bandeira dos Estados Unidos no 7 de setembro, batem continência para ela, vão para lá sem esconder o intuito de trabalhar contra o Brasil e os brasileiros.

O que fariam os patriotas, que não cansam de repetir que a nossa bandeira jamais será vermelha, diante da vermelhidão total? O que fariam se deixassem de ser bem-vindos nos países do dito primeiro mundo e estivessem irremediavelmente ligados ao Brasil, esse país que amam tanto nas palavras e bem menos nas ações?

Aqui, cabe um aviso. Para quem, diante do cenário que o conto propõe, espera mais uma distopia com trombetas apocalípticas tocando e a anestesia da impotência, saiba que não é o caso: Vermelho se recusa à banalização da distopia como inescapável, oferecendo uma imaginação de futuro possível, sem, no entanto, perder de vista a dureza dos tempos que vivemos ou cair em otimismos delirantes.

Vermelho é, em última análise, uma exortação à esperança sadia, ainda que árdua, da construção de mundos.

Nesse balé, vai se desenhando um percurso nada óbvio que exibe o músculo de um exercício contínuo: o percurso da transmissão. Os gestos passam de uma geração para a outra e atravessam o tempo. As mãos da avó, da mãe, da filha deixam sua marca e permanecem.

Aos poucos, com passo delicado e firme, Isabel Ramos Monteiro vai lendo algumas formas de herança que restam e se refazem. A avó que pisca e olha com vagar, a mãe da mãe que anda com os chinelos arrastando, o avô que gira a aliança, que senta ao piano, as palavras e expressões que sobrevivem, o nome de uma que se repete em diferença no nome da outra (Daisy, Margarida, o mesmo nome com duas grafias). Ou, ainda, a impressão digital que se forma na ponta dos dedos durante a gestação graças ao movimento das mãos do bebê no contato com o líquido amniótico. A herança em seu caráter involuntário e singular, capaz de marcar a identidade.

O que parece estar em jogo aqui é uma espécie de “manutenção da vida”, levando em conta o sentido etimológico da palavra manutenção: ato de segurar com a mão. E passar adiante. Assim, nesses poemas comparecem a infância, a memória, as práticas corporais, mas também os nascimentos, as mortes, e tudo aquilo que pauta nossa existência. Além da presença de autores que trazem pistas de leitura, como Winnicot, Ursula K. Le Guin, Andreia Yonashiro etc., multiplicando os sentidos em jogo.

Nessa hora em que nos isolamos nas tecnologias digitais, cada vez mais distantes do manual, estes poemas evocam um mundo em que o cuidado e a comunicação passam pelo gesto de tocar, segurar e fazer coisas concretas com as mãos — quem sabe uma forma de vislumbrar “uma fresta de futuro” adiante.

Marília Garcia

Mairê Carli

Nesta antologia poderosa e plural, a maternidade é apresentada em múltiplas faces: a doçura e a dor, o riso e o esgotamento, o sonho e a perda, o início e o fim. Os textos reunidos aqui são atravessados por vozes que sabem, na carne e na palavra, o que é carregar e ser carregada por uma criança, nem que seja na memória.

A coletânea nasce do movimento gerado pelo Clube de Leitura Mãe Leva Outra, que reuniu autoras publicadas na coleção de mesmo nome, para criar um espaço de escuta, diálogo e resistência. As autoras discutiram suas obras em encontros virtuais e presenciais, costurando uma rede afetiva que agora transborda nestas páginas.

Entre crônicas íntimas, narrativas autoficcionais, textos poéticos e relatos honestos, cada autora aqui apresenta uma fresta de sua experiência com a maternidade — seja desejada, negada, interrompida, solitária, coletiva ou ainda por vir. A antologia não romantiza: escancara. Não há fingimento quando uma mulher escreve com o corpo.

É nessa linha tênue entre literatura e vida que a obra se sustenta. De um lado, a delicadeza de um “mamãe, te amo” balbuciado por uma criança; do outro, o chão frio de uma rodoviária e um teste de gravidez positivo. Entre uma e outra cena, pulsa uma mesma verdade: ser mãe é carregar mundos.

Esse livro é um convite para pensar a maternidade para além da biologia ou de ideais. É um chamado a refletir sobre o que cabe no ventre, no colo e na palavra.

Esta não é uma leitura apenas para mães. É para quem nasceu.

Mães levam outras.

Debora Rendelli

Como a árvore de raízes inversas, os exercícios aqui expostos nos convocam a olhar o Brasil como provavelmente concordamos que o Brasil é: amplo, multifacetado e abundantemente generoso com suas muitas sementes.

Semente é potencial. Palavra é signo. “Cultivar”, por exemplo, vem do latim cultivāre, sendo sinônimo de “lavrar, trabalhar a terra”, “plantar”, “cuidar”, também “ver crescer” a fim de “desenvolver”. Se soubermos ver, no fundo, palavras sucintas também contam histórias mais longas. Palavras são conceitos. Conceitos são o muro de arrimo dos projetos de futuro. Quando sequestrados, conceitos são distorcidos e transformados em opostos vazios, por vezes hipócritas. Daí a importância de reivindicar a narrativa.

Através dos exercícios — por fora, analíticos, mas por dentro, não menos afetivos — Rafael Marcon destrincha com carinho os significantes que compõem o seu país, trazendo os signos imagéticos e cotidianos que, só por existirem, já fazem dele alguma poesia. E mostra quão urgente é imaginar um Brasil cultivável.

É o primeiro passo e um convite ao diálogo: como seria se a gente pudesse plantar palavras melhores para colher um Brasil de verdade?

Giovana Cristina Bastos

Paloma Vidal

Neste Diário do presidente Jair, o capitão se dirige à Pátria amada. E desabafa. Sobre os filhos, sobre a esposa, sobre seus heróis, seus superministros, a internet e as igrejas. Recém-eleito, Jair vem passando por novas situações realmente exigentes, vivendo-as, no entanto, como se fossem o mesmo bom e velho churrasquinho à beira da piscina do condomínio. Sem constrangimentos. Patriotismo, para ele, é usar broche com bandeira do país na lapela do paletó. Qualquer assunto mais sério o deixa nervoso e faz suas mãos tremerem, mas, para sua sorte, tudo sempre pode ser resolvido se a tremedeira se transformar em um gesto de arminha — desde que não aponte para ele.

Um dos méritos de Hugo é expressar como o cômico pode não estar tão distante quanto pensamos do realista. Em uma das várias tiradas que nos arrancam tanto gargalhadas quanto preocupações, são contabilizados “28 anos sabáticos dentro da Câmara sendo deputado federal”. Considerando os serviços prestados durante todo esse tempo, e acrescentada a enorme pressão do novo cargo, é melhor relaxar um pouco. Com alguns dias de empossado, Jair toma uma lancha para um passeio com seus superministros para uma ilha reservada. Ao longo do trajeto pelas águas do mar, Jair se exercita, distribui apelidos de quinta série e até revela manter um livro de cabeceira. Entre piadas sobre o STF e elogios aos Estados Unidos, o presidente se aconselha com Paulo, Sergio, Ricardo, e procura entender quais medidas deve autorizar no tocante ao sucesso do neoliberalismo.

“Eu nunca escrevi tanto”, confessa Jair neste espirituoso e curto livro — nada mais congruente, afinal, como já se ouviu por aí, ninguém mais aguenta tanto livro que, hoje em dia, é um amontoado de palavras. Para essas pessoas, mas também para todas que suportam um pouco mais de coisa escrita, vale se deliciar com esta debochada ficção satírica de Hugo Pascottini Pernet.

Leonardo Villa-Forte

Amor e saudade, luta e denúncia social e o ato de escrever são os temas centrais da maioria dos poemas. Para trabalhá-los, o poeta usa o cotidiano: a escova de dentes na pia do banheiro, o café favorito, a criança brincando, o ato de escrever, o cigarro na sacada, a fila para comprar pastel na quermesse. Como pode coisas tão “simples” serem gatilhos para assuntos tão complexos?

Mas em O sol na boca do estômago a “simplicidade” fica somente no cotidiano. O autor usa figuras de linguagem e inúmeras referências históricas e literárias, sem dificultar a leitura e a compreensão. Durante a leitura, esteja preparado para ver cenas e cores, experimentar cheiros e sabores, ter a pele tocada. Um livro para ser sentido.

A trabalhadora lê o livro e enxerga suas lutas diárias. O apaixonado deseja ainda mais a sua musa. A professora usa para ensinar figuras de linguagem, literatura, história e sociologia. O poeta estuda as técnicas de escrita. E eu continuo lendo e relendo — cada vez uma experiência diferente, a descoberta de uma informação que havia passado despercebida, outra camada de complexidade desvendada e o sonho permanente com um mundo sem guerras, justo e igualitário.

Mateus Batista Silva

No poema “Direção”, por exemplo, o tom é cortante. O poema observa a engrenagem que governa e administra desigualdades como método. A linha supostamente invisível que separa quem chega e quem fica é a cicatriz de uma história colonial ainda aberta, na qual a violência se torna política de Estado e a exclusão, mecanismo de lucro.

Já em “Brasis”, o país aparece como multiplicidade irredutível: uma sequência de nomes, ritmos, comidas e vozes. O poema se faz mapa afetivo e político ao recusar a homogeneização e afirmar a convivência entre as diferenças.

Por sua vez, “Uma casa” desloca o debate para o campo do íntimo e da ética. Como habitar um país sem degradá-lo? Como sustentar o desejo de pertencimento sem convertê-lo em propriedade, domínio ou consumo? A casa, aqui, é o lugar do contraditório — tanto o espaço da degradação quanto da construção. Há a importância de pensar o que precisa ser destruído em nome de uma construção que não se pretenda anexo daquilo que já está em ruínas.

Entre dois ideais, o livro propõe pensar o Brasil como campo de disputa simbólica: o que queremos ser quando repetimos o sonho norte-americano? O que perdemos ao negar o que é nosso? E o que ainda podemos reinventar ao afirmar, com gesto poético, a soberania do múltiplo?

Caio Almendra

pesquisador

E neste novo trabalho, o Vitor leva essa força da crítica social ao ponto máximo, toca em feridas que precisam ser curadas, mas que não podem ser anistiadas, senão, cedo ou tarde, voltarão a abrir e poderão mortificar mais uma vez este corpo social tão complexo, contraditório e disforme que é sociedade brasileira.

Metaforizando sobre estas desilustres figuras, o poeta joga em nossas retinas o preto no branco da realidade política brasileira dos últimos tempos. Faz uma linha melódica da nossa desgraça governativa, mostrando o tamanho da desqualificação daqueles que pretendem nos liderar, mas que, ao fim e ao cabo, só visam suas próprias demandas pessoais. Poeticamente relata como é que esse canto da sereia convenceu “homens sem bens” a proteger, eleger, defender e financiar “homens de bens”. Não há apaziguamento possível na poesia do Vitor, há a força da vitória da democracia sobre os fascistas golpistas.

O que lerás a seguir são poesias com força técnica e criativa, que te farão refletir sobre nossas próprias contradições e condições humanas. Te farão pensar, te entristecerão, te causarão náuseas e te farão rir. Mas é este o papel da arte: causar vibrações e sentimentos, deixar o leitor ou espectador desconfortável com seus privilégios, pautar temas que os incautos acham que devem ser esquecidos e, por fim, divertir. Logo, o que lerá neste livro é pura arte em forma de poesia.

Leonardo Bruno da Silva

Historiador e escritor

A criança chega, a mulher se refaz, e o mundo se redesenha a partir desse vínculo.

Neste livro, Maria Teresa Ferreira nos convida a atravessar sua experiência de maternar. São relatos íntimos, costurados com a força da vida cotidiana e com a delicadeza de um olhar sensível. Ao lê-los, descobrimos não apenas fragmentos de uma jornada pessoal, mas também a potência universal da maternidade: transformar, reinventar, ensinar sobre amor e resistência.

Falar desses textos é também falar de Davi. Ele, que apesar de ser “dela”, é inteiro dele mesmo — curioso, intenso, autêntico, um menino doce, cheio de opinião e “com muita malemolência”, como gosta de se descrever. Sua presença é inspiração e horizonte: a partir da mãe, se apropria do entorno e cria caminhos próprios.

No espaço que ambos constroem, mãe e filho dançam — um vínculo que não aprisiona, mas liberta; não molda para caber, mas acompanha, passo a passo, cada curva do caminho, mirando longe sem descuidar do que está perto.

Nozes nos convida a entrar nesse cotidiano. São diálogos e vivências partilhadas entre Teresa e Davi, momentos aparentemente simples que, pela escrita, se revelam profundos. Uma pergunta inesperada, uma resposta improvisada, uma descoberta conjunta: cada cena é também memória, aprendizado e afeto. O texto é, portanto, testemunho sensível e corajoso. Não traz formulas prontas, mas é verdadeiro. Não é sobre militância, mas aponta para a importância de perpetuar valores inclusivos e libertários. Não romantiza, mas é belo. A escrita é generosa: fala deles, mas abre frestas para que cada leitor se reconheça, se emocione, se enxergue.

Ao abrir estas páginas, permita-se sentar à mesa com Teresa e Davi e ser tocado pela delicadeza que há em transformar o ordinário em extraordinário.

Porque, no fim, a maternidade é isso: rasgar-se e remendar-se, mirando um mundo que precisa melhorar um pouquinho a cada dia — por eles e para eles, os nossos filhos.

Ana Carolina Gayotto

O que está vivo nela, narrado por novas experiências vividas com a maternidade, se emaranha com o passado, presente e futuro, mostrando a todos que o tempo cronológico é uma marcação arbitrária e reducionista de nós mesmas.

E, sim, o tempo lógico que ela costura com suas vivências de amor, luto, amizade, reconstrução de si, ampliação e expansão como o portal que abriu para seu filho, ela abre para si mesma e para nós, nos conduz a uma verdadeira sessão de psicanálise, na qual o analisando consegue dar contorno a sua angústia, indo e vindo, repetindo e elaborando, fiando-desfiando-refiando ou jogando fora o fio que não merece ser refeito.

Mergulhamos com Lis em suas experiências únicas por conta dos seus atravessamentos, porém, ao mesmo tempo, tão comumente presentes nas rotinas de recém-mães.

Lis desfia a partir da própria construção subjetiva o que a leva ali, percebo um convite em suas palavras para que outras mulheres possam desfiar por si a própria história e os próprios atravessamentos, possam fazer pedidos e entender seu novo espaço na construção mulher-mãe-filho-amante-amada-filha para que possamos fugir do que se espera dessa maternidade e desse lugar social da mulher.

Há um convite de celebração da existência nas palavras de Lis, um convite que ela mesma precisou se fazer inúmeras vezes e ainda bem que ela aceitou, todas as vezes, existir.

Raquel Petersen

Thaíse Mendes Farias
professora de psicologia da Universidade Federal de Pelotas

Uma modesta documentação da discussão sobre a masculinidade no começo da década de 20, sem necessariamente impor uma resposta para o tema, mas propondo uma reflexão sobre a natureza masculina em seus diversos contextos, suas virtudes, seus excessos, seus miasmas, suas tragédias, inconsistências.

Nesta novela de estreia, Manuela Ramalho nos conta a história de Madalena, uma mulher vulgar, no sentido comum da palavra. Uma mulher que sente tanto prazer no sexo quanto no cuidado, que sonha com uma vida doméstica tranquila, ter marido e filhos, mas tem seu sonho destruído pela violência e pelo machismo.

Em A mãe vulgar, Madalena sobrevive trabalhando em restaurantes, uma ou outra loja de roupas, e vive cansada. Envolvida em novos relacionamentos, ela se deixa levar pela abundância dos prazeres, engorda e perde o emprego, para depois voltar a emagrecer e se abrir a uma nova paixão.

Esse ciclo de emagrece-engorda dos múltiplos amores é interrompido quando conhece o espanhol Pablo, seu salvador tal qual Jesus Cristo, um homem que lhe despertava os sentidos sexuais com um corpo musculoso e um jeito sedutor. Um homem que não é o que parece.

Ela enfim se estabelece em um emprego que lhe traz apaziguamento, de cuidadora do seu Armando. E quando tudo parece calmo, vem o filho Gonzalo para completar a família. Inesperadamente, Madalena recebe uma herança, que leva Pablo a se envolver em confusão. Com isso, a família se muda para a Europa.

A vida na Espanha não é o esperado. Madalena é feliz cuidando do filho e da cachorrinha Lupita, mas se vê presa em um ciclo de violência, xenofobia e amargura. Ela tenta existir dentro da sua vida doméstica, que se despedaça de forma cruel. Uma válvula de escape são as anotações no seu caderninho de desesperos, pequenas pérolas que a autora nos dá de presente.

A força de Madalena talvez venha da força de Manuela, uma grande artista não só nas letras, mas também nas artes plásticas, com um lindo traço modernista no desenho e na pintura.

Prepare-se para se emocionar com esta personagem arrebatadora, que amadurece enquanto seus sonhos se transformam. Enfim, ela encontra forças para uma reviravolta surpreendente, quando descobre que se basta. Afinal, Madalena é uma mulher vulgar. Madalenas somos todas nós.

Juliana Ulyssea

Escritora e jornalista

Cada história deste livro funciona como um espelho que representa, traduz e une muitas mães vivendo as suas solidões. Com palavras que acolhem, emocionam e, por vezes, fazem sangrar (esse sangue tão cheio de significados), Tamara nos lembra de que a maternidade é a experiência individual mais coletiva que existe. A mais inédita e rotineira. A mais ordinária e excepcional. A mais dolorida e incrivelmente deliciosa. Os relatos de parto, os percalços com a amamentação, as dores dos abortos, a alegria de ver os filhos felizes na singeleza do cotidiano são experiências da autora. Todos os temas do livro são dela. E são nossos também.

A riqueza da obra está justamente na identificação, na partilha. Com delicadeza e verdade, somos levados a pensar e a sentir junto com uma mulher se construindo como mãe e que se vê, frequentemente, precisando ser filha. Uma mãe que se lembra, durante o ato supostamente instintivo do cuidar, do desejo de ser cuidada. E que não se culpa por esse desejo. Ou se culpa? Podemos controlar esse sentimento? Poderíamos fazer mais pelos nossos filhos? Precisamos? Eles precisam? E se não conseguirmos? E a culpa? “Todos dizem pra mãe não sentir culpa” / “Não ter culpa é revolucionário”.

A revolução começa, como sabemos, na troca. Revoluções não surgem de vivências individuais, mas coletivas. Por isso, quando uma mãe diz sobre o seu maternar, independentemente do que dizem, a sua fala é sobre todos nós e, por isso, é revolucionária.

Renata Cândido

Em tempos em que parece que todas as informações estão disponíveis, e então basta que a gente as consuma para poder tomar posse delas, a maternidade tem sido uma visita um tanto esquisita.

Que um bebê nasça é uma coisa, que uma mulher se torne mãe é outra coisa. Por mais óbvio ou simples que isso pareça ser, só quem viveu na pele (ou no que não tem pele) o que é a chegada de um bebê no mundo e o que é a chegada de uma mãe no corpo de uma mulher, sabe um tanto sobre as dores e delícias de viver isso no corpo.

Marina Martins, em seu livro de estreia (porque a gente já torce pelos próximos), divide de um modo generoso com a gente e honesto com ela, o espanto que é se pegar despreparada no corpo para algo que se acredita estar preparada no cérebro.

Neste livro, ela enobrece seu amor por sua filha, por sua maternidade, pela nova mulher que chega nela… não sem antes se deixar doer e se deixar ver por aquilo que dói, ao se despedir, aos poucos, da mãe idealizada, da mulher idealizada, das idealizações tão idealizadas, que tanto são vendidas e enaltecidas em nossos tempos.

Este é um livro necessário. É uma escrita necessária.

Porque é preciso trabalhar para ser mãe…por mais espantoso que isso seja

…mas é preciso parar de trabalhar para poder desfrutar do lugar de mãe, por mais contraintuitivo que isso pareça.

Obrigada, Marina, pelos cafunés nas tantas mães, por voar no chão, por estar aí e nos fazer estar aqui, por se exaurir democraticamente, por parar de se pedir de volta, por essa escrita tão Marina Martins!

O glossarinho de mãe que cada mulher-mãe carrega, se enriqueceu profundamente com sua contribuição visceral sobre as vicissitudes e ambivalências bonitas da maternidade!

Até breve!

Ana Suy. 

]]> https://editoraurutau.com/titulo/nao-era-so-amor/feed 0 https://editoraurutau.com/titulo/maementos https://editoraurutau.com/titulo/maementos#respond Mon, 01 Sep 2025 20:46:00 +0000 https://editoraurutau.com/?post_type=product&p=26691 Como a poesia que vem antes do poema, estas páginas buscam ressaltar o dia a dia que constrói uma mãe. Momentos em que fazemos escolhas e vivemos suas consequências, imediatas ou não. Este livro é fruto da relação com meu filho, e com minha maternidade; aqui, o trivial — isso que pode passar despercebido, como uma frustração pelo prato cheio à mesa, a insegurança fantasiosa de ser esquecida, ou mesmo o sacrifício físico que a amamentação pode representar — recebe foco e consideração, enaltecendo a complexidade da experiência materna.
Esse cotidiano que nos coloca à prova o tempo inteiro, que nos provoca e também nos presenteia, me deu o que dizer, e o haicai me mostrou a forma. Então, são 34 poemas que, num recorte, registram algumas dessas situações e o que elas comportam de percepções e sentimentos, por vezes indizíveis sem a mediação do texto poético.

A mulher nasce com o corpo pronto para carregar outro. Às vezes, não. Às vezes, ela não quer. E tantas outras vezes, os filhos chegam — e a vida dessas mulheres nunca mais será a mesma.

Dores, perdas, doenças, diferenças, preconceitos.

Nossos filhos são nossa continuação. Nosso legado. Nossa história. A história que seguirá viva em nós, para sempre.

Não há mais volta. Nem o abandono traz de volta o que se foi. A vida muda — e isso é certo.

Thalita Monte Santo traz, com a sensibilidade e a poesia que a habitam, a coragem de contar essa história. Como mãe apaixonada que é, imagino que tenha escrito esses contos com lágrimas nos olhos.

Penso também nas mães que, agora, precisam do nosso colo.

Mães que perderam seus filhos. Mães que não sabem como alimentar os pequenos.

Mães isoladas. Perdidas. Desencontradas. Sem solução.

Vivemos tão juntos, e ao mesmo tempo, tão separados.

Espero que esses contos tragam à tona realidades que precisam ser vistas com mais atenção. Com mais amor.

Que nossos colos sejam conforto para essas mães.

E que elas continuem.

Apesar de tudo.

Que continuem.

Val Saab

O livro atualiza a filha, que se sabe viva pelos ossos. Ela nomeia a perda sem apagar o que ficou e funda um jeito de ser mãe sem a sua própria mãe. Seguimos uma prece que insiste nos dias com a roupa de sempre, mesmo diante do mistério. Habitamos o calor do vulcão sem virar cinza.

Em elo, o que hoje é escolha, já foi falta de opção. O gesto já foi silêncio, a criação, ruína. Ao escrever, Stephanie cria um espaço de evocação: da vó das estrelas, do filho que partiu antes de ser memória, da filha que agora é mãe, da mulher que, ao gestar, também incendeia.

Até que os órgãos falhem, até que o corpo vire comida de minhoca e as minhocas se reposicionem como boas presas, torcemos pelo repetido dos dias e algum assombro. Pra que o ciclo continue, pra que sigam vivas e coesas as correntes oceânicas e os bandos de bichos pra que sejamos mães e filhas e sejamos parte deste todo que não começa e não termina. Eu estou segura. Você está seguro.

Mayara Blasi

Em Quem era eu antes de ser sua mãe, Fernanda França insurge-se contra o tempo, laça-o com tinta de caneta, submetendo-o à cristalização da palavra. Fala de cheiros, de sensações, da culpa e pequenas redenções, do medo e do amor. Acima de tudo, amor.

Através das novas lentes que lhes foram acrescidas pela maternidade recente, revive fatos antigos, questiona-se sobre os novos e nos leva junto neste carrossel de emoções, porque enganam-se os desbravadores, ser mãe é a maior aventura que existe!

Analu Leite

Escritora, autora de Com amor, mamãe e Verdades de papel, mãe de gêmeos, servidora pública e integrante do Clube de Leitura Mãe leva outra ao lado da autora.

“Escrevi para tentar elaborar um aborto. Escrevi para compreender o desejo de engravidar. Escrevi porque senti que precisava contar ao filho desejado tudo o que antecedeu sua possível chegada, com todas as contradições e estranhezas desse percurso de morte e vida”, escrevi no formulário de inscrição do edital da editora.

Talvez não seja nada disso. Talvez estes fragmentos em Cartas, rio, você não passem de uma tentativa — muito pessoal, mas agora compartilhada — para descobrir o que eu escreveria, se tentasse escrever.

Clara Figueiredo

A leitura de Azul-bebê nos leva para dentro da casa de Mariana e sua família — a recém-nascida, mas também a pregressa, onde ela uma vez foi o bebê — e nos permite sentir como se estivéssemos ao lado da mãe, aprendendo, trocando, errando, criando.

Amando. O amor, em cada um destes vinte textos, aparece com uma cara diferente, às vezes a cara do encantamento, às vezes a do cansaço. Chega mesmo a ter a cara da raiva — amor é fogo, afinal. E neste livro ele arde bem. Arde como um fio vermelho num mar de azul-bebê, uma agulha perfurando um tecido por onde deixa um caminho de memória, origem. Uma avó empresta o fio do sangue, e com ele se borda o futuro, dia a dia.

O arrebatamento é certo. Nestes relatos cheios de intimidade, a mulher esposa filha amiga revisora doutora autora mostra como nasceu mãe a partir de um exame de laboratório. Junto com ela, dois seres novos no mundo. São pessoas também, como eu e você. A mãe se apresenta aos filhos. Eles estão se conhecendo.

Licia Matos

Aqui nestes poemas ressoa a voz de uma mãe: a mãe-poeta nomeia a doçura — “doçura, doçura, doçura” — enquanto revela o ato comum de tentar, ao menos, planejar a hora de chorar. São tantos planos feitos, tantos planos desfeitos, e a possibilidade da poesia abrindo vias num calendário para que uma mãe possa cantar.

Joana sorri de não poder chorar enquanto inventa um jeito de dizer-se ao tempo: o tempo de mãe parece nunca se adaptar às horas, nem sequer parece poder assentar no próprio corpo.

No entanto, o tempo-mãe é o que sustenta a raiz de outras galáxias: é natureza que gera natureza, cumprindo um “pacto com a vida” sem o qual o tempo não tem mais onde encarnar. Enquanto esse pacto é sabotado – os dias são sequestrados pela ilusão do atraso, as vidas submetidas a uma lógica mesquinha que exige sacrificar o tempo da própria vida em troca de conseguir o dinheiro que supostamente a sustenta, ou em troca da promessa de uma vida alheia – uma mãe ainda pode reconhecer seus filhos e neles, refazer sua poesia. É assim que Joana diz: quando já não se pode mais quase nada, a poesia ainda surge enquanto um poder.  A poesia de Joana suporta o contraste impossível entre as mães da natureza — princípio gerador, corpos que espiralam a vida — e as mães de gente, asfixiadas por um colonialismo que as empobrece e isola.

Porque mesmo quando as mães fracassam (e quantas vezes fracassam), resta um ato indomável: o de criar. O “pecado de mãe é estender lençol na varanda pra secar/ onze horas da noite de sábado/ depois de comer mingau frio”. A criança que toda mãe também foi — em seu desamparo, sua fé, seu brincar — renasce quando nasce uma mãe. E é essa criança, que poeta-mãe também materna, sonhando o mundo junto à sua criança-filha e tecendo futuros na espiral do tempo.

A mãe que aqui confessa à filha — “não saber te proteger é a falha que mais me assombra” — é a mesma que declara, inebriada: “eu vou pela possibilidade de dizer-me: Mãe!”. Essa mãe são muitas: fizessem um coro, o mundo teria que parar pra ouvir. Nos versos deste livro, essa mãe que está aparentemente só, e às vezes exaustivamente só com sua cria, entre paredes, numa cidade que às vezes é um deserto, reconecta o coro. Se “mãe é aquela a quem se chama” (e quantas mães sabem que é a palavra mais repetida em tantas línguas), por que tantas se vêem tão sozinhas? Joana rompe o véu dessa solidão fabricada — por políticas de morte que reduzem o maternar a uma função subalterna, sustentáculo de um sistema doentio.  É ali, no aparente vazio, que o Matripoder ressurge — como resistência, como política do justo, como fresta por onde transborda a abundância negada. Aqui, as palavras são cumplicidade: ao lê-las, reconhecemos a mãe como entidade coletiva. Aqui retornamos ao domínio da poesia: onde uma mãe pode até mesmo inventar um jeito bonito de maternar.

Reivindicar nosso corpo e nossa capacidade de decidir sobre nossa realidade corporal nunca foi tão urgente. Estamos em 2025 e muitas outras já nasceram e morreram nessa constelação. A violência é sistêmica, além de ser uma potência econômica. Mas, para além da denúncia de qualquer sistema de opressão, Mamãe é um cão raivoso é produção de intensidade, é elaboração poética da existência para além do trauma.

Devemos lembrar que o cão que late também abana o rabo e tem a capacidade de desejar.

E se “ser mãe é parir novas formas de ser”, a decisão de ser quem quisermos nesse novo nascimento é nossa. Ser mãe é um ato político, de afirmação e de resistência.

Precisamos fazer ecoar outras narrativas, podemos nos recusar a chorar baixinho no quarto escuro enquanto todos dormem. Assim como Júlia faz poesia com a sua existência. Não estamos aqui para correr em volta do nosso rabo, repetindo o eterno retorno do idêntico. Estamos aqui para fazer barulho, desbravar novas possibilidades de afetos, menos familistas e nucleares e mais expandidas e comunitárias. Podemos aprender a ser matilha.

A raiva que queima também é capaz de nutrir e de guiar os cães na escuridão.

Marcelle Louzada

artista, psicóloga clínica com aprofundamento em saúde mental

materna, fundadora do coletivo de mães antiproibicionistas “Segurando as Pontas”.

Isabor Quintie

Existem, no entanto, certos lugares arrebatadores, capazes de inverter a lógica dos relógios, cristalizando uma porção do tempo em nosso presente contínuo: uma profusão de pássaros se chocando contra janela, o primeiro beijo de amor, crianças removendo o lixo pela fome, a palavra mãe inaugurando o dicionário de afetos, a morte de um filho.

Glória, em seu novo trabalho, nos entrega a menina que não se deitou no seu colo, uma história escrita com a maestria de quem sabe que uma cicatriz é obstáculo ao esquecimento.

Uma mãe sem a outra traspõe os abandonos acumulados em cada sermão que levamos desde a tenra infância exclusivamente por termos ventres, por desejarmos sermos senhoras de nossa própria história e por correr o sagrado risco de nascer para viver ao invés de contar os dias regressivamente.  Não devemos temer: o que foi perdido também já foi abraçado e isso basta.

O que é ser mãe, ser filha, ser derrotada, ser vitoriosa, sem passarmos por uma culpabilização? O que é ser mulher sem sustentar as falanges dos sedentos de cobrança, por retidão, feminilidade, zelo, pureza, pela responsabilização dos males e apagamento dos logros? E o que é ser mãe se não for um momento?

Essa é a condição errática deste livro, que não apenas conta uma história presente, mas sumariza um enredo secular.

Mal sabe Glória que nunca deixará de ter 19 anos. E que Raquel é.

Duas, somos cada uma.

E aos milhares, todas nós somos as duas, Glória e Raquel. Linhagem.

Debora Rendelli

Talvez este não seja um livro para lermos desapercebidas, enquanto esperamos um ônibus ou uma consulta médica. É um livro daqueles que precisamos estar em um teto todo nosso, como disse Virginia Woolf. Só assim podemos ir olhando hematoma por hematoma em nossos corpos e nossa memória.

No entanto, engana-se quem acredita que seja um livro triste. Não é. São palavras que levantam bandeiras e soam gritos de esperança também. Todas nós sabemos que para lutarmos contra a sociedade patriarcal é preciso expor nossos traumas, ainda que revestidos da beleza contida na poesia.

Marcela é uma escritora que vai fundo nas experiências do ser mulher no mundo, tanto por seu olhar para a maternidade, quanto para o gozo, a violência, o coletivo e a luta. Com delicadeza e raiva na mesma estrofe, ela borda os sentidos de nosso dia a dia e, quiçá, de uma vida toda.

Então, convido você a pegar seu café, respirar fundo e mergulhar em Hematomas invisíveis para encontrar a si mesma e a todas nós.

Marcela Beraldo

relações-públicas e professora. Mestre em ciências sociais e humanas aplicadas e doutoranda em linguística aplicada na UNICAMP

Tal como uma fotografia, as diferentes estações destes signos, tão velhos como o diabo, atravessam página por página: entregar e perder-se no outro. Enquanto os dias de verão ficam mais curtos e o calor diminui, aproximamo-nos da desintegração que todo inverno traz. No derradeiro fim, somos nós e a fome dos lobos numa noite qualquer.

Merecida agonia, de Camila Felix, é um livro para estar em nossa cabeceira e não nos deixar esquecer, como Lacan nos trouxe, que buscamos sempre o que falta na gente em alguém que também não possui ou como a própria autora diz:

ele inventa meu desejo

até onde não existo mais

 Cada qual lida de sua maneira com o desvelar da falta de si no outro. Algumas cultivaram rugas com os nomes dos amados na testa, outras se sufocaram com gás. Camila, por sua vez, rejeita o silêncio para escapar da própria morte.

Seus dizeres nos trazem muito sobre angústias que nos moldam e como encontramos ou não, a esperança em meio ao caos diário.

Sei que minha agonia dá diariamente as mãos à angústia.

Sem dúvida, apenas o tempo tem o poder de dizer algo sobre um texto, mas como editora desta obra, sei que existe uma característica fundamental que não o torna perene, uma alquimia que transforma uma experiência individual em algo coletivo, algo que tantas e tantas se identificam, pois no fim da contas, nós também temos medo de.

Debora Rendelli

Penso no bebê flutuando no líquido amniótico, sem se saber vivo, nem gente, nem homem, nem mulher, enquanto já o estão nomeando do lado de fora da barriga da mãe. Vai ser aquilo ou aquele outro. Quando será que começamos a significar o insignificado e vemos o desejo do outro sobre nós, não como possibilidade, mas como horror? Acredito que quando esse desejo se impõe. Quem temos que ser, como temos que lidar com as coisas, quem somos e quem vamos ser… A verdade é que a revolta da mulher por tais questionamentos chega cedo. O “não é isso que sou” tem muita força. Mesmo quando ainda não falamos, já é difícil respirar.

Por conta da falta de ar, é bom lembrar que, antes de ser gente, fomos peixes. Flutuamos durante a vida toda como tais bebês. Darwin. Então, veio a evolução. Somos aquilo que, com pouca consciência do ser, se tornou pensante, pulsante, desejoso… julgador.

Malditas. Mal-Ditas.

O maldito só o é porque é capaz de ser dito. Filho da linguagem que tenta burlar a incompreensão, sem nem sempre ser bem-sucedido. O vitimismo só existe na percepção da crueldade do outro. Só existe ao perceber que as necessidades dos outros existem, mas dói atendê-las. O bebê nunca se enxerga vítima, ele é só ele, e ainda está na posição de animal, assim como um peixe também.

Mas você sabe nadar?

Lacan, com seu sarcasmo, diz que a mulher é o sintoma do homem, o que sempre me arrancou um retorcer dos ossos e ranger de dentes, não por pouco. Pensar que partimos e somos de uma fantasia que não nos significa de uma forma que consigamos reconhecer sempre me trouxe tristeza. Seja qual for a interpretação que a psicanálise tente fazer desta frase, ela nos incomoda, mas, na verdade, o que Lacan quer dizer é que a mulher é muito mais real e verdadeira que o homem, já que é livre para não ser o que o mundo espera do falo. Ela, portanto, estaria liberta da fantasia. Seria aquilo que o homem gostaria de ser, e não pode.

Sabemos nadar?

Não sei, mas tentamos. Por conta do que dizem sobre nós, mulheres, às vezes parece importar só se nossa genialidade consegue ficar guardada a sete chaves como um segredo que não contamos para ninguém, como quem fica o maior tempo sem conseguir respirar embaixo d’água. O quanto você consegue? Será essa a regra do mundo para que consigamos sobreviver?

“O quanto você consegue ser peixe?”, respondo que pouco.

Me pergunto se é por isso que muitas de nós querem ser sereias. Sem um sexo, apenas com uma voz que, finalmente ouvida, aniquila o que nos aniquilaria.

Aqui, nesta coletânea, há sereias, e elas cantam. Alto. Se você não souber interpretá-las, são malditas, mas se souber, Darwin pode te tirar da água e fazer evoluir.

Será mesmo que você consegue andar?

Paula Febb

Escritora, roteirista e psicanalista. Seu último títulos é )Vermelho (2024), da Darkside Books.

Sim, eu admiro muito a filha escritora de cuja formação participei ativamente. Além de escritora ela foi e ainda é uma leitora voraz e creio ser essa a principal característica das grandes escritoras e escritores, a paixão pela palavra bem trabalhada, burilada ao ponto de brinquedo, como diria Manoel de Barros. Bia é isso, uma artesã que põe nadadeiras e asas nas palavras, afrontando a gramática que eu teimo em corrigir em seus escritos.

Não, eu não li este livro. Bia não me deixou lê-lo antes de estar publicado, mesmo assim eu o recomendo. Porque sou uma mãe orgulhosa e encegueirada por tudo que a filha faz? Certamente não. Sou uma mãe chata, exigente e crítica, que diz na lata quando não gosta. Mas Bia é uma escritora experiente já com 6 livros solo, numerosos capítulos de livros e de revistas publicados. Gosto do que ela escreve, especialmente na categoria contos, mas já me emocionei com suas poesias, admirei seus longos primeiros romances, estarreci com seu poder de síntese, com a profundidade de seus pensamentos, com seu poder de fazer conexões, de deixar fios soltos e com eles tecer lindas imagens.

Estou mãe há mais de 26 anos (aí incluídos os idílicos meses da gravidez) e desde lá sei que tudo nessa experiência é risco, porque sempre se está a estrear nas diferentes situações que a maternidade interpela. Arriscar, portanto, não será nenhuma novidade para quem, lá atrás, se lançou a esse desafio que, como diz Mario Prata, é bom, mas dura muito. Recomendo!

Silvia Chaves

E o começo de tudo não é o big-bang, apesar de a autora também afirmar que um filho é a própria expansão do universo.

Te vejo me vejo é o título de um de seus contos, escrito pra Caetano, o filho mais velho e, no entanto, é também uma constatação do leitor que, sendo ou não mãe, se reconhece na humanidade escancarada de Flora, que escreve porque precisa dar vazão ao que sente.

As coisas têm o tamanho que a gente dá pra elas. Flora tem lente de aumento nos sentidos. Escreve com o corpo todo: pele e entranhas, cabeça e costas. Faz desse livro uma bacia de água onde desemboca dores, encantamentos e dúvidas. Fala do espelho entre mãe e filho e também do espelho entre mães e mães.

A leitura é um passeio visceral pelo universo da autora, que registra a sensível, assustadora e brilhante rotina que se passa dentro e fora de seu corpo com a chegada de seus filhos. É como ler um diário de um estranho profundamente íntimo. Um livro de desabafos e celebrações.

Flora se diz pessimista ao mesmo tempo que é uma das pessoas que conheço que mais acredita que o afeto verdadeiro é o único desengano, a grande forma de encontro e pertencimento.

Afiada, captura belezas e dores. Contorna o caos com delicadeza e humor.

Brasileira, foi capaz de criar seus filhos e novas raízes distante de seu país.

E ainda que a origem primeira desses relatos seja a necessidade de se expressar, acabou por costurar momentos extraordinários do cotidiano que agora podem ser partilhados com tantos outros oceanos. Ainda bem!

São contos de suas vivências diárias sob o olhar encantado e exausto de uma mãe.

Registros do que se passa na mente e corpo de um ser humano que é capaz de gerar outros.

Tereza Monnerat

— Esse é o Tupã, é guarani e também mora com a gente, é gente boa e você vai gostar dele.
— Prazer, eu sou a Kairú, disse com um sorriso que dava gosto.”

Escritoras da coleção Mãe Leva Outra realizarão encontros e debates para a promoção de temas relacionados à maternidade

São Paulo, 03 de dezembro de 2024 – A Editora Urutau lançou a coleção Mãe Leva Outra em janeiro deste ano, que contemplou a publicação de treze livros que tratam ou tangenciam a temática da maternidade. A aproximação das autoras neste primeiro ano da coleção constituiu um importante movimento de reflexão sobre a literatura e as condições do exercício da maternagem e do cuidar. Um dos frutos desse movimento é a criação de um clube de leitura.

Sob o título de Mãe Leva Outra, mesmo nome da coleção que integra o selo político Hecatombe, o clube nasce com a proposta de promover o diálogo sobre questões relacionadas à maternidade, a partir dos aspectos tratados nas obras das autoras. Assim, fertilização in vitro, perda gestacional, regulamentação de guarda, invisibilidade materna, entre outros, integram a pauta de assuntos a serem abordados nos encontros.

Sobre o Clube de Leitura Mãe Leva Outra

O Clube de Leitura busca realizar ações diversas, tais como encontros online, leituras em grupo, eventos presenciais e, até mesmo, debater questões que possam ser encaminhadas para a esfera de políticas públicas voltadas a mães solo e mulheres em situação de vulnerabilidade. A agenda contempla a leitura de um livro da coleção por mês, com uma live de divulgação na primeira semana e a reunião virtual na última.

Para tanto, o grupo se organizou entre escritoras que assumem o compromisso da gestão do clube e outras que participam mais esporadicamente. O núcleo duro das atividades fica a cargo de cinco autoras, que se dividem entre organização das atividades, mediação das leituras, convites para convidados, relatoria das reuniões e divulgação. Maíra Castanheiro, autora do “Tornar-se Mãeconheira”, é a idealizadora da iniciativa.

Para Debora Rendelli, editora da Urutau e responsável pela coleção Mãe Leva Outra, o clube de leitura é um dos acontecimentos mais interessantes ligados à literatura e à maternidade. “A criação da coleção foi um marco porque abarcou uma diversidade de vozes e experiências para tratar de um tema tão importante nos dias de hoje, que é a maternidade. A partir daí, a organização do clube de leitura amplia essas vozes e dá mais abertura para novos leitores, despontando como uma importante contribuição para o cenário da literatura brasileira”.

Sobre a Coleção Mãe Leva Outra

A publicação dos livros da coleção Mãe Leva Outra começou em fevereiro deste ano, após a chamada de originais divulgada em setembro de 2023. No total, foram recebidos mais de 600 originais, advindos de diversos estados brasileiros e da Alemanha, Espanha, Estados Unidos, Irlanda e Portugal.

A coleção faz parte de um projeto que abrangeu a curadoria de materiais para publicação e se estendeu para encontros, palestras, oficinas e atividades que suscitam o debate sobre a maternidade na contemporaneidade e seus caminhos futuros.

As autoras da coleção Mãe Leva Outra estiveram presentes na 27ª edição da Bienal Internacional do Livro de São Paulo, realizada em setembro no Distrito Anhembi, e na 22ª edição da Festa Literária Internacional de Paraty (FLIP), que ocorreu em outubro em Paraty. Em ambos os eventos, as participantes realizaram lançamentos e sessões de autógrafo dos seus respectivos livros. Na FLIP foi realizada a mesa “Mãe leva outra – olhares/dizeres sobre maternidade”, que reuniu as autoras da coleção e mais de 40 convidados.

Hélène Cixous, O riso da Medusa

Cavidade materna nos apresenta o Império da Maternagem a partir das vozes daquelas que vivem essa experiência. Lugares internos recônditos, que eu já não sabia se eram meus, seus ou Nossos. Quiçá seriam de todas Nós. Uma pluralidade de vozes maternantes, das mães-avós-babás-bisas-cuidadoras.

Um relato poético e compartilhado das Maternidades reais. Desse processo tão milagroso e mágico quanto aterrador que é o tornar-se mãe e sustentar-se mãe!

Todas as narrativas costuram um escrito doloroso e luminoso sobre suas maternagens. Contam com verdade crua as injustiças que as mães de nossos tempos ainda vivem e denunciam diversas violências (de gênero, obstétrica, de raça, entre outras) contra as quais as mães têm de lutar. Com garra e fé, contam como encontraram recursos para seguir adiante, mesmo durante momentos nebulosos de puerpérios infindáveis. Essas mães tornam o mundo um lugar mais possível. Um lugar mais sensível, profundo, inteiro e amoroso. Elas contam que há esperança, que funciona melhor a nossa luta quando tecemos rede.

Este é um livro-lanterna para iluminar o “Mapa da mina”, nos relembrando que a partida do caminho tem nome (é Dor!) e que as encruzilhadas do percurso podem produzir transformações belas em tantas camadas de Nós! Este é um livro com poder de afetar. Com muito afeto. Separe o lencinho e boa leitura.

Brunella Rodriguez

Psicanalista, doutora pela Universidade de São Paulo

Nesse novelo narrativo tão bem urdido pela autora, questões indígenas originárias são mescladas a um relacionamento complexo e atual entre mãe e filha, trazendo à tona tanto problemas subjetivos e afetivos quanto — sem panfletarismo algum — o debate ecológico. Marsiaj confere singularidade a cada uma das vozes que compõem este romance polifônico, e, por isso, as relações que se estabelecem são sempre complexas e autênticas, tanto no presente quanto no passado.

 “A água é uma só, um segundo ou um século”: é por uma soroca, num dia de tempestade, que Petra é sugada pelo Rio Verde num bairro central de São Paulo, e é nesse lugar — entre real e imaginário — que ela se depara com a iminência da morte e com um passado mais vivo que o próprio presente. Afinal, é na água que tudo conflui. Neste romance, entre líquido e pétreo, o Brasil do século XVIII se funde com um país que quer ser contemporâneo a todo custo, mas que não poderá sê-lo se, como faz este livro, não aprender a lidar com aquilo que se esconde sob os rios de nossas cidades.

Noemi Jaffe

Raquel Campos

Mariana Basílio

Aqui, cada crônica nos conta por que vivemos de modo tão dicotômico a maternagem. Culpas, dúvidas, amores e acima de tudo tentativas, tentativas imersas na esperança do cotidiano aparentemente simples. Pelo olhar da autora é possível encontrar poesia nesse encontro da infância com a idade adulta.

Cabe lembrar que a maternidade não é igual para todas, por isso talvez o termo mais adequado seja no plural, maternidades. Algumas são vividas em situações precárias, sem rede de apoio, sem respaldo financeiro, e, até mesmo no momento de parir, somos transpassadas pelas interseccionalidades. Mas acredito que, sem dúvida, ao ler os sentimentos de outra mãe, somos capazes de questionar quem fomos, somos ou seremos na maternidade. Uso o verbo no passado, “fomos”, não no sentido de anunciar que em algum momento deixaremos de ser, mas sim para explicitar que, durante o percurso de ser mãe, também são operadas mudanças em nós e no que acreditamos ser o ideal, o melhor.

Durante a leitura é possível desvendar alguns dos segredos não contados da maternidade — segredos existentes e já anunciados no título do livro: Nunca me contaram.

A criança ou o bebê, nas páginas que se seguem, são igualmente protagonistas, afinal de contas, não se materna sozinha, se materna alguém, e hoje passamos bem longe de acreditar que elas, crianças, são de algum modo uma tábula rasa. Então, Teresa e Clarice são coautoras desta obra ao preencherem sua mãe de questionamentos, de amor e ao esvaziá-la de certezas.

Juliana Costa

Maíra recebeu essa punição e compartilha como foi enfrentar a perda da guarda da filha por ser uma mãeconheira, drama pessoal que é o fio condutor de todos os textos contidos neste livro, que explora aspectos de como a maternidade é um ato de coragem, que nem sempre é libertadora e que definitivamente não deve ser romantizada, especialmente para as mães usuárias de drogas e para as que são afetadas pelo proibicionismo.

Em meio a essas ponderações sobre os perigos de ser uma mulher mãe que é usuária de drogas que se assume como tal em um contexto conservador e patriarcal, revela como partilhar sua história e suas dores na internet a conectou com outras mulheres que viveram histórias parecidas, assim como outras que ocultam o uso de drogas para ter garantido o direito de ser mãe, ainda que o uso suavize tanto a barra de criar outro ser.

Maíra expõe essas questões de forma leve e descontraída. Com seu jeito de brincar com as palavras, conta sobre a sua vida, suas dores, alegrias, pequenos prazeres, criações e sonhos, como o de viver em um mundo sem patriarcado. A leitura de suas reflexões nos provoca a pensar sobre o lugar da mulher no mundo e a força de compartilharmos nossas palavras entre nós. É também um convite a escrever sobre si como um ato político. Por fim, é importante dizer, este livro altera a consciência.

Monique Prado é mãe, ativista antiproibicionista e cientista social.

Alguém escreve, e essa escrita atravessa o desejo de ser mãe. Atravessa a frustração das perdas. Se engana quem não mergulha nos riscos que o texto percorre quando, vivendo a dor, está vivendo, ainda. E, como numa canção, num blues, vai entoando a história comum e silenciada de tantas de nós.

Afirmo que alguém escreve, lembrando que não importa quem, pois o texto está além daquele que escreve, mesmo se tratando de um texto muito pessoal, escrito por uma mulher. Sim, é um relato, é pessoal, mas antes trata-se de uma canção, um blues, que vai entoando a história comum e silenciada de tantas de nós. Alguém escreve a partir de si, e escreve como nós.

Trata-se de um encontro com a honestidade, encontro este que permite perceber que há sempre algo desconhecido de si mesmo no viver, algo que nem toda a intenção de verdade consegue desvelar. Esse mistério, como se paga para que ele exista? Com a pena, diria Duras.

Esse alguém experimenta a dor e o desejo de que o pulsar tenha constância, de que a vivência se prolongue, e isso não é o mesmo fazer viver que a medicina ocidental conhece. Não, não se trata de fazer caber a multiplicidade dos corpos em fórmulas genéricas, de fazer da vida uma receita rasa e confortável. Nem daquilo que o senso comum atribui à maternidade: um instinto, uma realização. Há uma pergunta essencial em jogo. Criar vidas, como é possível isso?

Se a vida estreia e foge, há um recado a ser ouvido? Se um útero falha, o corpo da mãe é um lugar de partida? Se um útero falha, é Deus quem falha? E, o texto pergunta: “para quem Deus reza?” São a ciência e a fé que se veem em crise diante desta escrita: “quando tudo floresce no aleatório”.

Alguém escreve, é certo. E essa escrita não precisa de rótulos, como nenhuma criança, nem mesmo aquelas que não nascem, precisa. A escrita, como as crianças, precisa de um nome. A essa, dá-se o nome próprio de Cristina Parga, que, ao ser colocado como assinatura, já não é mais a da mulher que viveu, mas do corpo que escreveu. E, quando há escrita, há sempre alguém que lê.

Que nasça e seja lida, pois. E será.

Alice Bicalho

Fernanda Meirelles, mãe, jornalista e atriz

livre, solto, sem limites

(Trecho do livro)

O que pode a literatura diante do corpo violentado?

Cinzas da Primavera, de Mariana Daher, é esqueleto em vias de esfarelamento para dor potente em dez episódios poéticos.

É luto que se ergue desde a entrada na obra, quando, ao fim da primeira estrofe do primeiro poema, lê-se o anúncio do “quase-fim”.

Leitora, tateei o quase-fim-feminino-limbo, procurando compreender a dor portal à insalubridade do eu lírico (expressão técnica, que, masculina, deixa de dar conta do universo feminino que o/a envolve, devora e regurgita).

De qual dor feminina estamos partindo? Me perguntei.

A resposta à minha intuição veio com “a vida que ainda brotava e/nem mais primavera era”.

Que escolha! Em coleção intitulada Mãe Leva Outra, Mariana compôs no entre-gênero (entre a prosa narrativa e a poesia) a negação à maternidade. Partimos da violência contra o feminino que se realiza cotidianamente inclusive na língua incapaz de tratar da mulher poética que se anuncia. Partimos da imposição masculina contra o corpo da mulher, partimos da violação; e seguimos pela escolha pela interrupção da vida.

“Olhares”, “piedade disfarçada” e “culpada, culpada!” pela própria voz revelam um pouco sobre o interior e o exterior social da atmosfera da obra.

É possível a uma mulher fecundada pela violência reencontrar a paz?

Aborto é tabu. Violência sexual é tabu. Liberdade feminina é tabu.

Cinzas da Primavera é fluxo de sangue, de dor, de pensamento e de movimento:

“Sob a cascata rala, o arrepio

na garganta muda, o nó

a pele como retalhos

à mostra nos cacos do espelho

as bolhas de sabão tingidas

pelo líquido vermelho”.

É experienciar junto do eu lírico feminino a queda ao mais baixo que o fundo do poço; e suas tentativas, no plural, de reestabelecimento:

“Nem percebeu o outono

pairando sobre a retina

varrendo com um sopro

as folhas marrons, caídas

dia após dia, e a rotina

retomando à força as rédeas”.

Cinzas da Primavera é luto e luta, moldada na resistência e na (re)existência da mulher que se reinventa em espiral; na interrogação sobre as estruturas em que se assentam os poemas de seu corpo-livro e os corpos da nossa sociedade. É obra que toca no que se vela.

Que o livro seja lido, que reverbere, e que rodas de conversa se abram sobre mais esse braço dolorido da maternidade que acontece, embora pouco se fale. Que a literatura, diante de corpo solitário, estabeleça conexões!

Carolina Manzato

Das crias,

o orgulho.

Da barriga,

a dúvida.

O que

restou

de mim?

De manhã meu avô me chamou para fazer artesanato, fizemos muitos arcos e chocalhos, porque é mais fácil para vender, parece que é o que os jurua kuery (não índios) mais gostam. Quando vamos para a cidade em Guarulhos, voltamos sem nada, porque vendemos tudo. olivio jekupe

Há algo, porém, que sabemos (e bem sabemos): há um corpo de mulher cravado em cada violência que estas frases “soltas” nos trazem, um corpo que não aguenta mais, e grita. E o desespero desse grito, esse conhecemos bem. Ele ressoa no nosso corpo.

Essa mulher é uma mãe. Está desesperada. Já estivemos desesperadas muitas vezes, já tivemos medo. Já fomos invadidas pela fúria, porque a dor reverbera em nossas células mais escondidas.

A dor de uma mãe desesperada é uma marca que ressoa em nossos corpos que menstruam e que guardam gargantas machucadas pelos inúmeros sigilos que nos foram impostos, desde a infância, desde o primeiro “Fecha a perninha!” que ouvimos, desde o primeiro “Baixa a calcinha!” que muitas, muitas de nós ouvimos.

Quanto sofrimento pode ser guardado em um único corpo? Não sabemos. Sabemos que o sistema permite a manutenção de estruturas desonestas, escraviza corpos, vende lenitivos de todos os tipos, gera fome e desigualdade, impõe a violência sob as mais inúmeras formas. O sigilo que nós mesmas nos impomos, sobre tantos acontecimentos das nossas vidas, também pode ser pensado como uma forma dessas formas de violência.

O que salta da leitura de uma obra como esta, também, é a reflexão sobre o próprio desenho de uma ideia de família “feliz” estruturada e calcada na idealização de um comportamento adequado da mulher. Afinal, não podemos perder a compostura.

Ainda que o sangue que irriga os sete mares das violências seja o nosso (e Quem dera o sangue fosse só o da menstruação) algo nos é constantemente exigido: que fiquemos quietas, não importando a medida do nosso desespero.

Telma Schrerer

]]> https://editoraurutau.com/titulo/sob-sigilo/feed 0 https://editoraurutau.com/titulo/mergulhar-na-pele-desoxidar-a-lingua https://editoraurutau.com/titulo/mergulhar-na-pele-desoxidar-a-lingua#respond Fri, 17 Nov 2023 19:20:46 +0000 https://editoraurutau.com/?post_type=product&p=18736 Mergulhar na pele, desoxidar a língua é entender a pele enquanto mistério maior da existência. É a celebração do verbo pelar, enquanto presenciamos uma dissecação detalhada das várias camadas dessa cobertura pelas mãos da autora de forma robusta e delicadamente num poro só! Essa pele-ritmo, pele-diário, pele-casa, pele-eu, pele-você, pele-nós, pele-confronto, pele-transformação, pele-fortaleza é uma viagem em que o mapa é a própria sensibilidade da escrita que nos é presenteada. O mergulho é real, os poros vão se abrindo de tal forma que até a superfície tem a sua profundidade e também transborda troca, enquanto se reinventa e se encontra. Este livro é para você que sabe que a pele fala e vai agora poder finalmente escutá-la. Aqui, o mapeamento vai acontecendo à medida que a bússola, que também é língua, se funde ao vasto reino dos poros.
Essa é uma pele que respira e por isso vive na iminência de ser asfixiada. Aqui, pele e língua viram sinónimos no radar da violência que se desenha e tenta se afundar nela. Apesar de serem lidas como isco, são na verdade a fonte da resistência. Essa pele-língua é arco e flecha cheio de sabedoria ancestral, é encontro que segue enfrentando a violência, escancarando as cicatrizes, se desfazendo das crostas, evidenciando e desfazendo os enigmas e principalmente se pelando de novas possibilidades, novas linguagens, num mapeamento tão profundo que protege. Aqui, pelar, é existir na pele no seu todo. Afinal, é esse o maior órgão que temos. Tchibum! Julia Peccini

Jorgette Dumby

Denise reconhece na bisavó as suas próprias pernas. Aquelas que seguram o peso do corpo, da família, da casa, do trabalho invisível e do trauma. Enquanto mulheres sabemos bem que verbos guardam para nós: suportar, servir, aguentar, ouvir, carregar, engolir, calar, cuidar, cuidar, cuidar, calar — variantes viciadas da subalternidade. O que herdamos das nossas mães e avós é mais carga simbólica que genética. Ressentimos no corpo as falhas da História e perdemo-nos na repetição. Mas o que temos de nosso afinal? Quem podemos nós ser no meio da confusão?

Denise volta ao início. Observa-se. Descreve-se para se encontrar e, ao fazê-lo, propõe um novo atlas sensível da anatomia feminina, que é poema e manifesto — insurjam-se, moças, contra o ato de contrição. O direito à ira é vosso, assim como o desejo, o prazer e a alegria!

O exercício que lhe serve de contorno estende-se a nós, neste pequeno poemário de palavras afiadas e exatas, em que o corpo se faz de matéria, mas também de política, memória, dor e festa, tempo, espaço, campo, revolução e voz, voz, voz…. que nos encharca de riso áspero e choro, espanto e admiração.

Talvez as pernas ainda suportem o peso do passado, mas chegará o dia em que um grito das entranhas se lançará livre pela primeira vez.

Mariana Camacho

Eu vou desobedecer a ciência moderna para falar de nós. Para mim, cada verso faz parte do que vivemos desde que nos encontramos em Brasília e descemos juntas para a Chapada dos Veadeiros. Foi ali que passamos a nos chamar de irmãs. Foi ali que soubemos a radical diferença entre o mundo branco, feito de lume, de luz; do nosso, de fogo, de espírito, de terra.

É nessa certeza que sorrio, ou choro, ou tenho raiva e força. É aqui que a sinestesia dos meus sentidos se sente segura para ler e saber que não há ambiguidade colonial na polissemia das palavras. Nossas palavras são “ciência, arte e civilização ancestral”, como diz Pirá. E você vai poder senti-las e talvez até ficar com medo ou recuar, porque “Não queremos nada além de tudo de volta”.

Talvez você recue com esses versos porque a colonização produziu essa diferença entre indígenas e não indígenas: de língua, de religião, de economia, de cosmologia, de política, de identidade. Mas eu sou devota (não sou cristã, sou makuxi, e isso significa que meus deuses são outros) de que tudo o que foi forjado dentro desse tempo de 523 anos (e contando) pode ser contestado, se acaso alguém realmente quiser.

E há muito o que podemos fazer coletivamente, uma trilha dada aqui pela poesia é a luta contra o garimpo, contra o folclore, contra a língua e a mentalidade portuguesa que ainda se pensa soberana.

Um corpo wassu-cocal atravessa o Atlântico, e volta. Mais certa, mais ancestral, mais forte, curando toda contradição com ritual.

Então estamos aqui, na nossa terra ancestral, às vezes nadando juntas, pisando em terras inimigas que nosso dna lembra, mas estamos juntas, e eu quero seguir assim, no caminho e nas águas dessa poesia cocal.

Para a gente-peixe que pisa e nada em muitos mundos, fazer poesia é ancestral.

Trudruá Dorrico

O eu lírico de Leila atravessa sua própria pele para expor a dor da violência verbal, munindo-se de palavras para organizar as raivas provindas do abuso e, em ato contínuo, cria musculatura firme o suficiente para impor limites a quem lhe fere. Afinal, “não” é uma sentença inteira. E como é poético chegar ao não.

Os poemas de Fernanda surgem para descamar e liberar o sangue do ventre. São palavras musicais e sintéticas, em que a dor — ainda latente — mescla-se continuamente às possibilidades de cura. Querida ferida, tu és para ser curada — dirá o eu lírico na busca do encontro consigo.

Transformações é o livro de estreia dessas duas poetas, um ótimo caminho para reconhecer-se na humanidade do ser mulher. Ou melhor, ser mulher galáctica: aquela que deixa de ser vira-lata, como o perdão da poesia, para abocanhar toda a sua grandiosidade.

Patrícia Lima

Aqui, uma mulher conversa com o próprio passado enquanto alinhava o que está por vir. Ao descobri-la, sabemos também que, se há cenas impossíveis de apagar, não há o que não se possa cavar no fundo das relvas, das pedras, das pernas, das sentenças. Não há o que não se possa criar.

O discurso do buquê é feito de poesia em prosa, da umidade das florestas e das mulheres — e sua capacidade inalienável de parir a si mesmas. Assim, de mãos dadas com a mulher que atravessa o poema, é possível trocar de pele, tocar na sede retida nos dentes, na confusão do corpo com a casa, no desejo de calçar os chinelos — já não “por força do hábito. Mas por força do amor”.

Como acontece nas fendas por onde o ar entra no solo, é o viço da poesia que recupera a palavra. Alguma coisa, talvez, parecida “como um abacate. Que misteriosamente amadurece no meio da noite. E vai ser comido quando raiar o dia”. Sobretudo, com o “extraordinário gosto do fim”: a floresta quente na língua, a mão encharcada de vida, o som alto da risada tornando à boca. A poesia deste livro é o que nasce, fértil, depois da terra revirada.

Camila Costa Silva

Heleine Fernandes

                Ombrófilas surge, portanto, também como corpo, aquele que, por abrigar regimes pluviais constantes, cria uma tessitura poética orgânica para fazer ressoar vozes incrustadas nas saliências da serra fluminense e que, aqui, ganham a vazão dos rios. Essa amizade com as chuvas, que a origem etimológica do termo sugere, tem para as mulheres daqui um significado profundo como as águas que gestam a vida no planeta e que, por vezes, arrasam em fúria a estrutura das nossas cidades.

                Este livro reúne dez poetas que, depois das tempestades, semeiam florestas de significados. Esperamos que nossas vozes encontrem ressonância para além das montanhas.

Juliana Léa

mulheres que respeitam as entranhas,

o avesso. mulheres que escrevem o íntimo

e criam recomeços.

mulheres que sabem do prazer e do gozo

e sabem quando não é prazer e não é gozo.

mulheres-memórias. experiência no corpo.

poesia de corpo, labirinto.

mulheres.poetas:

aline tóia dheyne samara priscila débora valeska juliana ingrid.

mulheres que carregam molotovs no peito,

que sabem ser sexualidade, sabem sair de cena,

sabem mãe e maternidade.

mulheres que sabem: amar me deixa suja.

sabem da depressão e queimam projeções

que não são suas.

mulheres que nascem, falam, leem, escrevem

e sabem que tudo isso é uma vitória.

sabem da guerra implícita imposta às suas existências.

mulheres unidas na solidão de histórias sem paz

e às vezes sem pais. mulheres que

puxam da garganta sons banidos.

mulheres que identificam mitos, dama se faz

de espinhos; e revelam crônicas da vida crônica.

mulheres diante da culpa injusta. e afirmam:

que a mulher ama o amor

é um segredo restrito às salas com divã.

mulheres que reverenciam quem veio antes,

que sabem que o amor às vezes é preciso ter peso

é preciso da realidade do sentido

que tenha corpo pra ver, que tenha corpo

pra tocar, que tenha corpo que cheire,

que tenha corpo que faça barulho.

mulheres que sabem da beleza da idade

impressa na pele, que fazem questão de

lembrar do que sustenta toda carne.

mulheres-bagre.

mulheres que —

como definir estas mulheres?

esse corpo

que deixa

marcar mais em si

do que no outro

mulheres que escrevem

com as pontas do coração

(…)

e adormecem nas frases cegas da noite.

mulheres que me lembram wislawas, anas cristinas, conceições.

mulheres que me fazem lembrar.

mulheres: escrever para não esquecer.

são mais perigosas as que sentem prazer.

eu quero uma casa com bidê.

Anna Zêpa

A cada poema somos lançades de forma rítmica e subversiva a TRANSperceber o que a autora nos convoca a ouvir. Ler e escutar as poéticas aqui presentes é como um intenso passeio por gramaturas distintas, é um exercício sensível que nos chama a revisitar nossas memórias junto às águas, às folhas, às montanhas, ao fogo — é um aquilombamento poético, cada poema é um território.

Com profundas indagações [re]existenciais, a leitura nos leva a buscar por novas referências de significados, de linguagens, de uso das palavras, das imagens e paisagens. Somente uma corpa-encruzilhada poderia nos projetar para diferentes gramaturas subjetivas e temporais. Em vários poemas somos convidades a espiralarmos no tempo, na ancestralidade, nas faunas e floras dimensionais que Djankaw nos traz. Laroyê Exú Mulher!

As escrevivências estão vivas e cheias de vida! Ao ler as próximas páginas deste livro, se permita aquilombar-se, prestar atenção ao bajubá, aos convites, orações e chamamentos que nos são apresentados. A obra Bajubás Poéticas da Travesti Quilombola é também um manifesto poético, existencial, místico-cultural. São poemas de reconstrução de um mundo-casa, de um mundo-colo, em que é possível existir e re-existir, criar e desejar…

Ao seguir para a leitura, esteja preparade para escutar palavras com sons de chuva, vento, tambores e, ainda, sentir cheiros e sabores, visitar lugares, territórios, questionar e projetar a si nos vários locais para onde a autora nos convida a ir. Esta é uma obra poética de reencantamento e de reexistência, é uma obra de referência decolonial sobre escrita, vivência e criação.

Jojo Souza Santos, mulher cis barbada, artista independente e pesquisadora no campo de arte e cultura.

Dividido em quatro partes e intercalado por fotografias, alguns dos poemas possuem certa fisionomia de carta, introduzindo ao leitor a presença (ausência) de um “outro”, um “você” ou uma multidão a ser alcançada. Mas é no fugidio que reside a implicação literária aqui perseguida, como se para Malkut fosse uma sina capturar (com o corpo) o que é de natureza incapturável — ou ainda como se, “lambendo tudo que há contradição”, desejasse tal condição. E este é o acordo: “quero me misturar até ao que nunca vi”. É assim que a voz em Barbatana, que ora assume o nome do próprio autor, atira, para destinatários incertos, senhas e imagens que ficam à deriva por um certo tempo. E nesse quase-epistolar não há como saber se estamos diante da memória ou de conjurações. “Chance-fantasia”, nos fisga o autor em um dado momento. E não é assim que conspiramos?

No contato com o ambiente ao redor, um exterior estimulante/fulminante, o corpo acontece. “Na rua você é tão radiante/mas em casa se cobre todo, emudecesse”, pode ser um lamento permitido, mas para Malkut tanto o dentro quanto o fora dão em águas. Em Barbatana, o mar se metamorfoseia, assim como lhe é próprio, e pode ser lido como sendo a cama, o desconhecido, a lente ou o próprio corpo: “somos quase idênticas (eu e a água)”.

Mas não é necessariamente um tema. Está mais para uma via de acesso com muitas direções, cuja função é a de criar o compromisso literário em nome de um arcabouço semântico prioritariamente encarnado, essencialmente erótico. Como quem diz: quem escreve deve ser o corpo em movimento, “desviado e libidinoso”, que se propõe, sem receio, a ser incompreensível, que “recolhe o todo por onde passa”, mesmo que deixem “rastros emaranhados sobre a imagem”.

Jjoão Paes

Os poemas exploram uma outra masculinidade. Na terra habitada pelos homens do livro, a delicadeza do gesto e a força do desejo se contrapõem à violência orgulhosa e viciante dos homens que fazem a guerra e destroem a Terra.

É prazeroso encontrar nesta leitura o apogeu do encontro entre dois homens. O amor não sucumbe diante das frustrações, culpas e violências que marcam a vida das pessoas transviadas. E nisso está um acerto na costura dos poemas. A escolha do autor prima por realizar um ato de afirmação da liberdade de amar. Trata-se de restituir a verdade das experiências homoafetivas: a beleza também existe no regozijo de dois homens amantes.

A exploração dessas experiências é dotada de uma forte carga homoerótica, cuja potência é amplificada pela construção de alegorias fincadas na natureza, no mundo rural e na religiosidade. Dos universos que marcaram sua experiência no mundo — a roça, o campo e a igreja —, Vítor extrai com habilidade, erudição e ousadia os elementos líricos mais potentes da tradução de suas experiências eróticas.

Com profundo conhecimento da tradição judaico-cristã, Vítor recorre ao imaginário religioso para reestabelecer o que há de mais sagrado: a realização do amor, a comunhão entre os seres, e a partilha de um sentido comum de vida que lhes confere a existência. E onde haveria culpa, há deleite. Onde haveria heresia, há cumplicidade. Em tempos como o de hoje, nos quais a imagem de Deus é vulgarizada por comerciantes da fé, políticos mercenários e homens de bens, a operação realizada nos poemas ecoa como um verdadeiro ato de subversão.

A afirmação da liberdade se desdobra em ato de rememoração na parte final do livro. Revisitando personagens mitológicos, bíblicos e da literatura, Vítor nos faz lembrar da antiguidade dos amores homoafetivos. Estão lá: a lealdade entre Pátroclo e Aquiles, o beijo de Davi e Jônatas, a conquista de Heféstion por Alexandre, o medo de David por Giovanni, o amor-amigo de Riobaldo e Diadorim. Esse exame das origens se encerra com a revisitação das memórias pessoais da infância, da relação familiar e da vida doméstica.

A leitura do livro nos convida à coragem de erguer os olhos e fazer do prazer uma prece. Ao leitor atento será difícil resistir à tentação de, finalmente, abraçar o pecado com amor.

Lucas Gariani

Percorrendo a trilha destes poemas, que começam na “pré-história da tesourinha” (“carolina”), nos lembramos nostálgiques de nossas vidas cheias de pequenos prazeres, artimanhas, jogos, verdades e desafios, beijos dentro de armários mas também na frente de professoras (“as professoras ficavam em pânico”), porque sim, é preciso ter um tanto de coragem pra viver essa alegria. Dessa forma, estes escritos perpassam uma vida queer de um corpo que não se interessa em seguir uma linha reta, um caminho dado, mas sim fazer curvas, mudar trajetos, desviar, falhar, retomar, desistir de novo, quantas vezes for necessário. E então, como boas crianças queers que somos, ignoramos a linearidade da normatividade que divide a vida em fases pré-determinadas, porque não nos interessa deixar de todo pra trás o que fomos (e por isso não pisamos em nossos nomes, mas saltamos sobre eles), porque continuamos brincando, inventando, sustentando o “desejo óbvio de ter duas genitais” (“ônibus da volta”), driblando a normatividade e subindo em cima de nossos novos nomes com uma firmeza cambaleante (“ravel”), porque também não nos interessam as coisas fixas demais.

Nós, trans não-bináries, ou, como diz Ravel, “povo das nuances”, que seguimos com alegria radical criando ficções e fricções no sistema, nos encontramos nas palavras de Ravel, que nos leva para dançarmos juntes com seus poemas entre agarrações em congressos estudantis, beijos triplos, paixões caseiras, motins e marchas feministas, nos espaços dos bares e das ruas, na micropolítica dos becos e das rachas. Como em “as crianças com outras ferramentas” (“ali cada criança tinha uma ferramenta/esquisita para qualquer normal”), proclamamos: queremos nos comunicar de forma torta, construir outras linguagens feitas a gritos agudos e com baba escorrendo no canto da boca.

Nasce assim este livro, e nasce também Ravel, forte e bele como um cavalo novo.

Flecha (machorra edições)

Flávia Péret

Aqui, neste livro, a Anum criança tenta subir em cima do cajueiro com o salto alto da irmã para comer um caju, mas ao mesmo tempo, numa queda onírica, sem a pretensão de atender ao tempo linear dos homens, está como uma maricona em seu robe de cetim tomando um licor de caju, ao redor de várias gatas.

O seu escrito se conecta com uma rede de bixas, de transviadas, de travestis, de hijras, de muxes, two spirits e de qualquer outra população ao redor do mundo que diz não à norma de gênero e sexualidade pairante nos corpos e no ar.

Não vamos supor que essas duas categorias — gênero e sexualidade — sejam limitadas a passar um batom vermelho, enquanto enfia alguns dedos no próprio rabo, apesar desses dois gestos serem revolucionários para nós; elas são disparadoras para tatear outros mundos e temporalidades, um deslocamento existencial que, por si só, é arriscado em um mundo que quer acabar com aqueles e aquelas que arriscam e riscam uma possibilidade de existir feliz distante do centro. E é neste não-lugar, para os artistas, que nasce um tipo de arte que se encontra aqui: algo meio arqueológico, tateante e escuro, provocando antes de qualquer razão os sentidos.

Prazeres, ouvidos, olhos, bocas, ânus, linguagem, cabelos, lágrimas, risos, para além de as palavras criarem sentidos, elas fazem corpo, e é um corpo em vertigem, numa desarmonia ímpar que, por incrível que pareça, diante de tantas violências, evoca paisagens belas e imagens prazerosas. Se você não consegue se aliar com o resto da humanidade, se alie ao mar, à pedra que lhe chama o olho, ao amontoado de cristais que chamamos de areia, ao rio, às estrelas.

Jupyra Carvalho

Travesti, filha de pais analfabetos, artista e produtora

Esses afetos geram sujeitos inconvenientes. E para tratar deles o autor lança (ou dá a) mão para outros, i.e., por debaixo da terra das palavras deste conjunto de textos, é possível vislumbrar, além de Caio F., Kafka, Raduan, textos sagrados judaico-cristãos, tragédia grega, muitos filmes, elementos onírico-insólitos e, claro, a vida acontecendo.

Marcio, com erudição — não aquela que afugenta o leitor, mas pelo pacto que mantém com a palavra —, trata do ordinário cotidiano: a iniciação do amor adolescente se inclinando a um corpo-outro-igual, como se observa em “O dia em que vi o cometa Halley passar”, “Lá, na cidade pecuária”. Ou ainda, as relações efêmeras entre homens (“Cicatrizes” e “Animais noturnos”); homens que amam garotos (“O pinguim”); amores gays (im)possíveis (“A lua fantasma”). Em linhas gerais, pergunta: pode doer o amor?

Em cada conto, o leitor não passa incólume aos eventos e às personagens, mas torna-se cúmplice de cada uma delas, seja por identificação ou sentimento de outridade; é convidado a penetrar o mundo das palavras e ver o outro, a dor do outro — o verbo-dor —, e, nesse gesto, ver a si mesmo nos solavancos da vida, nos caminhos sinuosos, nas tentativas de (auto)afetos, nas tragédias às quais todos estão submetidos; daí que o autor, num claro intento de não ferir mais ninguém, não manchar mais nossos olhos com mágoas e desafetos, tece, como as abelhas o fazem, um verbo doce e delicado, sem, contudo, nos sonegar a verdade do mundo. Em outras palavras, é a delicadeza inscrita no horror.

A lua fantasma perpetrado pela voz poético-narratológica de Marcio Markendorf, talvez, esteja indicando uma saída, uma fresta, outro caminho na contramão da hegemonia… Para descobrirmos outras vivências sociais — a educação pelos afetos — e, assim, escaparmos de caçadores sanguinários e vivermos como os leões: em comunidade.

Flávio Adriano Nantes

verão de 2023

Nas páginas deste livro, como “gaivota parada / no poste da ponte” ou mariposa “estática em sua leveza”, observamos uma história de amor e medo acontecer sob o sol fluminense. A história que Gabriel hoje nos apresenta é sim sobre a sutileza da linha imaginária que existe entre os dois sentimentos, mas, ao narrar sobre o amor, o autor nos aponta um caminho onde é possível “escolher dançar lá fora” entre “[rosas, deuses, serpentes, anjos e medusas]”, vencendo o “medo do que há lá fora no espaço-tempo.”

Munido de coragem e sem medo dos clichês, Gabriel parece querer nos convencer de que escrever sobre o amor é “sentir o cheiro da pólvora / arriscar”, propondo um tipo chamado ao destinatário de seus encantos e a quem escolheu acompanhar o breve recorte dessa história – que não se sabe quando começou e quando, ou se, acabará. Aqui, sua escrita pede nossa atenção para aqueles eventos em que uma fagulha é o suficiente para nos colocar sob o risco de nossos próprios desejos.

As treze cenas apresentadas neste livro contam com ritmo próprio e flertam com a forma de aforismos, trazendo algum tipo de moral sobre quando se escolhe reinventar a linguagem do amor para pintar novos quadros ou fotografar o que ficou de fora dos álbuns de família, por exemplo. Como “um quadro de museu / preservando a memória / que não quer ser guardada”, mas que existe e que é capaz de mudar sua forma a cada vez que for lembrada.

rafael amorim

Todo dia é assim é uma obra sobre todas as portas que encontramos fechadas, antes e depois de sairmos do armário. Sobre aquela zona sustentada pelo desconforto e preenchida por todos os nãos que se encontram à nossa espreita.

Cruzes nas paredes, cruzes aos pés, coração sangrante.

Definitivamente, não há término para a empreitada aqui iniciada. De poema em poema, avançamos em um caminhar circular, episódico, constante, espasmódico. Do qual não há escapatória. Assim como o são os recortes da vida e da morte pelo autor retratados, aos quais reconhecemos e nos quais identificamos notícias já lidas, vozes ouvidas, rostos, situações: memórias — individuais, coletivas.

Aramyz criou aqui seu compêndio de palavras-lâmina, forjadas com precisão nas chamas de uma centena de fogueiras da atualidade.

Palavras-faca. Palavras-flecha. Palavras-murro, palavras-escarro.

O chão surge como único e provável horizonte para vidas e corpos indesejados. Corpos dissidentes. Corpos de viados. As tais bixas. As tidas como loucas. As invertidas. As travestis. Até mesmo as inclassificáveis.

Nas páginas de Todo dia é assim, Aramyz, que inaugurou uma notável trajetória literária, confirma o quanto sua poesia se mostra como um corpo receptivo/combativo, fundamental para a perpetuação de palavras que são alma e território, encantamento e consumação, apesar do mundo, apesar de tudo.

Cristina Judar

Leilane Leta faz do poema a história de tantas que escorregam pelas bordas, com a voz firme de quem não vacila diante do incômodo, fazendo do ritmo da poesia a rota de escape e encontro com mulheres que também buscam a força da palavra.

Era pedra e se quebrou é uma oportunidade de mergulhar na poética assertiva da autora, uma vivência literária enriquecedora que balança a inércia do pensamento fácil. Leilane Leta versa o difícil, mas decifrável: a realidade de ser mulher com um corpo que argumenta e uma sexualidade que ocupa espaço.

Este é um livro para todas aquelas que também sustentam o verbo e nomeiam os afetos entre mulheres, os movimentos corpóreos, a mais fundamental sede de existência plena. Um livro que cria mundos pelos poemas.

“linhas vermelhas escorrem,

delineiam a menina,

que carrega nas mãos

um amontoado de carcaças

ocas”

Jarid Arrais

Nesse palco de ressurreições inesperadas e inquietudes que fundem abismos pessoais, o triunvirato  executa um devaneio cinematográfico que resulta no grande e iconoclasta acontecimento das suas vidas até então: o incêndio da estátua do Almirante Tamandaré, herói monarquista e ilustre desconhecido de quase a totalidade da população. Tal devaneio, entretanto, como ponto de inflexão do destino, faz Leonel procurar refúgio na pequena propriedade rural do avô, e provoca um reencontro decisivo com o seu passado.

A abertura da caixa de memórias do seu avôhai, encravada em solo pré-histórico, é o fio que conduz a dilemas universais e às profundezas das vastas e belas solidões das paisagens do interior do Brasil.

Combinando temporalidades distintas, não lineares, esta prosa poética que ora se apresenta, valendo-se de poderosas metáforas, expõe as contradições históricas do país, assim como os caminhos e descaminhos que se entrelaçam nos desertos pessoais de Leonel.

Todos estes recursos, combinados e mobilizados na narrativa surpreendente que doravante chega às mãos do leitor e da leitora, fazem de “A Caminho do Centro da Queda” uma experiência única e indescritível.

Mas a poeta segue como pode, integrante de um “exército de mulheres cansadas”. Por vezes, como espantalhos à espreita; em outras, como cães à caça de lebres. Alice Vieira não produz um testemunho, antes oferece a decupagem de um Habitat que ora a abriga, ora a hostiliza — e que ela retém com todo esmero, total argúcia e expresso método: Alice Vieira capitula, também, o fracasso. O seu espaço habitado é o seu poema, é o seu corpo: não de poeta, mas de glicínias, que trepa e se multiplica, rastejante, sobre as superfícies do poema. Assim se lembram (a poeta, o poema e o seu corpo) de sua vocação intempestiva cuidadosamente manejada para o apaziguamento: explosão retardada — ou, com sorte, um “projétil falho”. Inteligência: estratégia.

Isso não é um testemunho oferece a contemplação rápida e evanescente da fauna poética em que as formigas — as mulheres, “As meninas” — estão na moda, como Marylin Monroe ou Tippi Hedren, de quem ainda se tomam as medidas das cinturas: finas, como as das formigas. “O tempo da beleza já era”, anuncia a poeta, “odradek de anáguas”. São tempos de guerra, de fome, de fascismo, de, por enquanto, muito barulho. A cozinha ainda é claustro, e algumas coisas não se barganham. Diante das mulheres, um homem não corre de costas. Ele, o homem, não escapará às Moiras; a mulher (intransitivamente, porém) não escapará. É fera e é presa ou é berro: “mas a quem interessa”?

Isso não é um testemunho. A poesia não é um testemunho. Não é evidência, não é audiência, não é acidente que não pertence a lugar algum e que de fora se presta a olhar. Isso não é um testemunho. As testemunhas são a terceira parte envolvida. As testemunhas declaram o que viram. As testemunhas “não tomam parte no ato da cópula”. Alice Vieira não é testemunha.

  Constance von Krüger

O poeta se assume como uma espécie de artista da fome que transita por esse nosso mundo inflamado mas frio, um mundo ora em chamas, ora em cinzas. A cidade, com sua junção contemporânea de explosão e deserto, de supermercado e desamparo, se anuncia como o espaço por onde o corpo do poeta se arrisca, onde ele põe à prova a sabedoria poética do faquir. A morte usa mil máscaras, mas a própria cidade “se recusa a colocar a máscara” e se empenha em fazer esquecer “os subterrâneos das florestas enterradas”. O ano da peste desmascara a cidade com outros rios e matas: “mortes caudalosas/e lives que crescem como mato alto sobre túmulos”.

Essa poética do faquir urbano desenha com precisão e errância o mapa perdido do mundo que habitamos. Não uma cartografia grandiosa e distante mas uma penetração poética no corpo desse mundo e, por isso mesmo, na sua finitude e nas suas fissuras, nas suas ruínas e fracassos, nos seus “sorrisos náufragos”, nos seus vazios ensurdecedores e silêncios repletos de gritos no fundo. Uma cartografia poética como um corpo a corpo — é do que se trata este Ninguém quer o futuro. Sem melancolia, mas com memória e desassossego. Pois é o corpo aceso do poeta que se lança nesse jogo, nessa luta, nesse trabalho de luto: “um corpo aceso como o potente mistério que nele habita/esmagando entre os ossos/o sentido da urgência/de uma vida toda”.

Luís Inácio

Continuo tendo essa opinião. No entanto, é importante dizer, também, que Glashan não se filia a uma tradição que, para construir seus textos, pinça frases inteiras, trechos de diálogos, e dá a ouvir pedaços de conversas. Aqui não é essa a proposta. Na verdade, os poemas desta coletânea são tão entrecortados quanto o ritmo e a vida da contemporaneidade. O que a poeta seleciona em sua curadoria são unidades de significação mais breves: palavras e expressões curtas que aparecem em conversas, manchetes, poemas.

Assim, mais do que através da fluidez, muitos dos poemas de Mar de sal são construídos através do acúmulo de imagens que são referidas com brevidade. Em vez de se demorar ou degustar cada uma delas, os poemas agilmente nos puxam o tapete e nos lançam, sem demora, em um mar de imagens espessas. Por isso é um pouco desnorteados que nós, leitores, flutuamos sobre essas páginas.

“Flutuar” é um verbo que pode fornecer uma chave de leitura interessante para esta coletânea. Ora, quem flutua, flutua em que matéria? A resposta, em língua portuguesa, está no contexto. É possível flutuar porque se está sobre a água ou flutuar porque se está em suspensão no ar. E há uma diferença tremenda entre uma coisa e outra, mas, ao mesmo tempo, ao ouvir “flutuar”, adivinhamos certo “não tocar a terra a firme”, não estar com os pés fincados no chão. Pois bem: parece ser nesse clima de suspensão indefinida que Glashan encontrou caminho para sua estreia na poesia.

Lilian Sais

Eduarda aponta soluções para captar este tempo escorregadio, e nelas a boca é a ferramenta protagonista: o zelo dedicado em lamber feridas, a risada que quebra o infinito silêncio, a mordida na maçã proibida, a voz libertada no grito de um corpo em óbito, a fofoca propagada pelos canos hidráulicos de um prédio antigo. Tudo passa pela boca e nos deixa de boca aberta, com tamanha sinceridade escancarada.

Esta é uma obra que chega para narrar o que existe no entre. Entre paredes, janelas, guerras e festas. É no hiato que se celebra a saudade, a espera, o cansaço. É no hiato que se procura um colo pra chorar e se chora. É no hiato que o silêncio, por vezes, se instala e a gente o recebe como visita esperada.

Inspirada no sol em sagitário de Larissa, que espera agindo e descansa esperando, Eduarda, capricorniana, nos apresenta uma obra cheia de detalhes e miudezas de quem sente a vida com cada centímetro do corpo e olhos atentos. E para além de sentir, fala. Ela fala porque sua voz é adubo e suas palavras nutrem.

Ao final da leitura eu fiquei com vontade de morder a maçã. Como se Eva fosse uma água-viva que nunca morre e fez morada na Larissa, na Eduarda, em mim e que vai fazer em você também.

En esta mar de duda, eu recomendo o mergulho.

Aline Silva Nobre

Mário Bortolotto 

Desbravar horizontes ainda não imaginados foi o que fizeram os “colonizadores invasores”, invadidos na alma e no território, modificando modos de vida, adotando novos credos, descobrindo a cruz da dominação, imposição e capitalista opressora. Os povos já conheciam seu Deus, já tinham sua ligação com uma energia maior que movimenta o mundo e que fortalece a quem lhe busca encontrar. Deus para uns Nhanderú, Senerú, Tupã para os povos originários filhos da floresta.

O livro “A Invasão” do escritor Olívio Jekupé vem refletir com a gente sobre esse olhar agora partindo de dentro para fora, com as ideias de quem fala do seu espaço de luta, do seu território memorial, na sua simplicidade de aldeia que não busca complicar as ideias do leitor, mas questionar quem são os invasores e como proteger nosso ser dessa invasão. Será que a literatura não é uma forma de descatequisar o que já foi colocado em nosso ser como indígenas e não indígenas?

Deixemos que as palavras de Olívio Jekupé que é um pioneiro na literatura indígena fortaleçam em nós uma reflexão profunda de nossas ações e reações perante essa invasão ainda presente nas formas como somos abordados, nas ideias equivocadas de que “estamos nos aproximando da civilização e nos tornando humanos como os que nasceram em um outro lugar na urbanização das grandes cidades”. Que nos fale ao coração a literatura nativa de Olívio Jekupé e nos descolonize da forma que puder.

Márcia Wayna Kambeba

Ao entrar em contato com os dez contos que compõem DEDO NO CRU y GRITARIA, é possível descobrir qual literatura viceja nos bueiros mais sacrossantos. Qual linguagem lateja, reinventada, nos orifícios mais frequentados. Quais narrativas poéticas-prosaicas percorrem as peles e os pelos dos seres mais irremediáveis. Quais muralhas identitárias são dinamitadas com o extrato de fluídos que percorrem frequências antinormativas da existência.

Neste livro, é possível intuir as marcas de uma infinidade de autories desviades de outros tempos, somadas à essência inconfundível e atualíssima de Mercedes & Ga Rossetti, corpo dissidente que, flanando da sarjeta aos céus, conta histórias enquanto vislumbra tragédias e maravilhas.

DEDO NO CRU y GRITARIA apresenta rupturas e alianças que trazem à escrita novas tonalidades, a profanação dos limites entre os gêneros, bem como a absolvição e a possibilidade de criação artística pelo gozo, pelo sarcasmo, pela transformação, pela crueza das realidades retratadas e pela legítima expressão de vivências marginalizadas do nosso tempo.

Já na ansiedade pelas próximas empreitadas de Mercedes Sonsa & Ga Rossetti, espero que esse livro seja tocado por todas as mãos possíveis,

Cristina Judar

o amor é obsceno
às vezes ele surge com
sua lucidez pornográfica
entre a bruma da manhã
e o mormaço do meio-dia
é também amor tudo aquilo
que não julguei ser amor
o amor é uma inominável
fruta mordida (esquecida
num canto de geladeira)

aramyz é, sem dúvida, um desses grandes autores extremamente talentosos, cujas obras dificilmente passarão despercebidas, cujo desenho é, principalmente, retratar a figura humana. Entretanto aramyz explora infinitamente a luz e as sombras que, de algum modo, insistem imprudentes em acomodar o molde à superfície.

Flávio Moura

Se este livro fosse uma pessoa, falaria calão.

Estaria na boca do povo. De boca cheia. E numa esquina sangrada, com a língua bem solta, penetraria surdamente o reino das palavras à procura da poesia. Encontraria — arrisco dizer — na tensão entre criação e criaturas. Todas elas no feminino, no tato de quatro mulheres descobertas na e pela escrita. De vozes que lambem a (in)decência, regozijam no desejo e gozam nos insultos.

Se este livro se encontrasse com uma pessoa, ela estaria com água na boca.

E seria um verso erótico.

O prazer da deleitura, aviso, é todo seu.

Monise Martinez

A autora vê o intercurso como a encruzilhada entre ironia e lirismo: “Dois desconhecidos que estreiam o beijo e a foda serão sempre um par tateante num salão escuro”. Fala é feminino de falo, portanto o lugar desta prosa é ativo, operante.

Olivia ensina que gargalhar de/gozar com machos toscos é bem mais empoderador do que cancelá-los — como se depreende pela hilária história da moça de “Limite rígido”: a narrativa é de quem segura a caneta e bota a boca no trombone, mané. E segue o baile.

Nude expõe às entranhas as agruras e greias do tráfico contemporâneo de dick picks, packs de pezinhos e printscreens de pepecas, sem descuidar das nuances mais melancólicas dos amores que morrem mesmo antes do clique seguinte.

Transas com bonecas, amigos, amigas e inimigos, shibaris, ménage à trois, sacanagens intergeracionais e até com o próprio marido — como na esperta putaria doméstica de “Me fode com força” —, eis alguns motores das ficções breves da autora.

Se o amor só existe se declarado, o desejo só se arremata por escrito.

Ronaldo Bressane

Sua poética deita num transcorrer explícito, líquido e fluxo que dispensa confissões e penitências. Uma ousadia à margem das normas. Versa em desobediências!

Ignora a meia-luz! Desnuda hipocrisias e fala! Fala despudoradamente o que não precisa de pudor algum.

Ná Silva empresta arte ao traço que traduz rodapés de (re)existência! Digitais de escritas em teias fêmeas subversivas contra muros de silenciamentos.

Ana Luzia e Ná nos trazem, na coloquialidade que pressupõe qualquer prazer, a porta aberta de mulheres que derrubam muros e fazem nascer primaveras eróticas e fecundas na estação das sombras.

Erótica é a voz da pele de quem não se sabe caber, tampouco caber nas quatros paredes da página em branco. Erótica é a polifonia das fendas que não se amarram.

Por isso, Ana Luzia Oliveira e Ná Silva se derramam neste livro em total desconvenção. São por essência a vivência literária e artística do prefixo “des”. São a negação explícita!

Se vocês, leitores, esperam comedimentos dos sentidos, um alerta: não abram este livro!

Aqui é lugar de espelhos dos avessos! De mergulho em marés cheias de tudo. Poesia nua, crua, dona de si e de todas as fases da lua.

Néctares é alimento para almas livres! Início, meio e final de ciclos com as cores e dores de toda metamorfose-mulher.

A quem é de boa coragem, bem-vindes a este livro: é tempo de transformação e liberdade.

Renata Corrêa

Há textos que se situam em zonas limítrofes. Agarram-nos pelos ombros e nos arrastam àquele espaço sem forma onde sexo e morte são indistinguíveis. Esse é o território em que o erótico e o pornográfico se confirmam meras categorizações culturais do prazer, suas gradações decididas por aqueles que pretendem demarcar as fronteiras entre libido e pulsão.

Aqui, Jozias Benedicto se posiciona como os invasores bárbaros da ordem de Sade, Genet, Hilst. Os autores que rasgam a pele do biombo entre o permitido e o proibido sabem que o deleite do leitor não consiste em acepção voltada exclusivamente ao aprazível e ao gozo.

Benedicto é escritor e artista visual. Não é por acaso que a força imagética de sua escrita resida na exuberância da montagem, criando um mundo oscilante em que a Barra da Tijuca é um sinistro e sublime Jardim das Hespérides, mais do que pano de fundo, elemento central de discurso que vai se esgueirando pelas brechas para se revelar avassalando tudo. É composição em que corpos se entrelaçam como numa alegoria da consumição mais voraz da vida: jogo e caça, o painel de Paolo Uccello, mas também a doce e caprichosa melancolia dos piqueniques do Rococó amalgamando-se ao Triunfo da morte, de Bruegel.

Doze noites e seus trabalhos tem fundação no mito dos Doze Trabalhos de Hércules, de onde toma emprestado, para perverter, o mote da jornada do herói, e em 120 Dias de Sodoma, de onde reconstrói a progressão cíclica: é um livro que nos conduz sem fôlego por uma luxuriante tapeçaria pontuada por fetiche, volúpia, vertigem, síncope, delírio, ameaça e, finalmente, horror. Não sem deleite.

Léo Tavares

Ardente, político e anárquico, o livro todo é um diálogo de corpos-poemas tomados pelo desejo. Um tesão incessante em forma de poesias ousadas, para ser lido antes, durante e depois do coito de forma livre e sem vergonha!

Contra a caretice do sistema, gozemos!

Allysson Gudu

Bel Petri

Uma iniciativa encorpada de duas atuantes e ativas mulheres que traçam caminhos muito precisos em relação ao que querem, usando o traço, a palavra ou o olhar através das lentes para desenhar a militância que transborda e se forja no ar dos tempos.

O choque do real ampliado pelo encontro de Bianca Carvalho e Lais Pinheiro nos convoca a olhar nosso entorno pelo viés dos altos e baixos. Encarar de frente egos de andares altos, baixas ruas e orgasmos atrapalhados pelo capitalismo. Aqui não cabe subterfúgios.

Bianca, arquiteta nascida e criada em Vigário Geral e agora moradora do Morro da Conceição, e Laís, arte-educadora nascida em Bonsucesso e moradora da Maré, locais emblemáticos que desenham em seus corpos todo dia um mapa de força. É dessa partida que somos convidados a um passeio pela cidade onde o enfrentamento de espaços é ao mesmo tempo um tapa na cara, um abraço, um sacode, um grito, uma dança.

Bianca e Lais fabulam sobre um cotidiano perverso, mas abrem frestas desafiando a mudanças. Novas dobras em esquinas. Novas escolhas. Uma área poética de espera. Espera de esperança.

Ensaio sobre a Escatologia é

poesia-manifesto

poesia-deboche

poesia-cuspe

poesia-reverberação

poesia-cínica

poesia-flecha certeira

Que a bolha fure e espalhe essa escatologia urgente pelo mundo.

Valéria Martins

Este é o caso de Pedro, o protagonista dessa narrativa com extensão de novela e fôlego de romance. Contrariando os pais, que preferiam engenharia ou direito, ele optou pelo malfadado caminho das letras. Graduou-se, fez mestrado, publicou um ou outro artigo acadêmico que ninguém leu. E alguns livros de ficção, que granjearam um ou outro leitor e lhe fizeram cócegas no ego. No entanto, hoje, cinquentão, faminto, Pedro sobrevive desfazendo-se dos exemplares de sua biblioteca nos sebos da cidade e de uma ou outra oficina de escrita criativa, pois,  todo mundo, ainda que não leia, quer ser escritor. Pedro não acredita muito no que faz, e seus alunos mais inteligentes também não.

Um belo dia, convidado por um conhecido, Pedro vai visitar uma dessas igreja que transmitem a mesma mensagem moralista numa roupagem jovem e descolada. Pedro se torna um pastor promissor — ainda que sem fé, pois a fé é um quesito dispensável nessas igrejas. Assim, em meio a carreiras de cocaína, vinhos uruguaios e frases de autoajuda , Amém, miséria é um retrato fiel, pelas lentes da galhofa de um Brasil que tem tudo para dar certo, mas prefere flertar com o abismo. Leitura recomendada para aqueles que desejam uma luz no fim do túnel — e que não seja o trem vindo. Com efeito, toda distopia aponta para vestígios de utopia. E é esta que buscamos, como um negativo fotográfico, nas frinchas da obra de Marcelo Alcaraz.

Otto Leopoldo Winck

Heyk Pimenta

Isabela Equor

Pílulas sobre a quarentena é montado a partir dos pensamentos vertiginosos de um professor de arte e de história que procura reorganizar seu cotidiano entre aquilo que era, o que poderia ser e a proibição de simplesmente continuar. Com o bom humor e a ironia ferina de quem permanece enjaulado enquanto o mundo convulsiona, o professor perdido empurra o leitor em um túnel escuro que se transforma em labirinto de onde não é mais possível escapar. Um diário contemporâneo em que se compartilham flashes de pensamentos incompletos sobre um mundo sem respostas prontas, e que desenha a cada nova notícia outra possibilidade.

Acompanhar diariamente o desenvolvimento desse personagem complexo em uma situação impensada foi equivalente a participar do nascimento de um gênero da expressão artística por escrito. Literatura que pulsa, da melhor qualidade, dentro da despretensão sincera de quem redescobre a realidade a cada post, como uma criança que transita da empolgação ao desespero quase sem se dar conta. Agora, em formato de livro, faz de uma história de solidão contemporânea a reflexão viva sobre como sobreviver em um mundo doente.

Maurício Soares Filho

Esses são alguns dos bichos que nos olham das páginas de Alimária, palavra que significa “animal irracional” ou “besta de carga” e, por extensão, “pessoa estúpida, grosseira”. Os sentidos dicionarizados revelam mais sobre as gentes humanas do que sobre bichos. Foram elas que definiram outras gentes segundo suas funções no sistema econômico.

Vivemos ainda esse sonho de azar: capitalismo.

Mas a linguagem está cheia de tocaias. Aqui os poemas torcem os sentidos literal e figurado até que a gente compreenda: “ter minhocas na cabeça / sabê-la viva e adubada”.

Em Alimária, gentes de toda espécie dão seus recados. Assim como são as pessoas, são as criaturas. O Mendiguinho surge e ressurge cantarolando o fim do mundo e Zé Doidim avisa: te alui. Bois deliberam sobre a fome. O poema terceirizado anda de busão, enquanto o poema sério esquece de onde vem o marfim com que fabrica sua torre. Um verso gritará “iêi ô putaria” nas ruas de Fortaleza; correndo como Iracema, Geni anuncia docinhos azedados pelo sol. De algum lugar próximo, no tempo ou no espaço, uma voz aconselha: “é ódio meu filho ódio / ódio o que te falta no coração”.

Primeira queda do céu: o caçador se transformou em caça. E os xapiri, dançando para os xamãs no tempo do sonho, sustentam outro firmamento. Mas parte das gentes humanas se esqueceu desse tempo e segue destruindo os que não se enfeitiçaram pela mercadoria: segunda queda do céu.

Pobre bichinho esse que não sabe mais sonhar. Às vezes podemos rir dele, rir com ele, rir de nós mesmos. Riso nervoso.

Nesse mundo, o poema é o avesso da poesia: a alimária real está concretada nos muros da metrópole, como um fóssil.

Suene Honorato

Na mira de um século da semana de 22, esbarro na experimentação poética de Virgílio Magalde Azevedo, neste É proibido falar de amor. Começo citando-a não por acaso, já que o poeta carioca, em sua possibilidade e descobrir antropofágico, mergulha num desbocar linguístico que Oswald de Andrade nos escancarou há exatos cem anos.

Entre denúncias, protestos, piadas, Virgílio mescla vozes das primeiras gerações do modernismo, ao concretismo, neoconcretismo, geração mimeografo e outras tantas vozes deste hoje, a arquitetar o seu dizer. Em cinco partes (Tragédia, Comédia, Drama, Ficção Científica e Des-créditos), apresenta de forma ácida e aberta inúmeras nuances desses dias, interseccionando vozes – Drummond, Bandeira, Leminski, irmãos-Campos, Gullar, e este cearense que vos fala, cartografando dizeres inquietos às ruas, às redes (que apenas lá não cabem) e se espatifam por novos gritos, novos ditos, descortinando outras vistas – eis a poesia.

Afirmando ser proibido falar de amor, Virgilio teima, e fala, não de forma entregue, mas dizendo de seu mundo, de suas vistas, de sua cidade, de seus dias, de seus des-saberes, por cá, o amor é perene, brincando de esconde entre versos.

Mailson Furtado

A palavra esvaziada a ponto de bala. A palavra, fúria revolucionária concentrada. A palavra, vômito na cara dos canalhas. A palavra, ponte entre existências.

Todo poema é um ato político. Cada poeta, a seu modo, revela o jogo do poder e as marcas das lutas sociais de determinada época.

A era das manadas divide-se em três parte. Na primeira, o leitor é atropelado por um tropel plástico-perverso, o movimento de estouro de rebanho, tão poderoso que provoca a demolição de todo o ordenamento social. Reproduz-se o assalto ao poder por multidões instrumentalizadas pelo ódio, o símbolo maior da “ignorância ostentação”, a tropa de choque obediente a comandos espúrios, domesticada pelos donos do poder, avessa às ciências e às artes.

Na segunda parte, “Zona de abate I”, podemos observar o acúmulo de forças necessário à explosão. Das expedições nazibandeirantes aos capitães do mato; do exército de ustras aos bolas-patriotas; do genocídio de índios ao massacre de quilombolas, o gado foi engordando. Até ficar a ponto de barbárie.

 A “Zona de abate II” fecha o livro. Trata-se de pequena exposição do percurso inverso ao de manada, a luta por autonomia, a busca, às vezes desesperada, por oxigênio. E o modo brutal pelo qual muros, cercas, barreiras e governos liquidam as ilusões de liberdade.

A leitura deste livro é de extrema relevância para captar o modo pelo qual a poesia reage às provocações desse tempo obscurantista.

Karl Philipp Kamenzzof

Você tem agora em mãos Cartões de crédito para gastar no inferno — textos em ondas curtas.

Para utilizá-lo, você precisa desbloqueá-lo. Para tanto, vá passando e lendo as tantas páginas deste novo-velho livro, de novos e renovados temas, de Caio Junqueira Maciel, conhecido sonetista, ensaísta, trocadilhista, romancista, vasquista, contista, cronista, cruzili(ani)sta, artista: grande fazedor de artes em verso e prosa.

Cartões de crédito para gastar no inferno oferece verdadeira pletora de referências (notadamente bíblicas), não tributadas em 30 dinheiros, mas creditadas nos 30 textos que compõem este volume, que, aliás, quase de cara, logo após o “prefácio”, já se inicia com o título “Proibida a entrada nas entranhas do Paraíso”, e termina com “O desmonte do Presépio”.

Nesses Cartões de crédito para gastar no inferno, vicejam a irreverência, o chiste, o lúdico, a anedota, mas, em meio — ou 2/3 — a isso, nesse tempo que se encontra partido, repartido, polarizado, em que símbolos obscuros voltam a se multiplicar, como já nos alertou Drummond, há a crítica incisiva, por vezes sisuda, contumaz e não raro mordaz. Como escreve um tal Bonifácio Acácio, no prefácio, o livro apresenta temática recorrente: “incomodar, assustar e até agredir a [incômoda] comodidade burguesa”.

Mas chega de cera nesta orelha! Como também escreveu Drummond, ela pouco (ou nada) explica. Melhor mesmo é ler esse autor — “espalhador de palavras”.

Bem-aventurados os que agora açambarcam esses Cartões, pois neles serão bem embarcados e abarcados de sempre boa e prazerosa viagem pela literatura, organizada e praticada por Caio Junqueira Maciel.

Gilberto Xavier

Há um texto da escritora Conceição Evaristo. Chama-se “A noite não adormece nos olhos das mulheres”. É um poema que não me deixa dormir, escrito por ela em homenagem à historiadora, roteirista e poeta Beatriz Nascimento. Duas forças que nos atravessam com o poder convocatório que só a poesia encarnada é capaz de fazer. Essas duas mulheres são assim. Escrevo aqui pensando no encontro entre mulheres em atos criadores. São tantos, inclusive invisíveis, do tipo que permitem que o mundo continue existindo. Não precisamos gritar, embora possamos. Nós agimos. Tem sido assim. Realizamos, nós mesmas, entre nós, mas servindo ao coletivo. Há alguns anos, fui convidada para falar em um evento chamado ZONA lê dramaturgas, organizado pela dramaturga Maria Giulia Pinheiro. Ali, conheci colegas e fiz amigas. Tratava-se de um evento com dramaturgas falando sobre seus processos de criação. Algo tão raro, que todas realizamos falas entusiasmadas. Não porque não falássemos antes, mas daquela vez, veja só, a sensação era de que, finalmente, estavam mesmo nos ouvindo. Depois que você conquista a sua voz pública, não consegue parar de falar. Porque ouvimos muito, há milênios estamos ouvindo e falando sem escuta, mas sem perder o ânimo. Aparentemente, este livro apresenta os trabalhos de um Núcleo de Dramaturgia Feminista INDEPENDENTE, que reúne mulheres com o objetivo de ler, debater, refletir e criar dramaturgias. Mas, na verdade, esse núcleo é uma incubadora de vozes públicas. Porque nascer sem dor é quase impossível, por isso um ambiente acolhedor e amorosamente rigoroso se faz imprescindível. Intuo que esse Núcleo seja assim. Audre Lorde, uma das autoras estudadas por elas, nos lembra que “o silêncio não vai nos proteger”. Por isso, estes textos aqui presentes são uma espécie de Caixa de Pandora aberta em pleno século XXI, em que a esperança, de fato, pode ser o grande mal liberto, uma vez que o excesso de positivismo também mata. Por isso, é importante ler dramaturgia, textos criados a partir de um exercício de encontro com outras forças, tabus, segredos, malefícios, mentiras que sempre esconderam grandes verdades. Há lugares onde a fragilidade constrói força. A escrita é um deles. Que possamos ouvir estas vozes, cientes da importância do lugar que elas criam. Ouçamos. Falemos.

Dione Carlos

Em 2014, um grupo de nove artistas mobiliza-se a residir durante três meses nos arredores da Alfinete Galeria, na cidade de Brasília. Essa investigação-vivência entorno da galeria desdobra-se em muitas paisagens, um processo-território tecido por escritas, imagens e afetos que resultam em uma exposição, um livro e em um grupo de pesquisa, o coletivo Vaga-Mundo: Poéticas Nômades.

A presente publicação de Grand-Tour, este diário de bordo / livro de artista / relato de viagem, permite que o que outrora fora um exemplar único sonhe-se múltiplo e possa dispersar-se por todos os cantos (não seria essa sua [con]vocação?). Afinal, o encontro com um livro, tal como com uma paisagem, é sempre fortuito, sempre um acontecimento feliz. Diz-se “paisagem” como quem diz “encontro”; a leitura e a viagem são cúmplices nessa poética do deslocamento.

Ao abrir esta estratigrafia de páginas, enuncia-se e engendra-se uma viagem em múltiplas espessuras. Deve-se sempre tatear um livro, sentir sua sutil aspereza, sua superfície fibrosa, e trazê-lo à fronte, até sentir seu aroma, até fazer da leitura um exercício de vertigem. Toda página prepara horizontes na cisura de sua encadernação; toda noite do livro sonha-se à aurora da leitura.

Este livro é, por fim, um convite e uma convocação: podemos também viver na aventura de um nomadismo poético, podemos também habitar essas topografias imaginadas no tempo de sua contemplação. Desvelar, da leitura, sua condição de vaga mundo: virar a página, viver distâncias, quem sabe voltar.

Um convite generoso: habitar o entorno, estar junto, redescobrir-se no deslocamento.

Boa leitura!

Boa viagem!

Bom encontro!

Final de abril, início de maio, 2020. Estávamos lendo Antigonick de Anne Carson — a sua tradução para a Antígona de Sófocles — enquanto o Brasil vivia o início da sua experiência catastrófica com a pandemia do coronavírus.

Os curtos-circuitos que Anne Carson promove na história da recepção de Antígona e sua tentativa de correspondência entre o real e o ficcional (Carson faz uma carta endereçada à personagem; o grito de Antígona chega aos nossos ouvidos) fabricaram a energia que desembocou no desdobramento de nossa leitura em uma série de cartas: para Antígona, para a sua irmã, Ismênia, para Hêmon, mas também para amigos e familiares, contando da tragédia, tentando conversar sobre a necessidade de se enterrar os mortos.

O que estamos fazendo aqui? Alguma coisa híbrida, mas não sabemos bem o que é.

Antígona (agora nós também estamos falando com você), você foi enterrada viva enquanto ainda estava gritando, e nós estamos encostando os ouvidos no chão.

Leila de Carvalho e Gonçalves

A frase, que soa indiferente para as crianças, desperta inquietude a medida que crescemos e procuramos algum sentido nela. Julio Cortázar intitula assim um ensaio publicado em Ultimo round, onde trata do erotismo na arte latino-americana. Para ele, em uma viagem teórica que é um manifesto à vida, disso se trata:  abrir a porta para ir brincar.

As Bruxas de Blergh sabem abrir as portas para ir brincar, entre nervuras de palavras e peles, atacam, com humor, bispos e machos alfa, os alvos móveis deste tempo de horrores e vão escancarando portas numa constelação de signos toscos porém palpitantes.

Maria Angélica Melendi

Marília Panitz

A declosão-do-Mundo começa aqui dentro… Declodir o olhar como experiência de abertura, retirada e destruição das molduras e enquadramentos criados pelo Mundo-Branco… Derrubada das cercas e retirada das clausuras.

Inventar molduras que transgridem e ao mesmo tempo quebram a lógica de repetição do olhar hegemônico colonizador. A arte de mostrar e esconder sem fixar a imagem dos corpos, interromper a narrativa que cristaliza e persiste durante a História. Pois, conforme Jota Mombaça e Musa Michelle Mattiuzzi, “a visibilidade é uma armadilha e a representação é um beco sem saída”. Recriar as nossas existências, inventar rotas de fuga em meio às múltiplas lógicas de capturas.

Por sua vez, as insurgências e revoltas ao longo da história do Brasil nos conta dos Malês, dos guerreiros Tupinambás, Anacés, Tupiniquis, Cariris… Os protestos espalhados pelo Brasil nos últimos dois decênios revelam as múltiplas faces do poder, da dominação e das formas de resistências por meio dos enquadramentos das teleobjetivas, angulares, macro, olho de peixe, olho por olho… Comprova, inclusive, que o monopólio da violência-legítima e simbólica é Branco. E que a noção de ‘não-violência’, por sua vez, é uma criação da situação colonial. O Mundo-Branco como essa força motriz colonial-capitalista-heteropatriarcal inventora do Outro.

Uma das funções da violência colonial no Brasil contra corpos-negres, dissidentes de gênero e empobrecidos sempre foi, por um lado, esvaziar o passado e impedir seu futuro por meio de floreios e perspectivas românticas da negação de sua verdadeira face genocida e extrativista e, por outro, perpetuar o desejo de exploração e a tentação de eliminação de populações inteiras. Ela se manifesta, inclusive, por meio da noção de ‘não-violência’ — face colonial onde a “paz” mais parece ter a forma de uma “guerra permanente”. A produção da vida, portanto, só pode surgir do cadáver em decomposição do Mundo-Branco.

A violência-emancipadora é a forma que os corpos-encurralados têm para responder às imagens coloniais reencenadas na contemporaneidade: lógicas dos Navios

Negreiros, da Plantation e do Cativeiro. Nas palavras de Achille Mbembe, a violência-emancipadora trata-se de “dar a morte àquele que se habituou a jamais a receber, mas a sempre a ela submeter outrem, sem limites e sem contrapartida”. É preciso impor, por meio da violência, uma redefinição e distribuição da morte. Ainda assim, a violência-emancipadora não estabelece uma simetria de poder entre os corpos, mas abre possibilidades do sujeito historicamente prostrado erguer-se por meio daquilo que Frantz Fanon chamava de “práxis absoluta”.

A inauguração de uma vida possível no em-Comum: o fato de sermos cada vez mais convocadas e convocados à questão central de nosso tempo: “abrir-se ao outro sem asfixiar o eu mesmo”, como nos desafia Édouard Glissant. A possibilidade de um bem-comum passa pela inevitabilidade da violência como um dos fenômenos da descolonização material, portanto, relacional deste Mundo-Branco que separa “nós” e “eles”.

Cada fotopoética contida neste livro é um elogio aos quadros em declosão, um exercício cotidiano de um olhar-opositivo. É uma rasura e uma brecha possível na afirmação insurgente de uma pluralidade e a necessidade de borrar fronteiras, habitar encruzilhadas com fogo e lentes. Enquadrar sem fixar. Fotografar constitui, ainda, a ação de pixelar os mosaicos das múltiplas trincheiras de luta e ao mesmo tempo aquarelar os rostos, deitar água como tática de desaparecimento e sobrevivência às miríades formas cotidianas de enclausuramentos.

Rômulo Silva

Onde é que a língua torce? Quem falou primeiro? Quem segura o lápis? Paula retorna ao gérmen das estruturas de opressão para encontrar em que ponto a engenharia patriarcal começa a se reproduzir. Em qual bifurcação perdemos a mulher? Qual foi o mito original que aprisionou a deusa? Qual foi a oração que sacralizou o hímen? É no manancial da história que o lirismo de Paula busca embalo para correr solto. É chafurdando a origem das palavras, se perguntando a origem das imagens, recorrendo às fundações, que Paula pinça os símbolos que deseja subverter, preenchendo sua poesia de imagens profanadas e impossíveis.

A metáfora da água como símbolo do feminino também é pervertida nesses versos: a água que corre não é a imagem romantizada da mulher como um rio, mas a imagem da água suja do bueiro obstruído. As águas em Cabra marcada para morrer são as águas poluídas de séculos de repressão e de incessante violação de um ecossistema. Mas a poesia de Paula nos lembra de algo crucial: se essas águas imundas estão confinadas nas tubulações de aço ou de plástico (atrás de todas as paredes de todos os prédios), se essas águas imundas precisam de uma estrutura pesada de ferro para serem contidas (debaixo de todas as avenidas), é nessa contenção que elas também encontrarão força para romper o cimento e o asfalto. E explodir. Paula Dias Conrado

Ao transver o mundo, Gabriela dá legitimidade e força a tudo que pede passagem e, assim, nos convoca a honrar o que nos atravessa e o que é em nós travessia. Ao conhecer precipícios e percorrer labirintos, chega à borda de seu corpo-território. E dá de presente, a nós que estamos do lado de cá do espelho e passamos para dentro dos seus textos, o compartilhar de um percurso existencial que busca o encontro consigo mesma, mesmo que nunca a mesma, numa viagem de volta a um mundo de singelezas. Neste percurso, ecoa uma voz — imperiosa — que vem de longe. A partir daí, tudo passa para dentro, por dentro. Nesse encontro almado, saímos todos ganhando: ao mesmo tempo em que somos chamados a testemunhá-la por meio de suas narrativas poéticas, vamos sendo legitimados em nossas experiências mais profundas, invisíveis a olhos desatentos.

Gabriela possui uma estranha lucidez que parece estar a serviço de um chamado a olhar e ver, a viver sem anestesia os desenrolares dos fios da vida e os traduzir. Ninguém melhor do que ela sabe nos contar daqueles momentos em que, num piscar dos olhos cotidianos, a vida se recolhe ao profundo de si e não é possível mais apreendê-la. Estados limiares que fazem de nós habitantes da orla da vida, momentos em que se abalam nossas afetações identitárias. Partida do ser. Angústia do ir-se des-tecendo. Êxtase por tocar o invisível da vida, com todos os possíveis devires. O instantâneo da metamorfose do desejo e do olhar.  Gabriela faz com que a solidão desses momentos indizíveis seja muito bem acompanhada. De presença e palavras e sentidos. É desse caldeirão que sairá tudo que fundamentará outros mundos possíveis. Mundos onde se existe. Plenamente e com força. Gabriela Ruggiero Nor

Carmen Livia Parise

Para todas as ninguéns
que já foram cerne,
raízes e troncos fortes
Para todas as flores, frutos
e alguéns que só foram possíveis
com as regas do passado
Aqui, a junção de duas ninguéns
que combinadas seivam
fortes potências e afetos
e alguéns Laís Auler e Lívia Auler

“A arte é um grito de desespero” escreve Daniel Ribeiro. Num livro chamado “Haja haja!”, um verdadeiro grito de guerra: cada um com suas palavras, temos aqui vozes  que clamam e pouco a pouco, um de cada vez, vamos nos sentindo parte do roteiro: é impossível estar só em poesia, é impossível não ouvi-la cada vez mais alto: “não estou sozinho. não estamos.” nos lembra danilo crespo.

O conjunto é atual e se faz presente: enquanto vivemos um momento de lonjuras e telas de computador, o coletivo Com Versar se une e nos traz para dentro dessa união sem desobedecer nenhuma regra de distanciamento social. Quando podemos perceber o caleisdoscópio de palavras que se forma, é notória a riqueza de vida que nos rodeia: “a que será que destina o peito aberto?” indaga Jaci Carioca Sampaio. Ora, o coração do outro, o de Pedro Lopes, é “um enorme leão” que ruge e o meu ruge junto.

Haja haja! é uma celebração da fartura do que nós possuimos mesmo que isso signifique desespero.  A materialização de uma potência muitas vezes esquecida numa gaveta. Poderia ser nada, é muito mais fácil ser absolutamente nada, nunca ter existido. E, ainda assim, fez-se tudo: a risada e também a profunda reflexão. É claro: “precisamos daquilo que faz doer” aponta  Alex Moura, afinal, “a vida é um sopro” já nos disse Cecilia Guimarães no primeiro poema do livro.

Poesia. Resistência. Vida. Calar-se jamais.

Haja haja!

Henrique Fonseca

Do olhar entre cortinas, vendo hibiscos florescendo (Araci) ou o azul do céu, o verde das árvores e o canto dos pássaros (Shirley), clamam por verdade e justiça, ao mesmo tempo em que querem afago e flor para amenizar a dor (Maristela).

São poesias que falam de heroínas violadas, com a alma encharcada do oceano dos olhos (Rita), e que tiveram seus sonhos siderais interrompidos (Elciana), tal como Medusa, bela sacerdotisa grega que, por ceder aos assédios de Poseidon, recebeu como castigo transformar em pedra quem ousasse para ela olhar (Susan).

Os seus poemas escancaram a luta incessante pela liberdade, pela busca ao respeito, ao mesmo tempo em que revelam a suavidade da alma das mulheres, que cantam nas asas da poesia (Rosa), e também a sua força e determinação. Seja Verônica, a amazona leviana, que arrisca a sorte sobre um cavalo em disparada (Dani), ou a diva, que joga os tamancos na parede e canta, desafiando o seu homem (Rosana).

Num tempo em que desaprendemos o sabor dos abraços, umas aprendem a fazer pão (Neysi); outras são donas de casa “com orgulho”; e ainda há as que sonham com o príncipe encantado, enquanto lutam pelos seus direitos (Francine).

São mulheres que plantam sensibilidade, acertam e erram (Laura), mas não desistem nunca de resgatar a deusa que existe em cada uma (Carla).

Nanci B. de Lara Reis

Dois anos atrás, os brasileiros Anderson Antonangelo, Vitor Varella e Taynnã Santos encontraram-se num bar da cidade de Braga e fizeram de uma epifania pedra fundamental, materializando ali o que como tríade já eram: um coletivo. Impulsionados os três pelo fôlego do encontro, foram com olhos atentos, e mãos dispostas, forjando o Sinestéticas; já de pronto perceberam a urgência de intersecção com outras vozes, outros compassos, indo além da combinação que o termo que os nomeia prescreve.

Logo o trio de brasileiros deu por estar num tecido conjuntivo maior: uma miríade. Em apenas dois anos, foram publicados na página do coletivo trezentos textos de artistas de distintos continentes, que mesmo com a distância física uniram-se pelas artérias digitais, e a ideia de uma antologia era nelas cada vez mais irrigada.

Agora, através do reconhecimento da Editora Hecatombe, o Sinestéticas vê viabilizada a Posfácios, antologia poética, uma publicação internacional que traz textos inéditos de nomes que nossos olhos e ouvidos assimilam facilmente, bem como as produções de autoras e autores cujos nomes e expressões começam a se fazer ouvir, mais, a partir dessa reunião de textos. Que neste tempo de obstruções emulemos a natureza das antologias, sobretudo organizando e ativando nossos membros: veja o exemplo de um poeta brasileiro de dois séculos atrás, que num verso lapidar já convidava a toda a gente a apedrejar mãos vis.

David Medeiros

A leitura adulta de experiências de infância, o cerceamento ao redor da construção de uma identidade feminina, redes sociais e o fazer poético: seção a seção, nada escapa à autora cuja imaginação passa por deduzir que baleias poderiam dirigir de olhos fechados até chegar à conclusão de que toda imagem é um lugar do qual falamos sempre em língua estrangeira.

A baleia amarra os temas do livro, de solidão a autoimagem, enquanto poeta e poetisa se preparam para um duelo de repentes. Da soberba do vinho à crueldade das dietas, este livro é lugar de clamar que o mar tem fim, sim, e discutir o preço da morte e da vida.

Leandro Rafael Perez

Na Feira do Livro de 2010 em Porto Alegre, ela foi presa pela Brigada Militar sob a vaga acusação de perturbar a ordem pública durante uma performance. No dia em que a prenderam, disseram que ela não tinha, que não era, que nada tinha sido, que ela não tinha nada. Ela era um corpo, um obstáculo que perturbava as compras e as vendas na Feira do Livro.

Escoltada por dez policiais e duas motocicletas, ela foi presa. As câmeras apontaram para ela como as escopetas que impediram sua liberdade.

Essa prisão, mais de dez anos depois, ainda permanece. O dia que nunca terminou, cercado de leitores de bestsellers, aqueles que têm um teto sobre suas cabeças, poltronas confortáveis, que se perguntam que crime ela cometeu, porque se ela foi presa, deve existir uma razão.

Ela “atrapalhava” a Feira, porque estava numa casinha de cachorro, sobre um cobertor vermelho onde havia livros. E um cartaz na entrada da casinha: “Não alimente o escritor”. Onde a escritora estava acorrentada, tão rodeada de liberdade e espaço, de literatura, de papéis pintados, no meio da praça. Então a levaram.

E essa prisão foi a continuação, não o fim do espetáculo. Tinha começado muito antes, quando ela começou a produzir arte, poesia.

Aquele dia continua, e vem de sempre, como agora. Vem da liberdade ilusória de falar e de ser ouvida quando ela tenta dizer que o show acabou, para que eles possam ir se refugiar em seus best sellers ou votar em Bolsonaros.

Esta prisão é a da artista e sua obra, de sua atitude e seu significado. Está também presente neste livro, nesta poesia livre e agredida, como a vida. Nestes dias em que uma mulher é presa a cada momento. Nestes tempos em que a liberdade é poesia, na performance de uma existência plena, livre e solidária. E neste livro.

Fernanda Melchionna

por onde percebo esse mundo lascado,

das dores doídas,

dos amores amados,

dos sorrisos escancarados,

e das lágrimas fazendo sua rota pelo rosto.
preta,

marcada,

trajada de histórias,

minhas e de outras,

de um corpo que não termina,

nem começa aqui.

dessa pele que,

por hora,

cobre 1,62 m

das cutículas finas aos lábios,

os dois.
vejo pela pele,
escrevo pela pele.
sinto pelos poros,
e sem culpa.
sinto muito,

e isso nunca foi uma desculpa,

porque a flor é a pele.

Canções de outrora abafadas pelo barulho da contemporaneidade. Maria Lucas escutou as vozes ancestrais e contou a Ela, afetando-se-lhe.

A sagaz escritora confere a Ela uma capacidade ímpar de compreender o quanto de subalternizante pode haver em atos aparentemente gentis da cisnormatividade. Ela pergunta a quem a lê: quais são os limites da sua sororidade? Até que ponto não se resume a um gozo ante à dor alheia? O que significam “casa” e “família”? Por que o sofrimento afligido a esta corpa lhe importa menos do que a uma mulher cis? Por que você fala em amor mas a deseja apenas como objeto sexual?

Estas não são questões exóticas, são universais. A fábula fala de ti também, não importa a sua identidade de gênero, mas qual papel você encena? Gênero são óculos que foram colocados no rosto de todo mundo, mas poucos sabem que o usam.

Através de quais lentes você enxerga o seu próprio mundo? Um microscópio que nos reduz a bucetas e paus ou um telescópio que nos alcança nas constelações?

O fato de estar cercada de artistas de forma alguma a isola da transfobia ou lhe garante um abraço. Ela denuncia o sonho da oprimida em se tornar opressora, porque se sente melhor ao pisar na travesti, que considera menos mulher.

Mas Ela não é minúscula e Maria Lucas é uma estrela! Nestas páginas você não conhecerá um falso brilhante, há substância nestas linhas. Gritos de liberdade. Resposta amorosa ao mar de ódio que tenta nos afogar.

Ela não abaixa a cabeça para falsas acolhidas, parte da casa assassinada. O que lhe prepara o futuro? Este livro não responderá, Maria Lucas tem muito mais estória do que cabe na prosa. Evoé.

 Jaqueline Gomes de Jesus

Utilizando-se da intervenção fotográfica, a artista revela em seu trabalho aquilo que as estatísticas por si só não evidenciam, uma aproximação inevitável daquilo que não quer ser visto.

É doloroso e assim se apresenta porque é preciso.

Além de Pieces, outro projeto visual integra a publicação: Descartografia.

Trazer questões interligadas ao passado e presente, entrelaçando gênero e território: o tema aqui são as fronteiras, marcadas para que exista lá e cá, um e outro.

Por trás de todo mapa há um interesse, e a maioria deles serve ao poder, para conduzir cultura, política e economia. Da mesma forma, gêneros que foram criados para delimitar, produzem o mesmo efeito dos territórios, criam margens.

Descartografia é um impulso para afastar o que nos limita.

Importa mais contornar a experiência. Talvez quando a realidade chega chegando, impactando com intensidade – quantas festas! –, haja um movimento vital do corpo para nomear, transfigurar-se, expandir-se como palavra, imagem: este livro de poesia, encharcado de sensorialidade.

              Há tantas instruções, regras do jogo, listagens dentro dos poemas. Se as enumerações e ordenações não servem para hierarquizar, como elas funcionam? Talvez seja para colocar à vista, como em um altar – o altar do que vibra, do que canta. A lista, essa artimanha primeira de organizar a informação, reinventa o redemoinho; faz uma arrumação lúdica, convida a um jogo de composição e de liberdade. Não são listas pragmáticas; são brinquedo de botar abaixo a diferença entre ordem e desordem, para friccionar e mapear os sentidos e os significados.

   No itinerário percorrido, dão-se as mãos memórias de infância purulenta, cidades do presente e do passado, imaginárias ou de concreto, famílias de sangue e de purpurina, vivências formativas de tantas festas diferentes.

              Eu contei: vinte festas por assim dizer manifestas, cento e setenta e duas disfarçadas. E veja que exclamação não se faz por acúmulo quantitativo: pensa o estrago de um beijo, de uma fogueira, de olhar um mar, de banhar-se em um rio, de um só amorzinho. Então a quem pergunta quantas foram as tantas, tantas que fiz, que faça parecido com o que sugere o poema de Alda Merini para a contabilização de seus amores: “(…) olhe/ nos bosques para ver / em quantas armadilhas ficou / meu pelo”.

              Da mesma maneira orgânica com que a criação de uma autora conversa com a da outra, transbordante, dentro dos poemas há a incorporação de canções, diálogos, outras vozes do mundo que se integram nos versos, formando música própria. O caleidoscópio, no movimento dos versos encadeados, traz motivos que retornam ao longo do livro sob diferentes prismas. Cenas, temas, emoções, objetos, relações.

              Quantas festas? Esse título não se identifica por uma pergunta, mas uma constatação. Uma afirmação. É a vida, meu bem. Uma “resplandescência que jamais cessa”. Christyne Gryschek e Juliana Maffeis

Moema Vilela

]]> https://editoraurutau.com/titulo/quantas-festas/feed 0 https://editoraurutau.com/titulo/tramoias https://editoraurutau.com/titulo/tramoias#respond Mon, 19 Apr 2021 13:50:49 +0000 http://editoraurutau.kinghost.net/?post_type=product&p=5839 O primeiro tear mecânico, inventado em meados do século XVIII, foi batizado de Spinning Jenny. Nem a máquina nos deixa esquecer da forte relação que existe entre mulher e trama. Antes de sua invenção, os atos de fiar e tecer sempre estiveram nas mãos de mulheres. Para os gregos antigos, o fuso e a roca eram uma imagem do Cosmos: as Moiras teciam a vida de cada indivíduo na Roda da Fortuna, passando pelas etapas essenciais da existência – do início ao seu fim. Além disso, tecer era um meio de comunicação, pois na sociedade grega não se dava a palavra às mulheres. Silenciadas, elas teciam.

Etimologicamente, texto quer dizer tecido. A mulher que tece não somente escreve, ela cria a si mesma, conta sua própria história. Natália é uma moça tecelã que, como no conto de Marina Colasanti, tece seu próprio destino e se recusa a ocupar a posição de obscuridade relegada às mulheres durante séculos. Tramando suas linhas, ela expõe o lado avesso da História, escrita nos bastidores (como o avesso dos bordados).

Tramóias é um conjunto de poemas sobre mulheres e linhas, sobre (r)existência feminina na tecitura. A trama é o lugar da lembrança, do registro de uma passagem, de uma vida, feminina acima de tudo e além de tudo (inclusive da história com H de homem).

Há múltiplas formas de se fiar uma trama. Assim como há inúmeras formas de se devir mulher.

A aranha vive do que tece. Vê se não esquece. Natália Rezende

Rachel Leão

O que é esse teatro, o que são essas falas, o que são essas vidas? Qual o sentido da colcha de retalhos? Apesar da luz vermelha, apesar de todas as aparências, “isso aqui não é bordel”, adverte uma voz repressora. Então é o quê? Uma casa também não, mas, mesmo assim, “eu a chamo de mãe”. Marte

Marcos Natali

Será?

Os contos de Marte Wirthmann, neste Neuroses de bolso, relativizam a afirmação de Cortázar. São contos escritos linha a linha, com extremo cuidado na escolha de cada palavra, com extremo cuidado quanto ao lugar de cada palavra escolhida. Assim, quem pega estas páginas não sofre uma derrota, mas se enreda linha a linha, como num poema — ou como numa luta vencida por pontos.

Devemos advertir, no entanto, que não se trata de prosa poética. Todas as fichas são apostadas na força de captura dos acontecimentos, dentro ou fora das personagens — às vezes no tênue embaralhamento entre o dentro e o fora.

“Olhares me invadem ao caminhar pela avenida e não sei se sou mentira ou invenção. Prefiro abaixar a cabeça e acompanhar as rachaduras da calçada.” As rachaduras da calçada são uma metáfora da fragmentação de quem não se sabe real ou invenção, verdade ou mentira, e, simultaneamente, elas compõem a imagem de uma cena cotidiana, quase banal. Pode-se afirmar, aliás, que esse é um procedimento corrente nos três contos: fazer do rotineiro, do banal, metáfora para o que é subjetivo e de apreensão mais sutil.

Vejamos mais um exemplo: “Sinto uma textura pastosa e árida entre a língua e o céu da boca, como o pequeno deserto de um planeta distante”. Acordar com uma espécie de deserto pastoso na boca é a descrição do despertar num dia qualquer de cansaço e, ao mesmo tempo, metáfora que torna sensorialmente acessível (pela imagem) as porções de solidão que deixam “os ossos retorcidos”.

Mas e o conteúdo? Do que se trata um livro chamado Neuroses de bolso? A resposta caberá a quem se deixar  apreender por estas páginas. Apenas dois spoilers: são histórias de pessoas que se encontram e se desencontram “sobre as irregularidades de um céu rachado”; ou, ainda, são histórias sobre pessoas tentando encontrar uma casa no mundo, lembrando que “casa é a aflição na ponta da língua ao esquecer uma palavra”.

Wesley Peres

“Desobrar-se” é um convite ao desmoronamento de si; e na língua de Maria Eduarda, desobra não se substantiva, é sempre ação: desobrar-se. Sustentar-se mesmo que na queda, fazer-se asa no precipício.

Os versos que você encontra neste livro des-obram institucionalidades violentas: corpos compulsoriamente medicados — vertidos em hospícios privados – corpos trans aniquilados na média dos 35 anos.

A minoridade na qual se lança quem não se adequa às performances hegemônicas. Para quem o recalque e a fetichização não são recursos suficientes e, por isso tem o desejo interdito, psicopatologizado.

Este livro é uma clareira aberta, fogo aceso, copos cheios, faz-se música: convida. A língua aqui é manejada como território de encontro possível. De uma alegria selvagem, porque o possível no qual se chega entrelaça a dor e o prazer de entregar-se.

Espaço de autopoiesis. Para corpos que, mesmo comprimidos, não se engolem em jejum, com água parada de um copo dormido na cabeceira, para não sentir, dor, angústia, tesão, medo, gozo.

“Desobrar-se” é constituir-se na própria implosão. Implosão que não acaba em entulho porque pousa no mar. “Perto do mar, longe da cruz”. Os destroços, estilhaços: flutuam. São ilhas, continentes, todo um planisfério a devir.

A língua deste livro se desdobra, percorre tantas, tão variadas topografias. É uma língua picotada na língua materna. Plural, arde como língua geométrica: “po(ética)”.

“Desobrar-se” é uma dança, é assumir a minoridade, defender a minoridade, exercê-la em sua máxima potência. No poema “Cuira-te”, queer é verbo e cuirar-se é um compromisso ético.

Fazer-se “um corpo de repúdio” e de gozo, frente à ira tosca dos que se gastam convertendo o desejo em pedra; para se compor muro nos edifícios brancos da heterocisnormatividade.

Este é o convite, “cu(i)ra-te”. Suporta o credo e delicia-se.

Juliana Guida

Bruno Novaes

Que barato essas personagens que Éster nomeia desde o título com esses nomes que estão na boca do povo – Kevin, Vânia – ou não estão – Ayla, Malliá, Proteu.

Que barato esses excrementos que agitam como dizendo à leitora: agite seus neurônios antes de usar porque são e não são coisas quaisquer! São coisas quaisquer porque são palavrões tomados como palavrinhas comuns. Não são coisas quaisquer porque valem ouro ao provocar o leitor até o último fio de cabelo da virilha. Éster Wolff

Já faz um bocado de tempo que algumas cabeças psicanalisadas puseram merda e ouro, excrementos e capitais em relação. Ambas são formas de excretar, de dispender e de gastar em troca de alguma compensação (ou não). Ambas – fezes e dinheiros – são veículos de metamorfoses cotidianas que incidem seja sobre nossas carnes-ossos-e-buracos, seja sobre as voláteis-ficções-de-estratosféricas-cifras.

Fantásticos excrementos como coisas quaisquer: três relatos doces e salgados, perfumados e pestilentos, eróticos e pornográficos, fantásticos e excrementícios ao mesmo tempo.

Deleitem-se na leitura, também, pelo tom de conversa alegre, pelo multicolorido da linguagem, pela perversão humorada, pelo saber e o sabor das vísceras e dos orifícios de uma pá de corpos virados ao avesso.

Contra, vigorosamente contra o horror destas eras mórbido-fóbicas, a potência e a graça das escrituras mais livres que se possa conceber.

Joca

Ela não parecia estar triste, apenas entregue a um fluir interno. Tentei racionalizar o momento, mas no fim das contas o que ficou foi algo intenso, uma coisa que nenhum poema é capaz de fazer sentir.

Neste Marejar, Pech me levou a um itinerário de rituais alquímicos. Segui intensidades corporais e fluxos subjetivos de uma poeta-performer que parece desejar diluir a dor de um amor sem final feliz, e acaba reconstruindo a memória dessa relação.

Ao acompanhar essa busca, conheci fragmentos de memórias do amor

entre duas mulheres, sempre mediado pela água.

Tive acesso a fluidos corporais – pequenos potes com lágrimas, inclusive em decomposição —, excertos de um rio, água da bica com sal, fragmentos de espelho, água potável de uma cidade mineira. E descobri que essas são águas mágicas, que contêm intenção e sentido, levam em si diferentes potências e podem ser recombinadas.

Marejar é um livro íntimo, sensível e forte. Deve ser lido por todo mundo que está à procura de um bom livro de poesia contemporânea. Mas as pessoas que sobreviveram a um amor que naufragou – será que todos nós? – vão particularmente se identificar.

Letícia Féres

Meu querido poetinha de merda,

Que coisa feia estás a fazer! Nunca pensei que um amigo de minha sobrinha Ana Filipa Seabra, proprietária do “Absalão”, fosse capaz de escrever tantas asnices! No outro livro, Pele de jabuticaba, percebi críticas aos os que caçam veados, atividade tão enraizada nas famílias mais tradicionais. Agora vens criticar os que caçoam de “viados”, esses paneleiros degenerados que comprometem a continuidade da geração humana! Que coisa mais indecente produzir poesia sobre gente indecisa sexualmente…

Fazer poesia conspurcando as 7 maravilhas do mundo, as 7 colinas de Roma, os 7 sábios de Roma… Não deixas de atacar nem as 7 notas musicais, as 7 cores do arco-íris, os 7 anões, e ainda levas de roldão o Robin Hood, cuja única falta era pecar contra o sétimo mandamento… Ah, se eu estivesse aí no Brasil iria dar-lhe umas boas chineladas!

Imagine só, escrever sobre os 7 pecados capitais, colocando a luxúria em todos eles! E, ainda por cima, faz poesia sobre pintores desmunhecados e escritores que se suicidaram porque também, bem-feito! estavam no caminho que contraria a natureza, esse caminho sem volta que só vai dar em Sodoma e Gomorra!

Ah, meu gajo safado, estás a provocar sarilhos, andas a abusar dar forças cândidas do Espírito Santo!

No outro livro, desta tal de Urutau, trouxeste à baila os negros da fazenda de teus antepassados, agora vens com profusão setemaníaca por sexo, por safadezas…

Tanges a lira com dedos impuros, valei-nos ó virgem mãe santíssima! Há um poema sobre a obra-prima de Alexandre Dumas, O conde de Monte Cristo, que tanto leio na solidão do claustro, e tu, gajo infame, insinua coisas horrorosas ali, Deus seja louvado! Ainda bem que todo mundo sabe que 7 é número de mentiroso. Tudo neste abominável livrinho é pura mentira… Só faltou dizeres que a barata tem 7 pregas no fiofó, mas é mentira da barata ela tem é uma só.

Crie modos! Toma juízo!

Irmã Manuela Seabra, Braga, Portugal.